Художественная культура: этапы развития

Характерной чертой искусства Возрождения явился небывалый до этого расцвет реалистической живописи. Именно в эпоху Возрождения живопись впервые раскрывает заложенные в ней возможности широкого охвата жизни, изображения деятельности человека и окружающей его жизненной среды. Характерное для эпохи увлечение наукой способствовало овладению анатомией человека, разработке реалистической перспективы, первым успехам в деле передачи воздушной среды, мастерству построения ракурсов, то есть необходимой сумме профессиональных знаний, которые позволили живописцам реалистически правдиво изображать человека и окружающую его действительность. В период позднего Возрождения к этому прибавилась разработка системы приемов, придающих непосредственную эмоциональную выразительность мазку, самой фактурной поверхности картины, и овладение передачей эффектов освещения, постижение начал световоздушной перспективы. Большое значение начинает приобретать с 15 в. масляная живопись. В 16 в. она становится господствующей техникой. В ее развитии особую роль сыграли нидерландские мастера раннего Возрождения, начиная с Яна ван Эйка.

Дальнейшее развитие станковой живописи, стремление к максимально жизненной передаче связи фигуры с окружающей воздушной средой, интерес к пластически выразительной лепке формы, а также пробудившийся в 20--30-х гг. 16 в. интерес к эмоционально заостренному мазку вызвали дальнейшее обогащение техники масляной живописи. Величайшим мастером этой техники был Тициан, сыгравший исключительно важную роль в последующем развитии живописи.

Период блестящего процветания итальянских школ был невелик: это всего каких-нибудь пятьдесят лет, последняя четверть XV века и лет тридцать XVI столетия. На небольшом пространстве времени скопилась плеяда таких имен, которые служат вековечными образцами того, что в полном смысле слова может быть названо искусством. Живопись выступает на первый план, архитектура и скульптура меркнут перед нею. Титанами искусства Высокого Возрождения были Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль.

Леонардо да Винчи (1452-1519), итал. живописец, скульптор, арх-р, ученый и инженер, счит-ся основателем иск-ва Высокого Ренессанса. Обучался у Андреа дель Верроккьо во Флоренции. Вклад Леонардо в искусство Высокого Возрождения огромен. В ранних произведениях (голова ангела в “Крещении” Верроккьо, после 1470, “Благовещение”, около 1474, - оба в Уффици; так называемая “Мадонна Бенуа”, около 1478, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) художник, развивая традиции искусства Раннего Возрождения, подчеркивал плавную объемность форм мягкой светотенью, иногда оживлял лица еле уловимой улыбкой, добиваясь с её помощью передачи тонких душевных состояний. Фиксируя результаты бесчисленных наблюдений в набросках, эскизах и натурных штудиях, исполненных в различных техниках (итальянский и серебряный карандаши, сангина, перо и др.), мастер добивался, прибегая иногда к почти карикатурному гротеску, остроты в передаче мимики лица, а физические особенности и движение человеческого тела юношей и девушек приводил в идеальное соответствие с духовной атмосферой композиции.

Свыше 10 лет он работал над конным монументом Франческо Сфорца - отца Лодовико Моро (глиняная модель памятника в натуральную величину разрушена при взятии Милана французами в 1500). В миланский период Леонардо да Винчи создал “Мадонну в скалах” (1483-1494, Лувр, Париж; второй вариант - около 1497-1511, Национальная галерея, Лондон), где персонажи представлены в окружении причудливого скалистого пейзажа, а тончайшая светотень играет роль духовного начала, подчеркивающего теплоту человеческих отношений. В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие он выполнил стенную роспись “Тайная вечеря” (1495-1497; из-за особенностей примененной во время работы Леонардо да Винчи над фреской техники - масло с темперой - сохранилась в сильно повреждённом виде; в ХХ веке реставрирована), знаменующую собой одну из вершин европейской живописи; ее высокое этическое и духовное содержание выражено в математической закономерности композиции, логически продолжающей реальное архитектурное пространство, в ясной, строго разработанной системе жестов и мимики персонажей, в гармоничной уравновешенности форм.

Занимаясь архитектурой, Леонардо да Винчи разрабатывал различные варианты “идеального” города и проекты центрально-купольного храма, оказавшие большое влияние на современное ему зодчество Италии. В родной Флоренции он работал над росписью зала Большого Совета в Палаццо Веккьо “Битва при Ангьяри” (1503-1506, не закончена, известна по копиям с картона), стоящей у истоков европейского батального жанра нового времени. В портрете “Моны Лизы” или “Джоконды” (около 1503-1505, Лувр, Париж) он воплотил возвышенный идеал вечной женственности и человеческого обаяния; важным элементом композиции стал космически обширный пейзаж, тающий в холодной голубой дымке. К поздним произведениям Леонардо да Винчи относятся проекты памятника маршалу Тривульцио (1508-1512), алтарный образ “Святая Анна и Мария с младенцем Христом” (около 1507-1510, Лувр, Париж), завершающий поиски мастера в области световоздушной перспективы и гармонического пирамидального построения композиции, и “Иоанн Креститель” (около 1513-1517, Лувр), где несколько слащавая двусмысленность образа свидетельствует о нарастании кризисных моментов в творчестве художника. В серии рисунков с изображением вселенской катастрофы (так называемый, цикл с “Потопом”, итальянский карандаш, перо, около 1514-1516, Королевская библиотека, Виндзор) раздумья о ничтожестве человека перед могуществом стихий сочетаются с рационалистическими представлениями о цикличности природных процессов. Важнейшим источником для изучения воззрений Леонардо да Винчи являются его записные книжки и рукописи (около 7 тысяч листов), отрывки из которых вошли в “Трактат о живописи”, составленный после смерти мастера его учеником Ф.Мельци и оказавший огромное влияние на европейскую теоретическую мысль и художественную практику. Содержащиеся в этих рукописях заметки в сочетании с бесчисленными рисунками, придающими мысли Леонардо да Винчи пластическую овеществленность, охватывают все бытие, все области знания, являясь как бы нагляднейшим свидетельством того открытия мира, которое принес с собой Ренессанс. В этих результатах его неустанной духовной работы явственно ощущается многоликость самой жизни, в познании которой художественное и рациональное начала выступают у Леонардо да Винчи в нерасторжимом единстве.

Как ученый и инженер он обогатил почти все области науки того времени. Уделял внимание механике, видя в ней главный ключ к тайнам мироздания; его гениальные конструктивные догадки намного опередили современную ему эпоху (проекты прокатных станов, машин, подводной лодки, летательных аппаратов). Изучая устройство глаза, Леонардо да Винчи высказал правильные догадки о природе бинокулярного зрения. В анатомических рисунках он заложил основы современной научной иллюстрации, занимался также ботаникой и биологией.

Рафаэль (Раффаэлло Санти или Санцио, 1483- 1520), итал. живописец и архитектор. Произв-я Рафаэля дают наиболее яркое выражение классической линии в искусстве Высокого Возрождения, сложившейся в первые два десятилетия 16 века. В его творчестве с наибольшей ясностью воплотились гуманистические идеалы Высокого Возрождения о прекрасном и совершенном человеке, живущем в гармонии с миром, характерные для эпохи идеалы жизнеутверждающей красоты. Вслед за Леонардо Рафаэль много работал с натуры, изучал анатомию, механику движений, сложные позы и ракурсы, искал компактные, ритмически сбалансированные композиционные формулы. В последних флорентийских работах Рафаэля (“Положение во гроб”, 1507, галерея Боргезе, Рим; “Святая Екатерина Александрийская”, около 1507-1508, Национальная галерея, Лондон) появляется интерес к сложным формулам драматически-взволнованного движения, разработанным Микеланджело. Созданные им во Флоренции многочисленные изображения Мадонн (“Мадонна Грандука”, 1504, Галерея Питти, Флоренция; “Мадонна с младенцем Христом и Иоанном Крестителем” или “Прекрасная садовница”, 1507, Лувр, Париж; “Мадонна со щеглом”, Уффици) принесли молодому художнику всеитальянскую славу. Выполняя заказ папы, Рафаэль создал росписи залов Ватикана, воспевающие идеалы свободы и земного счастья человека, безграничность его физических и духовных возможностей. В исполненной спокойного величия, стройной композиции росписей большую роль играют архитектурные фоны, новаторски развивавшие тенденции современного Рафаэлю итальянского зодчества.

В зале Ватикана Станца делла Сеньятура (1509-1511), где скреплялись печатью папские декреты и буллы, художник Рафаэль Санти представил сюжеты в области духовной деятельности: богословие (“Диспута”), философию (“Афинская школа”), поэзию (“Парнас”), юриспруденцию (“Мудрость, Мера, Сила”), каждая из стен этого сравнительно небольшого помещения имела для росписи полукружье, горизонтальное основание которого находилось выше уровня глаз стоящего зрителя. На плафоне помещения Рафаэль создал соответствующие главным композициям аллегорические, библейские и мифологические сцены -- “Грехопадение”, “Победу Аполлона над Марсием”, “Астрономию” и “Суд Соломона”. В соседней зале Станца д'Элиодоро в фресках на легендарно-исторические сюжеты (“Изгнание Элиодора”, “Встреча папы Льва I с Атиллой”, “Месса в Больсене”) с особой силой проявилось дарование Рафаэля как мастера светотени и гармоничного, мягкого и светлого колорита. В произведении “Чудесное изведение апостола Петра из темницы” Рафаэль с необычной для художника Средней Италии живописной тонкостью передает сложные эффекты ночного освещения - ослепительного сияния, окружающего ангела, холодного света луны, красноватого пламени факелов и их отсветы на латах стражников. К числу лучших работ Рафаэля, как художника-монументалиста, относятся также выполненные по заказу банкира и мецената Агостино Киджи росписи сводов капеллы Киджи (около 1513-1514, Санта Мария делла Паче, Рим) и проникнутая духом античной классики с ее культом чувственной красоты знаменитая фреска “Триумф Галатеи” (1514-1515, вилла Фарнезина, Рим). , Прадо, Мадрид; “Дама в покрывале” или “Донна Велата”, около 1516, Галерея Палатина, Флоренция; портрет Бальдассаре Кастильоне, 1515-1516, Лувр, Париж, и другие). В “Мадоннах” Рафаэля римского периода идиллическое настроение его ранних произведений сменяется воссозданием более глубоких человеческих, материнских чувств (“Мадонна Альба”, около 1510-1511, Национальная галерея, Вашингтон; “Мадонна ди Фолиньо”, около 1511-1512, Ватиканская пинакотека); как полная достоинства и душевной чистоты заступница человечества выступает Мария в самом знаменитом произведении Рафаэля - “Сикстинской Мадонне” (1514-1519, Картинная галерея, Дрезден). После смерти Браманте Рафаэль занял должность главного архитектора собора Св. Петра в Риме (составил новый план собора положив в его основу архитектурный тип базилики), а также достраивал начатый Браманте двор Ватикана с лоджиями. Среди других построек Рафаэля: круглая в плане церковь Сант-Элиджо дельи Орефичи (строилась с 1509) и капелла Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512-1520) в Риме, нарядные палаццо Видони-Каффарелли (с 1515) в Риме и Пандольфини (с 1520) во Флоренции. Рафаэль оказал огромное влияние на последующее развитие итальянской и европейской живописи, став наряду с мастерами античности высшим образцом художественного совершенства.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564), итал. скульптор, живописец, арх-р и поэт. В иск-ве М. с огромной выразительной силой воплотились как глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, так и трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания, характерное для позднеренессансной эпохи. Уже в юношеских произведениях (рельефы “Мадонна у лестницы”, “Битва кентавров”, около 1490-1492, Каса Буонарроти, Флоренция) определились главные черты творчества скульптора - монументальность и пластическая мощь, внутренняя напряженность и драматизм образов, благоговение перед человеческой красотой. В 1501 году М. создал колоссальную статую “Давид” (Галерея Академии, Флоренция), воплотившую героический порыв и гражданскую доблесть флорентийцев, сбросивших ярмо тирании Медичи.

В 1505 папа Юлий II пригласил Микеланджело в Рим и поручил ему создание собственной гробницы. Завершил М. строит-во в 1545. Для гробницы Юлия II Микеланджело создал ряд статуй, в том числе наделенного могучей волей, титанической силой и темпераментом “Моисея” (1515-1516), исполненных трагизма “Умирающего раба” и “Восставшего раба” (1516, Лувр), а также 4 неоконченные фигуры рабов (1532-1534), в которых хорошо виден процесс работы скульптора, смело углубляющегося в каменный блок в одних местах и оставляющего другие места почти необработанными. В живописном цикле, выполненном М. на своде Сикстинской капеллы в Ватикане, художник создал грандиозную, торжественную, легко обозримую в целом и в деталях композицию, воспринимаемую как гимн физической и духовной красоте, как утверждение безграничных творческих возможностей Бога и созданного по его подобию человека. В труднейших условиях, на протяжении четырех лет, с 1508 по 1512 год работал Микеланджело, выполнив всю роспись громадного плафона (600 кв.м площади) собственноручно. Он расчленил перекрывающий капеллу свод на ряд полей, разместив в широком центральном поле девять композиций на сюжеты из Библии о сотворении мира и первых людях на земле: “Отделение света от тьмы”, “Сотворение Адама”, “Сотворение Евы”, “Грехопадение”, “Потоп”, “Опьянение Ноя” и др. По сторонам от них, на склонах громадного свода, изображены фигуры пророков и сивилл (прорицательниц), по углам полей -- сидящие обнаженные юноши; в парусах свода, распалубках и люнетах над окнами-- эпизоды из Библии и так называемые предки Христа. Грандиозный ансамбль, включающий более трехсот фигур, представляется вдохновенным гимном красоте, мощи, разуму человека, прославлением его творческого гения и героических деяний. Даже в образе бога -- величественного могучего старца, подчеркнут прежде всего созидательный порыв, выраженный в движениях его рук, словно действительно способных творить миры и давать жизнь человеку. Титаническая сила, интеллект, прозорливая мудрость и возвышенная красота характеризуют образы пророков: глубоко задумавшегося скорбного Иеремию, поэтически одухотворенного Исайю, могучую Кумскую сивиллу, прекрасную юную Дельфийскую сивиллу. Создаваемым Микеланджело характерам присуща огромная сила обобщения; для каждого персонажа он находит особую позу, поворот, движение, жест. Фрескам М. свойственны четкость пластической лепки, напряженная выразительность рисунка и композиции, преобладание в красочной гамме приглушенных изысканных цветов.

Глубокий пессимизм отразился в образном строе скульптур усыпальницы Медичи - в тяжком раздумье и бесцельном движении лишенных портретных черт статуй герцогов Лоренцо и Джулиано, в драматическом символизме четырех фигур, изображающих “Вечер”, “Ночь”, “Утро” и “День” и олицетворяющих необратимость течения времени. Поздние живописные произведения мастера поражают трагической силой образов (фреска “Страшный Суд” на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане, 1536-1541), пронизаны горькими размышлениями о тщете человеческой жизни, о мучительной безнадежности поисков истины (отчасти предвосхищающие живопись барокко росписи капеллы Паолина в Ватикане, 1542-1550).

К последним скульптурным работам Микеланджело относятся отмеченные трагической экспрессией художественного языка “Пьета” для флорентийского собора Санта-Мария дель Фьоре (до 1550-1555, разбита Микеланджело и восстановлена его учеником М.Кальканьи; ныне в Галерее Академии, Флоренция) и скульптурная группа “Пьета Ронданини” (1555-1564, Музей старинного искусства, Милан), предназначенная им для собственного надгробия и не законченная. Для позднего творчества Микеланджело характерны постепенный отход от живописи и скульптуры и обращение к архитектуре и поэзии. С 1546 Микеланджело руководил в Риме возведением собора св. Петра и строительством ансамбля площади Капитолия (обе работы были завершены после его смерти). В плане собора святого Петра Микеланджело, развивая идеи Браманте и сохраняя идею центричности, усилил значение средокрестия во внутреннем пространстве. При жизни Микеланджело была построена восточная часть собора с основанием грандиозного купола, возведенного в 1586-1593 годах учеником Микеланджело архитектором Джакомо делла Порта, несколько удлинившим его пропорции. Глубиной мысли и высоким трагизмом отмечена лирика Микеланджело. В его мадригалах и сонетах любовь трактуется как извечное стремление человека к красоте и гармонии, сетования на одиночество художника во враждебном мире соседствуют с горькими разочарованиями гуманиста перед лицом торжествующего насилия. Творчество Микеланджело, ставшее блестящим заключительным этапом итальянского Возрождения, сыграло огромную роль в развитии европейского искусства, во многом подготовило становление маньеризма, оказало большое влияние на сложение принципов барокко.

8.2 Художественная культура Нового времени. Стили и направления в искусстве Нового времени

КРАТКО: История искусств с наступлением Нового времени насчитывает определенное количество этапов в своем развитии. Начиная с эпохи Возрождения, мы говорим о маньеризме, барокко, классицизме, рококо, неоклассицизме, романтизме, импрессионизме, постимпрессионизме, реализме, модернизме, символизме, авангардизме, экспрессионизме, сюрреализме, конструктивизме, абстракционизме и социалистическом реализме.

В конце 16 века в Европу приходит барокко и владеет умами до середины века 18. Этому стилю были подвержены все виды искусства, но особенно ярко он раскрылся в архитектуре и живописи. В это время принципы Возрождения не были отринуты полностью, но идеи сотворчества с Богом (природой) стало не так актуальны. Теперь стали развиваться стремления к совершенствованию окружающего мира в соответствии с идеальными нормами красоты. Это время отмечено небывалом размахом преувеличенной декоративности во всем. Прихотливая метафора, аллегория и эмблема царят повсюду.

Но они не могут полностью заслонить своими причудливыми фантастическими формами натуральное начало барокко. В архитектуре чувствуется дыхание живых природных стихий, в литературе заметно сближение книжного языка с фольклорными традициями. Все существующие искусства тесно взаимодействуют между собой, становясь другой, праздничной, стороной бытия.

Барокко - стиль риторический, пропагандистский. Он не соблазняет зрителя, а властно захватывает его внимание. В изобразительном искусстве и архитектуре примером этого служат работы Л. Бернини и Ф. Борромини, Д. Веласкеса, П. П. Рубенса и А. Ван Дейка. Ни церковный ритуал, ни дворцовый этикет теперь не подавляют силу творческой личности. Национальная самобытность отчетливо проступает на полотнах Рембрандта, Хальса и Вермера.

Интересно, что из Европы барокко в 17-18 веках распространяется не только в Латинскую Америку, но и в Белоруссию, и в Украину. На территории России сначала появляется «нарышкинский барокко» (западноевропейские орнаментальные приемы плюс средневековая структура). В петровские времена в городах возводят здания новоевропейского типа, среди которых особенно выделяются творения В. Растрелли.

В литературе барокко правят бал аллегорические фигуры-персонификации. Набирает силы жанр риторической церковной проповеди и школьная драма. Не забыты и сатира, роман, поэзия. Среди авторов той эпохи - Кальдерон, Тассо, д'Обинье, Ломоносов, Симеон Полоцкий. Интенсивно развивается опера, балет. В постановках используются все более сложные и живописные декорации. Для музыки характерна более сложная и свободная вокально-инструментальная полифония. Обособляются жанры кончерто гроссо, сонаты, сюиты в инструментальной музыке.

Пришедший на смену барокко классицизм, увы, обвинил барочные идеалы в вычурности и безвкусии, принимая за образец только античное наследие. Классицизм занимает временной отрезок с конца 17 до начала 19 века. Это течение зародилось во Франции.

В основе идей классицизма - идеалы Просвещения: рационализм, представления о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе. Очень велика роль общественного содержания, возвышенных героических и нравственных идеалов. Художественные образы, относящиеся к этому стилю, логичны, строго организованы, ясны и гармоничны.

Впервые была создана иерархия жанров. К высоким относились трагедия, эпопея, ода, история, мифология, религиозная картина; к низким - комедия, сатира, басня, жанровая картина. Сегодня мы можем проследить эти особенности, обратясь к трагедиям Корнеля, Расина, Вольтера; комедиям Мольера; поэмам Буало. Среди писателей-классицистов - Лафонтен, Ларошфуко, Гете, Шиллер, Ломоносов, Державин, Сумароков.

В театрах разворачиваются не просто спектакли, а торжественные действа. Строй их статичен, а чтение стихов размеренно. Сюжетами постановок становятся античные истории богов и героев. Архитектура классицизма отмечена творениями Ардуэн-Мансара, Леду, Рена, Баженов, Казакова, Воронихина, Захарова, Росси. Всюду царит четкая геометрия форм и логичность планировки. Стены гладкие, декор сдержанный.

Живописные работы тех лет имели логично разворачивающийся сюжет и уравновешенную композицию. Своей ясностью нас до сих пор восхищают картины Пуссена, Лоррена, Давида, Энгра, Лосенко, Угрюмова; скульптуры Пигаля, Фальконе, Торвальдсена, Кановы, Козловского, Мартоса.

А вот первые три четверти 18 века в европейском искусстве посвящены и такому стилевому направлению, как Рококо. Многие специалисты выделяют этот стиль, как определенную фазу общеевропейского барокко. Сам термин возник в период расцвета классицизма и был ничем иным, как презрительным обозначением всего манерного и вычурного.

Здесь все непостоянно и капризно, здесь преобладают вымысел и интимные переживания. Хрупкий декор доведен до уровня театральности. Стиль «рококо» - воплощение изысканности и изощренной утонченности. Здесь никому нет дела до героизма и пафоса. Здесь играют в любовь и увлекаются прелестными безделушками. А искусство - это тоже наслаждение.

Искусство рококо призвано возбуждать только легкие и приятные эмоции. Его задача - развлекать и услаждать зрителя причудливыми узорами, изысканными сочетаниями пастельных красок. Нарядные интерьеры рококо украшались декоративными панно, роскошными зеркалами, резными панелями. Везде преобладали овальная, круглая и причудливо-изогнутая формы.

На полотнах художников красный заменяется розовым, синий - голубым. Теперь в ходу невиданные ранее лимонно-желтый, блекло-голубой, сиреневый. У новых красок появляются невообразимые названия. Знаменитый «цвет бедра испуганной нимфы» - из тех времен.

К созданию стиля рококо причастен Антуан Ватто, его манеру развили Ланкре, Патер, Кийар. Для их образов характерны эмоциональность и меланхолическая мечтательность. Остались на холстах занимательные любовные сюжеты кисти Буше, на которого равнялись Натуар, братья Ванло, Антуан Куапель. Последним крупным живописцем рококо признан тонкий мастер пейзажа и портрета Фрагонар.

Среди скульптурных изображений времени господства рококо изрядное количество портретных бюстов и маленьких скульптурных групп или отдельных фигур купальщиц, нимф, амуров. Их создавали Лемуан, Пигаль, Пажу, Фальконе, Клодион .Произведениями искусства украшали не только внутренние интерьеры, но и парки, беседки, купальни.

Планы зданий в стиле «рококо» отличались асимметричностью, комнаты были круглымих, овальными, восьмиугольными. Проектировщики всячески избегли прямых углов, в том числе и в месте соединения стены с потолком. Все маскируется различными рельефными орнаментами.

Среди архитекторов, воплощавших в жизнь принципы рококо Декотт, Боффран, Оппенор, Дельмер, Мейссонье, Кнобельсдорф, Растрелли, Ринальди, Ухтомский. В этот период особенно развивались декоративные направления: оформление книг, создание мебели, декоративной бронзы, производство гобеленов, фарфора.

Многие творения архитектуры, живописи, музыки и литературы от нас отделяют века. Но современному человеку по-прежнему хочется узнать их историю, познакомиться поближе. Нескончаемым потоком движутся наши современники к главным мировым сокровищницам: Лувру, Эрмитажу. Множество музеев сегодня хранят прекрасные произведения искусства, переиздаются книги тех далеких лет, возрождаются театральные и балетные постановки. Изо дня в день, из года в год мы убеждаемся в том, что искусство вечно. И барокко, и классицизм, и рококо оставили свой неизгладимый след в истории нашей цивилизации.

БОЛЕЕ ПУТАНО. Культура Нового времени включает в себя направления барокко, классицизм, рококо и романтизм. Слово «барокко» в переводе с итальянского значит «странный, причудливый». Название произошло (от исп. необработанная жемчужина). Барокко - «вычурность». Для него характерна живописная иллюзорность, желание обмануть глаз. Основными видами искусства барокко становятся парковые и дворцовые ансамбли, культовая архитектура, декоративная живопись и скульптура, парадный портрет. Для барокко характерно стремление к парадности и пышности, динамичность образов, сочетание иллюзии и реальности и повышенная эмоциональность. В конце XVI в. в Италии возник новый стиль -- барокко. Это название проще всего объяснить с помощью слова "необычное". Стиль барокко получил преимущественное распространение в католических странах, затронутых процессами Контрреформации. Сущность барокко шире вкусов католической церкви и феодальной аристократии, которая стремилась использовать эффекты грандиозного и ослепляющего, свойственные барокко, для восславления могущества, пышности и блеска государства, мест обитания лиц, приближенных к трону. Стиль барокко с особой остротой выражает кризис гуманизма, ощущение дисгармоничности жизни, бесцельных порывов к неведомому.

В XVII в. складывается еще одно направление в искусстве -- это реализм. Вершиной голландского реализма является творчество Рембрандта (1606 -1669 гг.). Талант Рембрандта таков, что позволяет превратить любое полотно в философское обогащение, в героический образ эпохи и общества, в многогранную характеристику человеческой личности. Главным выразительным средством у художника выступают цвет и свет. Творчество Рембрандта, проникнутое стремлением к глубоко философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства XVII в., один из пиков мировой художественной культуры. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: он писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы, был непревзойденным мастером рисунка и офорта.

Величайшим художником фламандской (бельгийской) живописи был Питер Пауэл Рубенс. Уже в его первых картинах проявилось стремление к переработке итальянских впечатлений в духе национальных художественных традиций. Созданные им в начале 1610 гг. монументальные религиозные композиции “Водружение Креста”, “Снятие с Креста” отмечены характерными для живописи барокко театральностью композиции, драматизмом, бурным движением, яркими цветовыми контрастами. Вместе с тем в них уже угадываются черты полнокровного, жизнеутверждающего реализма, полностью раскрывшегося в последующем творчестве художника. В 1612 - 1620 гг. складывается зрелый стиль Рубенса. Обращаясь к темам, почерпнутым из Библии и античной мифологии, он трактовал их с исключительной смелостью и свободой. Фигуры людей, античных божеств, животных, изображенные на фоне цветущей и плодоносящей природы или величественной фантастической архитектуры, сплетаются в его картинах в сложные композиции, то гармонически уравновешенные, то пронизанные буйной динамикой. Со страстным “языческим” жизнелюбием Рубенс воссоздает полнокровную красоту обнаженного человеческого тела, воспевает чувственную радость земного бытия Постепенно отказываясь от характерного для его ранних работ локального цвета, художник достиг исключительного мастерства в передаче тончайших градаций света и цвета, воздушных рефлексов; теплые и свежие тона его картин мягко перетекают один в другой, телесно-розовые, жемчужно-серые, красно-коричневые и мягкие зеленые оттенки сливаются в ликующую праздничную гамму. К концу 1610-х гг. Рубенс получил широкое признание и известность. Обширная мастерская художника выполняла по заказам европейской аристократии многочисленные монументально-декоративные композиции, в том числе цикл картин “История Марии Медичи” для французского королевского двора, в котором Рубенс мифологические и аллегорические фигуры совместил с реальными историческими персонажами. Особой виртуозностью и лиричностью отличаются интимные портреты Рубенса, в том числе “Портрет камеристки инфанты Изабеллы”, в котором он с помощью прозрачных цветовых переходов и мягких рефлексов передает поэтическое обаяние и трепетную жизненность модели. Около 1611 - 1618 гг. Рубенс выступил и в качестве архитектора, построив отмеченный барочной пышностью собственный дом в Антверпене. Существенное место в творчестве Рубенса занял пейзаж: ландшафты с гнущимися по ветру могучими деревьями, вздымающимися холмами, зелеными рощами и долинами, стремительно несущимися облаками он населял мирно пасущимися стадами, идущими, едущими на повозках или беседующими крестьянами. В “стеновский” период живопись Рубенса становится более интимной и задушевной, колорит его картин утрачивает многоцветность и строится на богатстве красочных оттенков, выдержанных в горячей, эмоционально насыщенной красно-коричневой гамме. Виртуозностью живописи, строгостью и лаконизмом художественных средств отмечены поздние работы художника -- “Елена Фаурмент с детьми”, “Три грации”, “Вакх”, автопортрет. Тонкой наблюдательностью, лаконизмом, мягкостью и легкостью штриха отличаются многочисленные рисунки Рубенса, зарисовки голов и фигур, изображения животных, эскизы композиций и др. Исполненное страстного жизнелюбия, многогранное и виртуозное по мастерству, творчество Рубенса оказало огромное воздействие на фламандских живописцев, на множество художников XVIII - XIX вв. (А. Ватто, Ж. О. Фрагонара, Э. Делакруа, О. Ренуара и др.).

В XVII в. оформляются национальные школы в искусстве. Кроме итальянской, фламандской, голландской и французской, очень влиятельной художественной школой была испанская.

Классицизм XVII века - это ощущение недостаточной глубины культуры и процесса ее оскудения. В следствии ранний классицизм это культура заимствовании грандиозного опыта прошлого и обращения к истокам. Классицизм XVIII в. - воспринимается как “облегченный” классицизм предшествующего века. Ведь в нем больше археологической точности, чем в предшественнике, больше изящества, выдумки и разнообразия, но также чувствуется недостаток весомости и силы. Возникает искушение считать “второй” классицизм переработанным изданием “первого”, поскольку можно проследить, как один классицизм переходил в другой даже в творчестве архитекторов, например семьи Блонделей. Классицизм не был единственным течением дворянской культуры в век Просвещения. На смену ему пришел сентиментализм. Другой влиятельнейший стиль характеризуемой эпохи -- классицизм. Абсолютистским государствам не могла не импонировать идея величавого порядка, строгой соподчиненности, внушительного единства. Претендующее на "разумность" государство стремилось к тому, чтобы в нем видели уравновешивающее, объединяющее, героически возвышенное начало. В противовес барокко классицизм выражал стремление к разумному гармоничному строю жизни, а эти стремления были присущи не только монархам, но и народному сознанию, с его идеалами мира, покоя, сплочения страны. Помимо того, привлекательной стороной классицизма выступал его нравственный пафос, гражданская направленность.

Одной из важнейших черт классицизма было обращение к формам античного искусства -- как к идеальному эстетическому и этическому эталону. Ориентация на разумное начало, на непреходящие образцы определила твердую нормативность этических требований (подчинение личного общему, страстей -- разуму, долгу, законам мироздания) и эстетических запросов классицизма, регламентацию художественных правил. Закреплению теоретических доктрин классицизма способствовала деятельность основанных в Париже Королевских академий -- живописи и скульптуры (1648 г.) и архитектуры (1671 г.). В архитектуре классицизма, которую отличают логичность планировки и ясность объемной формы, главную роль играет ордер, тонко и сдержанно оттеняющий общую структуру сооружения (постройки Ф. Мансара, К. Перро, Л. Лево, Ф. Блонделя). Со 2-й половины XVII в. французский классицизм вбирает в себя пространственный размах архитектуры барокко (работы Ж. Ардуэн-Мансара и А. Ленотра в Версале).

В XVII - начале XVIII вв. классицизм сформировался в архитектуре Голландии, Англии, где он органично сочетался с палладианством (И. Джонс, К. Рен), Швеции (Н. Тесин Младший). В живописи классицизма основными элементами моделировки формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет пространственные планы картины (отмеченные возвышенностью философско-этического содержания, общей гармонией произведения Н. Пуссена, основоположника классицизма и крупнейшего мастера классицизма XVII в.; "идеальные пейзажи" К. Лоррена).

Классицизм XVIII - начала XIX вв. (в зарубежном искусствознании он часто именуется неоклассицизмом), ставший общеевропейским стилем, также формировался преимущественно в лоне французской культуры, под сильнейшим влиянием идей Просвещения. В архитектуре открылись новые типы изысканного особняка, парадного общественного здания, открытой городской площади (Ж. А. Габриель, Ж. Ж. Суфло), поиски новых, безордерных форм архитектуры, стремление к суровой простоте в творчестве К. Н. Леду предвосхищали зодчество поздней стадии классицизма -- ампира. Гражданский пафос и лиричность соединились в пластике Ж. Б. Пигаля и Ж. А. Гудона, декоративных пейзажах Ю. Робера. Мужественный драматизм исторических и портретных образов присущ произведениям главы французского классицизма, живописца Давида.

Интернациональным центром европейского классицизма XVIII - начала XIX вв. стал Рим, где в основном господствовали традиции академизма со свойственным им сочетанием благородства форм и холодной идеализации (немецкий живописец А. Р. Менгс, пластика итальянца А. Кановы и датчанина Б. Торвальдсена). Для архитектуры немецкого классицизма характерна суровая монументальность построек К. Ф. Шинкеля, для созерцательно-элегичной по настроению живописи и пластики -- портреты А. и В. Тишбейнов, скульптура И. Г. Шадова. В английском классицизме выделяются антикизирующие сооружения Р. Адама, палладианские по духу парковые усадьбы У. Чеймберса, изысканно-строгие рисунки Дж. Флаксмена и керамика Дж. Уэджвуда. Собственные варианты классицизма развивались в художественной культуре Италии, Испании, Бельгии, скандинавских странах, США; выдающееся место в истории мирового искусства занимает русский классицизм 1760 - 1840-х гг. В конце первой трети XIX в. ведущая роль классицизма почти повсеместно сходит на нет, он вытесняется разнообразными формами архитектурного эклектизма. Оживает художественная традиция классицизма в неоклассицизме конца XIX - начала XX вв.

Рококо зародилось в XVII веке, а превратилось в господствующий стиль в XVIII. Пожалуй, это самый характерный для французов стиль, в нем сконцентрировались особенности национальной психологии, образ жизни и стиль мышления высшего класса. Рококо - порождение исключительно светской культуры, прежде всего королевского двора и французской аристократии. Искусство рококо построено на асимметрии, создающей ощущение беспокойства - игривое, насмешливое, вычурное, дразнящее чувство. Сюжеты - только любовные, эротические, любимые героини - нимфы, вакханки, Дианы, Венеры, совершающие свои нескончаемые «триумфы» и «туалеты». Для рококо характерен уход от жизни в мир фантазии, театрализованной игры, мифологических и пасторальных сюжетов, эротических ситуаций. Литература Рококо - утончённое, изящное, но лишённое глубины и гражданских идеалов искусство; в нём нет места героизму и долгу; царят галантная игривость, фривольная беззаботность. Гедонизм становится высшей «мудростью» Рококо. Поэты воспевают праздность, сладострастие, дары Вакха и Цереры, сельское уединение.

“Сентиментализм”, или “чувствительность”, быстро завоевал европейское искусство. Иногда говорят, что сентиментализм возник в противовес излишней рассудительности и рационалистичности просветителей. Жанр романа возник гораздо раньше, но в ХVIII веке он становится одним из самых распространённых и, несомненно, одним из самых читаемых жанров. Одним из самых популярных романистов этого времени был английский писатель Ричардсон, автор знаменитых романов “Памела” и “Кларисса Гарлоу”. Очень популярными стали в это время романы в письмах. Сентиментализм оказал сильное влияние и на драматургию. Именно в эпоху сентиментализма во Франции и Германии формируется особый жанр -- драма (в узком смысле слова). Заслуга сентименталистов состоит и в том, что именно они обратились к средневековым преданиям, пытаясь найти в них смутные отголоски тайн прошлого. Особое развитие получает в эпоху сентиментализма лирический жанр элегии -- стихотворения-размышления, стихотворения-сожаления. Влияние сентиментализма отразилось и в архитектуре, особенно парковой, -- с различными «гротами уединения», таинственными, скрытыми в полумраке беседками, в стилизации «дикой» природы.

Термином "романтизм" обозначается обычно идейное и художественное движение, возникшее в европейских странах на рубеже XVIII и XIX вв. и получившее отражение в различных областях науки и искусства. Романтики объявили беспощадную борьбу омертвевшим рационалистическим канонам классицизма, его нормативному "прекрасному идеалу", его догматизму. Отстаивая неограниченную свободу творчества, романтики стремились к яркому национальному и индивидуальному своеобразию, к правдивому выражению характера, к постижению богатства человеческих чувств. Далеко не случайно именно в романтизме появляется идея "синтеза искусств". С одной стороны, так решалась конкретная задача обеспечения максимальной живости и естественности художественного впечатления, полноты отображения жизни. С другой стороны, она же служила глобальной цели. Искусство развивалось как совокупность "атомарных" индивидов. "Синтез искусств" -- это прообраз преодоления разорванности человеческого "Я", разорванности человеческого общества.

Развиваясь во многих странах, романтизм повсюду приобрел яркое национальное своеобразие, обусловленное местными историческими традициями и условиями. Наиболее последовательная романтическая школа сложилась во Франции, где художники, реформируя систему выразительных средств, динамизировали композицию, объединяли формы бурным движением, использовали яркий насыщенный колорит и широкую, обобщенную манеру письма (живопись Т. Жерико, Э. Делакруа, О. Домье, пластика П. Ж. Давида д'Анже, А. Л. Бари, Ф. Рюда). В Германии и Австрии раннему романтизму свойственны пристальное внимание ко всему индивидуальному, меланхолически-созерцательная тональность образно-эмоционального строя, стремление возродить религиозный дух немецкой и итальянской живописи XV в. (творчество назарейцев); своеобразным сращиванием принципов романтизма и "бюргерского реализма" стало искусство бидермейера (творчество Л. Рихтера, К. Шпицвега, М. фон Швинда, Ф. Г. Вальдмюллера). В Великобритании романтической свежестью живописи отмечены пейзажи Дж. Констебла и Р. Бонингтона, фантастичностью образов и необычностью выразительных средств -- работы У. Тернера.

Сохранив присущее искусству классицизма тяготение к обобщению, героизированным образам, Теодор Жерико первым во французской живописи выразил свойственное романтизму острое чувство конфликтности мира, стремление к воплощению драматических явлений современности и сильных страстей. Ранние произведения Жерико, отразившие героику наполеоновских войн, выделяются эмоциональностью образов, динамичностью композиции и колорита, в котором преобладают темные, оживленные интенсивными цветовыми оттенками тона. Одна из центральных в творчестве Жерико работ -- картина “Плот "Медузы” -- написана на острозлободневный сюжет, в основе которого -- трагедия оказавшихся в океане на плоту пассажиров погибшего фрегата "Медуза". Придавая частному событию глубокий символический и исторический смысл, Жерико раскрывает в картине сложную гамму человеческих чувств -- от полного отчаяния и апатии до страстной надежды на спасение. Жерико был полон творческих планов, осуществить которые помешала ранняя смерть. Сильнее всех переживал кончину Жерико его друг -- молодой Делакруа, который стал впоследствии на долгие годы главой прогрессивных романтиков.

Уже в ранний период творчества ощущение сопричастности великим, изменяющим лицо мира историческим событиям породило пафос и драматический накал произведений Делакруа, сделало его в дальнейшем ярчайшим выразителем и главой романтизма во французском изобразительном искусстве. Полна эмоционального напряжения и мрачного трагизма картина Делакруа “Данте и Вергилий”, духом активного протеста против жестокости и насилия, глубокого сочувствия к бедствиям греческого народа пронизана “Резня на Хиосе”. Органический синтез героической действительности и символики, прекрасной романтической мечты о свободе достигнут им в картине “Свобода, ведущая народ”. Делакруа работал также в области психологического портрета (“Ф. Шопен”) и монументальной живописи (росписи Бурбонского дворца в Париже) и др.

Уникальной фигурой в живописи романтизма является Франсиско Гойя (1746 -1828 гг.), испанский живописец, гравер, рисовальщик. В 1790-х - начале 1800-х гг. исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное начало одиночества (портрет сеньоры Бермудес), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф. Гиймарде), аромат скрытой чувственности (“Маха одетая” и "Маха обнаженная"). С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете “Семья Карла IV”. Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции (“Восстание 2 мая 1808 г. в Мадриде”, “Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 г.”), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов “Бедствия войны” (82 листа, 1810 - 1820 гг.). В начале 1790-х годов тяжелая болезнь привела художника к глухоте. Чрезвычайно трудные для него годы, совпавшие с периодом жесткой реакции, он провел в своем загородном доме “Кинто дель Сордо” (“Дом глухого”), стены которого расписал маслом. В созданных здесь сценах, включающих невиданно смелые для своего времени, остродинамичные изображения многоликих масс и устрашающие символико-мифологические образы, он воплощал идеи противостояния прошлого и будущего, бесконечно-ненасытного дряхлого времени (“Сатурн”) и освободительной энергии юности (“Юдифь”). Но и в самых мрачных видениях Гойи жесткая тьма не может подавить присущее художнику ощущение вечного движения, вечного обновления жизни, ставшее лейтмотивом в картине “Похороны сардинки”, в серии офортов “Тавромахия”.

Искусство Гойи повлияло на формирование многих художественных явлений XIX в. Его воздействие ощущается в творчестве Жерико, Делакруа, Домье, Мане. Влияние его творчества на живопись и графику имело общеевропейский характер и сказывается вплоть до современности.

В широком смысле реализм, представляющий собой основную тенденцию, своеобразный эстетический "стержень" художественной культуры человечества, существовал и продолжает существовать в искусстве и литературе с глубокой древности. В узком понимании, как творческий метод, он стал отождествляться либо с эпохой Возрождения (XIV - XVI вв.), либо с XVIII в., когда говорят о так называемом просветительском реализме.

Наиболее полное раскрытие специфических черт этого метода обычно связывают с критическим реализмом XIX столетия, пародией на который стал мифический "соцреализм". А социально-исторический или критический реализм XIX в. был наследником лучших традиций предшествующих этапов развития реалистического искусства: реализма Возрождения и реализма Просвещения. Но в истоках он связан также с революционным романтизмом. С последним реализм сближает отрицание бесчеловечных буржуазных порядков, обращенность к духовному миру человека.

Важнейшей фигурой европейского художественного реализма является Густав Курбе. Париж узнал о существовании молодого художника в 1844 г., когда Курбе выставил в Салоне "Автопортрет с черной собакой" (1842 г.). На картине красивый юноша с длинными волосами, он мечтательно смотрит на зрителя. У него за спиной скалистый пейзаж родного края, рядом большая собака с шелковистой черной шерстью. В 40-х гг. художник познакомился с поэтом Шарлем Бодлером, барбизонцами, известными критиками. Общение с этими людьми привлекло внимание Курбе к проблемам современности.

В Салон 1850 г. Курбе предложил две картины: "Дробильщики камней" (1849 г.) и "Похороны в Орнане" (1849 - 1850 гг.). На первой из них художник изобразил двух рабочих, молодого и старого, раскалывающих камни на дороге. Молодой рабочий полон сил, но в его позе нет уверенности и надежды. Еще более унылый и обреченный вид у старика. Коричневатый тон картины усиливает безрадостное настроение. Картина не сохранилась, она была потеряна во время Второй мировой войны. "Похороны в Орнане" -- огромное полотно площадью двадцать один квадратный метр, на котором Курбе расположил около пятидесяти фигур в натуральную величину. Картина имела сложное программное содержание: скончался дед художника (поэтому в композиции присутствует автопортрет мастера) -- современник Великой французской революции. Его друг стоит у могилы в костюме конца XVIII в. и как бы вопрошает: какое поколение идет нам на смену? Через пять лет несколько работ Курбе не приняли на Всемирную выставку. Тогда обиженный художник возвел на собственные деньги павильон, назвав его "Павильоном реализма", и выставил в нем сорок произведений, главным среди которых было полотно "Мастерская художника" (1855 г.). Картина "Мастерская художника" имела развернутое название "Мастерская художника, или Реальная аллегория, характеризующая семилетний период моей художественной жизни". В центре большого полотна -- сам Курбе, пишущий пейзаж. У него за спиной -- обнаженная модель -- символ жизнеутверждающей творческой энергии. Справа -- друзья художника, в том числе поэт Шарль Бодлер, слева -- социальные аллегории. Картина написана в теплых коричневато желтых тонах. Она стала одним из лучших произведений мастера.

В 60-х гг. Курбе все сильнее привлекали пейзажи и натюрморт. В них мастер находил правду и естественность, соответствовавшие его творческим поискам.

Популярность Курбе как борца за новое искусство сделала художника активным участником революции 1870 г., а затем Парижской Коммуны.

9.2 Художественная культура Нового времени. Архитектура

Архитектура барокко служила утверждению идей католицизма и абсолютизма, но в ней нашли отражение прогрессивные тенденции архитектуры, которые выявились в планировке городов, площадей, зданий, рассчитанных на массы народа. Блестящим центром барочной архитектуры стал католический Рим. Истоки барокко были заложены в позднем творчестве Виньолы, Палладио и особенно Микеланджело. Архитекторы барокко не вводят новые типы зданий, но находят для старых типов построек -- церквей, палаццо, вилл -- новые конструктивные, композиционные и декоративные приемы, которые в корне меняют форму и содержание архитектурного образа. Они стремятся к динамичному пространственному решению, к трактовке объемов живописными массами, применяют сложные планы с преобладанием криволинейных очертаний. Они разрушают тектоническую связь между интерьером и фасадом здания, повышая эстетическое и декоративное воздействие последнего. Свободно используя античные ордерные формы, они усиливают пластичность и живописность общего решения.

Италия. Подобно мастерам Возрождения, основоположник стиля прелого барокко Лоренцо Бернини (1598--1680) был разносторонне одаренным человеком. Архитектор, скульптор, живописец, гениальный декоратор, он исполнял в основном заказы римских пап и возглавлял официальное направление итальянского искусства. Одно из самых характерных его сооружений -- церковь Сант-Андреа аль Квиринале в Риме (1653--1658). Крупнейшая архитектурная работа Бернини -- окончание многолетнего строительства собора св. Петра в Риме и оформление площади перед ним (1656--1667). Сооруженные но его проекту два могучих крыла монументальной колоннады замкнули обширное пространство площади. Расходясь от главного, западного фасада собора, колоннады образуют сначала форму трапеции, а затем переходят в громадный овал, подчеркивающий особую подвижность композиции, призванной организовывать движение массовых процессий. 284 колонны и 80 столбов высотой по 19 м составляют эту четырехрядную крытую колоннаду, 96 больших статуй венчают ее аттик. По мере движения по площади и изменения точки зрения кажется, что колонны то сдвигаются тесное, то раздвигаются, и архитектурный ансамбль будто разворачивается перед зрителем. Мастерски включены в оформление площади декоративные элементы: зыбкие струн воды двух фонтанов и стройный египетский обелиск между ними, которые акцентируют середину площади. Но выражению самого Бернини, площадь, «подобно распростертым объятиям», захватывает зрителя, направляя его движение к фасаду собора (архитектор Карло Мадерна), украшенного грандиозными приставными коринфскими колоннам», которые возвышаются и господствуют над всем этим торжественным барочным ансамблем. Подчеркнув пространственность общего решения сложной по форме площади и собора, Бернини определил и главную точку зрения на собор, который па расстоянии воспринимается в своем величавом единстве. Пристроенная архитектором Мадерна базиликальная часть его вместе с декоративным фасадом объединяется с купольной постройкой Микеланджело.