Искусство Северного Возрождения

Эпитеты «таинственный» и «загадочный» стали неотъемлемой принадлежностью имени Грюневальда. Еще в конце 19 века его имя даже не было известно, а многие его произведения приписывались Альбрехту Дюреру. Мы знаем о его жизни меньше, чем о ком-либо из его великих современников.Имя Грюневальда было найдено в труде «немецкого Вазари» -- художника и автора жизнеописаний немецких живописцев -- Иоахима Зандрарта, и посвятившего «мастеру Матеусу из Ашаффенбурга», которого он дважды назвал «Матеус Грюневальд», целую главу своей «Немецкой Академии». Эти скупые сведения лишь не так давно стали дополняться новыми источниками, хоть в какой-то степени обрисовав канву жизни мастера и круг его произведений.

Факты биографии

Реальная, опирающаяся на факты биография Матиса Нитхарта, начинается с 1504 года. К этому времени относится запись о выплате денег в связи с выполненным им в Ашаффенбургском замке заказом. Современники чаще всего и называли его «мастер Матис из Ашаффенбурга», но нотариальный акт, документ, должный быть безукоризненно точным, говорит о «Матисе Нитхарте из Вюрцбурга». Этот город, ни разу не встречающийся в творческой биографии художника, и следует, видимо, считать местом его рождения.В Вюрцбурге данных о родителях художника не обнаружено; дату его рождения можно определить лишь приблизительно между 1475 и 1480 годами. В Ашаффенбурге, резиденции Майнцского архиепископа Уриэля фон Геммингена, Матис Нитхарт уже работал во всяком случае с 1504 года.

До нашего времени дошло мало работ Грюневальда -- всего одиннадцать произведений, из которых одни представляют собой многостворчатые алтари, другие -- сохранившиеся фрагменты алтарных композиций и отдельные одночастные картины.

«Поругание Христа» 1503. Старая Пинакотека. Мюнхен

Эта картина относится к числу ранних творений художника, датируется приблизительно 1505 г. и служила эпитафией Аполонии фон Кронберг, сестре рыцаря Иоганна фон Кронберга, служившего управляющим резиденцией архиепископа Майнцского в Ашаффенбурге. Мастер Нитхарт работал там в качестве придворного художника и «водяных дел мастера», инженера-гидравлика, как назвали бы эту специальность сейчас.

«Поругание Христа» представляет собой редко встречавшийся до этого иконографический сюжет. В Евангелии рассказывается, что после предательства Иуды в Гефсиманском саду стражники привели Христа в дом первосвященника Кайафы и всю ночь глумились над ним. Издеваясь над его пророчествами, они надели на его глаза повязку и, ударяя по лицу, требовали узнать, кто бил. Грюневальд представляет Христа в образе человека, исполненного величавой кротости и терпения. Ужас циничного надругательства и бесчеловечности, казалось, воплощён Грюневальдом в самом колористическом строе произведения. Живописное решение призвано произвести сильное волнение в душе зрителя своей намеренной резкостью, напряжённостью, холодными, высветленными тонами, их диссонансами. Грюневальд мыслит как живописец, открывая эмоциональную значимость колорита, его способность быть носителем стихии чувств. В этом смысле кажется возможным влияние на Грюневальда великого нидерландца Гуго ван дер Гуса, скончавшегося за десятилетие до работы Грюневальда в Красном монастыре близ Брюсселя. В картине видна фигура Иосифа из Аримафеи, пытающегося уговорить сжалиться мордастого стражника, и скорбное лицо другого человека, взявшего с мольбой того же стражника за плечо. Сутолока фигур усугубляется беспокойством цвета, и всё это сопровождается резкими звуками флейты и ударами барабана, исторгаемыми человеком, стоящим в глубине слева. Будучи эпитафией, эта картина должна была примирить людей со смертью и скорбью. Страдание Христа своим примером снимало остроту душевной боли.

Изенгеймский алтарь -- главное и самое знаменитое произведение немецкого художника Северного Возрождения Маттиаса Грюневальда и шедевр немецкой живописи, в настоящее время хранится в музее Унтерлинден на территории доминиканского монастыря в эльзасском городе Кольмаре во Франции.

Алтарь был заказан Грюневальду орденом антонитов для своего монастыря в Изенгейме -- местечке, расположенном в Эльзасе в 20 км от Кольмара, и стал его главным алтарём. Точная дата создания алтаря неизвестна, Маттиас Грюневальд написал его предположительно в период с 1506 по 1515 г. Скульптуры и резные работы по дереву для алтаря были выполнены искусным эльзасским мастером Николасом из Хагенау.

Изенгеймский алтарь по своей форме является створчатым, то есть алтарём-складнем, и состоит из основной части -- короба и двух пар подвижных живописных створок, и таким образом возможны три варианта развёртки (конфигурации) алтаря. На первой (внешней) развёртке изображена сцена распятия Христа.

До 1793 г. алтарь находился в церкви Изенгейма. В беспокойные времена Французской революции по приказу комиссаров молодой Французской республики картины и скульптуры были перевезены на хранение в районный город Кольмар. Резные деревянные детали остались в Изенгейме и с 1860 г. утеряны. Три развёртки алтаря выставлены сейчас в Кольмаре по отдельности.

Фамилию получил по ошибке биографа 16 века (до - Нитхардт), до 1505 о нем неизвестно. 1510-11 - работает в Майнце. Его преследовали, т. к. он поддерживал Реформацию.

Характерно: драматизм, много от эпохи Средневековья, отражение духовных противоречий времени, но были и светлые радостные произведения. Связан с мистическими народными учениями и готической традицией.

Изенгеймский алтарь для монастыря Св. Антония. 1е состояние. Центр - распятие (скорбь, ужас, натурализм), по бокам - Св. Себастьян и Св. Антоний, низ - погребение Христа. 2е состояние (праздничное). Центр - ангельский концерт, слева - благовещение, справа - воскресение. В целом - ликующий характер. 3е состояние. Центр - короб со скульптурой, левая створка - Св. Антоний и Павел Пустынник, правая створка - искушение Св. Антония.

«Бичевание Христа»

«Встреча святых Эразма и Маврикия».

В целом тв-во проникнуто духом бунтарства, отчаянного исступления или ликования, высоким накалом чувств и мучительной экспрессией то вспыхивающего, то гаснущего, то пламенеющего цвета и света.

45. Жан Фуке

ФУКЕ ЖАН (Fouquet, Jean) (ок. 1420 - между 1477 и 1481) - французский живописец и миниатюрист, один из основоположников искусства раннего Возрождения во Франции. Произведения Фуке, особенно миниатюры Часослова Этьена Шевалье, отличаются тщательностью и тонкостью отделки и яркими сияющими красками.

Фуке родился в Туре. Работал подмастерьем художника, в 1446 посетил Рим, где, вероятно, исполнял обязанности официального представителя французского короля при папской курии. В Италии Фуке испытал сильное влияние итальянского искусства раннего Возрождения, интересовался законами перспективы и изображения предметов в пространстве. По возвращении во Францию он открыл мастерскую в Туре, а в 1474 или 1475 получил звание придворного художника. Умер Фуке в Туре между 1477 и 1481.

В миниатюре Троица из Часослова Этьена Шевалье (Шантийи, Музей Конде) хор ангелов изображен в пространстве, построенном в соответствии с законами перспективы; Мученичество св. Аполлонии показано мастером как театрализованное действо: на втором плане группа зрителей, а сама сцена мученичества на первом плане представлена так, словно мы, зрители мистерии, сидим в первом ряду.

Будучи по преимуществу миниатюристом, Фуке, тем не менее, создал несколько монументальных образов в таких произведениях, как Мелёнский диптих (ок. 1451; одна створка находится в Антверпене, другая - в Берлине) и Снятие с креста (ок. 1455-1460, собор в Нуане). Способность Фуке проникать во внутренний мир человека демонстрирует портрет Карла VII (вероятно, 1450 или 1453, Лувр), в котором глубоко опечаленное лицо монарха, кажется, совершенно не соответствует надписи «Самый победоносный король Франции».

Ярче всего искусство Фуке проявилось в портретном жанре. Созданные художником портреты Карла VII и его министров реалистичны и правдивы, в них нет ни лести, ни идеализации. Хотя манера исполнения этих работ во многом напоминает картины нидерландских живописцев, портреты Фуке более монументальны и значительны.

Чаще всего Фуке изображал свои модели в минуты молитвы, поэтому герои его произведений кажутся погруженными в собственные мысли, они как будто не замечают ни того, что происходит вокруг них, ни зрителей. Его портреты не отличаются парадной пышностью и роскошью аксессуаров, образы на них обыденны, прозаичны и по-готически статичны.

На портрете Карла VII (ок. 1445) есть надпись: «Победоноснейший король Франции». Но Фуке изобразил короля так достоверно и правдиво, что на его победоносность нет совершенно никаких указаний: на картине представлен хилый и некрасивый человек, в облике которого нет ничего героического. Зритель видит перед собой пресыщенного жизнью и уставшего от развлечений эгоиста с маленькими глазками, крупным носом и мясистыми губами.

В конце 1450-х гг. мастер создал иллюстрации к сборнику новелл Джованни Боккаччо.

Великолепны его миниатюры к рукописи «Больших французских хроник», заказанных Карлом VII (другая рукопись «Больших французских хроник» проиллюстрирована Симоном Мармионом по заказу герцога Бургундии Филиппа III Доброго). Миниатюры «Хроник» Фуке прославляют французский королевский дом, жизнь которого протекала в пирах и торжественных церемониях («Карл Великий находит тело Роланда», «Пир в честь Карла IV», «Коронование Карла Великого», «Жизнь Людовика II Заики» и др.).

Драгоценным наследием Фуке являются миниатюры к «Иудейским древностям» древнееврейского историка Иосифа Флавия («Строительство Иерусалимского храма», «Взятие Иерихона», «Взятие Иерусалима», «Въезд Птолемея в Иерусалим» и др.), созданные в 70-е гг. XV в. В этих миниатюрах художник выступил как мастер батальных сцен.

Фуке -- талантливый хроникер, его произведения удивительно точно, подробно и правдиво описывают исторические события. Такова миниатюра «Суд над герцогом Алансонским в 1458 г.», представляющая на одном листе более двухсот персонажей. Несмотря на огромное количество фигур, изображение не сливается, а композиция остается четкой и ясной. Особенно живыми и естественными кажутся герои на первом плане -- горожане, пришедшие поглазеть на судилице, стражники, сдерживающие напор толпы. Очень удачно цветовое решение: центральную часть композиции выделяет синий фон ковра, которым покрыто место судилища. Другие ковры с красивым орнаментом, шпалеры и растения подчеркивают выразительность миниатюры и придают ей особую красоту.

Начало Возрождения во французском ис-ве связано с серединой 15в., с творчеством Жана Фуке. Крупнейший художник столетия, он работал по заказам королей Франции и их окружения до конца 1470-х. Используя опыт местных позднеготических художественных школ, в которых усилился интерес к изучению натуры, опираясь на ряд достижений нового ис-ва Италии и Нидерландов, Фуке утвердил во французской живописи специфику портрета и стал реформатором книжной миниатюры. В станковых произведениях он создал выразительные портретные образы Карла7, его казначея, канцлера и других современников, а в иллюстрациях к «Часослову Этьена Шевалье» и сочинениям Боккаччо и Иосифа Флавия, в миниатюрах «Больших французских хроник» сумел запечатлеть необычайное богатство жизненных наблюдений, какого не знали его предшественники. Многолюдные сцены битв, деяний святых, торжественных процессий сочетались у Фуке с изображением конкретных пейзажей в долине Луары и нередко достоверных архитектурных видов Парижа и других городов. Это был последний расцвет нарядной, многокрасочной книжной миниатюры: хотя новшества Фуке попытались подхватить Ж. Бурдишон и Ж. Коломб, уже к концу 1/3 16в. под натиском бурно развивавшегося книгопечатания и успехов тиражируемой гравюры художественное украшение рукописей пришло в упадок.

Диптих из Мелена. Тщательность письма сочетается с монументальностью в трактовке образа. Эта монументальность создается чеканностью форм, замкнутостью силуэта, статичностью позы, лаконизмом цвета. По сути, всего в 2 цвета - ярко-красный и синий - написана мадонна меленского диптиха. Та же композиционная ясность и точность рисунка, звучность цвета характерны для многочисленных миниатюр Фуке (Боккаччо, Жизнь знаменитых мужчин и женщин). Поля рукописей заполнены изображениями современной Фуке толпы, пейзажами родной Турени.

46. Франсуа Клуэ

КЛУЭ Франсуа (ок. 1505-1510, Тур - 1572, Париж)

Французский художник. Сын Жана Клуэ, от которого в 1541 он унаследовал титул художника короля, Франсуа Клуэ прославился в годы правления четырех французских королей. В его творчестве преобладают портреты, но одновременно он исполнял обязанности придворного художника: в 1547 и 1559, во время королевских похорон, он снимал посмертные маски с Франциска I, дофина и Генриха II. Вместе со скульптором Марком Бешо и другими художниками он устраивал похороны, посвящения, коронования с «маскарадами, турнирами и другими забавами». Однако его творчество отмечено лишь несколькими упоминаниями в документах: в 1552 он украшал вензелями и полумесяцами сундук, сделанный Сибеком де Карпи; в 1568 он находился на службе у Клода Гуффье и его жены, Клод де Боне; в 1570-1572 ему оплатили работу над двумя знаменами для труб короля и доспехами. В 1572 он исполняет миниатюрный портрет испанской королевы (вероятно, Елизаветы Австрийской). Наконец, в последний раз его имя упомянуто в качестве консультанта по монетам. Клуэ был высоко оценен королевой Екатериной Медичи, которая собирала его рисунки (551 рисунок она передала своей внучке Кретьенн Лотарингской; большая часть ныне хранится в Шантийи, музей Конде). Искусство Клуэ было воспето поэтами, в частности, Ронсаром, который описал утраченное произведение с изображением обнаженной возлюбленной художника; благодаря этому упоминанию Клуэ можно приписать жанровые картины в Нац. гал. в Вашингтоне.

Нам известно только две подписных картины Клуэ: портрет его друга и соседа аптекаря Пьера Кюта (1562, Париж, Лувр) и «Купающаяся женщина» (Вашингтон, Нац. гал.). На основе портретного рисунка Карла IX, на котором стоит дата - 1566 (Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), Клуэ приписывается и живописный портрет Карла IX (Вена, Музей истории искусств), а также серия рисунков (Шантийи, музей Конде, и Париж, Нац. библиотека). Им близки и некоторые картины (портрет Генриха II в рост, Флоренция, Уффици) и блестящие реплики, исполненные его помощниками. Современники считали Франсуа Клуэ и прекрасным мастером портретной миниатюры, ему приписывают «Конный портрет Франциска I» (Париж, Лувр) и «Конный портрет Генриха II» (Флоренция, Уффици); однако часто эти же портреты связывают и с именем Жана Клуэ.

Как свидетельствуют многочисленные документы и картина «Купающаяся женщина», Франсуа Клуэ, в отличие от его отца, был не только портретистом. Вероятно, он исполнил и «Купание Дианы» (Руан, Музей изящных искусств), чью важность подтверждают многочисленные реплики.

Клуэ создал также несколько жанровых сцен - «Сцена из комедии» («Мнимый больной») и «Дети, жалующиеся Амуру», гравированные (под именем Жане) и изданные Леблоном. К этой группе принадлежит и композиция «Красавица», известная по многочисленным повторениям (Франция, частное собрание; Лугано, коллекция Тиссен-Борнемиса).

Ученик своего отца, Франсуа Клуэ, несомненно, работал вместе с ним в начале своей карьеры. Ч. Стерлинг обнаружил следы этого сотрудничества в портрете Франциска I (Париж, Лувр), который традиционно приписывается Жану Клуэ; по мнению исследователя, Франсуа исполнил руки короля. Вскоре молодой художник создал искусство более утонченное и более сложное, чем живопись его отца; это искусство сочетало в себе различные влияния - итальянское, нидерландское и немецкое. Его портреты являют собой чудесный пример изысканного придворного искусства Франции XVI в. («Портрет Елизаветы Австрийской», Париж, Лувр).

Рисунки Франсуа Клуэ также не столь просты, как рисунки его отца; они более сложные по технике, тонко описывают модели, подчеркивая выражение лица («Портрет Маргариты Французской в детстве», Шантийи, музей Конде). Влияние живописи Клуэ во Франции и за границей было огромным, особенно в области портрета и жанровых сцен. Он возглавлял мастерскую, в которой работали художники, ныне почти неизвестные (Жак Патен, сын Жана Патена, сотрудника Жана Клуэ и Симон Леруа).

Самый крупный художник Франции 16в. Сын Жана Клуэ, сменил отца. Прославился как портретист, но также писал мифологические и аллегорические композиции. Пошел дальше отца в умении подметить самое главное в модели, не обедняя ее и сохраняя ее многосложность.

Характерно: примыкал к маньеризму (вытянутость в изображении фигур, изысканность); аристократичность образов и, вместе с тем, в них - сила, энергия, жажда жизни; внимание к деталям костюма. Краски Клуэ напоминают по своей интенсивности и чистоте драгоценный эмали (П-т Елизаветы Австрийской). В исключительных по мастерству владения карандашом, сангиной, акварелью портретах Клуэ запечатлел весь французский двор середины 16в.

«Купание Дианы». Возможно, в ее образе - любовница короля.

Парадный портрет Генриха 2. В рост, в момент, когда он выходит к придворным.

П-т Пьера Кюта. В домашней обстановке - аптекарь.

П-т Карла 9.

Карандашные портреты:

П-т короля Генриха2.

П-т Марии Стюарт.

П-т Екатерины Медичи

П-т Елизаветы Валуа.

47. Жан Гужон

· Жан Гужон (фр. Jean Goujon, ок.1510-1520--ок.1563-1568) -- французский скульптор, архитектор, график. Выдающийся мастерЭпохи Возрождения. Чистота и изящность его стиля имели большое влияние на развитие декоративного искусства Франции.

Работа в Руане

Точных сведений о ранних годах жизни Гужона нет. Считается, что он родился в Руане. Первые упоминания о нём найдены в архивах этого города за 1541 год, где он назван архитектором и скульптором. Предполагают, что он посетил Рим, испытал влияние итальянского зодчего Себастьяна Серлио, приехавшего в 1541 году во Францию^[1]. Однако в противоположность итальянским художникам, которых вдохновляла идея возрождения величия Древнего Рима, Гужон воплощал в своих произведениях дух искусства Древней Греции.

Работал над капеллой Сен-Ромен, а также в Руанском соборе над надгробием великого сенешала Нормандии Луи де Брезе -- супруга фаворитки короля Генриха II Дианы де Пуатье.

Работа в Париже

Гужон также работал в Париже, где пользовался большим успехом. Был воспет Ронсаром как величайший скульптор эпохи^[2].

Документально подтверждена его работа в церкви Сен-Жермен л'Оксерруа (1544 год), для которой он выполнил рельеф Оплакивание Христа и четыре рельефа с изображениями евангелистов (в настоящее время -- в собрании Лувра).

Сен-Жермен л'Оксерруа, Париж

Творческий союза с архитектором Пьером Леско. Они вместе участвовали в праздничном оформлении Парижа по случаю торжественного въезда Генриха II в город в 1549 году. В частности было создано одно из наиболее известных творений французского Ренессанса -- «Фонтан невинных». Гужон исполнил для него 12 рельефов: горизонтальные с амурами, наядами, тритонами и вертикальные -- «Нимфы». Свое название фонтан получил от церкви, находящейся недалеко от него, но оно подошло и к тем образам нимф, которые создал художник. Интересно, что он предложил новый вид барельефов: его фигуры полностью размещены в раме и являются самостоятельными. Не пытаясь состязаться с живописью, скульптор использует средства, позволяющие создать иллюзию перспективы на плоской каменной плите.

Подлинник рельефов фонтана в Лувре

Но, наверное, самой значительной работой Гужона совместно с Леско стало участие в 1548--1562 годах в строительстве нового здания Лувра. Гужон здесь выступал не только в роли скульптора, но и принимал участие в разработке архитектурного проекта. Мастер создавал скульптурное оформление дворового фасада (конец 1540-х -- 1550-е годы). Для Зала кариатид в Лувре Гужон исполнил женские фигуры (1550 год), поддерживающие кафедру. Леско и Гужон придали Лувру тот облик, который, несмотря на многочисленные последовавшие переделки, сохранился до настоящего времени.

Как полагают, Гужону также принадлежит скульптурное убранство отеля Линьери (сейчас Карнавале, около 1545 года), замка Экуан для коннетабля Монморанси.

Гужон известен и как график. Он исполнил гравюры, иллюстрирующие трактат об архитектуре Витрувия.

Изгнание

После 1562 года имя мастера исчезает из королевских счетов. Считается, что он, будучи протестантом, был вынужден покинуть Францию из-за гонений на приверженцев этой веры. Точной информации о времени и месте смерти Гужона нет. Исследователи полагают, что он умер в изгнании между 1563 и 1568 годом, возможно, в Болонье.

Утерянные произведенияВ 1871 году во время пожара были утрачены Аллегории Двенадцати месяцев с Парижской ратуши, созданные Гужоном ок. 1540-1550-x годов.

Был архитектором, декоратором, рисовальщиком, иллюстратором и скульптором. Родился в Париже. В 50-60-е покидает Францию и живет в Болоне.

Характерно: влияние античной Греции, итальянского Ренессанса. Принадлежал к школе Фонтенбло. Предпочтение отдавал барельефу. Победа ренессансного мироощущения во французской пластике.

Рельефы «Фонтана невинных (нимф)». Легкие, стройные фигуры, складкам одежд которых вторят струи воды из кувшинов, трактованы с поразительной музыкальностью, пронизаны поэзией, чеканно отточены и лаконично-сдержанны по форме. Эстетика школы Фонтенбло: пропорции деструктурируются, S-образный изгиб, вытянутость.

Ск-ра для Лувра

«Оплакивание Христа». Пластическая проработка фигур, драпировка.

«Евангелист Иоанн». Спиралевидный разворот, струящиеся складки.

Надгробие Брезы.

48. Жермен Пилон

Жермен Пилон - французский скульптор, родился в 1537 году в парижском пригороде Сен-Жак, в семье резчика по камню Андре Пилона. В 1547 году Франциск I умер, а преемник Генрих II не разделял его ренессансные устремления. События во Франции повлияли и на творчество Пилона. Создал один из шедевров поздней готической скульптуры - религиозную по духу "Скорбящую Мадонну". Но Пилону был чужд аскетизм, отрешение от жизненных благ. Пилон на время "забыл" о своей религиозной принадлежности. Имя двадцатилетнего Жермена уже упоминается в документах парижской корпорации ювелиров. Примерно в это же время Пилон устраивается на службу ко двору как подсобный мастер-скульптор. Жермен работает у Пьера Бонтана, выполняющего украшение гробницы Франциска I. Бонтан был своеобразным скульптором и, несомненно, оказал влияние на творчество Пилона. В гробнице Пилону приписывается скульптура Купидона, держащего перевёрнутый факел. Два года спустя для сада в Фонтенбло, разбитого Марией Стюарт, Пилон вырезает из дерева фигуры Меркурия, Марса, Венеры и Юноны. В то же время он продолжал сотрудничество с ювелирной корпорацией, выполняя небольшие заказы. Известно также, что наряду с другими декораторами он работал над украшением Парижа к въезду нового короля Карла IX, создавая скульптуры для двух арок на мосту Нотр-Дам.

"Три грации", хранительницы сердца Генриха II, были выполнены скульптором в 1559-1563 годах. Короля тяжело ранили во время турнира, и вскоре он умер. Екатерина Медичи, желая увековечить память мужа, заказала надгробие. На треугольном пьедестале, украшенном гирляндами, стоят три грации, или три добродетели. Они поддерживают золочёную урну, в которой покоится сердце Генриха II. Традиция отдельного захоронения тела, внутренностей и сердца установилась во Франции в Средние века.

В старом бенедиктинском аббатстве, в Мане в церкви Нотр-Дам де ла Кутюр находится одно из лучших произведений Пилона - беломраморная статуя Богоматери с ребёнком. Она предназначалась для украшения главного алтаря часовни в аббатстве Сен-Дени. Пилон создал реалистические по своей сути портреты людей, живших в XVI веке, и здесь продемонстрировав своё высокое мастерство. Пилон представил миру полную, беспощадную правду о королях, их придворных, князьях церкви. Умер Пилон в 1590 году в Париже.

Младший современник Гужона. Вместо образов идеально-прекрасных, гармонически-ясных возникают образы конкретно-жизненные, драматические. Богатство его пластического языка служит холодному анализу, доходящему до беспощадности в характеристиках, в чем ему можно найти аналог разве только у Гольбейна. Экспрессивность драматического ис-ва Пилона типична для позднего Ренессанса и свидетельствует о надвигающемся конце ренессансной эпохи и во Франции.

Учился у Бонтана. Ранние произведения (группа 3 грации для урны с сердцем Генриха2) близки просветленным образам Гужона. К 1570-м в творчестве усиливается драматическое начало; портретные статуи и бюсты выделяются суровой правдивостью, а религиозные изваяния - напряженным трагизмом образов (скульптурное убранство гробницы Генриха2 и Екатерины Медичи). Занимая с 1572 пост главного контролера портретных изображений, Пилон одновременно руководил и медальерным делом.

49. Алонсо Санчес Коэлье

Алонсо Санчес Коэльо (Alonso Sбnchez Coello; около 1531, Бенифайо, Валенсия -- 8 августа 1588, Мадрид) -- испанский художник-портретист, работал при дворе Филиппа II.

Биография

Родился в валенсийском городе Бенифайро в начале 1530-х годов. Еще ребенком был перевезен в Португалию, где и вырос. Португальский король Жуан III узнал о способностях юноши к живописи, и послал его во Фландрию для совершенствования в искусствах. Во Фландрии Санчес Коэльо жил несколько лет в доме кардинала Гранвелы, покровителя художника Антониса Мора. Он стал учеником Мора.

В 1550 году Санчес Коэльо вернулся в Португалию, ко двору короля Жуана III, где работал несколько лет. Когда Мор по дипломатическим поручениям приезжал в Лиссабон, он общался со своим учеником.

Портрет инфантыИзабеллы Клары Эухении

В 1555 году Санчес Коэльо перебрался в Испанию. При дворе Филиппа II он продолжил обучаться у Мора. После того как тот по невыясненным причинам стремительно покинул Мадрид, придворным художником короля назначали Санчеса Коэльо.

До своей смерти в 1588 году он оставался в этой должности, пользуясь благосклонностью короля и вниманием аристократии. Король был крестным двух из семи его детей. Его пост унаследовал его ученик Хуан Пантоха де ла Крус.

Творчество

Инфанты Изабелла Клара Евгения и Катарина Михаела, 1571

Хотя Санчес Коэльо писал и религиозные картины, многие из которых хранятся в Эскориале, большой художественной ценности они не имеют. Зато его портретное творчество достаточно важно.Он оставил изображения короля Филиппа II, его детей инфант Изабеллы Клары Эухении и Катарины Микаэлы, дона Карлоса, других членов семьи, знати.

Стиль

Сферой работы Санчеса Коэльо был официальный портрет. Санчес Коэльо работал в канонах испанского придворного портрета, которые начали складываться благдаря Антонису Мору, когда тот работал для испанского короля.

Санчес Коэльо, используя сдержанный подход к модели, шел по стопам своего фламандского учителя, заимствуя у него формальные приемы (см. Мор, Антонис): статика, детализация и тщательность, неприкрашенная трактовка лица представителей династии Габсбургов, никогда не славящейся своей красотой. Отличия вызваны особенностями самого художника: он был не так тверд в рисунке, не может быть также пластически точен при передаче объемов. Но эти недостатки трансформируются в его полотнах и становятся эстетической ценностью.

Он нежно и тонко передавал градации света. Практически избегал углубляться в светотень. Испанские искусствоведы называют его «мастером серого цвета» -- он отлично владел гаммой серых и серебристых тонов. Это придает его полотнам изысканность и элегантность, и вызванная этими качествами едва заметная идеализация уменьшает реалистическую суровость и физиологичность его образов. Одна из величайших находок в испанской живописи -- это выработанное им обыкновение использовать нейтральный серый фон в портретах (вместо пейзажных и интерьерных фонов, принятых в итальянских ренессансных портретах).

Он выработал канон испанского придворного портрета: статичность, нейтральный фон, позирование модели, тщательность в деталях костюма, неприглядная передача внешности и физиологических особенностей лиц (без идеализации).

Его ученик Хуан Пантоха де ла Крус сделал этот канон еще более формализированным.

Придворный художник Филиппа2. Тонко и детально - костюмы моделей, украшения. Образы предельно холодны, модели не идеализируются. Не интересовала пространственная среда. Впервые в испанской живописи - детские образы.

П-т дочерей Ф2

П-т Анны Австрийской

П-т эрцгерцога Верцеслава

50. Эль Греко

Эль Гремко (исп. El Greco буквально «Грек», настоящее имя Домемникос^[1] Теотокомпулос^[2], греч. ДпмЮнйкпт Иепфпкьрпхлпт;1541--1614) -- испанский художник. По происхождению -- грек, уроженец острова Крит.

Эль Греко не имел последователей-современников, и его гений был заново открыт почти через 300 лет после его смерти -- мастер занял почётное место в ряду важнейших представителей европейского изобразительного искусства.

Биография

Венеция -- Рим: 1541--1576

Доменико Теотокопулос родился в Ираклионе в 1541 году, а в Фоделе он проживал некоторое время со своей семьей. О его родителях нет никаких достоверных сведений, как, впрочем, и о его детстве. Известно, однако, что в юности Эль Греко обучался иконописи(влияние византийского иконописного стиля отмечено во многих его работах), в 1983 году на острове Сирос была найдена икона «Успение Богоматери» с его греческой подписью.^[3] В качестве учителя Эль Греко называют известного критского иконописцаМихаила Дамаскина.

В возрасте 26 лет, в 1567 году, он отправился в Венецию, где поступил в обучение в мастерскую Тициана. Некоторое влияние на его живопись также оказали другие великие итальянцы, в частности Бассано, Веронезе, Тинторетто и др. В 1570 году, по пути в Рим, будучи вПарме, Эль Греко познакомился с творчеством Корреджо, в Риме же он познакомился с творчеством Микеланджело. В том же году поступил на службу к кардиналу Фарнезе. Влияние итальянских маньеристов на творчество Эль Греко трудно переоценить, однако он критично подходил к их живописи (в частности, критиковал «Страшный Суд» Микеланджело. «Видимо, это был хороший человек, но писать не умел», -- сказал он) и выработал свой оригинальный стиль. К итальянскому периоду его творчества относятся картины «Христос, исцеляющий слепого» (1570), «Благовещение» (1570--1575), «Христос, изгоняющий торговцев» (около 1570).

Испания: 1576--1614

В 1576 Эль Греко направился в Испанию на службу королю Филиппу II Испанскому. Через некоторое время художник переехал в Толедо -- древнюю столицу Испании, центр испанского просвещения и искусств того времени, где и оставался до конца своей жизни. Именно в Толедо Эль Греко написал свое знаменитое полотно

«Погребение графа Оргаса» (1586), принёсшее ему славу и огромное количество заказов, в основном от церкви. Тогда же художник обращает свой взор на портретное искусство, благо заказов на портреты в то время было много.

Эль Греко отличался независимым нравом, гордостью и собственным оригинальным стилем. Картины он всегда подписывал по-гречески своим греческим именем, а называл себя Доменико Греко, на итальянский манер. Прозвание «Эль Греко» дали ему каталонцы, добавив артикль«эль» к итальянскому прозвищу «Греко».^[3]

Эль Греко скончался 7 апреля 1614 и был похоронен в г. Толедо, Испания, в Монастыре Санто Домингос Эль Антигуо.

Техника живописи

Эль Греко учился в мастерской Тициана, но, однако, техника его живописи существенно отличается от техники его учителя. Для работ Эль Греко характерны быстрота и экспрессивность исполнения, которые приближают их к современной живописи.

Большинство его произведений исполнены следующим образом: линии рисунка наносились на поверхность белого клеевого грунта, который затем покрывался имприматурой коричневого цвета -- жжёной умброй. Краска наносилась так, чтобы белый грунт частично просвечивал через неё. Затем следовала моделировка форм в светах и полутонах белилами, и полутона при этом приобретали удивительный, характерный для Эль Греко серый перламутровый тон, которого невозможно добиться простым смешением красок на палитре. В тенях коричневая подготовка часто оставалась совершенно нетронутой.

Поверх этого подмалёвка уже наносился красочный слой, как правило, очень тонкий. Местами он состоит практически из одних лессировок, которые лишь слегка прикрывают белый грунт и имприматуру. К примеру, на эрмитажном полотне «Апостолы Пётр и Павел» голова Петра написана одними лессировками без белил, благодаря чему её изображение даже не фиксируется на рентгенограмме.

Важную роль в технике живописи Эль Греко играет крупнозернистый холст, который активно формирует фактуру живописной поверхности.

Колорит картин Эль Греко чрезвычайно богат и насыщен -- на красочной поверхности вспыхивают оранжевые, красные, розовые мазки различных оттенков; переливаются и мерцают оливковые, жёлтые, зелёные и фиолетовые одежды, выполненные лессировками. Благодаря таланту художника всё это соединяется в единой цветовой гармонии.

Доменико Теотокапулли. Родился на о. Крит, образование - в мастерской иконописцев. Уезжает в Италию (Венеция, Рим) - влияние Тициана и Тинторетто. Испания: хотел принять участие в оформлении Эскориала, но не снискал милости Филиппа 2, осел в Толедо.

Обращался к скульптуре, архитектуре, теории, но сохранилась только его живопись. Создавал реплики своих произведений. Синтез 3-х традиций: византийской, итальянской, испанской.

Определение его в маньеристы не совсем верно. Вытянутые фигуры, похожие на тени, иррациональное пространство, но в большей степени близка духовная проблематика.

Повышенный динамизм.

Необычный колорит: холодные цвета, частое обращение к черному и обилие белых мазков - создается особая светоносность, хотя многие сюжеты «выступают из тьмы». Широкий беспокойный мазок.

Мистик. Склонность к размышлению, повышенная религиозность. -> евангельские сюжеты.

От Возрождения к барокко (творчество субъективно). Уходит от следования природе к анализу. Среди толпы каждый герой остается одинок.

Искушение иерихонского слепца.

Троица.

Изгнание торгующих из храма.

П-ты Микеланджело, Рафаэля и др.

Вознесение Марии.

Св. Лука.

Эсполио.

Поклонение имени Христа.

Похороны графа Орагса.

Св. семейство.Кающаяся Магдалина.Мученичество Св. Маврикия.Моление о чаше.Иоанн Креститель.

Св. ПетрАпостол Аморей

Св. Мартин, отдающий плащ нищему

Вид и план Толедо

Обручение Марии

Лакоон

Вид Толедо в грозу

Сошествие св. духа

Снятие 5й печати

П-т дамы в мехах

Размещено на Allbest.ru