Искусство эпохи Возрождения

«Св. Иероним»Привычка к пристальному изучению частностей натуры, свойственная позднеготическим мастерам, претворяется Дюрером в особую остроту характеристики модели, получившую подлинно реалистическую направленность. Это прекрасно видно в портрете отца 1497 года, где мастерски переданы старческие складки и морщины лица и дряблой шеи, жидкие пряди седеющих волос, тяжелые складки простой суконной одежды. Все это нужно художнику для того, чтобы охарактеризовать данного конкретного человека--ремесленника, прожившего нелегкую жизнь, наложившую печать усталости на его лицо, но сохранившего живость, которая ощущается в его взгляде.

Воздействие на Дюрера гуманистических учений, усилившееся в результате его первой поездки в Италию (1494-1495), проявилось в стремлении художника к овладению научными методами познания мира, к углубленному изучению натуры, в которой его внимание привлекали как самые, казалось бы, незначительные явления (“Куст травы”, 1503, собрание Альбертина, Вена), так и сложные проблемы связи в природе цвета и световоздушной среды (“Домик у пруда”, акварель, около 1495-1497, Британский музей, Лондон). Новое ренессансное понимание личности Дюрер утверждал в портретах этого периода (автопортрет, 1498, Прадо).

Дюрер и Италия Родился Дюрер в Нюрнберге в семье выходца из Венгрии. Отец его был серебряных дел мастером и юный Альбрехт рано приобщился к искусству. Обучался он у М. Вольгемута и очень скоро стал известным художником. В то время Нюрнберг - процветающий город. Здесь сходились торговые пути из Нидерландов и Италии, привозились произведения итальянских мастеров, гравюры.Новое видение искусства пришло к Дюреру в Италии, которую он посещает дважды: в периоды 1490-1494 г.г. и 1505-1507 г.г.. Второе путешествие он совершает уже зрелым художником, которым в Италии восхищаются и даже поклоняются. Его работы вызывают всеобщий интерес. Он знакомится с итальянскими художниками, людьми незаурядными, после общения с которыми Дюрер чувствует в себе потребность расти и развивать свой талант. В Венеции того времени художник - уважаемый и высокообразованный человек, разбирающийся в науках и знающий древние языки. Италией Дюрер был очарован и покинул ее с большой тоской на душе. Он умело соприкоснулся с итальянским искусством,постигая тайну гармонии и совершенства. Он единственный мастер северного Возрождения, который по направленности и многогранности своих интересов, стремлению овладеть законами искусства, разработке совершенных пропорций человеческой фигуры и правил перспективного построения может быть сопоставлен с величайшими мастерами итальянского Возрождения.Вернувшись в родной Нюрнберг, Дюрер окунулся в напряженную атмосферу борьбы. Под влиянием поездки в Италию в 1511 году Дюрер создает одно из самых лучших своих произведений «Поклонение троице». Здесь явно видны поиски художника в построении композиции и формы, а также влияние итальянской школы. Дюрер является ярким примером художника, чья жизнь и творчество были неразрывно связаны с жизнью его страны и общества.

Дюрер любил людей своей родины, и созданный им обобщенный идеал воспроизводил облик того человека, которого он видел около себя, -- сурового, мятежного, исполненного внутренней силы и сомнений, волевой энергии и мрачного, чуждого спокойствию и ясной гармонии. Оттого, Дюрер, несмотря на величайшие старания и упорную работу, никогда не достиг в своих образах гармонического идеала красоты героев да Винчи. После поездки в Венецию художник Альбрехт Дюрер создал картины, близкие по своим изобразительным приемам к классическим итальянским образцам. Особенно характерны в этом смысле мадридские «Адам и Ева». Из этих образов исчезла всякая угловатость и нервность обычных дюреровских фигур. Нет в них и ничего индивидуального, неповторимого. Это идеальные изображения прекрасных человеческих созданий, построенные по принципам классического канона, говорящие о высшей человеческой красоте, основанной на гармонии телесного и духовного начала. Жесты их отличаются сдержанностью и изяществом, выражение лиц -- мечтательностью. Все лишнее удалено из этих картин, в них нет даже намека на былую дробность и перегруженность деталями. Те же качества отличают и берлинский «Портрет венецианки». Изменяются и живописные приемы художника; сглаживаются переходы между границами красочных оттенков, тени мягко скользят по округлым формам, линейные контуры стушевываются, отступая на второй план.

«Автопортрет с чертополохом» когда Дюреру было 22 года, накануне его женитьбы.. Этот портрет он отослал домой, по мнению некоторых искусствоведов, как подарок невесте. Художник изобразил себя с чертополохом в руке: В Германии в народе этот цветок называли «мужской верностью». Это первый автопортрет, написанный маслом, но не на доске, как было принято в то время среди немецких художников, а на пергаменте, наклеенном на холст .Относительно символики портрета, среди искусствоведов, существует и другое мнение: Чертополох может восприниматься как символ Страстей Христовых. Надпись на картине справа от указания года звучит так: «Идёт моё дело, как небо велело» .Этим Дюрер выражает свою преданность Богу и осознание своей Миссии Художника, призванного видеть мир глазами Творца и отображать увиденное в своих бессмертных творениях.

Тайна классического идеала человеческой фигуры не дает Дюреру покоя. Работе над овладением ею он посвятил многие годы, впоследствии подведя итоги в известных трех «Книгах о пропорциях», над составлением которых он трудился начиная с 1515 года более десяти лет. Первым образным воплощением этих исканий служит прославленный 2-й автопортрет 1500 года ,одно из самых значительных произведений художника, знаменующее его полную творческую зрелость. Из этого портрета исчезают все элементы наивной повествователъности; он не содержит никаких атрибутов, деталей обстановки, ничего побочного, отвлекающего внимание зрителя от образа человека. В нейтральном фоне четко вырисовывается подчиненная форме треугольника повернутая прямо в фас человеческая полуфигура. В основу изображения положено стремление к обобщенности образа, упорядоченности, внешней и внутренней уравновешенности; индивидуальный облик подчинен заранее обдуманному идеальному представлению. Однако величайшая творческая честность Дюрера и никогда не изменяющая ему искренность заставляют его внести и в этот образ оттенок беспокойства и тревоги. Легкая складка между бровей, сосредоточенность и подчеркнутая серьезность выражения придают лицу налет едва уловимой грусти. Беспокойны полные динамики дробно вьющиеся пряди волос, обрамляющие лицо; тонкие выразительные пальцы рук как будто нервно движутся, перебирая мех воротника.

34) Дюрер является одним из величайших портретистов в мировом искусстве и автором первого в Европе автопортрета. Лукас Кранах Старший Портреты герцога Генриха Благочестивого и его супруги, созданные в 1514 году, имеют высокую художественно-историческую ценность как первые в немецкой живописи самостоятельные портреты во все рост и в натуральную величину. Великолепные по краскам картины, свидетельствующие о силе и богатстве князей, служат, однако почти исключительно репрезентативным целям. Человеческая личность отступает в них далеко на задний план. Портреты Адама и Евы, написанные в 1531 году, хотя и отдают дань духу Возрождения, вновь открывшего красоту человеческого тела, но из-за легкой манерности позы и мало расчлененной манеры письма производят впечатление картин более старого времени. Изображение тела свидетельствует о решающем влиянии на Кранаха идеалов красоты позднего средневековья.

36) Последним художником классического направления, возникшего в творчестве Дюрера, в искусстве немецкого Возрождения был Ханс Хольбейн Младший (Ганс Гольбейн) , немецкий живописец и график эпохи Возрождения. В его творчестве уже ничего не осталось от готического искусства .Учился у своего отца, художника Ханса Хольбейна Старшего. Творческий путь художника начался в Базеле, где Гольбейн создал множество портретов, в которых подчеркивал внутреннее достоинство и сдержанную духовную силу, потрясающую смелостью композиционного решения и силой эмоционального воздействия картину “Мертвый Христос”, Работы Ханса Хольбейна в гравюре на дереве продолжают высокие традиции Дюрера. Обратившись к исконным народным мотивам, он исполнил серию гравюр на дереве «Образы смерти» (1524--1526), проникнутых социальными и антиклерикальными идеями -- перед лицом смерти люди всех сословий равны. В то же время в серии звучат тревожные настроения. Она отобразила события Крестьянской войны в Германии. Гольбейн был одним из крупнейших графиков своей эпохи. Рисунки его полны неувядающей свежести. Особенно хороши многочисленные портретные зарисовки, над которыми он работает в течение всей жизни. К ранним годам относятся блестящие рисунки «Портрет Парацельса» и «Портрет неизвестного» ,выполненные черным карандашом и цветными мелками. По глубокой жизненности и в то же время по изяществу, точности и свободе их можно назвать подлинно новаторскими.Затем Гольбейн работал в Англии где стал придворным художником английского короля Генриха VIII. В Англии в полной мере раскрылся выдающийся талант Гольбейна-портретиста. Почти ювелирная тщательность в воспроизведении деталей сочетается в его работах с пластикой и целостностью образа Художник создает в своих картинах ясный гармонический мир. Люди на его портретах живут в полном единении с окружающими их предметами. Им легко дышится в отведенном для них пространстве. Движения их плавны и неторопливы, лица -- спокойны. Зоркость восприятия характера, безупречная точность передачи внешнего облика сочетаются в портретах Ханса Хольбейна с выявлением остро подмеченных типичных сословных черт. Портретные композиции обогащаются действием, введением интерьера, обстановки, натюрморта, характеризующих умственный склад, профессию, социальное лицо портретируемого. Замкнутость, тишина базельского кабинета Эразма Роттердамского оттеняют сосредоточенность ученого. Из полумрака интерьера светом выделен острый нервный профиль со скептической усмешкой, вкрадчивые движения рук. В портрете Георга Гисце обстановка говорит о деловитости, расчетливости этого купца. Указывая рукой на документы, он как бы степенно повествует о своей деятельности, уходящей далеко за пределы конторы. Содержание раскрывается через любовно переданные предметы. Многообразие цветовых пятен и дробных форм натюрморта подчинено основным красочным акцентам: черному и розовому -- костюма, более холодному зеленому -- стены. В портретах позднего периода (1530-е годы) образы приподняты; проступают черты парадности, преобладают фронтальные композиции со сжатым пространством и вертикальным форматом, дающим возможность больше показать костюм, подчеркнуть монументальность форм. Художник достигает полной иллюзии воспроизведения мельчайших деталей, черт лица, многочисленных аксессуаров парадного костюма. Художник воздействует в основном крупными цветовыми массами, объемом, силуэтом, ритмическое расположение деталей помогает раскрытию суть образа. Великолепие костюма оттеняет скромное лицо королевы Джейн Сеймур ,ее душевную чистоту и целомудрие. Сила характера поражает в портрете Моретта, изображенного в парадном костюме. За внешней представительностью и настороженностью подмечена затаенная игра страстей, натура человека умного, властного и с каплей авантюры. Энергичные руки, крепко сжимающие оружие,-- острые композиционные акценты. В Германии искусство Хольбейна не нашло последователей, но оказало сильнейшее воздействие на развитие английского, а затем и всего западноевропейского портрета. Пристально всматриваясь в индивидуальные черты модели, точно и без прикрас воспроизводя ее облик, он создавал смелые и острые по рисунку, насыщенные цветом, жизненно-убедительные и яркие образы своих современников. Его портреты Генриха VIII, королев, министров, послов, купцов и других людей свидетельствуют о мастерстве художника и его способности точно передать характер модели.Умер от чумы в Лондоне.

Пляска смерти -- типичный сюжет живописи для Средневековья, представляющий один из вариантов европейской иконографии смерти и бренности человеческого бытия.Первые «Пляски смерти», появившиеся в 1370-х годах, представляли собой серии рифмованных девизов, служивших подписями к рисункам и живописным полотнам.В основании ее содержания лежали идеи о ничтожестве человеческой жизни, ежеминутно угрожаемой кончиною, о мимолетности земных благ и несчастий, о равенстве всех и каждого пред лицом смерти, внезапно сражающей и папу, и императора, и бедняка,и младенца.Подобные идеи коренились в самой сущности христианского учения, но особенно занимали умы в эпоху средних веков, когда под влиянием тяжелых условий жизни смерть была покровителем.В Германии пляски получили большую популярность. Двухвековая история Пляски смерти завершается циклом гравюр Ганса Гольбейна Младшего (1523--1526 гг.). Он создал тот подытоживающий образ Пляски смерти, который, заслонив собой историю самого жанра, вошел в европейскую и мировую культуру как его классическое воплощение. Цикл плясок, состоит из 40 изображений.Гравюры были снабжены французскими двустишиями. Гольбейн Младший создал свой шедевр, опираясь на принципы, отрицающие мировоззренческую подоснову средневековой Пляски смерти.Будучи сведен к чистому отрицанию, образ Смерти теряет традиционную мифологическую семантику и выходит за рамки того набора смыслов, внутри которого он некогда существовал в Средневековьи. Скелет превращается не только в образ смерти, но и в ее отвлеченную аллегорию. Обычно смерть фигурировала в церковных и кладбищенских фресках как событие общественное, причем не только как массовое явление в период эпидемий, но и как предмет коллективного внимания и осмысления. Для гольбейновских гравюр характерна эстетизация темы. Приближение смерти превращается в повод извлечь из него максимальный художественный эффект - например, в сочетании скелета с драпировкой. Комментарий отступает на второй план и воспринимается как вспомогательное. Былое равновесие рушится. Из религиозно-магического произведения Пляска смерти становится произведением художественным.

Портрет прославленного гуманиста Томаса Морра Гольбейн Маладший написал в Лондоне. В столицу Англии молодой живописец приехал с рекомендательным письмом от Эразма Роттердамского. Здесь Гольбейн также сблизился с гуманистами и писал их портреты. Портрет Томаса Мора - шедевр мировой портретной живописи. Все удалось передать художнику: блеск и фактуру драпировочной ткани и ее изумительные зеленые оттенки, дорогие меха и каждую ворсинку, а эти рукава из бархата в коричневой гамме! Ведь ни у кого не возникает сомнения, что это бархат, а его фактуру передать не так просто. Но главное - лицо мыслителя - спокойное и мудрое, честное и неподкупное. Наряду с мягкостью в нем чувствуется железная воля и тонкий юмор, которые не изменят Томасу Мору даже в самые трагические моменты его жизни, даже на эшафоте перед казнью он будет шутить с палачом. Не даром католическая церковь причислила его к лику святых!

Портрет Шарля де Моретта -- признанный шедевр Ганса Гольбейна Младшего и мировой портретной живописи в целом. Художник писал этот портрет в период творческой зрелости и расцвета своего таланта. Для всех портретов этого периода характерно общее гуманистическое мировозрение людей эпохи Возрождения. Портрет французского дипломата выделяется даже в ряду шедевров Гольбейна младшего его умением передать магический взгляд умных глаз дипломата и воина. От портрета остается мощное впечатление, как от встречи с человеком покоряющей духовной красоты и глубокого интеллекта. Художественные достоинства этой картины столь высоки, что трудно все перечислить: шикарная передача глубокого черного в костюме,ощущение блеска каждой ворсинки, отблески благородных металлов цепи и пуговиц и т.д.А на самом деле здесь только оттенки благородного коричневого черного и белого, но мы ощущаем всю гамму, праздник красок и цвета. И на этом фоне потрясающе мудрый и проницательный взгляд Шарля де Моррета.

На портрете короля Генриха VIII перед нами предстает умный, мощный, уверенный в себе мужчина, не лишенный шарма, лоска и обаяния. В его глазах читается холодная расчетливость, а плотно сжатые небольшие губы говорят о железной воле и нетерпимости. Таким король Генрих VIII и был в жизни, но помним мы его не за это. Мировую славу королю Генриху VIII принесли не столько его политические и военные успехи и неудачи, сколько его семейная жизнь и шесть его несчастных жен. В особенности знаменитая Анна Болейн, прежде страстно любимая и недоступная, а потом немилосердно казненная супругом.В портрет написан в1540 г. В это время Гольбейн уже знаменит, выдающийся портретист Северного Ренессанса, умеющий не только передать сходство с оригиналом, но главное, дать точнейшую психологическую характеристику. Блестяще владея техническими приемами в разных жанрах и техниках, художник умел передать легчайшие прозрачные ткани и тяжелый бархат, парчу и дорогие меха, драгоценные камни и массивные золотые цепи, тщательно выписывая вышивку, кружева и многие другие принадлежности парадного туалета королевской особы. Все эти аксессуары необходимы художнику, чтобы показать социальный статус изображенного человека. Но мировую славу художнику Гольбейну принесли не эти подробности, а точная, проникающая в самые сокровенные уголки, психологическая характеристика модели. В мире не так много художников такого уровня как Тициан и Рембрант, которые создали свои полные психологизма и драмы портреты. Наряду с ними Гольбейн Младший был, по существу, первооткрывателем в истинно божественном проникновении в сущность человеческой души.

Еще один из шедевров Ганса Гольбейна Младшего - портрет Джейн Сеймур, королевы Англии и третьей жены английского короля Генриха VIII . Развернутый в три четверти, этот портрет построен на строгом равновесии форм. Художник акцентирует силуэт фигуры Джейн Сеймур, выделив ее на темном фоне. Расширяющиеся внизу рукава великолепного платья своей тяжестью придают фигуре устойчивость, и небольшой по размерам портрет кажется монументальным. Гольбейн уделяет особое внимание декоративной стороне живописи. Костюм королевы великолепен. Богатство фактуры дорогих тканей дополняется пластическими ритмами картины. Это и мерцающий шелк, и волнообразные линии изысканных манжет, и богатый изумительный, во истину королевский цвет платья, звучание которого усилено благородными камнями и мерцающим жемчугом. Округлые плечи, плавные линии шеи подчеркивают спокойную гармонию портрета. Хоть живописный язык картины несколько суховат,это не мешает признать красоту работы художника.

39) Лукас Кранах Старший, немецкий живописец и график эпохи Возрождения. Учился, вероятно, у отца; Работал в Австрии (около 1500-1504), при дворе а Фридриха Мудрого и его преемников. В ранних произведениях Кранах выступал как смелый новатор: дерзкая правдивость образов, резкая асимметрия композиции, напряженное и экспрессивное цветовое решение как бы предвосхищают грядущие общественные потрясения в Германии (“Распятие). В других картинах Лукаса Кранаха, напротив, господствуют сказочно-идиллическое начало, поэтическое восприятие природы, во многом послужившие дальнейшей основой для сложения дунайской школы живописи . В период работы художника в Виттенберге окончательно определился противоречивый творческий облик Кранаха, отразивший сложность эпохи и формировавшей его среды. Достижения ренессансного искусства, идеалы возрожденческого гуманизма претворены в “Алтаре святой Екатерины” , в картинах “Венера и Амур” и “Нимфа источника. Дружба Лукаса Кранаха с Мартином Лютером способствовала появлению в его творчестве произведений, выражавших идеи Реформации и протестантизма: иллюстраций к теологическим сочинениям, портретов Лютера, многочисленных гравюр. Одновременно в творчестве художника Лукаса Кранаха нарастали тенденции, предвосхищавшие европейский маньеризм 1530-1550-х годов:,суховатость образов,манерные и жеманные изображения обнаженного женского тела, выполненные по заказам знати .На протяжении всей жизни Лукас Кранах Старший оставался замечательным мастером остропсихологичного, монументального портрета (хорошо это прослежуется в “Доктор Иоганн Куспиниан”). Из картин Кранаха на религиозную тематику наиболее достойны внимания: “Богоматерь” ; “Распятие Христа” ); “Мадонна с младенцем, несколько изображений Адама и Евы под древом познания добра и зла , и другие. Некоторые композиции Кранаха имеют культурно-историческое значение, так как исполнены в духе реформации и протестантизма.

40) Кватроченто появилось в 15 веке.Это был обязательный переход в искусстве-решение проблем перпективы,композиции стали нужными как воздух,ведь троченто не нашло столь важных решений.Начало века Кватроченто связывают с появлением на пьедестале первооткрывателей Мозаччо.Он первым начал изображать фигуры в пространстве. Сцены Мазаччо полны драматизма, жизненной правды: в «Изгнании из рая» Адам от стыда закрыл лицо руками. Ева рыдает, запрокинув в отчаянии голову. В сцене «Подать» объединены сразу три сюжета: Христос с учениками у ворот города, остановленный сборщиком податей, -- это центральная композиция.Не везде ему удовалось полно показать законы действительности,но его попытки дали толчок к развитию других как Паоло Учелло, Кастаньо, Венециано.Учелло стоял у первоистоков ботального жанра . Перспектива понималась Уччелло не просто как художественный прием, а как общий для природы и искусства закон. Произведениям Уччелло свойственны смелые, динамичные композиционные построения, звучность яркого, нарядного колорита, поэтическая сказочность (“Битва святого Георгия с драконом”, Для живописной манеры Кастаньо характерны энергичная, близкая к скульптурной моделировка форм, звучный колорит, напряженная выразительность поз и ракурсов, часто придающая работам драматическую остроту . (фрески «Девять знаменитых людей. В творчестве Венециано проявляется изысканность декоративных элементов и графическое совершенство, которые являются началом новой иконографии, более близкой к западной тематике (“Коронация Девы Марии”). В эпоху кватроченто развиваются флорентийская школа и возносится венецианская.Это расцвет деятельности масторов Рафаэля,Микеланджело,Да Винчи,Вероккио,Джотто,Беллини,Боттичелли.Во многом в развитии талантов помогает дворец Лоренцо Великолепного,где собираются философы,поэты,художники.Дворец помог раскрыть талант юного Микеланджело,Леонардо.В скульптуре открываются таланты Донателло, Лоренцо Гиберти.

Эпоха кватроченто-это век развития идеи гуманизма,время свободы,когда художники могли писать ,творить по зову сердца.Заезжанные религиозные темы постепенно дополняются античной культурой.Это век новых открытий-законы перспективы,композиции,света и тени,цвета.Открытий новых техник в живописи,новых красок,нового взгляда.Это век,в прымом смысле,Возрождения,подъм культуры из пепла,века застоя средневековья,со своими канонами.Кватроченто стало вектором,в котором начал дальше развиваться искусство в целом. Кватроченто принесло возрождение античных традиций, но на новой основе -- понятых и осмысленных человеком новой эпохи. Каждый из видов искусства оставил после себя какие-то важные решения новых задач; архитектура -- тип светского палаццо; скульптура -- образ человека, а не божества, как в античности; живопись разработала религиозную картину христианского или античного сюжета, но придала ей светские черты. Все это было немаловажной лептой Кватроченто в искусство Возрождения.

41 )Венецианское искусство эпохи Возрождения является составной и неотделимой частью итальянского искусства в целом. Тесная взаимосвязь с остальными очагами художественной культуры Возрождения в Италии делает венецианское искусство одним из проявлений искусства Возрождения в Италии. Искусство позднего Возрождения в Италии вообще не может быть понято без изучения искусства позднего Тициана, творчества Веронезё и Тинторетто.

Однако своеобразие вклада венецианской школы в искусство итальянского Возрождения не только носит несколько иной характер, чем вклад любой другой школы Италии. Искусство Венеции представляет особый вариант развития принципов Возрождения и по отношению ко всем» художественным школам Италии. Искусство Возрождения сложилось в Венеции позже, чем в большинстве других центров, в частности чем во Флоренции. Формирование принципов художественной культуры Возрождения в изобразительном искусстве в Венеции началось лишь в 15 в. Это определялось отнюдь не экономической отсталостью Венеции. Наоборот, Венеция наряду с Флоренцией,была одним из самых экономически развитых центров Италии.

Как ни парадоксально, именно раннее превращение Венеции в великую торговую державу повинно в этой задержке.Венеция старалась пародировать другим странам.

В 15 в, происходит неизбежный и закономерный процесс перехода венецианского искусства культуру Ренессанса. Объснялось это в стремлении к повышенной праздничности колорита и композиции, в большем интересе к пейзажному фону, к окружающей человека среде. Во вторую половину 15, в. происходит, формирование ренессансной школы в Венеции как значительного и оригинального явления, занявшей важное место в искусстве итальянского кватроченто. Кватроченто в Венеции начинается именами таких художников, как Пизанелло и Фабриано, которые вместе расписывали Дворец дожей; находит свое полное выражение в творчестве такого мастера, как Карпаччо. В работах мастеров раннего венецианского Возрождения -- братьев Виварини, Беллини и Карпаччо -- нарастают светские начала, усиливается стремление к реалистическому изображению окружающего мира, передаче пространства и объёма; традиционные религиозные сюжеты становятся поводом для увлечённого подробного рассказа о красочной повседневной жизни Венеции. Особое место занимает декоративно-утончённое готизирующее искусство Кривелли. В творчестве Мессина, принесшего в Венецию технику масляной живописи.Образы, созданные им, отличаются величавым спокойствием, классической уравновешенностью(собенно такое спокойствие явно видно в картине»Св.Себастиан»:проткнутый стрелами,его лицо натянуто безмятежным спокойствием,уж слишком безмятежным,как по мне). Джованни Беллини намечается переход к искусству Высокого Возрождения. Наивная повествовательность уступает место стремлению к созданию обобщённой, синтетической картины мира, в которой полные этической значительности, величественные человеческие образы выступают в естественной гармонической связи с поэтически одухотворённой жизнью природы. Известная графическая сухость живописи середины 15 в. сменяется у Джованни Беллини более мягкой и свободной живописной манерой, гармонически целостной цветовой гаммой основанной на тончайших градациях света и цвета, воздушности светотеневой лепки. В творчестве Джованни Беллини складываются классические формы ренессансной алтарной композиции.

Венецианская школа завершает развитие искусства Кватроченто. XV столетие принесло в итальянское государство истинное возрождение античных традиций, но на новой основе -- понятых и осмысленных человеком новой эпохи. Каждый из видов искусства оставил после себя какие-то важные решения новых задач; архитектура -- тип светского палаццо; скульптура -- образ человека, а не божества, как в античности; живопись разработала религиозную картину христианского или античного сюжета, но придала ей светские черты. Все это было немаловажной лептой Кватроченто в искусство Возрождения.

42) Падуанская школа

живопись возрождение санти тициан боттичелли

Школа живописи, сформировавшаяся в городе Падуя. Честь её основания в 15 веке принадлежит художнику Джотто и его последователям, а также мастерам эпохи поздней готики. Сыграла важную роль в развитии искусства Возрождения Северной Италии. К середине 15 века здесь сформировалась самостоятельная школа, в которой позднеготические черты сочетались с поисками чёткой и ясной пластической формы; крупнейшим мастером этой школы был А. Мантенья.

Мантенья Андреа Итальянский живописец и гравер эпохи Раннего Возрождения. Учился в Падуе у своего приемного отца, живописца и антиквара ,изучал древнеримские скульптуру и архитектурный декор, увлекался археологией и эпиграфикой, испытал воздействие творчества Донателло, Кастаньо и живописи венецианской школы. Искусству Мантенья, ведущего мастера падуанской школы, присущи героическое, проникнутое пафосом утверждения достоинства человеческой личности мироощущение, приверженность к четкой архитектонической композиции. Живописная манера художника Андреа Мантенья отличается чеканностью форм и рисунка, эмалевым блеском красок).Андреа Мантенья был незнатного происхождения, но усыновленный и обученный простым малоизвестным живописцем, он стал одним из самых значительных художников своего времени. Стиль Мантенья, как и стиль других ренессансных мастеров, сформировался под воздействием древнегреческой и древнеримской кульптуры. Многие из его произведений действительно исполнены как гризайль - живописная имитация мраморного или бронзового рельефа. Большую часть жизни Мантенья состоял придворным художником герцога Мантуанского, для которого собрал крупную коллекцию предметов классического искусства. С 1460 жил в Мантуе при дворе герцога. Посетил Флоренцию и Пизу, Рим. В росписях “ в замке Сан-Джорджо художник, добиваясь визуально-пространственного единства интерьера, осуществил идею синтеза реальной и “нарисованной” архитектуры. Иллюзионистические эффекты этих росписей, в частности, имитация круглого окна в потолке, предвосхищают аналогичные поиски Корреджо. Суровым духом римской античности проникнута серия монохромных картонов Андреа Мантенья с “Триумфом Цезаря” .Среди поздних произведений Мантеньи -“Парнас”, цикл монохромных картин, в том числе “Самсона ,исполненное драматизма и композиционной остроты полотно “Мертвый Христос” (около 1500). Живописец Андреа был также новатором в области гравюры на античные темы позднее оказали влияние, в частности, на Дюрера. Графические работы Мантеньи (цикл гравюр на меди “Битва морских божеств”,), почти не уступающие его живописи по чеканной монументальности образов, сочетают скульптурную пластичность с нежностью штриховой моделировки. Андреа Мантенья сочетал в себе главные художественные устремления ренессансных мастеров 15 столетия: увлечение античностью, интерес к точной и тщательной, вплоть до мельчайших деталей, передаче природных явлений и беззаветную веру в линейную перспективу как средство создания на плоскости иллюзии пространства. Его творчество стало главным связующим звеном между ранним Возрождением во Флоренции и более поздним расцветом искусства в Северной Италии.

44) Умбрийская школа

Живописная школа в итальянском искусстве 13 - начала 16 вв. с центром в Перудже. В 13 в. славились умбрийские миниатюристы. К концу 14 - началу 15 вв. Умбрия стала одним из главных центров позднеготического искусства в Италии Принципы реалистического ренессансного стиля побеждают в У. ш. со 2-й половины 15 в. под влиянием живописи флорентийской школы . Умбрийская школа - живописная школа Италии эпохи Возрождения центром в г.Перуджа. Для произведений умбрийской школы характерны:

- тонкий лиризм;

- плавность и музыкальность линейных ритмов;

- ощущение поэтической гармонии человека и природы;

- мягкость колористических решений.

Пинтуриккио Итальянский художник, представитель умбрийской школы.Прозвище «Пинтуриккио» означало «маляр», Как считают, родился он в г. Перудже. Учился у Капорали, помогал при создании фресок Сикстинской капеллы Ватикана. Его стиль испытал сильное влияние на Перуджино, особенно заметное в изображении изящных фигур, хотя ученик уделяет больше внимание декоративным эффектам, чем целостности композиции. Две самые значительные работы художника -- росписи ватиканских апартаментов. и библиотеки папы Пия II в Сиенском соборе .В этих фресках явственно выразился характерный стиль мастера: богатство и единство орнаментальных и изобразительных мотивов, легкий радостный колорит, тщательное тонкое письмо, живое воображение и простодушное очарование. Не смотря на тяжелую судьбу, искусству Пинтуриккио в целом присуща светлая оптимистическая образность. Недаром с его именем связывают один из самых поэтичных портретов XV в. -- «Портрет мальчика» Детские портреты -- редкое явление в эпоху Ренессанса. Художник сумел почувствовать и психологически достоверно раскрыть детскую душу.

Перуджино Итальянский художник, представитель умбрийской школы.прозвище получил, потому что работал большую часть жизни в Перудже. Значительную роль в становлении творческого стиля художника сыграли годы учебы во Флоренции в мастерской Вероккио и знакомство с произведениями Франческа. Первой серьезной работой художника стало участие вместе с Боттичелли, и еще 2-мя художниками в росписи Сикстинской капеллы в Риме. Его фреска «Христос, вручающий ключи св. Петру» отличалась величавым спокойствием, уравновешенностью композиций и плавностью и округлостью линий. Творческое наследие мастера состоит в основном из алтарных работ, в которые он внес душевно-проникновенную ноту. Сила искусства Перуджино -- в изображении душевных состояний, когда человек находится в гармонии с собой и окружающим миром. Ему присущи вольная пространственность и особая нежность в передаче среды, в мягкой дымке которой теряют свои резкие очертания силуэты фигур. Эту характерную черту стиля Перуджино перенял впоследствии Рафаэль, бывший его учеником. Искусство художника трудно сопоставить с тем, что о нем отзывались как о маловерующем, способном на все ради денег человеке

45) Пьеро делла Франческа

Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. В 1439 работал в мастерской Доменико Венециано во Флоренции; испытал влияние Мазаччо, Филиппо Брунеллески, мастеров нидерландской живописи. Работал в Урбино, Ферраре, Риме и в др. городах. Уже в произведениях Крещение Христа, ; Мадонны,Бичевание Христа, )проявились основные черты искусства Франческа: величавость образов, объемность форм, прозрачность приглушенного колорита, перспективное построение пространства.Об исключительном чувства цвета художника свидетельствуют цикл фресок “История Креста” в церкви Сан-Франческо исполненных в тончайшей гамме бледно-розовых, фиолетовых, красных, синих и серых тонов. Обобщая объёмы фигур и развёртывая композиции параллельно плоскости стены, на фоне ясных ландшафтов, художник добивается в этих росписях впечатления торжественности, гармоничной целостности картины. Присущее его произведениям внутреннее благородство обретает особую возвышенность во фреске “Воскресение Христа” . Франческа исполнил отмеченные чеканной остротой форм и глубиной психологией портреты герцога Урбинского и его супруги в которых значительную композиционную и эмоциональную роль играют насыщенные светом и воздухом пейзажны. Герои изображены в профиль,Округлыми контурами, мягкой светотенью художник достигает объема лиц, словно вылепив их светом и красками. Лишенный всякой идеализации властный профиль герцога Урбинского, изображенного в красной одежде и того же цвета шапке, четко выделяется на фоне бледного неба и далекого голубовато-серого пейзажа, насыщенного светом и воздухом. Низкий горизонт усиливает монументальность его фигуры, господствующей над окружающей природой. В поздних произведениях художника светотень становится мягче и прозрачнее, передача световых и воздушных Эффектов и разработка живописных деталей еще нежнее и тоньше, что указывает на знакомство художника с образцами нидерландской живописи, пользовавшейся большим успехом у итальянских художников . Примером позднего творчества может служить замечательное, выдержанное в серебристо-лунном, воздушном колорите “Поклонение волхвов” . В поздних работах светотень становится более мягкой, приобретает рассеянный серебристый свет.В конце жизни мастер оставил занятие живописью и полностью отдался сочинению научных трактатов о перспективе и геометрии. Ему принадлежат два научных трактата: “О перспективе в живописи”, в котором художник дает математическую разработку приемов перспективы, и “Книжица о пяти правильных телах”, посвященный практическому решению некоторых проблем построения тела. Творчество Пьетро делла Франческа заложило основы искусства Возрождения в живописи Средней и Северной Италии, оказало значительное воздействие на развитие венецианской и флорентийской школ. Пьеро делла Франческа по праву занимает почетное место в ряду самых известных художников 15 века.

46) Флорентийская школа живописи и Пьеро делла Франческа

Флорентийская живопись последней трети 15 века тесно связана с традициями, определявшими ее развитие со времен Мазаччо.Вместе с тем характер ее основных устремлений существенно меняется.Она сохраняет свой исследовательский дух, но изучение перспективы, пропорций отходит теперь на второй план, в то время как огромное значение приобретает изучение натуры. Одним из основоположником живописи позднего кватроченто является Антонио Поллайоло(ок.1431/33-1498),именно он стал основоположником нового типа мифологической композиции. Наряду с Поллайоло огромную роль в художественной жизни Флоренции играл Верроккио и Венициано.А его ученик Пьеро делла Франческо , сформировался в тесном контакте с передовыми завоеваниями искусства и эстетической мысли Флоренции.Вообще-то творчество Франческо относился к тосканской школе,но мнение искусствоведов здесь расходятся.

Работал в Ареццо, Риме, Ферраре, Флоренции и др.. Творческая деятельность Пьеро делла Франческа-живописца прервалась задолго до его :он ослеп. В 1439 работал в мастерской Доменико Венециано во Флоренции; испытал влияние Мазаччо, Филиппо Брунеллески, мастеров нидерландской живописи. Работал в Урбино, Ферраре, Риме и в др. городах. Уже в произведениях Крещение Христа, ; Мадонны,Бичевание Христа, )проявились основные черты искусства Франческа: величавость образов, объемность форм, прозрачность приглушенного колорита, перспективное построение пространства.Об исключительном чувства цвета художника свидетельствуют цикл фресок “История Креста” в церкви Сан-Франческо исполненных в тончайшей гамме бледно-розовых, фиолетовых, красных, синих и серых тонов. Обобщая объёмы фигур и развёртывая композиции параллельно плоскости стены, на фоне ясных ландшафтов, художник добивается в этих росписях впечатления торжественности, гармоничной целостности картины. Присущее его произведениям внутреннее благородство обретает особую возвышенность во фреске “Воскресение Христа” . Франческа исполнил отмеченные чеканной остротой форм и глубиной психологией портреты герцога Урбинского и его супруги в которых значительную композиционную и эмоциональную роль играют насыщенные светом и воздухом пейзажны. Герои изображены в профиль,Округлыми контурами, мягкой светотенью художник достигает объема лиц, словно вылепив их светом и красками. Лишенный всякой идеализации властный профиль герцога Урбинского, изображенного в красной одежде и того же цвета шапке, четко выделяется на фоне бледного неба и далекого голубовато-серого пейзажа, насыщенного светом и воздухом. Низкий горизонт усиливает монументальность его фигуры, господствующей над окружающей природой. В поздних произведениях художника светотень становится мягче и прозрачнее, передача световых и воздушных Эффектов и разработка живописных деталей еще нежнее и тоньше, что указывает на знакомство художника с образцами нидерландской живописи, пользовавшейся большим успехом у итальянских художников . Примером позднего творчества может служить замечательное, выдержанное в серебристо-лунном, воздушном колорите “Поклонение волхвов” . В поздних работах светотень становится более мягкой, приобретает рассеянный серебристый свет.В конце жизни мастер оставил занятие живописью и полностью отдался сочинению научных трактатов о перспективе и геометрии. Ему принадлежат два научных трактата: “О перспективе в живописи”, в котором художник дает математическую разработку приемов перспективы, и “Книжица о пяти правильных телах”, посвященный практическому решению некоторых проблем построения тела. Творчество Пьетро делла Франческа заложило основы искусства Возрождения в живописи Средней и Северной Италии, оказало значительное воздействие на развитие венецианской и флорентийской школ. Пьеро делла Франческа по праву занимает почетное место в ряду самых известных художников 15 века.

47) Образ Венеции и ее жителей дошли до наших дней благодаря творчеству венецианских мастеров,выходцами венецианской школы-одной из основных живописных школ Италии.Они гордились своим городом и прославляли его. Для Венецианской школы характерно преобладание живописного начала, совершенное владение выразительными возможностями масляной живописи, особое внимание к проблемам колорита.В середине XV в. в живописи Венецианской школы возникают ренессансные тенденции, усиленные флорентийскими влияниями. В произведениях мастеров раннего венецианского Возрождения (Виварини, Джентиле Беллини, Витторе Карпаччо и др.) нарастает светское начало, усиливается стремление к реалистической передаче пространства и объёма; традиционные религиозные сюжеты трактуются как подробные рассказы о красочной повседневной жизни Венеции. Творчество Антонелло да Мессина и особенно Джованни Беллини подготовило переход к искусству Высокого Возрождения .Тициана. (творчество П. Веронезе и Я. Тинторетто). В сценах сельской жизни крупнейшие мастера венецианской областей материка, прилегающих к Венеции утверждали красоту и значительность крестьянского труда и быта (творчество Я. Бассано). В искусстве венецианских мастеров конца XVI в. складываются новые художественные принципы, оказавшие воздействие на развитие европейского искусства XVII в., зарождаются новые жанры - исторический жанр, батальный жанр, групповой портрет.

Виварини занимает особое место в венецианском искусстве конца 15 века. Творческое формирование художника было в значительной степени связано с традициями венецианской поздней готики. Виварини любит писать узоры парчи, драгоценные камни; в красочных аккордах, мелодии линий, ювелирной тщательности, с которой прописаны формы, есть особая изысканность. В то же время он воспринял в поздней готике ее наиболее светские, близкие характеру венецианской культуры 15 века черты,

Беллини Джентиле Итальянский живописец венецианской школы.С его именем связывают создание жанрово-исторических картин.В своих картинах запечатлил праздничную жизнь Венеции. Например«Процессия на площади Сан-Марко», «Чудо Святого Креста» и самая знаменитая «Чудо с крестом у моста Сан Лоренцо». Он занял пост официального живописца Венецианской республики и получил поручение возглавить работу над обширным циклом монументальных живописных панно на исторические темы в Дворца дожей.

В дошедшем до наших дней живописном наследии Беллини центральное место занимают четыре композиции на историческую тему. Три из них -- «Процессия на площади Сан Марко» «Чудо с крестом у моста Сан Лоренцо» (1500), «Чудесное исцеление Людовичи» ,«Проповедь святого Марка в Александрии» .Его композиции торжественны, прекрасно скомпонованы, обилие фигур и деталей не создает в них тесноты.Огромную роль в них играет архитектура -- реальные или вымышленные здания, создающие величественный фон событий, вносящие в композиции торжественность и строгую упорядоченность.У него чеканный и твердый рисунк, красочная гамма, обилие легкого света и прозрачность теней. Ряд превосходных портретов в этих композициях свидетельствует о даровании Джентиле Беллини-портретиста,

В эпоху Ренессанса венецианцы испытывали чувство гордости за свой город, и было принято заказывать картины и другие произведения искусства, изображающие связанные с ним события. В картине «Чудо с крестом у моста Сан Лоренцо» чудесное событие используется художником как повод для показа повседневной жизни Венеции и для демонстрации своего мастерства. Гондольеры, монахи, знатные дамы и патриции, дворцы и канал - все это составляет образ прекрасного города, в котором жил и работал Джентиле. Сцена полна тончайших деталей: ювелирные украшения дам и кирпичи, из которых выложены трубы на крышах дворцов, написаны с одинаковым вниманием и искусностью. Кроме того, живописец наполняет сцену мягким светом, выделяющим фигуры из толпы и освещающим здания.

Легендарные священные события Карпаччо трактовал как реальные сцены, развернутые в пространстве современной ему Венеции, включал в них городские пейзажи и интерьеры, многочисленные жанровые детали, ярко воссоздающие быт горожан .Карпаччо, по-видимому, очень любил свой родной город. Он написал немало картин с венецианскими видами, например, «Чудо реликвии Святого Креста», в которой изобразил захватывающую дух панораму города. А картина «Лев святого Марка», написанная художником уже в преклонном возрасте, по сути является гимном Венеции.

Сложившаяся к середине 1550-х годов художественная манера Паоло Веронезе воплотила лучшие черты венецианской школы живописи: легкий, артистически - изощренный рисунок и пластичность формы сочетаются в картинах художника с изысканной колористической гаммой, основанной на сложных сочетаниях чистых цветов, объединенных светоносным серебристым тоном. Собственно, в творчестве зрелого Веронезе фрески виллы Барбаро занимают достаточно важное место. Отличающаяся изяществом небольшая вилла-дворец красиво вписана в окружающий сельский пейзаж и обрамлена цветущим садом. Ее архитектурному образу соответствуют полные легкого движения и звонкой красочности фрески Веронезе. В Венеции Веронезе знакомится с творчеством Тициана блогодаря чему его произведения приобретают все более светский характер: он показывает современную ему Венецию, архитектуру города, сцены из жизни; его персонажи исполнены горделивого достоинства, роскошно одеты в современные костюмы. Картины Веронезе наполнены жизнерадостностью, весельем. Часто живописец обращается к изображению пиров, праздников с обилием ярко одетых людей.

С удивительной прозорливостью изображал Тициан своих современников, запечатлевая различные, порой противоречивые черты их характеров: лицемерие и подозрительность, уверенность и достоинство (“Ипполито Медичи”, Он любил показывать красоту города Венеции. Так создается одна из самых больших его композиций «Введение Марии во храм» Искусство Тициана, наиболее полно раскрывшее своеобразие венецианской школы, оказало большое влияние на становление крупнейших художников 17 века от Рубенса и Веласкеса.

48) Высокий Ренессанс в Венеции

Период созревания предпосылок перехода к Высокому Возрождению совпадает, как и в остальной Италии, с концом 15 века. Именно в эти годы параллельно с повествовательным искусством Джентиле Беллини и Карпаччо складывается творчество ряда мастеров, так сказать, нового художественного направления: Джованни Беллини и Чима. Хотя они по времени и работают почти одновременно с Джентиле Беллини и Карпаччо, но представляют следующий этап в логике развития искусства венецианского Возрождения. Это были живописцы, в искусстве которых явственней всего наметился переход к новому этапу в развитии культуры Возрождения. Особо четко это раскрывалось в творчестве зрелого Джованни Беллини,

Венеция, сумевшая сохранить свою независимость, дольше хранит и верность традициям Ренессанса.Из мастерской Джанбеллино вышли два великих художника Высокого венецианского Возрождения: Джорджоне и Тициан.Тот факт, что Венеция сохранила свою независимость и в значительной степени свои богатства, определил длительность периода расцвета искусства Высокого Возрождения в Венецианской республике. Перелом же к позднему Возрождению наметился в Венеции несколько позже, чем в Риме и во Флоренции, а именно к середине 40-х годов 16 века.

Джованни Беллини - крупнейший художник венецианской школы, заложивший основы искусства Высокого Возрождения в Венеции. Драматически острые, холодные по цвету ранние работы Джованни Беллини (“Оплакивание Христа”, около 1470, Галерея Брера, Милан) к концу 1470-х годов под воздействием живописи Пьеро и Мессина сменяются гармонически ясными картинами, в которых величавым человеческим образам созвучен одухотворённый пейзаж (так называемая “Озерная мадонна”, “Пиршество богов”). Произведения Джованни Беллини, в том числе его многочисленные “Мадонны”, отличаются мягкой гармонией звучных, словно пронизанных солнцем насыщенных цветов и тонкостью светотеневых градаций, спокойной торжественностью, лирической созерцательностью и ясной поэтичностью образов. В творчестве Джованни Беллини наряду с классически упорядоченной композицией ренессансной алтарной картины (“Мадонна на троне в окружении святых”, 1505, церковь Сан-Дзаккария, Венеция) сформировался полный интереса к человеку гуманистический портрет (портрет дожа; портрет кондотьера,).В одной из последних картин "Опьянение Ноя" художником выражена юношеская приверженность к жизненным ценностям и легкость непринужденности существования. Творчество художника Джованни Беллини проложило дорогу венецианской живописи от поздней готики и проторенессанса к новому искусству эпохи Высокого Возрождения.

Следующим этапом после искусства Джованни Беллини было творчество Джорджоне -- прямой последователь своего учителя и типичный художник поры Высокого Возрождения. Он первый на венецианской почве обратился к темам литературным и мифологическим. Пейзаж, природа и прекрасное нагое человеческое тело стали для него предметом искусства и объектом поклонения. Чувством гармонии, совершенством пропорций, изысканным линейным ритмом, мягкой светописью, одухотворенностью и психологической выразительностью своих образов Джорджоне близок Леонардо, который оказал на него и непосредственное влияние, когда проездом из Милана был в Венеции. Но Джорджоне более эмоционален, чем великий миланский мастер, и как типичный художник Венеции интересуется не столько линейной перспективой, сколько воздушной и главным образом проблемами колорита.Уже в первом известном произведении «Мадонны» он предстает вполне сложившимся художником; образ мадонны полон поэтичности, задумчивой мечтательности, пронизан тем настроением печали, которое свойственно всем женским образам Джорджоне. За последние пять лет своей жизни (Джорджоне умер от чумы)художник создал свои лучшие произведения, В картине«Гроза» изображается человека как часть природы. Кормящая ребенка женщина, юноша с посохом не объединены каким-либо действием, но соединены в этом величественном ландшафте общим настроением, общим душевным состоянием. Джорджоне владеет тончайшей и богатой палитрой.Зеленый цвет имеет массу оттенков: оливковый в деревьях, почти черный в глубине воды, свинцовый в тучах. Одухотворенностью и поэтичностью пронизано изображение «Спящей Венеры»). Ее тело написано легко, свободно, изящно, недаром исследователи говорят о «музыкальности» ритмов Джорджоне; оно не лишено и чувственной прелести. Но лицо с закрытыми глазами целомудренно-строго, в сравнении с ним тициановские Венеры кажутся истинными языческими богинями. Джорджоне не успел завершить работу над «Спящей Венерой»; по свидетельствам современников, пейзажный фон в картине писал Тициан, как и в другой поздней работе мастера -- «Сельском концерте». Эта картина, изображающая двух кавалеров в пышных одеждах и двух обнаженных женщин, из которых одна берет воду из колодца, а другая играет на свирели,--наиболее жизнерадостное и полнокровное произведение Джорджоне. Но это живое, естественное чувство радости бытия не связано ни с каким конкретным действием, полно чарующей созерцательности и мечтательного настроения. Соединение этих черт столь характерно для Джорджоне, что именно «Сельский концерт» можно считать его наиболее типичным произведением. Чувственная радость у Джорджоне всегда опоэтизирована, одухотворена.