Художественная культура: этапы развития

Пьер Огюст Ренуар. Был из первых худ-ов, начавших работать на пленэре. Результатом стал живой. красочный стиль с характерным «перистым» мазком. Импрессионизм способствовал выработке собственного творческого видения, главная тема- современность. Его привлекает не столько пейзаж, сколько человек, атмосфера дружеского общения (Лягушатник; Завтрак гребцов; После обеда; Танцовщица). Приобретает известность своими портретами, обнаженными моделями (Этюд к портрету Жанны Самари; Обнаженная; На терассе; Девушки с веером; Купальщица). Колорит напоминает цветовую гамму мастеров рококо: розовые, голубые, бледно-зеленые тона. Позднее начал строже относиться к рисунку, стремится к четкости линий и форм, манера становится более сухой. После период возвращается к свободной манере (Жанна Самари; Девушки за фортепиано), в колорите преобладают красноватые тона. За свою жизнь Ренуар написал свыше 6000 картин.

Эдгар Дега. Главное для Дега - город, парижские типы, посетители кафе и тд. Его худ. интерес сосредоточен на воссоздании жизни в движении, стремлении схватить характерную позу, жест. Его темы- скачки, бега, жокеи, лошади, балет, цирк, театр (Абсент; Жокеи перед трибунами; Голубые танцовщицы). Создавал серии причесывающихся, одевающихся, выходящих из ванной, вытирающихся итд.В картинах Дега поражают неожиданность и новизна взгляда, выраженные пластически с помощью ракурса, придающего композиции остроту и свежесть. Игра света, по его представлениям, придавала поэтичность обыденному миру. После того как ослеп после обороны Парижа от пруссаков, обратился к скульптуре. Дега нацеливает воспр-е зрителя на открытие прекрасного в окруж. мире.

Камиль Писсаро - ранние работы отмечены влиянием Коро, Курбе. Его интересует жизнь природы в ее движении и изменениях (Сена в Марли; Красные крыши). Выставлялся в салоне, принимал участие во всех выставках импрессионистов. Раскрывает красоту старинных площадей, переулков, строений (Большой мост в Руане; Итальянский бульвар, освещенный солнцем; Бульвар Монмартр в Париже). Колорит сдержан, живописная фактура сложна и многокрасочна. Спустя время некот единомышленники отойдут от этого метода, Писсаро останется верен ему навсегда. Русский импрессионизм: работы с особым лиризмом, но нет ассиметрии, не высветлен колорит.

Постимпрессионизм. Общая характеристика

Постимпрессионизм- течение в худ. жизни Фр. как реакция на импрессионизм (пост- и время, и опровержение импрессионизма). От импрессионизма воспринимают чистоту и звучность цвета, обращаются к нему, как к методу в ранний период творчества. В противовес ему начинают поиск чего-то материального, постоянного, осязаемого (цельность композиции). Стремление передавать на полотнах не сиюминутное, а длительное, сущностное состояние жизни, как материальной, так и духовной. Поиски шли различными путями, среди которых было воплощение знаков, символов, мыслимых образов в символизме (Гоген), создание линейно-живописного строя и «декоративной стихии», стиля модерн, проникновение в конструктивную основу предметного мира и природного окружения (Сезанн), выход на сверхчувственную выразительность формы и цвета, предвещающую эксперименты экспрессионизма (Ван Гог). Постимпрессионизм является связующим звеном между искусством 19 и 20 вв., предвосхищая многие поиски и находки мастеров 20в.

Жорж Сёра: отошел от импрессионизма и создавал произведения на основе золотого сечения, с Синьяком работал над созданием техники пуантилизма - письмо точками (Парад; Пудрящаяся женщина). Смотреть на такую картину с близкого расстояния нельзя. Только, когда зритель отходит на определенное расстояние точки сливаются воедино.

Поль Синьяк: с Сёра основал «Салон независимых». Считал, что импрессионизм зашёл в тупик. Теоретик «От романтизма к неоимпрессионизму». Писал море, порты разных стран (Песчаный берег моря; Сен-Тропез;).

Поль Сезанн: новаторский изыск. Отрицает мимолётность и изменчивость мира, стремится зафиксировать некие представления о реальном. Таким постоянством обладает геометрическая сущность, максимальная вещественность. Объём и пространство передаёт цветом (цвет не зависит от освещения). Жив-сь отличается плотностью живописного слоя, отсутствием свето-теневой моделировки (Персики и груши; Большая сосна близ Экса). Своя система перспективы- предтеча кубистов. В основе худ-й манеры лежит квадратный корпусный мазок. Картина «Пьеро и Арлекин» произвела огромное впечатление на русских художников. Её свободная манера, смелое использование черного цвета, породила множество подражателей, кот называли «сезанистами». Поль Гоген: философские идеи, внутренний покой. Тема мира, лишённого времени, желание создать идеальный мир, далёкий от современности, нереалистичность. Мощный декоративный эффект во всех работах (Цветы и кошка). Разрабатывал синтетический символизм (Натюрморт с драпировкой; Желтый Христос). Жил на Таити (А ты ревнуешь?; Беседа)- в образах чувственная привлекательность, радость жизни (Золото их тел). Формы его картин просты, глубина и перспектива практически отсутствуют.

Винсент ван Гог: Его герои- бедняки и тяжёлый труд. В первых работах деформирует лица, фигуры; рисунок грубый (Едоки картофеля). В Париже знакомится с Писсаро, Гогеном, Дега. Смена палитры, исчезает мрачность настроений и красок, социальные моменты уступают место видам Монмартра, портретам, натюрмортам, автопортретам (Автопортрет с перевязанным ухом). Пишет множество букетов цветов, осваивая новые достижения системы цвета (каждый цвет имеет своё значение). Пластичные, рельефные, пастообразные структуры (Красные виноградники в Арле). Его работы полны южного солнца, лаконичны. Нет техники, техника- это стремление передать графические ритмы предмета, изображает непрерывность мгновений(Подсолнухи; Деревья в цвету). Последние работы полны зловещего смысла и символов (Пейзаж в Овере; После дождя).

Анри де Тулуз-Лотрек: Групповой портрет: многочисленные жанровые сценки в кафе, барах, кабаре (В Мулен де ла Галетт- психологические характеристики). Работам присущ гротеск, утрирование индивидуальных черт. Развлечения и быт богемы и парижского дна показывает без морализирования, с присущей болезненной остротой, наблюдательностью и едкой иронией (Наездница; Певица Ивет Гильбер; Танец в Мулен Руж;). Создал много афиш. Впервые воспел образы, которые в искусстве считались non-grata.(Серия портретов, проект афиши, альбом 16 литографий с изображениями Ивет Гильбер).

Дивизионизм

(фр. divisionnisme, от deviser - делить) - живописный метод, основанный на целенаправленном разложении сложного цветового тона на спектрально чистые цвета, кот. точками различной конфигурации наносятся на холст, а затем при восприятии картины зрителем с определенного положения оптически сливались в нужный художнику цвет в сетчатке глаза.

Элементы дивизионизма ярко проявляют себя уже в пленэрной живописи импрессионистов, которые использовали этот метод скорее интуитивно, руководствуясь эмоциями и наблюдательностью, нежели знаниями и рассудком.

Основоположниками дивизионизма считаются художники-неоимпрессионисты Жорж Сёра и Поль Синьяк, которые попытались довести до логического завершения эмпирические находки своих предшественников, соединив воедино искусство и науку. Опираясь на психофизиологию восприятия цвета и теоретические труды Эжена Шеврёля , Огдена Руда и Германа Гельмгольца, они научно обосновали новый живописный метод и практически применили его в своем творчестве.

Дивизионизм противопоставил беспорядочности и хаотичности мазков импрессионистов четкую систему вычисления и наложения точек, что делало работу художника очень сложной и трудоемкой, а способ письма строгим и сухим, но в тоже время привел к эффекту создания более интенсивных цветов, тонов и света в живописи.

Камиль Писсарро, на короткое время присоединившийся к неоимпрессионистам, называл их «научными импрессионистами», тем самым подчеркивая принципиальное различие между своими прежними товарищами («романтическими импрессионистами») и новыми молодыми соратниками.

Как движение дивизионизм получил развитие помимо Франции в Бельгии (Тео Ван Риссельберге) и особенно в Италии (Джованни Сегантини) в конце XIX в., став там одним из источников появления футуризма.

Мастера дивизионизма: Жорж Сёра, Поль Синьяк, Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

В понятии «дивизионизм» (от фр. division -- «разделение») заключалась суть метода Жоржа Сера и его сподвижников, основанного на законе оптического восприятия. Глаз способен синтезировать нужный цвет, соединяя световые лучи, -- следовательно, художник может не пытаться смешивать этот цвет на палитре. Достаточно просто наносить составляющие свет цвета в определенных сочетаниях на полотно. Чистые цвета наносятся отдельными маленькими мазками, похожими на точки. Поэтому технику неоимпрессионистов называют также пуантилизмом (от фр. point -- «точка»).

«Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт» - первая картина в новой письма. Новый худ. метод, основанный на законах спектрального анализа. Сёра отказался от смешения красок и использовал точечные мазки чистого цвета, располагая их рядом друг с другом. Написанная мелкими мазками, картина словно выткана из огромного кол-ва оттенков. Все фигуры расположены лицом к зрителю или в профиль. Позы скованны, лица не видны, однако бросаются в глаза детали: обезьянка, собачки, зонтики, трости, трубка и сигара. Застывший, словно по мановению волшебной палочки, пейзаж окутан странным, нереальным воздухом. Техника дивизионизма (пуантилизма) была настолько сложна, что художник за свою недолгую жизнь написал только семь больших композиций, не считая пейзажей и рисунков. С оптической точки зрения Сёра изучил возможности красок для создания более темных или более светлых оттенков. Причем главным в его экспериментах было не соответствие полученной гаммы естественным краскам природы, а достигаемый их игрой особый декоративный эффект.

12.2 Художественная культура конца 19-20 вв. Художественные течения модернизма

«Модернизм» (от фр. «mod-ernizme» (от лат. modernus - новый, современный). Модернизм - собирательное обозначение всех новейших течений, направлений, школ и деятельности отд. мастеров иск-ва XX в., порывающих с традицией, реализмом и считающих эксперимент основой творческого метода, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением худ. форм, а также условностью (схематизацией, отвлечённостью) стиля.

Дух. революции, кот. неизбежно рождалась из кризисного старого мира. Духовная революция, как нов. кач-во сознания, новое жизнепонимание, требовала для себя новой идейной платформы. Эта платформа была сформулирована на базе интуитивизма А. Берсона и Н. Лосского, ницшеанства, феноменологии Э. Гуссерля, психоанализа З. Фрейда и К. Юнга, экзистенциализма С. Кьеркегора, М. Хайдеггера, К. Ясперса, Н. Бердяева и др.

Модернисты, признав неразрешимость своих противоречий, приходят к отрицанию духовно-нравственных «абсолютов». Но стремятся возродить в иск-ве мифотворческий метод, кот. способен восстановить цельность и органичность человеческого бытия в рамках единой космологической системы худ. средствами.

Модернистские течения в искусстве

* Абстрактное искусство

* Абстрактный экспрессионизм

* Авангард

* Дадаизм

* Кубизм

* Постимпрессионизм

* Сюрреализм

* Фовизм

* Футуризм

* Экспрессионизм

Первая волна новых течений прокатилась в 1905 г. В двух странах. Во Франции образовалась группа живописцев, получившая название фовистов («диких»). В Германии возникло общество «Мост», за членами которого закрепилось название экспрессионистов. Обе группы исповедовали общую доктрину эмоционально-колорис-тической живописи. Утверждали живопись «без правил». Периодом наивысшей активности были 1905-1907 гг.

Фовисты стремились создать новую реальность, кототую они приравнивали к творениям природы, благодаря декоративными цветовым отношениям, служившим для выражения эмоций.

Во главе этого направления был Анри Матисс (1869-1954),его произведения: «Красная мастерская», «Художник и модель», «Маррокканка», «Красные рыбки».

Параллельно возникло множество направлений, стремившихся совместить завоевания профессионального искусства с выразительностью примитивных народов.

Крупнейшим среди них был кубизм, нашедший сторонников и среди архитекторов, скульпторов, живописцев.

Основоположниками кубизма являются П.Пикассо и Ж.Брак. В их ранних работах (1907-1909 «сезанский период кубизма») формы предметов реального мира трактуются подчеркнуто объемно и сводятся к простым геометрическим телам: дома - кубы, крыши - пирамиды, стволы деревьев - цилиндры и т.д. Кубисты воспринимают предмет с разных точек зрения, в различные временные моменты, а иногда как бы находясь внутри изображаемых объектов, которые теряют целостность и распадаются на фрагменты.

Период сезанского кубизма сменился «аналитическим» периодом (1909-1911).Объект дробится по осям на состовляющие «первоэлементы», которые проецируются на плоскость.

Третий период «синтетический» (1911-1914). Связь с реальным предметом почти исчезает, уступая место орнаментально-ритмической организации плоскости холста. Эта стадия кубизма уже пересекается с абстракционизмом.

Параллельно возник дадаизм (от фр. «конек, деревянная лошадка, детский лепет») - литературно-художественное течение 1916-1922гг. Дадаисты создавали алогичные, иногда абстрактные (Ж.Арп), иногда составленные из реальных бытовых предметов композиции. По мысли авторов, все произведения, призваны были выразить протест против хаоса войны.

Среди представителей разных художественных направлений воцарилось мнение, что формы реалистического искусства себя исчерпали. Возникло абстрактное искусство, абстракционизм (от лат. «удаление, отвлечение») - беспредметное искусство, не изображающее окружаемый видимый мир, а стремящееся выражать «духовную сущность», общие понятия, неповторимый внутренний мир автора.

Классиками этого направления считаются В.В. Кандинский (1866-1944) и К.С. Малевич (1878-1935)

Особое место в искусстве 20 века. Занимает футуризм (от лат. «будущее»). Футуристы стремились создать новый динамичный стиль, разрушающий традиции, каноны и приемы старого искусства. Группа футуристов выступила в 1910г. Их цель - разрушение старой культуры и воплощение динамики индустриальной эпохи в искусстве Футуристы стали на путь формотворчества: они разлагали предмет на «линии-силы», «объемы-силы», вводили пересечения и сдвиги плоскостей, наплывы планов. Футуризм просуществовал до конца 30-х годов 20 века.

В тех же годы футуризм получил распространение в культуре России в области изобразительного и театрального искусства, литературы (В,В, Маяковский).

Футуристы усложняя свои программы называли себя эгофутуристами, кубофутуристами и т.д.

Язык реалистического искусства был взят на вооружение направлением, по своей идеологии противоположном социалистическому реализму - сюррелизм (от фр. «сверхреализм»). Основной этап развития - межвоенные десятилетия. Сюрреалисты воспринимают мир как комплекс алогизмов, парадоксов, социального безумия. Некоторые пользовались абстрактными формами (П. Клее), но хрестоматийное представление об этом направлении связано с творчеством С. Дали и бельгийца Р. Магритта, для которых характерна наглядно-предметная форма выражения художественной концепции неправдоподобности и обманности реальности, темных сил личности и социума в формах станковой картины и графического листа.

В лучших своих произведениях сюрреалисты поднимаются до трагического мироощущения, понятного в период надвигающейся мировой войны («Ангел очага» М. Эрнст (1937)).

13.2 Художественная культура конца 19-20 вв. Архитектура. АРХИТЕКТУРА 19-20вв.

Развитие западноевроп. арх. в 1й пол.19 в. характеризовалось постепенным отходом от стиля классицизма и широким использованием эклектики. Изменившиеся усл. жизни, появл. нов. типов зданий, усложнение планов сооружений поставили перед арх. нов. задачи. Стремление выработать иные арх. формы, опирающиеся на местные национ. худ. традиции. Обращаются к историч. стилям, пытаются исп. присущие им формы в совр. сооружениях. Однако воспринятые поверхностно, готика, ренессанс, барокко и др. стили, взятые в отдельности или смешанные друг с другом, не могли послужить основой нового оригинального стиля. Они способны были лишь внешне в той или иной степени имитировать архитектуру прошлого.

Эклектизм, укрепившийся в 30-х годах, явился архитектурно-творческим методом всего 19 века. Важным фактором в развитии арх. был быстрый и решительный прогресс строит. техники, обусловивший коренные изм-я в применяемых материалах и конструкциях.

С нач. 19 в. в строит-ве начали активно исп. металлы -- чугун, затем железо; во 2й пол. столетия осуществлен переход к стали, позже - железобетон. В композиционном отношении арх обращается вспять, к давно отошедшим стилям.

Уже в 1830-1840-х годах во Франции, Германии, Англии появляются здания, на облике которых отразились увлечения их авторов раннехристианской, готической, мавританской архитектурой, флорентийским ренессансом.

В 1840--1860 годах архитектором Чарльзом Бэрри совместно с Огастесом Пьюджином строится в Лондоне большое здание Парламента, целиком осуществленное в формах англ.готики. Арх-ры хотели как можно ближе подойти к характеру подлинных сооружений готического стиля. Копирование стилей прошлого отмечается и в др.сооружениях этого времени.

С 1861 по 1875 год в Париже здание Большой оперы (архитектор Шарль Гарнье), пышная отделка кот. воспроизводит декорат.е формы Европ. барокко 17 в. Фасад и интерьеры театра изобилуют лепными декоративными деталями. Особенно богато оформление парадной лестницы и фойе, выполненных из цветных мраморов и бронзы.

Во 2й пол. века в Берлине и Будапеште были возведены крупные общественные сооружения. Здание Парламента в Будапеште было построено архитектором И. Штейндлем (1855--1870). Заостренная форма купола, башенки и пинакли, стрельчатые арки, контрфорсы придают этому вполне современному зданию «средневековый», «готический» характер. Рейхстаг в Берлине был создан по проекту архитектора Пауля-Валло (1884--1894). Вся декорировка сооружения выполнена в «ренессансно-барочном» стиле.

Одновременно с Рейхстагом на площади Лустгартен архитектором Юлиусом Рашдорфом б. возведен главный берлинский собор (1893), также решенный в формах барочной архитектуры.

Все эти здания обладают совр. планами, в них применены металлические и иные нов. конструкции, но архитектурно-декоративные формы основаны исключительно на копировании и смешении мотивов старых, «исторических» стилей.

Для расширения представлений худ. кругов о средневековой архитектуре, интерес к кот. в это время был особенно велик, большое значение имела деятельность видного франц. арх., ученого археолога Виолле ле Дюка (1814--1879), реставрировавшего научными методами капеллу Сен-Шапель, собор Парижской богоматери и замок Пьерфон.

Конец XIX в., характериз. эклектизмом, одновременно был периодом интенсивного развития металлических конструкций и их использования в арх.В этом важную роль сыграла Чикагская школа, которая заложила основы исп-я металлического каркаса в многоэтажных торговых и административных зданиях. Возникновение Чикагской школы, которая была в конце XIX в. единственным центром прогрессивных идей в бездушном эклектическом подражательстве, характерном для американской арх, было стимулировано интенсивным строительным бумом, наступившим в 1870 г. в Чикаго после Великого пожара. Основателем школы был Уильям ле Барон Дженней, который запроектировал первый небоскреб - здание страховой компании «Хоум Иншуренс Компани» (1883 - 1885). Первым небоскребом с металлическим каркасом считается постройка, осуществленная Л. С. Буффингтоном (1880), хотя каркас и остался спрятанным за массивным каменным фасадом. Прогрессивный характер носила другая постройка Дженнея - «Лейтер» (1889), кот. сдержанностью форм и конструктивным растром на фасаде выразила основные арх. принципы Чикагской школы. Своей вершины они достигли в работах Д. Рута, а особенно Л. Салливена, автора 12 - этажного универсального магазина «Карсон, Пири и Скотт» (1899), главным арх. элементом кот. стало горизонтальное трехстворчатое окно. Регулярно расположенные, такие окна придают фасадам характер решетки. Вызывающая удивление «современность» арх. облика чикагских небоскребов порождена необходимостью получить хорошо освещенные интерьеры, освободить внутреннее пространство от массивных конструктивных элементов и тем добиться функциональной универсальности планировки.

Влияние Чикагской школы на дальнейшее развитие американской архитектуры было подавлено новой вспышкой историзма и академизма, поддержанных в архитектурных решениях Всемирной выставки в Чикаго в 1893 г.

Характерные черты эклектизма. Сдвинулись границы между различными видами творчества. Арх. стала ближе скульптуре, а скульптура переняла тектонические принципы арх. На смену простому соединению арх. и ИЗО снова пришел их синтез, который за неполных два десятилетия своего существования обозначил образ наступающей эпохи. Арх. ярко выразила ощущ. времени - мира развитой техники и уходящего историч. романтизма. Стала предвестником интеграции искусства техники и функции на более высоком уровне их развития.

2 этапа перехода к нов. арх. Для 1го этапа развития б. особенно хар-но идейное расхождение с историзмом, последствия кот. сказались на архитектуре XX в. Периодич. возвраты к принципам свободного творчества показ., что арх-ры всеми способами стараются добиться убедительности образа своих произв. Второй этап - стремление однозначно ориентироваться на функциональную логику архитектуры, что означало коренное изменение ее конструктивных и художественных принципов.

Стиль Модерн

Модерн - стилистическое направление в европ. иск-ве конца XIX - начала XX века. В первую очередь затронуло архитектуру и декоративное искусство.

Стиль модерн возник как реакция на эклектизм, на безжизненное копирование исторических стилей прошлого, а прежде всего - на упадочнические вкусы, следствие коммерциализации изделий промышленного и машинного производства.

Возникновение стиля модерн в арх. и прикладном искусстве связано с основанием общества «Искусства и Ремесла» (1883). Это общ-во возникло из движения того же названия, боровшегося за возрождение худ. ремесел, и выступало против снижения худ. ур-ня продукции вследствие перехода к промышленному производству. Непосредственными его предшественниками были худ. и социальный критик Д. Рескин и поэт и худ.У. Моррис, которые призывали возвратиться к ручному труду, по-новому опред. функцион.и формообразующие принципы архитектуры. Принцип целесообразности формы и худ. выразительности естественных материалов.

Для модерна характерны извивающиеся линии; в декоре его асимметричные арабески решительно порывают с традицией, создавая растительные мотивы (во Франции и в Бельгии) и линеарные формы (в работах австрийских сецессионистов или шотландского арх. Чарлза Ренни Макинтоша).

В интерьере дома "Тасселя", в Брюсселе, расписанном Виктором Орта, декоративные возможности железа органично используются в мотивах текучести, повторяющихся и в рисунке инкрустированного пола, и в настенных росписях. Эта цельность проекта типична для стиля модерн (Ар Нуво), кот. охватывает и внутреннее убранство здания, вплоть до столовых приборов.

Эксперименты Орта оказали влияние на другого бельгийского архитектора, Анри ван де Вельде, кот. создал проект галереи для Сэмюэла Бинга. Во Франции этот стиль был популяризирован Эктором Гимаром, кот. в декоре станций парижского метро продемонстрировал, как далеко арх. модерна ушла от традиций. Эксцентричный и специфически декоративный новый стиль использовался для отделки крупных магазинов больших городов Европы и Америки, символизируя, таким образом, процветание и могущество торговли.

Значительное распространение в Европе получила также идея «города - сада», кот. в конце XIX в. сформулировал - англичанин Э. Говард в своей книге «Города - сады будущего» (1898). Города - сады рассматривались как небольшие, но самообеспечивающие градостроительные комплексы на 32 тыс. жителей. Они д. б. приостановить концентрацию жилья в больших городах и путем соединения жилища с природой способствовать оздоровлению жизненной среды.

Влияние модерна на все виды худ. деятельности было огромно. Следы модерна мы находим во всем: в архитектуре, в живописи, в монументальном искусстве, в книжной графике, плакате, рекламе, дизайне, одежде. Все, к чему прикасалась рука художника, д.б. стать прекрасным, каким являются природные формы, перед которыми эти художники преклонялись.

Но прошла пара десятков лет и модерн обвинили в элитарности, в вычурности, в манерности, в эклектичности, в отсутствии естественности.

Модернизм

Отход буржуазной культуры от реализма, провозглашение независимости искусства от действительности. Стремление найти связь с жизнью, решить большие социальные проблемы порождало в творчестве мучительные противоречия.

Постмодернизм с 1918 г.

Модернизм в арх.охватывает творчество пионеров совр. арх. и их последователей во временномм промежутке с нач. 1920-х годов и по 70-е--80-е годы (в Европе), когда в архитектуре возникли нов. тенденции. Принципиальная установка на новизну арх., как конструктивных и планировочных идей, так и внешних форм, которые, по мысли архитекторов-модернистов, должны исходить из достижений новых строительных технологий.

Основные принципы арх. модернизма -- использование самых современных строительных материалов, рациональный подход к решению конструкций и внутренних пространств, отсутствие тенденций украшательства, принципиальный отказ от исторических реминисценций в облике сооружений, их «интернациональный» характер. Что касается социальных установок архитекторов-модернистов, то, как правило, они отличались явным демократизмом.

Стили-предшественники модернизма в архитектуре, так называемые «неостили», -- русский модерн, австрийский сецессион, югенд-стиль в Германии, ар-нуво во Франции, а также неоклассицизм, развившийся позже повсеместно.

Последующий за модернизмом стиль -- постмодернизм, для которого характерен возврат к использованию элементов традиционных исторических стилей. А также другие направления, в которых усилились черты иррационального подхода к архитектуре, выразившиеся, например, в более эмоциональном подходе -- в экспрессивных деформациях форм и конструкций зданий, в худ. стилизации или же в прямых изобразительно-ассоциативных решениях.

Модернизм в архитектуре ассоциируется с такими понятиями (движениями), как авангардизм, пуризм, функционализм, конструктивизм, «новое движение», интернациональный стиль, техницизм, минимализм.

Основные представители модернизма, пионеры современной архитектуры, которым принадлежит роль первопроходцев, это -- Фрэнк Ллойд Райт, Вальтер Гропиус, Рихард Нойтра, Людвиг Мис ван Дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвар Аалто, Оскар Нимейер и некоторые другие.

Во 2-й пол. 19-20 вв. соц. и научно-технические сдвиги вызвали появление новых функций, конструктивных систем, художественных средств архитектуры, индустриальных методов строительства.

Свлливен (Sullivan) Луис (1856-1924), американский архитектор. Дал художественное осмысление типа высотного делового здания, введя композиционные членения и орнамент (небоскреб Гаранти-билдинг в Буффало, 1894-95; универмаг в Чикаго, 1899-1900). Выдвинул теоретические принципы функционализма и органической архитектуры.

ФУНКЦИОНАЛИЗМ, направление в архитектуре 20 в., требующее строгого соответствия зданий и сооружений протекающим в них производственным и бытовым процессам (функциям). Функционализм возник в Германии (школа Баухауз ) и Нидерландах (Я. Й. П. Ауд); во многом сходны искания конструктивизма в СССР. Используя достижения строительной техники, функционализм дал обоснованные приемы и нормы планировки жилых комплексов (стандартные секции и кварталы, «строчная» застройка кварталов торцами зданий к улице).

ОРГАНИЧЕСКАЯ АРХИТЕКТУРА, направление в архитектуре 20 в. (основатель и теоретик -- Ф. Л. Райт в США, в 30-50-х гг. -- А. Аалто в Финляндии, Б. Дзеви в Италии). Основные принципы: индивидуальный характер архитектурных произведений (преимущественно виллы, особняки, загородные отели и т. д.), обусловленный конкретной функцией и природной средой, отказ от урбанистических индустриальных методов, строительство из естественных материалов, создание единого перетекающего пространства, связь с окружающей природой.

КОНСТРУКТИВИЗМ, направление в изобразительном искусстве, архитектуре и дизайне 20 в., поставившее своей целью художественное освоение возможностей современного научно-технического прогресса. В зодчестве тесно примыкает к рационализму и функционализму. Сложилось в 1910-е гг., прежде всего на базе кубизма и футуризма, разделившись вскоре на два обособленных (хотя и постоянно взаимодействующих) потока: «конструктивизм социальный», тесно связанный с задачами «социальной инженерии», создания нового человека путем радикального преобразования окружающей его предметно-материальной среды (эта линия наиболее интенсивно развивалась в Советской России 1920-х гг., в теории и практике ЛЕФа, в производственном искусстве) и «конструктивизм философский» (более характерный для капиталистических стран), ставящий социально-преобразовательные цели в более отвлеченно-созерцательном плане (прежде всего -- в различных видах геометрической абстракции). Обе традиции вошли в кинетизм, пародийно отразившись в деконструктивизме.

РАЦИОНАЛИЗМ, движение в архитектуре 20 в., стремившееся выработать новые архитектурные методы, отвечающие современным общественным потребностям, эстетическим запросам и уровню промышленно-технического развития. Рационализм выдвинул требование единства архитектурной формы, конструкции и функционально обусловленной пространственной структуры. Принципы рационализма осуществляли Ш. Ле Корбюзье во Франции, школа Баухауз в Германии, группа «Стиль» в Нидерландах и др. Лозунг рационализма выдвигала группа архитекторов (АСНОВА).

КУБИЗМ (франц. cubisme, от cube -- куб), направление в искусстве 1-й четверти 20 в., представители которого стремились свести изображение к комбинации простых геометрических тел, приз.

Ле Корбюзье. Характерные признаки архитектуры-- объёмы-блоки, поднятые над землей; свободно стоящие колонны под ними; плоские используемые крыши-террасы («сады на крыше»); «прозрачные», просматриваемые насквозь фасады («свободный фасад»); шероховатые неотделанные поверхности бетона; свободные пространства этажей («свободный план»)

Архитектурные направления и стили в России на рубеже XIX - XX веков

Эпоха высокоразвитого промышленного капитализма вызвала существенные изменения в архитектуре, прежде всего в архитектуре города. Возникают новые типы арх. сооружений: фабрики и заводы, вокзалы, магазины, банки. Переворот произвел появление новых строительных материалов - железобетона и металлических конструкций, которые позволили перекрывать гигантские пространства, делать огромные витрины, создавать причудливый узор из переплётов.

В последнем десятилетии XIXв архитекторам стало ясно, что в использовании исторических стилей прошлого архитектура зашла в тупик, нужно было творческое осмысление того нового, что накапливалось в среде стремительно растущего капиталистического города. Последние годы 19 века - это время господства «модерна», сформировавшегося на Западе, и неоклассицизма. В последнее десятилетие 19 и в самом начале 20 века в архитектуре России продолжает процветать метод стилизации. Обращение к традициям древнерусской архитектуры породило неорусский стиль начала 20 века (иногда наз неоромантизмом). В духе изысканной стилизации под древнерусские терема и палаты построены Ярославский вокзал в Москве Казанский вокзал в Москве. Также продолжает развиваться неоклассицизм. Произведения чисто петербургского неоклассицистического стиля - доходный дом в начале Каменноостровского проспекта, здания Азово-Донского банка на большой Морской улице, гостиницы «Астория». В русле неоклассицизма работал Щуко. Жолтовский открывает целую страницу русского зодчества 20 в., опираясь в своём творчестве на традиции античности, Ренессанса и классицизма. Строгостью форм отличается ранняя постройка - Павильон скакового общества в Москве, а также бывший московский особняк Тарасова на Спиридоновке, напоминающий флорентийское палаццо по строгости. Образ флорентийских палаццо вдохновили Белогруда; в одном из его домов на площади Льва Толстого интерпретируются мотивы архитектуры раннего средневековья. В самом конце 19 столетия в архитектуре стран Западной Европы началось сложение нового стиля. Понимая бесперспективность эклектического смешения стилей, осознавая противоречия между «исторической» формой и современным содержанием зданий, архитекторы направили свои поиски на создание новой архитектуры, исходя из открытий в области строительной технологии и из сформировавшейся в «век промышленной революции» новой эстетики. Так появился стиль «модерн», в основе формы которого лежит свободная асимметрия, а в основе содержания - стремление создать средствами промышленного века эстетизированную архитектурную среду.

Причудливый рисунок, построенный на извивах линий, распространяется на все части здания: излюбленный модерном мозаичный фриз, или пояс поливных керамических плиток в блеклых декадентских тонах, переплёты витражных окон, узор ограды, балконные решётки, на композицию лестниц, дизайн мебели. Во всём господствуют капризные криволинейные очертания. В модерне можно проследить определённую эволюцию, две стадии развития. Первая - декоративистская, с особым увлечением орнаментом, декоративной скульптурой и живописностью (керамика, мозаика, витраж), вторая - более конструктивистская.

Модерн был широко представлен в Москве. В это период здесь строятся гостиницы, особняки богатой буржуазии, доходные дома. Типичным примером модерна в России было творчество Шехтеля. Доходные дома, особняки, здания торговых фирм, вокзалы - во всех жанрах оставил Шехтель свой почерк. Ему свойственна асимметричность постройки, органическое наращивание объёмов, разный характер фасадов, использование балконов, крылец, введение в архитектурный декор стилизованного изображения лилий и ирисов, применение в окнах витражей с таким же мотивом орнамента, разной фактуры материалов в оформлении интерьеров. Построенный по проекту Шехтеля особняк Рябушинского у Никитских ворот в Москве - замечательный образец «русского модерна». Модерн получил развитие не только в Москве, но и в Петербурге, где Сюзор в 1904-1906 гг строит здание компании «Зингер» на Невском проспекте. Земная сфера на крыше здания должна была символизировать международный характер деятельности фирмы. В облицовке фасада использованы ценные породы камня (гранит), бронза, мозаика. На петербургский модерн оказали влияние традиции монументального петербургского классицизма

14.2 Крупнейшие художественные музеи России

Крупнейшими музеями России можно назвать в Москве: Государственную Третьяковскую галерею (ГТГ), Государственный музей изобразительных искусств им. А.С, Пушкина (ГМИИ). В Санкт-Петербурге: Государственный Эрмитаж (ГЭ), Государственный Русский музей (ГРМ).

ГТГ - крупнейший художественный музей, основан в 1856 году купцом Павлом Третьяковым и имеющий одну из самых крупных в мире коллекций русского изобразительного искусства. Третьяков начал собирать свою коллекцию живописи в середине 1850-х. Это спустя некоторое время привело к тому, что в 1867 г. для широкой публики в Замоскворечье была открыта «Московская городская галерея Павла и Сергея Третьяковых». Её коллекция насчитывала 1276 картин, 471 рисунок и 10 скульптур русских художников, а также 84 картины иностранных мастеров. В 1892 году Третьяков завещал свою галерею городу Москве. В собрании к этому времени насчитывалось 1287 живописных и 518 графических произведений русской школы, 75 картин и 8 рисунков европейской школы, 15 скульптур и коллекция икон. 15 августа 1893 состоялось официальное открытие музея под названием «Московская городская галерея Павла и Сергея Михайловичей Третьяковых». 3 июня 1918 года Третьяковская галерея была объявлена «государственной собственностью Российской Федеративной Советской Республики» и получила название Государственная Третьяковская галерея. Директором музея был назначен Игорь Грабарь. При его активном участии в том же году был создан Государственный музейный фонд, который вплоть до 1927 г. оставался одним из важнейших источников пополнения коллекции ГТГ. В 1985 году Государственная картинная галерея, располагавшаяся на Крымском Валу, 10, была объединена с Третьяковской галереей в единый музейный комплекс под общим названием Государственная Третьяковская галерея. Сейчас в здании располагается обновлённая постоянная экспозиция «Искусство XX века». В состав ГТГ входят: Музей-мастерская скульптора А.С. Голубкиной, Дом-музей В. М. Васнецова, Музей-квартира А.М. Васнецова, Дом-музей П.Д. Корина, Выставочный зал в Толмачах.

Собрание ГТГ включает живопись, графику, скульптуру, отдельные произведения декоративно-прикладного искусства. Представлено русское искусство 11 -- начала 20 вв. и советское искусство. Галерея обладает богатейшим (созданным в основном в советское время) собранием древнерусской живописи 11--17 вв. (в том числе "Троица" Андрея Рублёва, произведения Дионисия, С. Ушакова). Хорошо представлены портретисты 18 в. (живописцы Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицкий, В. Л. Боровиковский, скульптор Ф. И. Шубин и др.), живопись 1-й половины 19 в. (портреты О. А. Кипренского, В. А. Тропинина, К. П. Брюллова, произведения А. Г. Венецианова, П. А. Федотова, картина "Явление Христа народу" А. А. Иванова и многочисленные подготовительные работы к ней). Особенно полно представлена русская живопись 2-й половины 19 века, ГТГ обладает самым лучшим собранием работ передвижников (В. Г. Перова, И. Н. Крамского, Г. Г. Мясоедова, К. А. Савицкого, В. Е. Маковского. В. М. Васнецова, А. К. Саврасова, И. И. Шишкина, В. Д. Поленова и др.). Многогранно представлено творчество И. Е. Репина (в том числе "Не ждали", "Иван Грозный и сын его Иван") и В. И. Сурикова (в том числе "Утро стрелецкой казни", "Меншиков в Берёзове", "Боярыня Морозова"), В. В. Верещагина, скульптора М. М. Антокольского. Среди произведений художников конца 19 -- начала 20 вв. работы И. И. Левитана, М. А. Врубеля, В. А. Серова, К. А. Коровина, М. В. Нестерова, Б. М. Кустодиева, Н. К. Рериха, мастеров «Мир искусства» (А. Н. Бенуа, К. А. Сомова и др.), Союза русских художников, "Голубой розы", "Бубнового валета" и др. В ГТГ богато представлены все этапы развития советского многонационального искусства, в том числе работы З. И. Азгура, Н. А. Андреева, Е. В. Вучетича, А. М. и С. В. Герасимовых, И. Э. Грабаря, А. А. Дейнеки, Т. Залькална, И. Зариня, Б. В. Иогансона, С. Т. Коненкова, П. П. Кончаловского, Г. В. Коржева, П. Д. Корина, Кукрыниксов (М. В. Куприянов, П. Н. Крылов, Н. А. Соколов), С. Д. Лебедевой, М. Г. Манизера, С. Д. Меркурова, В. И. Мухиной, М. В. Нестерова, Я. И. Николадзе, Ю. И. Пименова, А. А. Пластова, Б. И. Пророкова, С. А. Чуйкова, Т. Салахова, М. С. Сарьяна, М. А. Савицкого, Вл. А. Серова, У. Тансыкбаева, Н. В. Томского, К. В. Юона, Т. Н. Яблонской и др.

ГМИИ - (ГМИИ им. А. С. Пушкина, бывший «Музей изящных искусств имени императора Александра III при Московском императорском университете») -- один из самых крупных и значительных российских музеев европейского и мирового искусства. Инициатором создания музея в 1893 г. выступил профессор МГУ, доктор римской словесности и историк искусства И. В. Цветаев. Он же стал первым директором Музея (1911--1913). Музей создавался на основе Кабинета изящных искусств и древностей Московского университета как учебно-вспомогательное и публичное хранилище слепков и копий с классических произведений мирового искусства. Церемония закладки Музея состоялась 17 августа 1898 года. Бомльшую часть денег на строительство музея пожертвовал русский меценат Ю. С. Нечаев-Мальцов. Руководство постройкой было доверено архитектору Р. И. Клейну. Здание было закончено вчерне в 1904 году. Экспонаты (гипсовые слепки и другие копии) заказывались с 1890-х в зарубежных мастерских по формам, снятым непосредственно с оригиналов; в ряде случаев копии делались впервые. Торжественное открытие Музея изящных искусств имени императора Александра III состоялось 31 мая (13 июня) 1912 года.

Коллекция ГМИИ представляет собой собрание произведений западного искусства от античности до XX века. Первоначально коллекция была сформирована И. В. Цветаевым из гипсовых копий античных скульптур, копий римских скульптур и мозаик, а также купленной государством коллекции подлинных древностей египтолога Голенищева. В апреле 1923 г. по решению Наркомпроса в здании Музея изящных искусств Центрального музея старой западной живописи создается общий музей на основе собраний Государственного музейного фонда, Московского Публичного и Румянцевского музеев, собрания Первого музея старой западной живописи (коллекция Д. И. Щукина), собрания Г. А. Брокара и других частных коллекций, национализированных после революции. В течение года в Музей поступают картины, а в ноябре 1924 года открываются первые залы новой картинной галереи. В 1930 году в ГМИИ из Эрмитажа были переданы картины Боттичелли, Кранаха, Пуссена и Давида. После окончания Второй мировой войны в ГМИИ поступила большая часть картин из Дрезденской галереи, а также Клад Приама, найденный Генрихом Шлиманом на месте древней Трои. Впоследствии собрание Дрезденской галереи было возвращено властям Восточной Германии. Однако некоторые ценности, принадлежавшие западногерманским музеям и частным коллекционерам, остались в ГМИИ. В 1948 г. был закрыт Государственный музей нового западного искусства (ГМНЗИ), и его собрание было поделено между Пушкинским музеем и Эрмитажем. В результате ГМИИ получил большую часть конфискованных советской властью собраний московских купцов Сергея Щукина и Ивана Морозова, состоящих из картин Ренуара, Ван Гога, Моне, Дега, Сезанна, Матисса, Пикассо и других западноевропейских и американских мастеров конца XIX -- начала XX веков (около 300 картин и свыше 60 скульптур). Это были работы французских импрессионистов и постимпрессионистов, являющиеся сейчас гордостью и основой экспозиции ГМИИ. В музее находятся, принадлежавшие Ивану Морозову картины «Красные виноградники в Арле» Ван Гога и «Девочка на шаре» Пабло Пикассо.

Также ГМИИ располагает большим собранием произведений голландских и фламандских живописцев 17 в. (в том числе произведений Рембрандта, Я. ван Рёйсдала, Г. Терборха, А. Бейерена, А. ван Остаде, Я. Йорданса, Ф. Снейдерса, П. П. Рубенса, А. ван Дейка); хорошо представлена французская живопись 17--19 вв. (в том числе произведения Н. Пуссена, К. Лоррена, А. Ватто, Ф. Буше, Ж. Л. Давида, К. Коро, Г. Курбе). В И. и. м. -- одно из самых богатых в мире собраний живописи барбизонской школы. В Отделе гравюры и рисунка И. и. м. около 350 тыс. произведений (1971) зарубежной и отечественной графики, в том числе одно из самых значительных собраний советской графики.

В 2005 году была обособлена Галерея искусства стран Европы и Америки XIX--XX веков (расположенная теперь во флигеле усадьбы Голицыных), многие картины, находившиеся после ликвидации ГМНЗИ в запасниках, пополнили постоянную экспозицию музея.

Сейчас коллекция ГМИИ им. А. С. Пушкина насчитывает свыше 560 тысяч произведений живописи, графики, скульптуры, произведений прикладного искусства, памятников археологии и нумизматики, художественной фотографии.

В 1985 г. по инициативе доктора искусствоведения И. С. Зильберштейна и директора ГМИИ И. А. Антоновой на правах научного отдела ГМИИ был основан Музей личных коллекций. С 1980 г. по инициативе Святослава Рихтера и И. А. Антоновой в залах музея проводится ежегодный фестиваль музыки и живописи «Декабрьские вечера».

ГЭ - (от фр. ermitage -- место уединения, келья, приют отшельника) -- крупнейший в России и один из крупнейших в мире художественных и культурно-исторических музеев. Поначалу представлял собой постоянно растущую коллекцию произведений искусства, приобретённых в частном порядке российской императрицей Екатериной II, но с 1852 был открыт для посещения публики. Современный Государственный Эрмитаж занимает шесть зданий, расположенных вдоль набережной Невы в самом центре Санкт-Петербурга. Ядро Эрмитажа и всего Санкт-Петербурга -- Зимний дворец. За полтора столетия в Эрмитаже собрана одна из крупнейших мировых коллекций, насчитывающая около трёх миллионов произведений искусства и памятников мировой культуры, начиная с каменного века и до нашего столетия. Сегодня музей и дворец являются ценным объектом российского и международного туризма, а современные технологии широко применяются для рекламы музея по всему миру.

Краткая история ГЭ. 1) Эрмитаж возник в 1764 как частное собрание Екатерины II, после того как в Берлине через агентов она приобрела у коммерсанта И. Гоцковского коллекцию из 225 произведений голландских и фламандских художников. Поначалу большинство картин размещалось в уединённых апартаментах дворца, получивших французское название «Эрмитаж» (место уединения). В 1769 году в Дрездене для Эрмитажа была приобретена богатая коллекция саксонского министра графа Брюля, насчитывавшая около 600 картин, в том числе пейзаж Тициана «Бегство в Египет», виды Дрездена и Пирны кисти Беллотто и пр. Важнейшую роль для Эрмитажа сыграла покупка Екатериной в Париже коллекции живописи барона Кроза в 1772. Это собрание во многом предопределило «лицо» картинной галереи. Преобладали картины итальянских, французских, фламандских и голландских мастеров XVI--XVIII века. В их числе -- «Святое Семейство» Рафаэля, «Юдифь» Джорджоне, «Даная» Тициана, картины Рембрандта, произведения Рубенса, ван Дейка, Пуссена, пейзажи Клода Лоррена и работы Ватто. Коллекция живописи британского премьер-министра Уолпола, приобретенная в 1779, добавила ряд шедевров Рембрандта (среди них «Жертвоприношение Авраама» и «Немилость Амана») и группу портретов кисти ван Дейка. Импульсом к развитию графического собрания послужило приобретение более 5 тысяч рисунков из коллекции Кобенцля в Брюсселе в 1781, в которой находился портрет неизвестного работы Фуке.

Еще одной значительной покупкой Екатерины стала коллекция английского банкира Лайд-Брауна, которая включала скульптуруМикеланджело «Скорчившийся мальчик», а также античные статуи и бюсты. В Париже была куплена коллекция резных камней герцога Орлеанского. Кроме того, Екатерина заказывала работы Шардену, Гудону, Рентгену и др мастерам. Ею же были приобретены библиотеки Вольтера и Дидро. В посмертной описи имущества Екатерины 1796 г перечисляются 3096 картин.

2) В правление Александра I и Николая I в Риме на распродаже коллекции Джустиниани через Виван-Денона были приобретены «Лютнист»Караваджо и картина Боттичелли «Поклонение волхвов» (ныне в Вашингтоне). В 1819 году была куплена «Мадонна в пейзаже» Джорджоне. Жозефина Богарне подарила Александру I Камею Гонзага. В 1810-е была приобретена галерея дворца Мальмезон, в том числе работы Рембрандта и Кановы. Еще одной вехой для музея стало приобретение собрания испанской живописи Кузвельта (1814). Николай I, реализовавший идею превращения Эрмитажа в публичный музей, внес существенный вклад в пополнение картинной галереи Эрмитажа (хотя при советской власти важнейшие из купленных им полотен были проданы в США). На второй распродаже коллекции Кузвельта был куплен шедевр Рафаэля «Мадонна Альба» и «Три Марии у склепа Христа» Аннибале Карраччи. В 1845 г по завещанию Татищева к собранию приобщились диптих Кампена «Троица. Богоматерь у камина», ранний диптих ван Эйка «Распятие. Страшный Суд» и другие работы старых мастеров. Примерно тогда же на аукционе коллекции короля Нидерландов Виллема II были приобретены «Благовещение» ван Эйка, «Пьета» Себастьяно дель Пьомбо и «Снятие с креста» Госсарта. В Венеции в Каза Барбариго купили работы мастеров итальянского Ренессанса, в том числе шедевры Тициана и Пальмы Веккьо.

3) Эрмитаж был открыт в 1852 году, тогда он насчитывал богатейшие коллекции памятников древневосточной, древнеегипетской, античной и средневековой культур, искусства Западной и Восточной Европы, археологических и художественных памятников Азии, русской культуры VIII--XIX веков. В XIX веке в Эрмитаж начинают систематически поступать произведения русских живописцев, впрочем, в 1895 году они были переданы Русскому музею. Важными источниками пополнения фондов во 2 пол.20 века становятся дарения и закупки у отечественных коллекционеров. В музей передаются материалы археологических раскопок, значительно обогатившие его отдел. К началу XIX века в музее хранилось уже множество (тысячи) полотен, затем в его коллекции появились и новые произведения искусства. В коллекции картин Эрмитажа уже в те времена были очень ценные произведения, в том числе и средневековых мастеров, например, всемирно знаменита картина Рембрандта «Возвращение блудного сына», которая была написана в Голландии в XVII веке, в переломный период между средневековьем и Новым временем.