Искусство эпохи Возрождения

Размещено на http://www.allbest.ru/

1)Ренессанс - Эпоха в культурном и идейном развитии ряда стран Западной и Центральной Европы, а также некоторых стран Восточной Европы. Основные отличительные черты культуры Возрождения: светский характер, гуманистическое мировоззрение, обращение к античному культурному наследию, своего рода "возрождение" его (отсюда и название). Культура Возрождения обладает специфическими особенностями переходной эпохи от средневековья к новому времени, в которой старое и новое, переплетаясь, образуют своеобразный, качественно новый сплав. Сложным является вопрос о хронологических границах Возрождения (в Италии -- 14--16 вв., в других странах -- 15--16 вв.), его территориальном распространении и национальных особенностях.

Областями, в которых с особой наглядностью проявилось переломное значение эпохи Возрождения, стали архитектура и изобразительное искусство Коллективный опыт средневековых мастеров уступил место индивидуальному творчеству художника и архитектора. Возросла роль светской архитектуры (общественные здания, дворцы, городские дома) и светских жанров изобразительного искусствва (портрет, пейзаж). Наиболее полно отличительные особенности культуры Возрождения проявились в искусстве Италии. Открытие чувственного богатства и многообразия реального мира сочеталось в итальянском искусстве с изучением действительности; началась система реалистического изображения мира, подкреплённая изучением законов перспективы, пропорций, проблем анатомии и светотеневой моделировки. Античное искусство было не только классическим наследием и образцом, но и послужило отправной точкой в обращении итальянских художников к природе, в стремлении полнее раскрыть гармоничные закономерности бытия. В итальянском искусстве Возрождения, не считая предренессансных явлений рубежа 13 и 14 вв. (Проторенессанс), различают: Раннее Возрождение (15 в.), Высокое Возрождение (кон. 15--1-я четв. 16 вв.) и Позднее Возрождение (16 в.).

Проторенессанс, этот период явился подготовкой Возрождения. делится на 2 подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в 1ый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. Все открытия совершались на интуитивном уровне. В конце 13 века во Флоренции возводится главное храмовое сооружение -- собор Санта Мария дель Фьоре, автором был Арнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора.Ранее всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре Пизано.Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции и Сиены. Центральной фигурой живописи стал Джотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло ее развитие: переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

Раннее Возрождение

Длился всего 80лет(1420-1500),но ха этот период художники Раннего Возрождения в Италии создали пластически цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира. Систематически изучая натуру, они черпали мотивы из жизненной повседневности, наполняли традиционные религиозные сцены земным содержанием, обращались к сюжетам. Искусство Возрождения, главной темой которого стал человек-герой, постепенно распространилось по всей Италии. В скульптуре получили развитие свободностоящая статуя, перспективный живописный рельеф, реапистически портретный бюст, конный монумент. Для итальянской живописи 15 в. характерны ощущение гармонии мира, обращение к этическим и гражданским идеалам гуманизма,воспетие красоты, многообразие реального мира и смелая игра художественной фантазии.

Высокое Возрождение

Второй период Возрождения -- время самого пышного развития его стиля -- принято называть «Высоким Возрождением», оно простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр тяжести итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II, человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художествам. При этом папе и его ближайших преемниках, в Риме создаётся множество монументальных зданий, исполняются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство водворяются вместо игривой красоты, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для него из греко-римского искусства. Со 2-й четв. 16 в. в Италии в условиях наступления феодализма, а затем и католической реакции, искусство Высокого Возрождения переживало кризис, вызванный глубоким разочарованием в гуманистических идеалах самого Возрождения. Как следствие этого кризиса возникло антиклассическое в своей основе искусство маньеризма.

Позднее Возрождение

Феодально-католическая реакция нанесла смертельный удар Высокому Возрождению, но не смогла убить мощную художественную традицию, которая формировалась на протяжении двух с половиной столетий в Италии. Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590--1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий -- маньеризм. Жанры такой литературы крайне обширны: мемуары, исторические обобщающие труды, теоретические трактаты. Теоретические труды выражают собой идею, которая является фундаментом для творчества маньеристов -- искусство возвышается над действительностью и на пьедестале стоит не реальность, а сугубо субъективные представления художника, симбиоз творческой фантазии. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х гг. там работали Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима. Для второй половины XVI века характерным является и возникновение бесчисленных художественных академий.

Северное Возрождение

Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение».Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.Выдающиеся представители -- Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший. Предренессансным духом проникнуты и некоторые произведения мастеров поздней готики, таких, как Ян ван Эйк и Ганс Мемлинг.

2)Леонардо да Винчи(1452-1519), итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый и инженер. Основоположник художественной культуры Высокого Возрождения, Леонардо да Винчи сложился как мастер, обучаясь у Андреа дель Верроккио во Флоренции. В ранних произведениях художник, развивая традиции искусства Раннего Возрождения, подчеркивал плавную объемность форм мягкой светотенью, иногда оживлял лица еле уловимой улыбкой. Фиксируя результаты бесчисленных наблюдений в набросках, эскизах и натурных штудиях, исполненных в различных техниках Леонардо да Винчи добивался, прибегая иногда к почти карикатурному гротеску, остроты в передаче мимики лица, а физические особенности и движение человеческого тела юношей и девушек приводил в идеальное соответствие с духовной атмосферой композиции. В 1481 или 1482 Леонардо да Винчи поступил на службу к правителю Милана исполнял обязанности военного инженера, гидротехника, устроителя придворных праздников. В миланский период Леонардо да Винчи создал “Мадонну в скалах” В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие он выполнил стенную роспись “Тайная вечеря” (1495-1497). знаменующую собой одну из вершин европейской живописи.Леонардо настолько вертуозно скомпоновал персонажи и поиграл с светотенью,что до сих пор искусствоведы и историки спорят о тайных посланиях и знаках,якобы спрятанных в картине. В портрете “Моны Лизы”он воплотил возвышенный идеал вечной женственности и человеческого обаяния; важным элементом композиции стал космически обширный пейзаж, тающий в холодной голубой дымке. К поздним произведениям Леонардо да Винчи относятся проекты памятника маршалу Тривульцио, алтарный образ “Святая Анна и Мария с младенцем Христом” и “Иоанн Креститель”где несколько слащавая двусмысленность образа свидетельствует о нарастании кризисных моментов в творчестве художника. Важнейшим источником для изучения воззрений Леонардо да Винчи являются его записные книжки и рукописи (около 7 тысяч листов), отрывки из которых вошли в “Трактат о живописи”, составленный после смерти мастера его учеником и оказавший огромное влияние на европейскую теоретическую мысль и художественную практику. Как ученый и инженер он обогатил почти все области науки того времени. Яркий представитель нового, основанного на эксперименте естествознания Леонардо да Винчи особое внимание уделял механике, видя в ней главный ключ к тайнам мироздания; его гениальные конструктивные догадки намного опередили современную ему эпоху (проекты прокатных станов, машин, подводной лодки, летательных аппаратов).

Рафаэль Санти - итальянский живописец и архитектор. В его творчестве с наибольшей ясностью воплотились гуманистические идеалы Высокого Возрождения о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром. учился у художника Перуджино в Перудже .Произведения этого периода творчества Рафаэля отмечены тонкой поэзией и мягким лиризмом пейзажных фонов. Близок по композиционному решению фреске Перуджино “Передача ключей святому Петру” в Сикстинской капелле Ватикана алтарный образ Рафаэля “Обручение Марии” .Переезд во Флоренцию сыграл огромную роль в творческом становлении Рафаэля. Первостепенное значение для художника имело знакомство с методом великого Леонардо да Винчи. Вслед за Леонардо Рафаэль начинает много работать с натуры, Переехав в Рим, 26-летний мастер получает должность «художника апостольского Престола» и поручение расписать парадные покои Ватиканского дворца, с 1514 руководит строительством собора святого Петра, работает в области церковной и дворцовой архитектуры . Выполняя заказ папы, Рафаэль создал росписи залов Ватикана, воспевающие идеалы свободы и земного счастья человека, безграничность его физических и духовных возможностей.Он создает: богословие (“Диспута”), философию (“Афинская школа”), поэзию (“Парнас”), юриспруденцию (“Мудрость, Мера, Сила”). Именно в Риме достиг зрелости блестящий талант Рафаэля-портретиста (“Портрет кардинала”,Дама в покрывале, Донна Велата” и др.Лучшей из «Мадонн»- Сикстинская мадонна.Говорить о ней нет смысла-это надо видеть.

Итальянское Возрождение дало миру немало прославленных мастеров, но исполинская мощь творческого гения Микеланджело Буонарроти, итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт, выделяет его даже среди величайших художников этой эпохи. Мало сказать, что Микеланджело был в одинаковой степени одарен как скульптор, живописец и архитектор, ибо Леонардо и Рафаэль были также разносторонними мастерами,--и все же именно Микеланджело было суждено создать во всех этих видах искусства произведения наиболее грандиозные по своим масштабам, с исключительной силой и яркостью выразившие содержание эпохи Ренессанса. Искусство Микеланджело знаменует не только кульминацию эпохи Возрождения, но и ее завершение.Самыми его значимыми работами считаются:собор Св. Петра в Риме,скульптура Пьетта или Оплакивание Христа,Мадонна с младенцем, Моисей,фреска Сташный Суд и росписи Сикстинской капеллы.

3) «Мадонна Литта» углубилось благодаря содержательности самого образа Марии -- в нем нашел свое зрелое выражение тип леонардовской женской красоты. Тонкому прекрасному лицу мадонны особую одухотворенность придают полузакрытые глаза и едва уловимая улыбка -- кажется, что она улыбается своим грезам.

Эта его особенность воспринимается тем острее, что она относится к женскому портрету, в котором характер модели прежде раскрывался в совершенно иной, преимущественно лирической образной тональности. Исходящее от картины «Мона Лиза» ощущение силы -- это органическое сочетание внутренней собранности и чувства личной свободы, духовная гармония человека, опирающегося на его сознание собственной значительности.

6) Картина художника Леонардо да Винчи «Мона Лиза» или «Джоконда» . Около 1503 года Леонардо приступил к работе над портретом Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо Джокондо. Произведение это, известное простонародной публике под наименованием «Джоконда», получило восторженную оценку уже у современников. Слава картины была настолько велика, что впоследствии вокруг нее складывались легенды. Ей посвящена огромная литература, большая часть которой далека от объективной оценки леонардовского создания. Нельзя не признать, что это произведение, как одно из немногих памятников мирового искусства, действительно обладает огромной притягательной силой. Но эта особенность картины связана не с воплощением некоего таинственного начала или с другими подобными же измышлениями, а рождена ее поразительной художественной глубиной. Портрет Леонардо да Винчи «Мона Лиза» -- это решающий шаг на пути развития ренессансного портретного искусства. Хотя живописцы кватроченто оставили ряд значительных произведений этого жанра, все же их достижения в портрете были, так сказать, непропорциональны достижениям в основных живописных. Отголоски этого можно видеть в более ранних портретах Леонардо да Винчи, созданных им в первые годы пребывания в Милане. Это «Портрет дамы с горностаем» и портрет музыканта . В сравнении с ними портрет Моны Лизы воспринимается как результат гигантского качественного сдвига. Мона Лиза представлена сидящей в кресле на фоне пейзажа, и уже само сопоставление ее сильно приближенной к зрителю фигуры с видимым издалека, как бы с огромной горы ландшафтом сообщает образу необыкновенное величие. Этому же впечатлению содействует контраст повышенной пластичености фигуры и ее плавного обобщенного силуэта с уходящим в туманную даль,. Но прежде всего привлекает облик самой Моны Лизы -- ее необычный, как бы неотрывно следящий за зрителем взгляд, излучающий ум и волю, и едва уловимая улыбка, смысл которой как бы ускользает от нас.Немного найдется во всем мировом искусстве портретов, равных картине «Мона Лиза» по силе выражения человеческой личности, воплощенной в единстве характера и интеллекта. Именно необычайная интеллектуальная заряженность леонардовского портрета отличает его от портретных образов кватроченто. Эта его особенность воспринимается тем острее, что она относится к женскому портрету, в котором характер модели прежде раскрывался в совершенно иной, преимущественно лирической образной тональности. Исходящее от картины «Мона Лиза» ощущение силы -- это органическое сочетание внутренней собранности и чувства личной свободы, духовная гармония человека, опирающегося на его сознание собственной значительности. И сама улыбка ее отнюдь не выражает превосходства или пренебрежения; она воспринимается как результат спокойной уверенности в себе и полноты самообладания. Современники восхищались достигнутым художником поразительным сходством и необычайной жизненностью портрета. Но значение его гораздо шире: великий живописец Леонардо да Винчи сумел показать образ ренессансного человека в целом. Чувство обобщения сказывается во всех элементах изобразительного языка картины, в ее отдельных мотивах -- в том, как легкая прозрачная вуаль, охватывая голову и плечи Моны Лизы, объединяет тщательно выписанные пряди волос и мелкие складки платья в общий плавный контур; это чувство в ни с чем не сравнимой по нежной мягкости моделировке лица (на котором по моде того времени удалены брови) и прекрасных холеных рук. Моделировка эта вызывает настолько сильное впечатление живой телесности, что Вазари писал, будто в углублении шеи Моны Лизы можно видеть биение пульса. Одним из средств подобной тончайшей пластической нюансировки было характерное леонардовское «сфумато» -- едва уловимая дымка, окутывающая лицо и фигуру, смягчающая контуры и тени. Леонардо да Винчи рекомендует для этой цели помещать между источником света и телами, как он выражается, «некий род тумана». Главенство светотеневой моделировки ощущается и в подчиненном ей колорите картины. Как многие работы Леонардо да Винчи, эта картина потемнела от времени, и ее цветовые соотношения несколько изменились, однако и сейчас отчетливо можно увидеть всю красоту этого портрета.

4) Так называемый первый миланский период в творчестве Леонардо -- с 1482 до конца 1499 г. -- открывает собой этап научной и художественной зрелости. В Милане Леонардо нашел более благоприятную почву для научных изысканий и для реализации своих технических проектов. Это относится и к его художественной деятельности, ибо именно в этот период Леонардо становится ведущим художником Италии, ставящим и разрешающим центральные задачи своего времени во всех трех видах пластических искусств. Как архитектор он увлечен проблемой монументального центральнокупольного сооружения и вопросами проектирования идеального города. Как скульптор он занят созданием конного памятника -- самой ответственной работой, какую знали мастера скульптуры кватроченто и которая не сохранилась.. Наконец, как живописец он работает в двух важнейших областях -- в монументальной фреске и в алтарной картине. И каждое из его крупных художественных созданий было открытием новой эпохи в искусстве. Вскоре по приезде в Милан Леонардо по заказу Лодовико Моро приступил к созданию конного монумента его отца Франческо Сфорца. Работа над памятником тянулась с перерывами свыше десяти лет. Около 1490 г. Леонардо выполнил глиняную модель конной статуи в ее натуральную величину и установил ее в одном из дворов герцогского замка. Однако отливка памятника, первоначально задержанная из-за технических трудностей, потом не могла быть осуществлена из-за неблагоприятных политических событий. В 1499 г., во время захвата Милана, модель была сильно повреждена французскими стрелками, которые использовали ее как мишень для своих арбалетов. После 1501 г. сведения о модели в итальянских источниках уже не встречаются.В живописи Леонардо создал в первый миланский период были в станковой картине -- «Мадонна в гроте», а во фресковой живописи--«Тайная вечеря». К «Мадонне в гроте» Леонардо приступил ,получив заказ на алтарную картину от одного из религиозных братств. Расхождения с заказчиками из-за оплаты привели к тому, что Леонардо оставил картину у себя. «Мадонна в гроте» может считаться первой монументальной алтарной композицией Высокого Возрождения. В отличие от «Поклонения волхвов» здесь эта задача решается им во всеоружии зрелого мастерства.Образы «Мадонны в гроте» можно назвать идеально прекрасными, но с тем обязательным дополнением, что они сохраняют при этом всю полноту жизненности. В первую очередь это относится к образу самой мадонны, материнская любовь которой выражена не только в жесте ее руки, одновременно как бы благословляющем и оберегающем ее ребенка, но и в глубокой внутренней сосредоточенности, зрелости, по сравнению с которым выглядит наивным образ юной матери в «Мадонне с цветком». Отпечаток серьезности присущ в картине даже детям.Здесь нет и ясно выраженного сюжетно-повествовательного раскрытия темы; вместо четкой фиксации определенного момента (который чувствуется в «Мадонне с цветком»).Пейзаж за героями картины говорит о познаниях Леонардо ботаники и геологии:каждая травинка,камень, цветок-тончайшее изображение натуры.Так же в этой «Мадонне»пейзаж не прячется за персонажами,а фигурирует вместе с ними.В этом произведении художник показывает не только мастерство пропорций,но и композиции,умение располагать фигуры согласно четкому и ясному геометрическому построению: они как бы вписаны в равнобедренный треугольник, вершина которого совпадает с головой Марии. Свет и тень мягкие.Эта светотень подчиняет себе и цветовое решение,хотя картина эта потемнела от времени -- есть ощущение того внутреннего единства, которое отличает все это произведение в целом.«Мадонна Литта» по своему типу напрашивается на сравнение с «Мадонной с цветком», в сопоставлении с которой становится особенно наглядным решающий качественный скачок, который произошел в творчестве Леонардо. Ее композиционное построение отличается поразительной четкостью и совершенством. Достаточно обратить внимание на то, как красиво до предела обобщенный и в то же время живой силуэт фигуры мадонны сочетается с геометрически строгими очертаниями двух симметрично расположенных оконных проемов или как точно, но в то же время естественно ее голова помещена в простенке между этими окнами. Мягкая лепка ее лица выигрывает от контрастного соседства с голубым небом, видимым в просвете окон. Чувство радости материнства в «Мадонне Литта» углубилось благодаря содержательности самого образа Марии -- в нем нашел свое зрелое выражение тип леонардовской женской красоты. Тонкому прекрасному лицу мадонны особую одухотворенность придают полузакрытые глаза и едва уловимая улыбка -- кажется, что она улыбается своим грезам

5) В 1495 году Леонардо приступил к созданию своего центрального произведения -- фрески «Тайная вечеря» в трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане. К миланской росписи Леонардо готовился тщательно и долго. Он выполнил множество набросков, в которых изучал позы и жесты отдельных фигур. “Тайная вечеря” привлекла его не своим догматическим содержанием, а возможностью развернуть перед зрителем большую человеческую драму, показать различные характеры, вскрыть душевный мир человека и точно и ясно обрисовать его переживания. Он воспринял “Тайную вечерю” как сцену предательства и поставил себе целью внести в это традиционное изображение то драматическое начало, благодаря которому оно приобрело бы совсем новое эмоциональное звучание. Обдумывая замысел “Тайной вечери”, Леонардо не только выполнял наброски, но и записывал свои мысли о действиях отдельных участников этой сцены . В записи не указаны имена апостолов, но Леонардо, по-видимому, ясно представлял себе действия каждого из них и место, которое каждый призван был занять в общей композиции. Уточняя в рисунках позы и жесты, он искал таких форм выражения, которые вовлекли бы все фигуры в единый водоворот страстей. И ему это удалось. После почти трех лет упорного труда роспись была открыта для обозрения, прославив имя Леонардо как величайшего художника своего времени. Но судьба этого произведения оказалась поистине трагической. Предпринятые Леонардо по его обыкновению экспериментальные работы над красками и грунтом не были удачными -- красочный слой оказался недостаточно прочным, и уже в 16 веке началось разрушение фрески. Фреска «Тайная вечеря» художника Леонардо да Винчи -- это огромных размеров композиция, занимающая целиком поперечную стену большого зала монастырской трапезной. Как и его предшественники, Леонардо да Винчи изобразил Христа и апостолов за накрытым к трапезе столом. Христос помещен в центре; его фигура рисуется на фоне дверного проема в глубине композиции, сквозь который открывается вид на пейзаж с пологими гористыми склонами. Леонардо да Винчи выбрал для изображения момент, который наступил после того, как Христос произнес роковые слова: «Один из вас предаст меня». Слова эти, столь неожиданные для его учеников, поражают каждого в самое сердце. Предвещая скорую гибель их учителя, они одновременно наносят удар по их чувству доверия,ведь среди них предатель. Мудрый выбор решающего момента этой драмы позволил художнику показать каждое из действующих лиц в наиболее ярком выражении его индивидуального характера. Юный мечтательный Иоанн, помещенный по правую руку от Христа, как бы бессильно поник от полученного удара; напротив, решительный Петр, сидящий рядом с ним, хватается рукой за нож, чтобы покарать возможного предателя. Находящийся по левую руку от Христа ученик развел руки в стороны, а приподнявшийся со своего места рядом с нимдругой-- склоняется перед Христом в порыве самопожертвования. И как контраст с ними -- низменный облик Иуды. В отличие от своих предшественников Леонардо поместил его вместе с апостолами, лишь выделив его лицо падающей на него тенью. Но в этой фреске выразительны не только лица -- столь же ярко характеры участников события проявляются в их движениях, в жестах. Одни лишь движения рук выражают все оттенки чувств, начиная от бессильно лежащей на столе вверх ладонью руки Христа до испуганно всплеснутых рук.

Картина «Дама с горностаем» написана художником около 1490 года. В картине Леонардо внес новое в прием объемной моделировки фигуры. Флорентийские мастера, у которых линейно-объемные элементы играли ведущую роль в их изобразительном языке, издавна славились четкой, подчас даже резкой пластикой своих образов. Леонардо да Винчи же не любил сильного прямого освещения, дающего слишком резкие тени и блики. Более всего, как известно из «Трактата о живописи» Леонардо да Винчи, художника увлекал свет в сумерках в пасмурные дни, когда лица приобретают особую интимную мягкость. Нечто от подобного освещения есть и в картине «Дама с горностаем», где свет содействует мягкой моделировке лица и фигуры. Картина «Портрет музыканта» начата художником Леонардо да Винчи на рубеже 90-х годов 15 века.Авторство Леонардо да Винчи оспаривается; предполагается, что великий живописец начал работу, но в дальнейшем над портретом работал его ученик Амброджо де Предис, впрочем, картина «Портрет музыканта» так и осталась незавершенной.

8) Венецианская школа- одна из основных живописных школ Италии. Наибольший расцвет пережила в эпоху Возрождения (вторая половина XV-XVI вв.), когда Венеция была богатой патрицианской республикой, крупным торговым центром Средиземноморья. В живописи Венецианской школы нашло художественное выражение осознание чувственной полноты и красочности земного бытия, свойственное ренессансному мировоззрению. Для Венецианской школы характерно преобладание живописного начала, совершенное владение выразительными возможностями масляной живописи, особое внимание к проблемам колорита. Венецианскую живопись XIV в. отличают декоративная орнаментальность, праздничная звучность красок, переплетение готических и византийских традиций. Начало развития В. ш. относится к 14 в., когда для неё характерно переплетение византийской и готической художественных традиций. В середине 15 в. в В. ш. появляются ренессансные тенденции, усиленные проникавшими через Падую флорентийскими влияниями.В произведениях мастеров раннего венецианского Возрождения религиозные сюжеты трактуются как подробные рассказы о красочной повседневной жизни Венеции. Творчество Антонелло да Мессина и особенно Джованни Беллини подготовило переход к искусству Высокого Возрождения. Искусство Джованни Беллини отличается мягкой и свободной живописной манерой, целостной цветовой гаммой, основанной на тонкости светотеневой лепки. В первой половине XVI в. в творчестве Джорджоне и Тициана венецианская школа живописи достигает расцвета.Распространившиеся в Италии в середине XVI в. феодальная, а затем и католическая реакция вызвали кризис ренессансных идеалов. В поздних произведениях Тициана раскрываются глубокие драматические конфликты; живописная манера приобретает исключительную эмоциональную выразительность. В работах мастеров второй половины XVI в. виртуозность передачи красочного богатства мира, любовь к праздничным зрелищам и многоликой толпе соседствуют с драмой. В искусстве венецианских мастеров конца XVI в. складываются новые художественные принципы, оказавшие воздействие на развитие европейского искусства XVII в., зарождаются новые жанры - исторический жанр, батальный жанр, групповой портрет. В XVII в. венецианская школа переживает период творческого спада.Новый расцвет Венецианской школы относится к XVIII в., когда Венецианская республика стала одним из главных центров разделённой чужеземцами Италии

9) Флорентийская школа

Тречемнто -- принятое в итальянском языке наименование XIV в.В истории искусства и культуры «треченто» используется для обозначения определённого периода в развитии итальянского искусства Возрождения -- периодаПроторенессанса. Ведущим видом изобразительного искусства треченто была живопись.В это время творил великий флорентиец, родоначальник реалистического направления Джотто ди Бондоне.

Флорентийская школа, одна из ведущих итальянских художественных школ эпохи Возрождения с центром в городе Флоренция. Родоначальником флорентийской школы в живописи в эпоху Проторенессанса стал Джотто, наполнивший религиозные сюжеты земным, человеческим смыслом, стремившийся придать образам и многофигурным сценам пластическую убедительность и жизненную достоверность. В 15 веке основоположниками искусства Ренессанса во Флоренции выступили архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донателло, живописец Мазаччо, за которыми последовали Альберти,Гиберти и другие мастера. В последней трети XIV в. во флорентийской школе утвердилось интернациональное готическое направление. Новый подъём флорентийской школы относится к периоду Раннего Возрождения (XV в.), чему во многом способствовало усиление демократического движения. Осново- положниками искусства Ренессанса стали архитектор Ф. Брунеллески, скульптор Донателло и живописец Мазаччо, стремившиеся пластически убедительно воссоздать структуру человеческого тела. За ними последовали и другие. Смелые поиски методов реалистического воссоздания окружающего мира тесно переплетались в творчестве многих мастеров флорентийской школы с пристальным изучением естественных наук (анатомии, математики, перспективы, оптики и др.). В архитектуре флорентийской школой в XV в. был создан новый, ренессансный тип здания (так называемый палаццо), сочетавший отдельные средневековые традициис введением ордерных элементов, аркадных внутренних дворов; были начаты поиски идеального типа храмовой постройки, отвечающего гуманистическим идеалам эпохи. Для изобразительного искусства флорентийской школы первой половины XV в. характерны увлечение математически точным построением пространства, стремление к пластически ясному, анатомически правильному построению человеческой фигуры, тяготение к отточенности рисунка Новаторские искания флорентийских мастеров, во многом опиравшихся на опыт античного искусства. оказали революционизирующее воздействие на искусство Италии и многих других стран Европы. В конце XV в. наряду с идущими от искусства Мазаччо и Донателло демократическими традициями (Д. Гирландайо) начали усиливаться аристократические тенденции, сказавшиеся прежде всего в работах художников, близких ко двору Медичи .Искания мастеров XV в. завершили великие мастера - Леонардо да Винчи и Микеланджело, работавшие и в других городах Италии и поднявшие художественные завоевания флорентийской школы на новый качественный уровень. Их творчество, переросшее границы собственно флорентийской школы, ознаменовало начало эпохи Высокого Возрождения в итальянском искусстве. Утверждение образа идеально прекрасного человека приняло в их произведениях возвышенный, а порой и героико-драматический характер. В 20-х гг. XVI в. начинается постепенный упадок флорентийской школы. Ликвидация городских свобод отрицательно сказалась на развитии искусства флорентийской школы, несмотря на то, что здесь продолжал работать ряд крупных мастеров. В 30-х гг. XVI в. флорентийская школа становится одним из главных центров придворного и элитарного искусства маньеризма. В XVII в. флорентийская школа приходит в упадок.

12) Творчество Джотто

Джотто ди Бондоне. Итальянский живописец, основоположник проторенессанса. Учился в мастерской Чимабуэ (между 1280 и 1290), работал главным образом во Флоренции и Парме. В начале 14 века Джотто посетил Рим. С именем Джотто связан новый этап в развитии итальянского и европейского искусства (Проторенессанс), разрыв итальянской живописи со средневековыми художественными канонами и традициями так называемого итало-византийского искусства. Знакомство Джотто с позднеантичной живописью и произведениями Пьетро Каваллини способствовало становлению его развития.Фрески Джотто, посвященные жизни Марии и Христа, отличаются драматизмом и жизненной убедительностью образов. Искусство Джотто отличалось огромной изобразительной силой и драматической выразительностью своих образов. Воздействие его на зрителя было тем сильнее, чем естественнее и реалистичнее были художественные приемы Джотто, поставившего перед собой задачу изображения реального трехмерного пространства, построенного на перспективно-линейном построении. Не обладая знанием научной перспективы, примитивными, казалось бы, средствами Джотто достиг небывалого для искусства своего времени эффекта, одним из первых введя в живопись изображение интерьера. Одновременно с этим вторым завоеванием Джотто было создание пластической, округлой человеческой фигуры, причем каждая из изображенных им фигур обладала и чисто материальной весомостью и в силу этого глубокой жизненной, реалистической убедительностью.Собственно, росписи капеллы в Падуе в творческом наследии Джотто занимают центральное место. Этот обширный фресковый цикл включает в себя композицию «Страшный суд» на западной стене, тридцать четыре сцены из жизни Марии и Христа. Именно эти сцены определяют характер росписей капеллы. Пейзаж за героями скуп,но сами персонажи-- коренастые, широколицые, наделенные величавым обликом, облаченные в одежды и плащи простого покроя из тяжелых, однотонных тканей, задрапированных в крупные складки.В первром 10-летии 14 века Джотто работает во Флоренции. К этому времени относится созданная им «Мадонна», украшавшая главный алтарь одной церкви). представляющая сцены из жизни Иоанна Крестителя и Иоанна Евангелиста, Пространство этих картин глубже и просторнее.Пропорции фигур и архитектуры более реалистичны, движение фигур свободнееВ алтарных образах Джотто, сохраняя во многом традиционную композиционную схему, по-новому строил пространственные отношения фигур.

Джотто был известен также как архитектор -- создатель колокольни Флорентийского собора. Состоящее из пяти ярусов, это стройное и легкое сооружение, украшенное рядом рельефов, над некоторыми из которых Джотто работал совместно с Андреа Пизано, является одним из лучших украшений архитектурного ансамбля Флоренции. Скончался Джотто ди Бондоне 8 января 1337 во Флоренции. Джотто оказал влияние на формирование ведущих школ итальянской живописи 14 века, прежде всего флорентийской, а также на ряд мастеров, работавших в Сиене и Падуе. К его наследию неоднократно обращались мастера итальянского Возрождения от Мазаччо до Микеланджело. Художественные реформы Джотто были глубоки и значительны, и его историческое значение было осознано не только в последующие века, но и его современниками.

13) Болонская школа одна из школ итальянской живописи. Заняла видное место уже в XIV в., выделяясь острой характерностью и экспрессией образов. Однако термин "болонская школа" преимущественно связывается с одним из течений в итальянской живописи периода формирования и расцвета барокко. Эта болонская школа возникла после основания братьями Карраччи в Болонье около 1585 "Академии вступивших на правильный путь", в которой впервые сложились доктрины европейского академизма и формы деятельности будущих академий художественных. Художники болонской школы конца XVI-XVII вв. (Карраччи,Доменикино и др.), опиравшиеся на внешне воспринятые художественные приёмы мастеров Высокого Возрождения, выполняли эффектные декоративные композиции на религиозные и мифологические темы, монументально- декоративные росписи, разрабатывали тип монументальной алтарной картины, повлиявший на живопись эпохи барокко. Наиболее талантливый из братьев Карраччи выполнял реалистические портреты, стал создателем так называемого героического пейзажа. В дальнейшем академизм болонской школы превратился в отвлеченное и безжизненное художественное явление.

Ломбардская школа художественная школа Северной Италии. Живопись треченто и раннего кватроченто в Ломбардии отмечена хрупким изяществом форм, поэтичностью; развивалась в русле интернациональной готики). Значительную роль в развитии ломбардской живописи кватроченто сыграл Пизанелло. Во второй половине XV в. в живописи ломбардской школы усиливаются влияния флорентийского искусства и творчества А. Мантеньи. В произведениях мастеров этого времени преобладают пластическая ясность композиции, смягчённость колорита, повышенный интерес к светотеневой. В эпоху Высокого Возрождения основополагающим было влияние искусства Леонардо да Винчи и его школы. Во второй половине XVI в. образовалась отдельная брешианская школа, в искусстве которой соединились традиции ломбардской и венецианской школ.

Падуанская школа живописная школа, сложившаяся в Падуе и сыгравшая значит, роль в становлении искусства Возрождения в Северной Италии. В XIV в. в Падуе работали живописец Джотто и его многочисленные последователи, а также самобытные позднеготические мастера Альтикьеро и Аванцо. К середине XV в. вокруг живописца Ф. Скварчоне сложилась самостоятельная школа), отличительной особенностью которой было сочетание позднеготических черт с изучением античного наследия и поисками пластической формы. Крупнейшим представителем падуанской школы был А. Мантенья.

Умбрийская школа живописная школа Италии XIII - начала XVI вв. с центром в городе Перуджа. В XIII в. известна миниатюрами. К концу XIV - началу XV вв. умбрийская школа стала одной из ведущих в позднеготическом искусстве Италии). Со второй половины XV в. под влиянием флорентийской школы в умбрийской школе побеждают принципы искусства Ренессанса. Для произведений умбрийской школы характерны тонкий лиризм, плавность и музыкальность линейных ритмов, ощущение поэтической гармонии человека и природы, мягкость колористических решений.

14) Наука и искусство в период Кватраченто

Признаки новой, буржуазной культуры и зарождение нового, буржуазного мировоззрения особенно ярко проявились в XV в., в период Кватроченто. Но именно потому, что процесс сложения новой культуры и нового мировоззрения не был завершен в этот период (это произошло позже, в эпоху окончательного разложения и распада феодальных отношений), XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью. Это поистине век гуманизма.Отсюда тот дух порядка и меры, который столь характерен для искусства Ренессанса. Геометрия, математика, анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение; именно тогда начинают тщательно изучать строение человека; в XV в. итальянские художники решили и проблему прямолинейной перспективы, которая уже назрела в искусстве Треченто.Наука стала развиваться в искусстве.Она была неотъемлемой ее частью.

Развитие знаний в XIV--XVI веках существенно повлияло на представления людей о мире и месте человека в нем. Великие географические открытия, гелиоцентрическая система мира Николая Коперника изменили представления о размерах Земли и её месте во Вселенной, а работы Парацельса и Везалия, в которых впервые после античности были предприняты попытки изучить строение человека и процессы, происходящие в нем, положили начало научной медицине и анатомии.

Крупные изменения произошли и в общественных науках. В работах Жана Бодена и Никколо Макиавелли исторические и политические процессы впервые стали рассматриваться как результат взаимодействия различных групп людей и их интересов. Тогда же были предприняты попытки разработки «идеального» общественного устройства: «Утопия» Томаса Мора, «Город Солнца» Томмазо Кампанеллы. Благодаря интересу к античности были восстановлены, выверены и напечатаны многие античные тексты. Почти все гуманисты так или иначе занимались изучением классической латыни и древнегреческого языка.

В целом, преобладающая в данную эпоху пантеистическая мистика Возрождения создавала неблагоприятный идейный фон для развития научных знаний. Окончательное становление научного метода и последовавшая за ней Научная революция XVII ст. связаны с оппозиционным Возрождению движением Реформации.

15) Три отца возрождения

В первой половине XV в. во Флоренции жили и работали три художника, получившие прозвище «отцов Возрождения»: архитектор Брунеллески, скульптор Донателло и живописец Мазаччо. Языком архитектуры, скульптуры и живописи они прославляли красоту человека. Вопреки учению церкви, они утверждали право людей на свободу и счастье, говорили о том, что человек силой разума может идол-жен познать законы мира.

Самым выдающимся зодчим Раннего Возрождения был Филиппа Брунеллёски .Он первым создал архитектурные формы, которые на протяжении следующих двух столетий использовались и совершенствовались итальянскими зодчими, а позже стали применяться архитекторами многих стран Европы. Брунеллёски был и первым исследователем законов перспективы. Он кропотливо изучает в Риме сохранившиеся памятники античности: обмеривает, зарисовывает, анализирует композиционные и строительные приемы древних мастеров. В античных памятниках он находит прообразы форм нового стиля. Общепризнанный шедевр Брунеллёски, характеризующий все новаторство зодчего, -- небольшая часовня во Флоренции, капелла Пацци .Ее архитектурные формы грациозны, пропорции изящны. Это ясное, светлое, жизнерадостное сооружение совсем не похоже на прежние культовые постройки. Мягкостью и приветливостью отличается и архитектура воспитательного дома ,также созданного Брунеллёски во Флоренции. Здание интересно тем, что построено буквой П и образует внутренний дворик. Просторная крытая галерея -- лоджия, идущая по всему фасаду дома, как бы приглашает путника войти во внутренний дворик. Этот планировочный прием впоследствии повторяется в дворцах богатых горожан -- палаццо.

Скульптор Донателло достиг в своих работах замечательных высот реализма. Наряду с фигурами древних героев и святых Донателло начал воссоздавать облик современников. Скульптор всматривается в окружающую его жизнь. С одинаковым увлечением он работает над конной статуей полководца и статуей пророка. Герои Донателло непокорны и горды, в них чувствуется готовность к борьбе и жажда справедливости.

Живописца Мазаччо современники сравнивали с кометой -- так ярко он блеснул и так быстро сгорел. Мизаччо прожил лишь 27 лет, но за свою короткую жизнь сумел внести в живопись много нового. Он первый применил в своих произведениях научную перспективу, разработкой которой занимался архитектор Брунеллёски.

Мазаччо, Донателло, Брунеллёски открыли XV век. За ними последовал блестящий ряд замечательных художников, работавших на протяжении столетия в разных областях и городах Италии.

16) Архитектура Кватроченто

Признаки новой, буржуазной культуры и зарождение нового, буржуазного мировоззрения особенно ярко проявились в XV в., в период Кватроченто. Но именно потому, что процесс сложения новой культуры и нового мировоззрения не был завершен в этот период (это произошло позже, в эпоху окончательного разложения и распада феодальных отношений), XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью. Это поистине век гуманизма. В XV веке закономерности архитектуры определяются служением человеку. Формы здания уподоблялись пропорциям человеческого тела.

Закономерным результатом разработки теории перспективы явилась разработка законов пропорций - пространственных соотношений отдельных элементов здания (высоты колонны и ширины арки, среднего диаметра колонны и ее высоты). Увлеченность античностью была свойственна мастерам кватроченто, на каждый творец создавал собственный идеал античности.

Альберти был первым архитектором, ориентирующимся прежде всего на древнеримское наследие. Современники не понимали необычности церковных построек Альберти. Он создал палаццо во Флоренции с гладкими стенами, нарядным обрамлением порталов и окон. В проекте одной церкви Альберти соединил традиционную базиликальную форму храма с купольным покрытием. Для здания характерны величественность арок фасада, грандиозность внутреннего пространства. Архитектурным воплощением сущности эпохи Возрождения стала созданная Брунеллески лоджия Воспитательного дома во Флоренции. Возвращаясь к основам древнеримского зодчества, опираясь на принципы Проторенессанса и на национальную традицию итальянской архитектуры, Брунеллески проявил себя как рефарматор. Новой была форма фасада. Портик был шире самого Воспитательного дома. Это создавало впечатление широкой протяжности. В здании отсутствовали готические формы, вместо ориентации здания в высоту или глубину Брунеллески заимствавал из античности гармоническое равновесие масс и объемов. Бренеллески был первым, кто применил практически приемы прямой перспективы.

Обратившись к использованию античного наследия, к ордерной системе, ренессансное зодчество явило собой новый этап в архитектуре. В светской архитектуре палаццо характерно соединение внешней крепостной неприступности и мощи с внутренней атмосферой уюта раннеиталийских вилл. В церковном зодчестве нужно отметить еще одну черту: появляется облицовка фасадов церквей разноцветным мрамором, отчего фасад становится «полосатым» -- характерная черта именно итальянского Кватроченто, и сложилась она прежде всего во Флоренции.

17) Творчество Мозаччо

Мазаччо Гвиди Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. Прозвище Мазаччо («Неуклюжий») художник получил за рассеянность и невнимание к событиям в обычной окружающей жизни. Работал во Флоренции, а также в Пизе и Риме. Один из крупнейших мастеров флорентийской школы, законодатель ренессансных традиций, реформатор живописи эпохи кватроченто, Мазаччо продолжил художественные искания Джотто, придавая изображениям невиданную ранее жизненную убедительность. Наиболее ранние из достоверных работ художника отмечены энергичной светотеневой лепкой, острым ощущением трехмерности фигур.

В росписях капеллы во Флоренции Мазаччо решительно порывает со средневековой традицией. В фреске “Троица”художник, очевидно под влиянием перспективных Брунеллески, создал (впервые в настенной живописи) центрально-перспективное построение. Мазаччо трактует сцену таким образом, что вес зрительные линии пересекаются в единой точке схода, как если бы мы видели начертанные на гладкой дороге линии сокращающимися по мере их удаления в глубину. Рельефно моделированные, весомые фигуры создают такое впечатление реального, физического присутствия в пространстве, какого не знала живопись до Мазаччо. За свою короткую жизнь этот новатор стал одним из величайших флорентийских мастеров 15 столетия, оказав влияние на последующее развитие искусства. Этот самобытный художник умел передать драматизм действия с помощью мимики и жестов своих персонажей.В Риме Мазаччо, едва успев приступить к работе над фреской в соборе неожиданно скончался (по одной из версий живописец был отравлен). Несмотря на кратковременность жизненного пути и творчества Мазаччо, художник оказал сильнейшее влияние на новое зарождающееся искусство. Наиболее значительными из сохранившихся работ Мазаччо являются фрески. Он сделал решительный шаг в объединении фигуры и пейзажа, впервые дал воздушную перспективу и линию естественного горизонта. Вместо напыщенной декоративной красочности в картинах и фресках художника появилась сдержанная и гармоничная цветовая гамма. Суровое и мужественное искусство Мазаччо оказало огромное воздействие на художественную культуру Возрождения, порвав каноны Средневековья.Трагично, что столь блестящий живописец умер, не дожив до тридцати лет.

18) Скульптура Кватроченто

Годом рождения новой скульптуры Кватроченто можно считать 1401 год, когда цеховой организацией купцов был объявлен конкурс на скульптурное оформление дверей крещальни Флорентийского собора. . Конкурс не выявил победителя. Было лишь признано, что образцы Брунеллески и Гиберти намного превосходят образцы остальных конкурсантов, и им предложили работать в дальнейшем над дверями «на равных». От такого предложения Брунеллески отказался и заказ полностью перешел к Гиберти. Гиберти, создал сложные многофигурные композиции на библейские сюжеты, которые разворачиваются на пейзажном и архитектурном фоне.

Скульптором, которому выпало в искусстве на целые столетия вперед решить многие проблемы европейской пластики --круглой скульптуры, монумента, конного монумента, -- Донателло. Реалистическое начало искусства Донателло полностью выразилось в образах пророков для колокольни Джотто которые он исполнил с конкретных лиц, что сделало эти образы, по сути, портретами современников. Занимался Донателло и специально портретом. Поездка Донателло с Брунеллески в Рим, изучение там античных памятников вдохновили Донателло на целый ряд произведений, языческих по духу, близких по форме античной пластике, как, например, мраморные ангелы на Флорентийском соборе. В бронзовом «Давиде» Донателло вновь возвращается к античным традициям, но уже поздней греческой класски. Простой пастух, Давид стал одним из излюбленных образов искусства Возрождения. Донателло изобразил его совсем юным, идеально прекрасным. Но Донателло не побоялся ввести такую бытовую деталь, как пастушеская шляпа -- знак его простого происхождения.Донателло принадлежит и честь создания первого конного монумента в эпоху Возрождения. Использовав лучшие традиции искусства средневековья, изучив античную пластику, Донателло пришел к своим собственным решениям, к образам глубокой человечности и подлинного реализма, что объясняет его огромное влияние на всю последующую европейскую скульптуру. Недаром его назвали одним из трех отцов Возрождения наряду с Брунеллески и Мазаччо.