ГЛАВА 3. Анализ работ, представленных павильонами России и США на Венецианской биеннале современного искусства

3.1 Идентичность в биеннале. Смысл национальных павильонов

Венецианская биеннале - одна из самых старых, но в то же время самых масштабных и престижных выставок современного искусства. Выставка берет свое начало в конце XIX в. (1895) и традиционно состоит из нескольких экспозиций, представленных в национальных павильонах и приводящих в действие некий механизм культурного плюрализма. Тема каждой выставки задается куратором центрального павильона. Каждый раз это новая тема, и предполагается, что она отражает состояние современного искусства и актуальную проблематику общества.

Ввиду того, что искусство - это прежде всего самовыражение, большинство людей заблуждаются, воспринимая и рассматривая композиции разных стран, представленных на Биеннале, исключительно, как способ отражения и материальной реализации внутреннего мира художников подчиненного исключительно требованиям заданной тематики. На наш взгляд, содержание представленных экспозиций можно рассматривать с трех точек зрения: 1) как реализацию авторского идиолекта; 2) актуализацию заявленной темы; 3) отражение национальной культуры. На содержание художественной коммуникации влияют, конечно, и шумы: например, техническая невозможность выставлять работы из музеев, если в павильоне нет климат-контроля.

Как уже было упомянуто выше, тема биеннале отражает состояние современного искусства на данном этапе, то есть его неразрывную связь с всем тем, что происходит во всех сферах общественной жизни на данный момент. Современное искусство имеет несколько иную миссию, нежели классическое искусство прошлых столетий. Классическое искусство было воплощением прекрасного и возвышенного. Оно выполняло функции по большей части эстетические: люди любовались произведениями, созданными великими авторами. На данном этапе искусство выполняет немного иную роль. Оно сосредотачивает внимание зрителя на ключевых общественных проблемах, которые нас окружают, помогает нам оценить реальность, в которой мы находимся, отражает нашу действительность. Кроме того, современное искусство все чаще обращается к способностям зрителя интерпретировать, пытаясь передать значения таким образом, что часто форма затмевает содержание и картина является своего рода "чистой формой", находясь на грани неинтерпретируемости. Таким образом, главными функциями современного искусства являются функции информационные и развивающие.

Каждый народ воспринимает эту действительность по-своему, а художник является посредником, который отражает это восприятие посредством своих работ. Именно поэтому мы можем рассматривать павильон Венецианской биеннале как своего рода репрезентации идентичности и мировоззрения жителей стран-участниц выставки. Они формируют образ страны.

Мы рассматриваем экспозиции Венецианской биеннале как диалог (коммуникацию) между художником и людьми, которые оценивают или просто созерцают искусство. Это также диалог культур, диалог власти и народа. Если рассматривать диалог между зрителем и художником, то его отличают следующие свойства: анонимность и коллективный характер получателя эстетической информации, высокий контекст и значимость информационного шума, сильная кодировка на грани неинтерпретируемости. Этот диалог дает своего рода толчок для дальнейшего развития современного искусства. Биеннале помогает расширить кругозор и выйти за рамки привычного мировоззрения. Это «пища» для ума, оставляющая след для дальнейших размышлений.

Несмотря на то что национальные павильоны Венецианской биеннале объединены общей темой, знаменитый критик Акилле Бонито Олива, один из кураторов выставки 1978 года решил отказаться от экспозиционной цельности, и теперь это не просто экспозиция национальных павильонов, объединенных одной темой, а отдельные выставки, представленные на экспозиционных площадках, распространенных по всему городу. Согласно мнению критика Виктора Мизиано данное новаторство приводит к кризису цельной экспозиции, что влечет за собой кризис цельного высказывания Художественный журнал Тонущая Венеция №34-35: 8. (Художественный журнал “Тонущая Венеция” №34-35: 8)

Выставки все так же были объединены общей тенденцией (например, в 1964 это был поп-арт, в 1982 уже трансавангард) и были связаны общей тематикой (например, экология в 1974 или диссидентство в 1977), но художники стали делать выбор в пользу форм различных жанров; кто-то прибегал к живописи, кто-то к музыке, кто-то выбирал инсталляцию или перформанс.

Рассматривая черты современного искусства, нужно сказать, что сегодня выставка предполагает свободное перемещение форм и интерпретаций работ из одного контекста в другой. Так, например, в 2011 году кураторам национальных павильонов предложили отказаться от традиционной репрезентации собственных национальных художников и сделать выбор в пользу самоценных творческих проектов, в том числе привлекать художников из других стран для презентации своего национального павильона.

Кризис цельного слияния - это утрата единого стержня, который дает четкое определение проблем и тенденций современного искусства на данном этапе. Так, заявленная в 2011 году тема Венецианской биеннале «Кардинальные точки искусства», подразумевала некую смысловую открытость. Само название "точки" предполагало разногласие связующих элементов: художников и экспозиций, что ставило под сомнение ключевую идею самой выставки - неразрывный, целостный смысл.

Другой современной тенденцией выставок выступает «перепроизводство событийности». В теории кризис моделирования смыслов на инсталляциях влечет за собой чрезмерный объем информации, иными словами - переизбыток событий. В последнее время Венецианская биеннале заполоняет весь город, проникая в самые неожиданные места, даже в кафе на площади Святого Марка. В результате огромного информационного потока становится все сложнее обдумывать и осваивать увиденное. Согласно мнению Виктора Мизиано, Венецианская биеннале сегодня - это кризис и энтропия современного и художественного сознания Художественный журнал Тонущая Венеция №34-35: 8. (Художественный журнал “Тонущая Венеция” №34-35: 8).

Подводя итог всего вышесказанного, можно сделать вывод, что Венецианская биеннале современного искусства является не только площадкой для продвижения молодых художников, но и способом укрепления роли современного искусства и информационным поводом для анализа глобальных проблем, существующих в обществе на данном этапе, и способом продемонстрировать свою страну.

3.2 Работы, представленные в национальных павильонах Венецианской биеннале. (Испания и Россия)

Традиционно испанское искусство называют барочным, обещающим многообразие орнаментальных элементов и неожиданные композиционные эффекты. Испанцы предпочитают ориентальные яркие цвета и броскость стиля. При этом золотым веком испанской живописи является 17 век, период господства напряженной динамики портретного реализма, натурализма и темных тонов.

Испанское искусство порождалось народом, который много раз был завоеван и, соответственно, органически вплетает в себя элементы различных культур (например, элементы иберийского схематического искусства переплетены с арабесками мавританского искусства, пришедшими от арабов). Кроме того, испанские художники долгое время были избавлены от свободы творчества испанской церковью. Эта свобода была реализована только в XXв. в картинах испанского импрессионизма (Хоакин Соролья), сюрреализма (Сальвадор Дали), кубизма (П.Пикассо).

Искусство Испании 21 века - это искусство постмодернизма, с его ризомностью (термин Д. Делеза), вечной погоней за новым продуктом и приоритетом идеи на эстетикой, универсализацией, к которой ведет глобализация и при которой локальное часто сведено к контенту и цвету.

Венецианская биеннале 2009

Куратором 53-ей по счету Венецианской биеннале, состоявшейся в 2009 году, выступил шведский искусствовед и арт-критик Даниэль Бирнбаум. Выставка была ознаменована темой «Создавая миры». Главной идеей выставки Д. Бирнбаум назвал близость к производственным процессам, и функционально экспозиции выставлялись для того, чтобы приблизить зрителя непосредственно к процессу создания экспозиции. По мнению Д. Бирнбаума, произведение искусства - это нечто большее, чем предмет и товар; прежде всего оно представляет собой некое видение мира и, воспринимая его всерьез, мы можем рассматривать его как способ создания мира. Поэтому некоторые произведения, представленные в национальных павильонах, раскрывают миры в процессе их создания, отсюда и тема выставки.

Павильон Испании, 2009 (Мигель Барсело)

Испанский национальный павильон Венецианской биеннале 2009 г. представлял знаменитый испанский художник Мигель Барсело. Здесь был представлен ряд его работ за последние десять лет, с особым акцентом на недавние произведения, которые включают в себя около 20 картин небольшого формата, а также изделия из керамики, которые по своему внешнему виду напоминают вазы для цветов.

Стоит отметить, что Мигель Барсело выступал художником-оформителем панно во Дворце Наций в Женеве, а также в Кафедральном соборе Санта-Мария, находящимся в Пальма-де-Майорка. Примечательно, что во время росписи купола во Дворце Наций художник положил на пол несколько полотен, которые случайно были покрыты краской, капающей с потолка. Позже данные холсты были использованы в качестве фона для будущих картин художника.

Последние работы М. Барсело, которые были представлены в национальном испанском павильоне на выставке, посвящены трем основным тематикам: приматы, африканские пейзажи и морская пена. (См. приложение 1). Первая серия картин, как мы уже обозначили, состоит из картин одиноких горилл. Данная серия имеет тесную связь с более ранними работами художника конца 1990-х годов, где он изображал знаменитую во всей Испании и единственную в истории гориллу-альбиноса по имени Снежок (Snowflake), пойманную испанскими учеными в Экваториальной Гвинее. Позднее Снежок был продан в зоопарк Барселоны, где провел остаток своей жизни и был настоящей туристической достопримечательностью города.

Испанская пресса указывала, что данные картины в какой-то степени являются автопортретами самого Барсело, поскольку отражают его одиночество, как вымирающего вида художников в эпоху господства новейших технологий.

В новых африканских пейзажах также мы находим отголоски работ художника в конце прошлого столетия. На картинах мы можем видеть человеческие фигуры, домашних животных, растительность, а также жизнь обыкновенных людей на берегах реки Нигер с рыбаками и каноэ. Серия данных работ была вдохновлена частыми пребываниями М. Барсело в Западной Африке, где у художника даже есть собственная мастерская.

Третья часть картин 1999х годов, также представленная на выставке, отображает морскую пену в абстрактной манере. Эти картины имеют тесную связь с самыми ранними работами художника 1970х годов, где особое внимание он уделял пигментам и веществам. В своем интервью для Galerie Thaddaeus Ropac М. Барсело говорит о том, что это алхимия, которая происходит на полотнах. Эти картины с изображением морской пены связывают жидкость (море), находящееся в постоянном движении, с материальным, статичным изображением.

Кроме картин, которые были написаны художником еще задолго до выставки, здесь также представлены более поздние работы, написанные художником в середине прошлого десятилетия. На данных полотнах мы видим только черно-белые цвета и абстрактные узоры, чем-то походящими на разлив нефти. Поздние работы, так же представленные на Венецианской биеннале были созданы Барсело в 2006-2007 гг., на данных картинах изображены белые пустынные пейзажи.

Как уже было упомянуто выше, кроме артефактов изобразительного искусства на выставке были продемонстрированы работы художника, сделанные из керамики. Изображения на изделиях из керамики напоминают нам об одной из самых известных пещер «Альтамира» в Испании, где до сих пор сохранились наскальные рисунки.

Если говорить о национальном павильоне Испании на 53-ей Венецианской биеннале, то здесь автор безупречно справился с задачей главного куратора Д. Бирнбаума и прекрасно отобразил в своих работах тему выставки «Создавая миры». В павильоне не зря были представлены картины, написанные автором в разные периоды его творчества, начиная с прошлого столетия: ведь, как было заявлено куратором, здесь было важно отобразить работы в самом процессе их создания, поскольку искусство - это видение мира. Особенностью стиля этого художника является его попытка создания иконического искусства, максимального стирания границ между искусством и предметом этого искусства. Иными словами, в эпоху абстракционизма, который по логике своей уже высоконтекстуален, М. Барсело старается создать как можно более низкоконтекстуальное искусство. Он прославился в Испании тем, что в 1984, изображая омлет, использовал разбитое яйцо, на картине с изображением Везувия присутствует реальная вулканическая пыль, а позже на Мали, рисуя пыль, художник использовал грязь. И здесь можно сказать, что исскусство М.Барсело на этой биеннале в чем-то является классическим: оно обращается к пейзажам и наскальной живописи, оставляя "за бортом" социальную тематику и неразборчивость формы.

Работы Барсело невероятно чувственны, но в то же время обладают некой грубостью, которая заряжается за счет различных тонкостей и эвфемизмов, которые являются западным прообразом, который мы видим по телевидению, в глянцевых журналах и в рекламе.

Таким образом, композицию испанского павильона 2009 г. можно охарактеризовать следующим образом: реалистичность, смысловое единство повествования, но представленное с помощью текстов различных семиотических систем (скульптура, живопись), использование элементов с ярко выраженной национальной спецификой (наскальные рисунки пещер Альтамира), приглушенность цвета.

Павильон России, 2009

На 53-ей Венецианской биеннале павильон Росси представили 7 молодых художников - Алексей Каллима, Андрей Молодкин, Георгий Острецов, Анатолий Журавлев, Сергей Шеховцов, Ирина Корина и Павел Пеперштейн и их проект «Победа над будущим» (См. приложение 2.). Куратором выступила знаменитый документалист и куратор множества арт-проектов Ольга Свиблова.

Стоит обратить внимание на утопичное название проекта «победа над будущим». И победа, и будущее по отдельности несут в себе идею крепкого позитива, но вот победа над будущим уже звучит довольно безнадежно, бесперспективно и трагически. Вероятно, куратор российского павильона биеннале 2009 года просто не слышит этого.

Художественный опыт и укорененные в русском искусстве традиции русского авангарда, помогли художникам создать их собственные художественные миры. Примечательно, что в павильоне своеобразным фоном для инсталляций послужил рэп на английском языке, наложенный на музыку Стравинского (балет «Весна священная») записанный Павлом Пепперштейном специально для выставки. Сам художник назвал его рэпом против современного искусства. Данная композиция - сочетание американского про-западного глобализма и русского патриотизма. «Это своего рода манифест, направленный против современного искусства» Журнал Сноб, Москва 05.06.09 (- говорит Павел. (Журнал Сноб, Москва 05.06.09 ) По мнению художника современное искусство идет на поводу у капитала и посему теряет свой смысл. Если раньше искусство боролось за свободу, то сейчас оно лишь воплощает в реальность амбиции капитализма, загоняя себя в жесткие рамки. Супрематические элементы на картинах Пепперштейна, представленных в русском павильоне 53-ей Венецианской биеннале, повествуют о будущем России и ее мегаполисах. Картины висят на черном фоне и освещаются ярким светом. Знаменитый русский авангард внедряется в современную цивилизацию своей утопической энергией, в надежде «оживить» новый виток истории и неизбежного будущего. Если взглянуть на картины, не имея понятия ни о национальных павильонах, ни о художнике и его происхождении, то несложно догадаться, что это произведения русского автора. Интересно что в данном проекте совмещаются несколько каналов восприятия (аудио и визуальное).

Другая работа, так же представленная в русском павильоне на Венецианской биеннале в 2009 году принадлежит Анатолию Журавлеву. Это инсталляция под названием «Черные дыры» представляет собой подвешенное облако, состоящее из прозрачных шариков. Здесь прослеживается более высокий контекст, нежели в работах Мигеля Барсело. Инсталляция намекает на высокую сюжетность. На каждом шарике мы можем наблюдать фотографии знаменитых деятелей прошлого столетия. Сами фотографии очень маленького размера, всего 1 сантиметр в диаметре. Совмещая поп-арт с идеологией, художник показывает столкновение различных эпох друг с другом и раскрывает проблему проявления будущего через прошлое.

Мультимедийная инсталляция Андрея Молодкина под названием «Красное и Черное» представляет собой стеклянные скульптуры Ники Самофракийской. Скульптуры заполняются жидкостью, одна черной - нефтью, другая красной - кровью. Как известно Ника - это символ победы, посему пульсирующие в теле скульптур потоки олицетворяют амбивалентность войны. Кровь и нефть подобраны автором неслучайно, ведь нефть - и есть черная кровь всего человечества. В нынешнем мире за счет энергии нефти работают миллиарды механизмов, без которых существование человечества практически так же не мыслимо, как и без крови в организме. Кроме того, возможно, здесь присутствует мотив больших денег, сделанных на крови.

Следующая работа принадлежит Алексию Калимме. Проект «Теорема дождя» - это огромные фрески, на которых мы видим трибуны футбольного стадиона, заполненные беснующимися болельщиками. Фрески выполнены флуоресцентными красками, которые проявляются исключительно в ультрафиолетовом свете. Датчик, который его включает реагирует на людей, приближающихся к фреске: в определенный момент он срабатывает, отключается и оставляет зрителей в белой пустоте. Ключевая мысль данной инсталляции погружает нас в теорию хаоса и рассказывает о том, что как невозможно предугадать развитие и завершение спортивной игры, так и нельзя предугадать ход истории.

Еще одна работа, представленная в российском павильоне Венецианской биеннале 2009 года принадлежит Ирине Кориной. Ее инсталляция представляет собой фонтан, где брызги воды обклеены разноцветными клеенками, которые сами по себе напоминают типичный национальный орнамент России. Расцветка тканей - нечто схожее с хохломой и обивкой старого дивана. На фонтане мы также видим две стеклянные вставки, напоминающие окна, если присмотреться, то за окном можно увидеть подъезд, с типичной для старых хрущевок краской на стенах, бело-голубых цветов. В подъезде на потолке висит люстра. Фонтан Ирины Кориной не только дает отсылку к нашей повседневной реальности, но и напоминает нам о зазывающих традиционных русских костюмах.

И, наконец, примечательная инсталляция Георгия Острецова, представляет собой заброшенную комнату, где за столом мы можем видеть механический манекен, изображающий художника, который работает над эскизами своих проектов. Сама художественная деятельность, как процесс создания произведений, которые в дальнейшем переживают своего создателя и есть та самая победа высокотехнологичных арт-проектов над будущим.

Таким образом мы видим, что представленные в разных стилях, но связанные друг с другом общей нитью сочетаемости высокотехнологического и изобразительного инсталляции русского павильона Венецианской биеннале 2009 года, помогли художникам прекрасно справиться с поставленной задачей главного куратора.

В инсталляциях «фонтан», «красное и черное» и «черные дыры» мы можем говорить о высоком контексте, ведь понять замысел с первого взгляда удастся далеко не каждому. Многообразие павильона помимо всего прочего свидетельствует о полихронности русской культуры, наших способностях легко и непринужденно «переключаться» с одного на другое. Помимо того, в экспозициях, представленных в русском павильоне, преобладает аллюзивность, нарративность, художники ссылаются на те или иные знаменитые события и факты. Тема, проходящая красной нитью через все работы, представленные в российском павильоне: от прошлого (Черные дыры) к высокотехнологичному будущему в Перспективах развития, Теореме дождя (говорящее название, предсказывающее взаимодействие изображений и высоких технологий в инсталляции, ибо дождь не поддается математическому осмыслению, он явление из разряда чувственных перцепций) и роботу, создающему эскизы, через настоящее, заполненное кровью и черным золотом (Красное и черное). Победа над будущим - это очень русское название, так как при двух абсолютно наполненных оптимизмом словах, сочетание звучит весьма трагично.

Таким образом, привлекает внимание разнообразие творческих стилей, использование национальных элементов орнамента, тематическое использование текстов различных областей жизни (фотография - история, спорт и т.д.) Вместе эти разрозненные сообщения создают метафору времени: от прошлого (черные дыры) - через настоящее (красное и черное) - к будущему. Общий настрой композиции пессимистичен, что отражается вербально в названиях ее отдельных частей. Так, черная дыра - это поле с неизвестной информацией; теорема дождя - это практически оксюморон, ибо теорема - это социокультурное и эпистемологическое, а дождь - это онтологическое и природное, а следовательно, у дождя не может быть теорем. И, наконец, словосочетание "Победа над будущим" вызывает отторжение, потому что люди борются и побеждают за будущее. Победить над будущим - это значит проиграть.

Павильон Испании, 2011

Куратором 54-ой Венецианской биеннале стала Биче Куригер. Выставка носит название «ILLUMInations» - «ИЛЛЮМИнации». Главная идея заключается в том, чтобы название отображало тему света и наций одновременно: «Современное искусство зациклено на самом себе и не задумывается о том, что находится за его рамками. Я хотела разрушить этот запрет. Проблема нынешних кураторов в том, что они читают много философских книг, но совсем не знают истории». Журнал VOGUE Росссия

Испанский павильон Венецианской биеннале 2011 года представляет дочь куратора испанского павильона Кати Гарсии-Антон - Дора Гарсиа и ее высококонтекстуальная работа 'LO INADECUADO' (См. приложение 3).

Сперва может показаться, что это просто три надписи на полу, интерпретирующиеся на русский язык как «Неадекватность», но на самом деле не все так просто. 'LO INADECUADO' - это увековеченные нами книги, чтения и интерпретации, вокруг которых мы все бродим и танцуем. Важно отметить, что данная работа - это отсылка к проекту Доры Гарсии 2009 года, под названием `Mad marginal', в которой она исследует форму художественной практики, при помощи традиций антипсихиатрических и антиинституциональных движений в качестве призмы, дабы взглянуть на работы художников, которые предпочли оставаться аутсайдерами по собственному желанию или же общество навесило на них эти ярлыки. Иными словами, это бесконечное расследование работ, не вписавшихся в рамки общества художников, поэтов и писателей, - тех самых «неадекватных», непостоянных людей, которыми она восхищается за исключительное безразличие к успеху и условности.

В своей работе художница рассматривает концепт маргинальности в качестве художественного приема; что это значит - быть маргинальным и как художники используют данный прием для собственной защиты и свободы в своих работах.

`LO INADECUADO' - это по сути своей одна единая работа, вокруг которой разворачивается целый развернутый перфоманс, который вбирает в себя около 45 различных действий, выполненных более чем семьюдесятью участниками. Весь центральный атриум павильона - это платформа на которой располагаются три надписи слова «неадекватность» на итальянском, испанском и английском языке. В течение шести месяцев сначала и до конца биеннале здесь проходят многочисленные беседы, монологи и презентации. Выставка превращается в нелицензированный, нерегулируемый исследовательский проект, который передает и изгоняет радикальное и маргинальное искусство, политику, литературу и даже антипсихиатрию с их линиями наследования наряду с позицией исключенного, изгнанного и навязчивого диссидента. «Игроки», представляющие как себя, так и работу других в испанском павильоне - это романисты, философы, социологи, активисты, издатели, режиссеры, экономисты, кураторы, психиатры, урбанисты, архитекторы, историки и другие выдающиеся ветераны искусства. Принять участие в дискуссиях может любой желающий.

Боковые пространства павильона хранят архивные материалы и реквизиты, связанные с недавними работами Гарсии, а так же различные одолженные рукописи, фотографии и другие произведения искусства различных художников и писателей. В интервью, которое в первые дни выставки куратор испанского павильона Катя Гарсиа Антон дала для Vernissage TV ею было отмечено, что формат книги и повествования это нечто, что существует неизменно и постоянно, не только во время процесса создания. Гарсиа Антон заявила, что книги и текст окружают нас повсюду.

Помимо всего прочего на мониторах в угловых комнатах павильона демонстрируются документальные фильмы, кристаллизующие многие направления исследований Доры Гарсии. Здесь есть интервью, закадровые комментарии и фильмы о семинарах в психиатрических больницах.

Еще один из приемов, используемых Дорой Гарсией в испанском павильоне биеннале - «Мгновенное повествование». Это перформанс с участием наблюдателя выставочного пространства, которые печатает на ноутбуке все то, что слышит и видит. В основном - это описание внешнего вида и поведения посетителей выставки. Текст с монитора проецируется на экран в выставочном зале уже без явной связи с автором. Когда посетители павильона сталкиваются с проецируемым текстом, они осознают, что кто-то смотрел на них. Это позволяет им взглянуть на себя глазами этого человека, что иногда может оказаться комическим и часто даже неприятным для читателя. С этого самого момента посетитель знает, что его поведение влияет на проецируемый текст.

И хотя с первого взгляда работу Доры Гарсии вряд ли можно назвать экспрессивной, что совсем не типично для испанской культуры, углубившись внутрь мы понимаем, что все с точностью наоборот. Павильон Доры - это своего рода протест и манифест, против той самой адекватности. Самое примечательное в данном павильоне - постоянное развитие в течение шести месяцев биеннале, с использованием объектов и документов в архивном формате. Это не просто неподвижная инсталляция, оставляющая отпечаток на посетителе и дающая пищу для размышлений. Это целое представление, спектакль, подчеркивающий насильственную хрупкость всего того, что по нашему мнению считается адекватным. Это форма инакомыслия, побега из центра. Неадекват отвечает требованиям не соответствовать ожиданиям, а не просто быть тем, что от тебя ожидают.

Формально работа выполнена в стиле минимализма, но ее особенностью является то, что она вовлекает само зрителя, и хотя он сначала думает, что он получатель сообщения, которое ему еще предстоит интерпретировать (надпись), в конце он оказывается частью текста. Такая трансформация получателя информации в текст достаточно характерна для искусства постмодернизма. Интересна вариативность текста, ибо текст всякий раз создается заново под одной и той же вывеской.

Павильон России, 2011 г.

Павильон России на биеннале в 2011 году представляет сотрудничество Андрея Монастырского и арт-группа «Коллективные действия». Андрей Монастырский - российский художник, писатель и поэта, один из основоположников московского концептуализма (наиболее влиятельное движение в отечественном современном искусстве прошлого столетия, сопоставимого с авангардом 1910х- 1920х годов).

Инсталляция российского павильона под названием «Пустые зоны» (См. приложение 4) представляет жизнь, как своего рода произведение искусства, единственное, уникальной и неповторимое. Российский павильон разбит на четыре части: урбанистическое пространство, представленное серией из снимков русских зимних пейзажей под названием «Земляные работы», лабиринт, состоящий из нечто похожего на перегородки в обычном офисе, на стенках которых мы можем видеть отрывки из книги Андрея Монастырского и группы «Коллективные действия», в нижнем зале демонстрируются отрывки из последнего проекта Монастырского. В главном зале павильона представлена самая важная инсталляция -по всему периметру стоят пустые деревянные ГУЛАГовские нары, а в середине лиственные сваи, весом по 250 кг каждая, закрепленные между собой железной цепью. Сваи стоят на круге с цифрой «11». Это число здесь неспроста. «Поездки за город» Монастырского и группы «Коллективные действия» запечатлены в десяти томах акций, которые они совместно проводят со времен 1970х годов. На момент выставки к публикации готовился 11й том, это и нашло отражение в круге под сваями. Интересно, что сваи и нары - два символа, отображающих Венецию и Россию, объединенные в одном проекте.

Нары не только напоминают нам о тяжелом прошлом нашей страны, но и, помимо всего прочего, символизируют угрозу, которая исходит от общества постоянного потребления, перепроизводства вещей и искусства в том числе. Здесь речь идет о том, чтобы показать искусство не как производство материальных вещей, а как производство самого себя.

Интересно, что люди, которые заходят в павильон могут смотреть на инсталляцию по-разному; кто-то видит в нарах полки для бутылок и сыра, кто-то просто магазинные витрины; тем самым Монастырский предлагает посетителям широкое поле для интерпретации, он заставляет думать о времени и внутреннем мире. В этом и заключается смысл концептуального искусства - заставить каждого человека думать самостоятельно, а не просто принимать и выдавать за свои, уже написанные кем-то истины.

Говоря о русских национальных особенностях инсталляции, здесь мы прежде всего можем говорить о философском подходе к творчеству, художник создает своего рода метафоры; как уже было сказано ранее, нары - угроза обществу, а зима на пейзажах символизирует одиночество и пустоту. В целом, совместно созданный в 1970х годах Андреем Монастырским и группой «Коллективные Действия» московский концептуализм - олицетворение русского стремления к философским размышлениям и рефлексии, поскольку для полного понимания работ подобного стиля необходимы философские познания и способность находить и расшифровывать, спрятанные в работах символы.

Павильон Испании, 2013

55ая Венецианская биеннале носит название «Энциклопедический дворец» под руководством Массимилиано Джони. Куратор доказывает насколько второстепенен фактор новизны. Интересно что здесь по соседству находятся произведения искусства прошлого столетия с теми, которые были созданы совсем недавно. Что касается названия темы выставки, «Энциклопедический дворец» - название изобретения итальянского эмигранта Марио Аурити, которое он пытался запатентовать в США в 1955 г. Марио создал концепцию «дворца универсального знания человечества». Сам проект, к счастью или сожалению реализован не был и впоследствии очутился на складе утопических идей, где позднее был найден куратором 55 биеннале М. Джони.

Представителем испанского павильона выставки в 2013 году стала известная художница Лара Альмарсеги и ее массивные груды камней (См. приложение 5). Стоит отметить, что Лара Альмарсеги исследует городские пространства, что находит отражение в ее работах. Художница считает, что город - это не только здания, появившиеся на свет благодаря чертежам архитекторов, это нечто более сложное и живое. Внимание Альмарсеги, как правило, привлекают забытые всеми, заброшенные участки земли. В подобное пространство трансформировался испанский павильон Венецианской биеннале 2013 года. Художница превратила в его в огромные кучи камней, щебня, кирпича, гравия и других подобных предметов, собранных на местах пустых, заброшенных земель. Проект Лары - это исследование городских преобразований в результате экономических, политических и социальных изменений. Сама она считает, что подобные пустые земли имеют невероятную значимость, поскольку это, как правило, единственные места в городе, которые остаются без какого-либо определения; нетронутые никем, и все, что происходит на этих землях - не план, а случайность. Лара видит огромную ценность в отсутствии дизайна и преобразований и поэтому она стремится сохранить вид всех этих пустынных земель в своих работах.

Груды камней в испанском павильоне - это «голый» материал, превращенный в гравий, представляющий собой обломки от разрушенных зданий после переработки. Постройки из подобных стройматериалов окружают нас повсюду в городском пространстве; даже само здание испанского павильона было выполнено из того самого материала, лежащего теперь на полу павильона. Все эти камни- ничто по отдельности, но, тем не менее, их объединяет общая идея строительства.

Сама по себе работа Лары Альмарсеги имеет высокий контекст, ведь с первого взгляда, не имея особого представления об авторе экспозиции и ее авторском стиле, понять замысел работы удастся далеко не каждому. Избегая какой-либо неопределенности и подтверждая идею замысла главного куратора 55-й Биеннале, данная инсталляция демонстрирует прямую мотивацию и иконическую связь между инсталляцией и заданной темой.

Павильон России, 2013

Российский павильон на Венецианской биеннале 2013г. представляет советский и российский художник Вадим Захаров и его работа, под названием «Даная» (См. приложение 6). Проект устроен следующим образом: на крыше павильона установлены специальные антенны, ловящие информацию, ведущую к обогащению, на входе, под потолком мы видим, сидящего на жердочке типичного успешного клерка, который грызет арахис, стоит отметить, что в английском языке слово peanuts (арахис) употребляется в значении «мелочь», на стене мы можем видеть, проходящий через весь зал, призыв к джентльменам уже наконец-то признаться в различных пороках (жадности, похоти, нарциссизме). В следующем зале расположена главная инсталляция, где со стеклянного потолка сыпется «золотой дождь» в вине золотых монет. Таким образом, они попадают в «утробу» на первом этаже, где находится царство женщин, поскольку павильон могут посещать только женщины. Им выдают зонты, для того чтобы монетки не ударяли их по голове. Упавшие монетки в виде золотого дождя собирают в ведро и под пристальным вниманием уже другого «клерка» поднимают через ту самую дырку в полу, из которой он падает, снова на второй этаж.

Инсталляция Вадима Захарова «Даная» - прямая отсылка к мифологии. Согласно древнегреческой легенде, отец заключил красавицу Данаю в подземный медный дом, узнав о том, как прекрасна девушка, Зевс проник в место ее заточение под видом золотого дождя, в результате чего на свет появился герой Персей, который победил Горгону медузу и, согласно пророчеству, убил своего деда метанием диска.

Художнику удалось иллюстрировать легенду своей инсталляцией, конечно, интерпретируя ее под рамки современного общества. Важно отметить, что замысел художника о том, что только женщины могут посещать павильон - не проявление сексизма, а следование «логике анатомического строения» мифа. Мужское попадает внутрь под видом золотого дождя из монет только сверху. Нижний же уровень - это «утроба», которая сохраняет покой, память и знание. Монеты, которые падают со второго этажа - валюта номиналом Одна Даная, каждая из которых имеет различные надписи - 'trust', 'love', `unity', `freedom'. Любая посетительница павильона может почувствовать себя героиней древнегреческого мифа, им даже разрешено забрать одну монетку с собой на память.

Воплощение данного сюжета в искусстве - не ново, однако, трактуя историю на свой лад, Захаров заставляет нас задуматься о том, насколько современное общество помешано на материализме, деньгах и наживе. Отсылка к мифу, который каждый знает с самого детства, не оставляет и тени сомнения о замысле автора, однако здесь важно понимать, что несмотря на прозрачность замысла, который в принципе можно понять, прочитав название самой инсталляции, здесь мы не можем ограничиваться одной трактовкой мифа, ведь каждый воспринимает и миф и инсталляцию по-своему, со своей точки зрения. Захаров, как и многие авторы, представляющие российский павильон в предыдущих годах, хоть и обращается к мифу, но интерпретирует его на современный лад, затрагивая проблемы, волнующие человечество. Образ Данаи в современное мире, где информации ценнее и дороже золота, может означать, что владение ценной информацией - то же самое что и владение золотом. Несмотря на то, что, казалось бы, смысл инсталляции не так уж и сложен для восприятия и понимания, здесь все равно можно смело говорить о высоком контексте работы, в которой помимо всего прочего прослеживается склонность русского человека к мифотворству, размышлению, интерпретации и, конечно же, стремление к красоте, вытесняющей простоту.

Павильон Испании, 2015

Тема Венецианской биеннале 2015 года носит название `All the world's Futures' и переводится на русский как «Все будущее мира». Куратором на этот раз выступил арт-критик и писатель Окуи Энвезор. Перед участниками стояла задача ответить на вопросы о месте настоящей эпохи в истории, а также о смысле исторического развития и прогресса в целом, ну и, конечно же, о дальнейшей судьбе человечества.

Испанский павильон биеннале 2015 года представляют: Франческ Руис, Пепо Салазар и Кабелло Карселлер. (См. приложение 7)

«Даже призраки посещают биеннале» (Even ghosts come to the Biennale), - заявляет один из персон Может ли присутствие этих призраков объяснить чувство дискомфорта и неопределённости, возникающее при посещении испанского павильона? Эта фраза здесь неспроста, ведь в испанском павильоне присутствует дух великого Сальвадора Дали. Под общим названием `Los sujetos' (объекты) мы видим групповое шоу Франческа Руиса, Пепо Салазара и Кабелло Карселлера, объединённых единым субъектом, в качестве которого выступает Сальвадор Дали, хотя ни одна из работ художника здесь не учитывается. В качестве тезиса здесь выступают неоднозначность его личности и, конечно же, свойственная ему неординарность. В центральном помещении павильона мы видим кинохроники, телевизионные ролики и видео-интервью с участием Дали, включая размышления о его наследии.

Одна из работ в павильоне принадлежит Пепо Салазару, это скульптура, состоящая из металлических палок, на которых мы можем видеть различные предметы: парики, перчатки, микрофоны,сумки, зеркала все это сопровождается неоновым светом и бесконечным множеством проводов.

Перформанс Кабелло Карселлера, включающий в себя фильм об андрогинности, который заканчивается песней 'I'm a Mystery', которую исполнила Аманда Лир - муза Сальвадора Дали. Тема Андрогинности здесь неслучайна, ведь на протяжении всей жизни модели в прессе не утихали споры о внешности, голосе и поведении звезды - многие утверждали, якобы Лир сменила пол, поскольку на самом деле родилась мужчиной.

Следующая инсталляция принадлежит Франческу Руису и представляет собой два киоска на которых написано `Materiale per adulti' - «Материалы для взрослых», журналы, представленные на полках, посвящены исследованию рисованного порно, гомосексуализма и цензуры. Среди них можно найти подпольные, запрещенные комиксы, в том числе и `Sukia' Итальянский комикс 1978-1986гг., где вампирша Sukia борется со злом . В соей работе Руис представляет комикс как зык и форму повествования, способную отразить социальную реальность. Художник воздвигает границы между капиталом, общественной моралью и средствами массовой информации в сложной технической и концептуальной конструкции.

Все работы, представленные в испанском павильоне биеннале 2015г. переосмысливают и репозиционируют Сальвадора Дали с современной точки зрения, при помощи голосов К. Кабелло, Ф. Руиса и П, Салазара. Ведь чтобы исследовать Дали, необязательно показывать его картины. Художник представлен здесь в виде слова, интервью и предметов, что интерпретирует его личность и его детальность через творчество других авторов, концептуально связанных с ним и с друг другом. Испанский павильон выставки 2015 года представлен в лучших испанских традициях, и, хотя работы, представленные здесь в этом году, практически как и всегда, не изобилуют яркими красками, они «кричат» о всех вопросах и задачах, волнующих общество, при помощи обычных предметов, которые окружают нас в повседневности: гендерные проблемы, сила средств массовой информации и отношения с культурой объектного изображения. Конечно же, появление фигуры Дали в испанском павильоне неслучайно, помимо того, что это художник - знаменитое на весь мир национальное достояние Испании, он один из тех немногих, кто понимал и знал, как использовать средства массовой информации в своих целях, находясь в постоянном симбиозе как с общественностью, так и с частными лицами, поэтому, опираясь на данный пример, художники обыграли свой замысел именно таким образом, абсолютно не ограничивая себя никакими рамками, как это делал Сальвадор Дали.

Павильон России, 2015

Россию на выставке в 2015 году представляла Ирина Нахова и ее «Зеленый павильон» (См. приложение 8). В своей работа Ирина обращается к темам цвета, экологии, исторической памяти и архитектуры. Стоит отметить, что характерный для Ирины интерес к слиянию социополитического и художественного проявился в самом начале замысла работы, когда художница решила перекрасить стены павильона в его первоначальный цвет - зеленый. Это своего рода гармоническое единство архитектуры и природы. Возвращение зеленого цвета павильона имеет отсылку к высказыванию Эйзенштейна о том, что «цвет - это первоначально идеология» 'Form is first of all ideology': Yve-Alain Bois, Painting as model, Cambridge, mass.: MIT Press, 1990. P.20 . Ирина с глубоким уважением относится к сохранности щусевского интерьера, совмещая особенности его архитектуры с собственными идеями. Стоит отметить, что в России интерпретация зеленого цвета зависит от эпох: что для Кабакова и других концептуалистов символ коммунальной пустоты и разложения, для Щусева - социальное обновление.

Задача Наховой состоит не только в репрезентации своего искусства, но и мироощущения, характерного для не-институциональной культуры времен СССР, не имевшей прочного положения в обществе. Ведь в XXв. русское искусство развивалось с учетом предвзятости, запретов и гонений.

Ирина очень избирательно подходит к выбору цвета; различные цвета каждой комнаты павильона определяют психооптический режим восприятия. Стены первой комнаты покрашены в серый, металлический цвет, что помогает создать пространство, похожее на кабину самолета. Около стены мы видим огромную голову пилота (диаметр - 2.5м) в кислородной маске и шлеме. Сама инсталляция отображает крушение и фрагментацию персонажа, неважно речь здесь идет об отделении тела от головы или раны, нанесенные психическими увечьями. Цель летчика, как и художника, одновременно покорить мир и освободиться от нагроможденных им же шаблонов. Сама инсталляция наталкивает нас на множество мыслей и ассоциаций, фигура летчика - это и есть фигура художника, он изолирован в кабине от внешнего мира для осуществления собственной миссии, но ему не хватает кислорода.

Сама Ирина довольно иронично описывает процесс встречи посетителя с инсталляцией: « Сила взгляда из под маски заставляет обывателя, который оказывается рядом с художником, обернуться, поднять голову и устремить взгляд, как правило опущенный в пол или устремленный в экран телевизора, - к небу, к бесконечности». Это и есть переход от бесцветного мира к цветному, в момент, когда световой люк становится прозрачным.

Кислородная маска пилота-художника сделана из материала, похожего на тот, из которого делались телогрейки для заключенных в ГУЛАГах в 1930х годах. Тогда они обрели довольно негативную репутацию, а в послевоенный период они все еще пользовались спросом, напоминая об «успехах» советской легкой промышленности.

Как ни странно, но центральная часть павильона покрашена в черный цвет и удивляет зрителя своей пустотой, поскольку здесь вовсе нет никаких предметов. Даже световой люк окрашен таким образом, что единственным источником света здесь остается квадрат в верхней секции. На полу находится стеклянный квадратный проем, покрытый электронной тонировкой; при наступлении на который можно увидеть видео, демонстрируемое на первом этаже павильона.

Выбор черного цвета и квадратная форма центральной комнаты напоминают знаменитый «Черный квадрат» Малевича. В действительности существуют некоторые причины, которые обусловили выбор именно этой картины в качестве оформления «Зеленого павильона». Во-первых, Малевич создал его практически в то же время, когда Щусев реализовал дизайн Русского павильона. Интересно, однако, что созданный здесь уют и суровый «Черный квадрат» диаметрально противоположны. Дисбаланс картины и постройки олицетворял отсутствие согласия в русском обществе того времени. Футурист Малевич, принадлежавших в группе авангардистов, которые призывали к модернизации страны, и угодный властям Щусев, прославившийся своими сооружениями в конструктивистском стиле, за счет поддержки последних. В 1924 году в Венеции состоялась 14я биеннале, для которой Малевич написал второй «Черный квадрат» в дополнение своему триптиху «Квадрат, круг и крест». Картина должна была висеть в щусевском павильоне, однако после того как Малевич решил послать инструкции о том, как должны висеть его картины, с предупреждением, что располагаться они должны по вертикали, кураторы отказались найти место для его работ. В результате, спустя 91 год «Черный квадрат» обратился в призрака, бродящего по павильону.

Работа Наховой наделяет беспредметный и непонятый многими знаменитый «квадрат» смысловым потенциалом, делая акцент и на форме, и на цвете, и на свете. При входе мы видим затемненный квадрат, который словно втягивает в себя прошлое советской эпохи, но по мере приближения к нему мы видим это смену режимов: темнота сменяется прозрачностью, в которой видно видео, где нам напоминают об изначально свойственных художественному образу советской истории гротескных формах.

После черной комнаты зритель перемещается я ослепляющую своей яркостью зелено-красную. Помимо темы революции XXв., «красного террора», красных лозунгов и красных язычков пламени в окнах Белого дома в 1993, эта комната переносит нас во времена новейшей истории, ссылаясь к экологической катастрофе и угрозе окружающей среды в современном мире. Красное на зеленом - символ крови, которой истекает природа, страдая от человеческого вмешательства.

Таким образом, мы видим что «Зеленый павильон» Ирины Наховой - это настоящая машина времени, которая перемещает нас из советского пространства в постсоветское, а затем снова возвращает к не менее жестокой реальности, воодушевляя на поиски выхода. Примечательно, что в 2015 году и испанские и русские художники прибегают к помощи двух одинаково примечательных с исторической токи зрения и не только личностей, внесших огромный вклад не только в искусство своих стран, но и в мировое искусство. Помимо того, что работы, представленные в павильоне России в 2015 году заключают в себе отсылки к историческому прошлому нашей страны, они, также отражают злободневные проблемы человечества, что в принципе свойственно авторам русских павильонов Венецианской биеннале.

Павильон Испании, 2017

Общая тема Венецианской биеннале «Viva arte viva» - «Да здравствует живое искусство». Задача главного куратора (Кристин Масель) состояла в том, чтобы показать насколько велик вклад любого художника в своих работах, раскрыть темы, которые их интересуют и задачи, которые они перед собой ставят. В общем и целом Масель попыталась ответить на вопрос - «Каково это - быть художником в современном мире?»

Испанский павильон выставки 2017г. представил популярный художник Хорди Коломер и его проект 'Ъnete! Join us! (Присоединяйся!), сама инсталляция носит название `Cuidad de bolsillo', что в переводе с испанского означает «карманный город»(См. приложение 9). Это, скорее инсталляция в инсталляции, вбирающая в себя серию видео, скульптуры и самого пространство, которое автор понимает как общую, но временную архитектуру.

Проект представляет собой разномасштабные макеты домов, которые в совокупности представляют собой целое городское пространство, периодически дома содрогаются от искусственного подобия ветра, создаваемого вентилятором, подобно постоянной вибрации настоящего взволнованного города.

В испанском павильоне биеннале 2017г. Коломер представляет композицию очень похожую на его предыдущие работы. Художник особенно известен своими видеоинсталляциями, в которых современная архитектура и городские пейзажи находят свое особое отображение. Хорди Коломер изучает влияние городской среды на поведение человека и исследует повсеместность и недостатки модернизма в городской среде.

На стенах павильона транслируется снятый заранее фильм Хорди, посвящённый людям, кочующим от одного места к другому. Это не те, кого вынудила война, экономика или сложившаяся политическая ситуация, самое важное здесь - простое искреннее желание. Коломер считает, что в будущем появится все больше людей, которые будут покидать свои дома и города, объединяясь друг с другом, просто потому что они сами этого захотели. Он говорит о том, что мы вполне можем представить себе целую кочующую цивилизацию, поскольку это очень даже возможный сценарий ближайшего будущего; и это именно то, что заставляет автора размышлять на тему временной архитектуры. В чем, кстати, проявляется высокая степень избегания неуверенности. Один из героев фильма Хорди говорит о том, что мы должны строить что-то, даже несмотря на то, что мы знаем, что следующее поколение сможет лучше. В этом-то весь и смысл.

Характерная для авторов испанского павильона черта - донести зрителя определенный посыл посредством видео, перформансов и необычных предметов прослеживается здесь и в этом году. Испанский павильон напоминает нам о том, что несмотря на каменные джунгли, которые продолжают заполонять нашу планету, мы не должны забывать о том, что мы прежде всего люди и то, что мы должны общаться, перемещаться, объединяться и, конечно же, обмениваться опытом, в том числе во благо будущего не только наших городов, но и человечества в целом.

В инсталляции Хорди, как и в большинстве работ авторов, представляющих Испанию, отсутствуют лишние элементы и яркие цвета, все «прозрачно» и на поверхности. Разобраться в замысле экспозиции прекрасно помогает снятое автором видео.