Искусство эпохи Возрождения. Народный фольклор. Романтизм

Размещено на http://www.allbest.ru/

Билет 1

1. Барокко: (итал. barocco -- причудливый, странный, вычурный) -- художественный стиль, преобладавший в искусстве Европы, колониальной Южной Америки с конца 16 до середины 18 века и России 18 в. Зародился в Риме во 2-й пол. 16в. и охвативший все виды творчества (изобразительное искусство, архитектуру, музыку и литературу) наиболее монументально и мощно проявившись в архитектуре и изобразительном искусстве.

Италия - арена расцвета в 17 в. этого театрально-пышного, торжественного и патетического стиля в искусстве. Одной из определяющих черт этого стиля и его фоном стал дух обновленной католической религиозности, Историческим фоном развития барокко был также расцвет абсолютных монархий в Европе, благодаря чему именно этот стиль стал в основном репрезентировать сильную королевскую и императорскую власть в Европе, мощь и величие государства.

Действительно, крупнейшие его мастера, законодатели вкуса, такие как Л. Бернини и Ф. Борромини в Италии, Д. Веласкес в Испании, Рембрандт, Караваджо, в Голландии П.П. Рубенс и А. Ван Дейк во Фландрии, работают в католической среде; однако религиозные и политические программы их образов нисколько не подавляют силу творческой личности, являющей свою гуманистическую мудрость в строгих условиях придворного этикета или церковного ритуала.

В живописи эпохи барокко кристаллизуются жанры (пейзаж, портрет, натюрморт)

“Золотой век” испанской живописи (Эль Греко, Д. Веласкес)

В конце 16- начале 17 в. Искусство Испании переживало бурный расцвет. Картины испанских художников: Веласкеса, Эль Греко, Сурбарана и др. привлекали к себе внимание всего мира. В течение длительного времени испанцы вели войны с арабскими завоевателями, поэтому искусство развивалось медленно. Но к концу 16 в.идеи Возрождения овладели умами испанцев.

Искусство Эль Греко -- уникальной фигуры в истории мировой живописи, впитавшее в себя византийские традиции, достижения итальянского Ренессанса и спиритуалистическую эстетику маньеризма, порождено кризисным временем. Мир его образов связан с субъективно-эмоциональной линией в искусстве Позднего Возрождения. Как ни экспрессивны в искусстве мастера композиция, рисунок, ритм, передача пространства, самым важным остается колорит, достигающий исключительной светозарности красок; в собраниях мира рядом с картинами Эль Греко другие кажутся словно потускневшими.

Эль Греко -- мастер, сумевший точно почувствовать и наиболее полно проявить идеалы испанского общества.

Своеобразие живописи Эль Греко как преломление иконописных принципов сквозь технику мастеров позднего итальянского Возрождения и видение барокко.

Картины похожи на видения или сны. Он был верующим человеком, и сюжетами его картин часто становились библейские события. В полотнах ощущается драматизм, напряжение, господство высших сил не подвластных человеку. У героев тонкие лица, большие выразительные глаза. Они живут напряжённой духовной жизнью. Эль Греко умел показать состояние души человека, его настроение.

«Поклонение пастухов», «Спаситель мира», «Кающаяся Магдалина», «Сошествие святого духа”, «Благовещение».

Творчество Диего Веласкеса

Самым великим испанским живописцем 17 в. Был Диего Веласкес. Был придворным живописцем испанского короля Филиппа l V. Был обязан писать портреты монарха, членов королевской семьи, высшей знати, соблюдая определённые правила парадного портрета: бесстрастное лицо, богатые костюмы, величественные позы. Главным считалось умение показать аристократическое высокомерие и избранность модели. Но и при этих условиях Веласкес сумел раскрыть глубину характеров и внутреннюю сущность человека.

· ранние произведения Веласкеса -- сцены из народной жизни -- “Завтрак”, “Водонос”;

· развитие дарования Веласкеса под влиянием творчества Тициана, встреч с Рубенсом и посещения Италии;

· противопоставление человеческой драмы спокойствию и лучезарности природы (“Сдача Бреды”, ритмы природы и ритмы человека);

· психологическая достоверность передачи характеров в портретах королевской семьи, придворных шутов и карликов короля. Активное использование цвета для уточнения психологической характеристики;

· «принцип зеркала» в композиции и открытие неочевидного в полотнах Веласкеса (“Менины”, “Венера перед зеркалом”, “Кузница Вулкана”, “Пряхи”);

· особенности цветовой символики в традиционной испанской культуре. Цветовая композиция Веласкеса (“Портрет Иннокентия X”, “Венера перед зеркалом”, “Кузница Вулкана”, “Пряхи”).

Фламандское барокко (П.П. Рубенс)

Школа “итало-фламандских” мастеров, складывающаяся во Фландрии в XVII веке -- сочетание итальянской техники живописи с местными природными и социальными условиями.

Творчество П.П. Рубенса -- вершина фламандской живописи XVII века.

· Характерные особенности, проявившиеся в полотнах Рубенса:

o интимно-психологическая интерпретация религиозных тем;

o мощные контрасты света и тени;

o энергичная лепка объемов и выразительная простота жестов;

o насыщенность колорита;

o подчеркнутая “простонародность персонажей картин”.

· Театральное выстраивание композиции полотен у Рубенса (“Бракосочетание Марии Медичи”, “Воздвижение креста”). Несколько “постановочных” вариантов одной картины (антверпенское “Поклонение волхвов”).

· Яркость реальных персонажей и бледность “придуманных” на полотнах Рубенса.

· Выражение системы смыслов через композицию (“Воздвижение креста”).

· Основная особенность цветовой палитры Рубенса -- точное выстраивание соотношения цветовых тонов при незначительном их разнообразии, приводящее к богатству оттенков.

· Пристрастие к определенному типу человеческого лица в портретах Рубенса. Проявление во всех женских портретах черт Марии Медичи, инфанты Изабеллы, Изабеллы Брандт и Елены Фоурмен.

Голландское барокко - Рембрандт ван Рейн

Возникновение голландской школы живописи в первые годы XVII века вместе с новым государством.

· Влияние идей Реформации на художественный быт Голландии:

o церковь перестает быть заказчиком для художников;

o отрицаются художественные ценности католицизма (церковные росписи, религиозные сюжеты);

o необходимость для художника найти нового заказчика (бюргер) и новые сюжеты для него;

o появление интереса к реальному миру, окружающему художника и заказчика.

· Освобождение жанровой голландской картины от обязательного исторического (античного) сюжета в конце XVI века. Возникновение особого жанра “гражданской картины”, описывающей современные события.

Рембрандт ван Рейн -- “художник идей” в голландской живописи XVII века:

Новаторское искусство Рембрандта отличается демократизмом, жизненностью образов. Сочетая глубину психологической характеристики с исключительным мастерством живописи, основываясь на эффектах светотени, писал портреты («Ночной дозор», 1642); религиозные («Святое семейство», 1645) и мифологические («Даная», 1636) сцены. К 1660-м годам относятся наиболее сложные по психологической структуре религиозные («Возвращение блудного сына», около 1668-1669) и исторические («Заговор Юлия Цивилиса», 1661) композиции, портреты («Синдики», 1662). Широкая, свободная живопись, виртуозная графика (рисунки, офорты) Рембрандта приобретают особую эмоциональную выразительность, светотень выступает в них как средство раскрытия психологических коллизий.

2. Рождественские праздники на Руси

1 слайд: Рождественские праздники на Руси

2 слайд: Главный праздник зимы - Рождество. На Руси издавна повелось отмечать его радостными песнями. Все собирались на улице веселой толпой. А рождественского утра начинались игры и забавы. Наряжались все кто во что горазд, ходили по дворам с песнями - колядками. За ласковое слово и добрые пожелание хозяева одаривали колядующих вкусным печеньем.

3 слайд: Рождество (7 января) Открывает календарь зимних праздников

Святки (7 января-19 января) наступает после рождества

Крещение (19 января) завершает Святки

4 слайд: рождество, церковный праздник, посвященный воспоминанию о рождении Иисуса Христа, отмечается 25 декабря. В Православной церкви -- 7 января.

5 слайд: Традиции рождества

• Накануне Рождества детям читали евангелие или рассказывали о рождении Христа

• В Сочельник и рождественскую ночь зажигали и ставили на окна свечи. А на улицах жгли костры, чтобы согреть в морозную зимнюю ночь новорожденного Иисуса Христа.

• Накануне Рождества дети с бумажными звездами и фонариками в сопровождении взрослого ходили по городу и стучались в те дома, где на окнах были зажженные свечи. Они пели рождественские песни, славящие Христа, шутили, разыгрывали целые спектакли, плясали.

6 слайд: Ты посмотри, какая ночь сегодня! И звезды ласковые светят всем. В такую ж ночь на перепись народа С женой Иосиф прибыл в Вифлеем.

7 слайд: А Он лежал, причмокивая, в яслях, Малыш, Младенец, маленький Иисус. В глазах родителей светилось счастье Хвала Всевышнего струилася из уст. Поодаль овцы и коровы спали. А ночь была спокойна и тиха. И люди грешные еще не знали, Что Он пришел спасти их от греха

8 слайд: А пастухам явился с неба Ангел И возвестил им радостную весть; И хор небесный Господа прославил: Явился в мир Спаситель людям всем (9 слайд)

10 слайд: СВЯТКИ -- две недели зимних праздников, с Рождественского сочельника 06.01 до Крещения 19.01. История святок и гаданий.В России каждый народный праздник сопровождается обрядами. Большая их часть возникла задолго до принятия христианской веры во времена глубокого язычества. В некоторых случаях церковные христианские праздники наложились на народные.

11 слайд: Гадание или ворожба -- процесс увлекательный, таинственный и… опасный. Гаданием занимались еще халдейские жрецы, а затем -- и славянские волхвы, призывая сверхъестественные силы открыть будущее. Постепенно этот обряд «накрепко» врос в народную жизнь. Гадать можно было в любое время, но самым «верным» считалось завораживание на святках -- «святые дни» -- 12 дней -- с 7 по 19 января н. ст., особенно в самые «вещие» дни -- «Васильев вечер» (31 дек./13 янв.) и крещенский Сочельник (5/18 января). В этот период нечистая сила -- всякие там кикиморы, банники (особая порода домовых, злой дух, поселяющийся в бане), черти, лешие и прочая погань наиболее активны и, следовательно, более доступны для контакта. Ведь именно от «нечистой силы» получают ответ на вопросы во время гадания, и тут главное -- не спасовать, соблюсти особые правила поведения: во время зачуранья (заговоры, нашепты) дождаться пения петуха, перекреститься и т. д. Иначе можно и погибнуть -- ну, в лучшем случае, просто помешаться. (12 слайд)

13 слайд: 1-12 дней Святок - святые дни, а не время безудержного разгула. Это гостевой период, когда все ходят друг к другу в гости, навещают родственников, близких. В святочные дни принято ходить по домам немощных, больных людей - петь рождественские песнопения, колядки, приносить небольшие «посильные» подарки, гостинцы.

14 слайд: Крещение приобрело таинственный характер. Оно теперь стало крещением присоединения к Церкви, Царству Божию на земле. Вода является одновременно и символом смерти и символом очищения. В крещении эти символы сочетаются и открывают символический смысл крещения. Человек умирает для своей прежней жизни и воскресает уже очищенным от первородного греха и своих личных грехов, совершенных до этого момента, - воскресает со Христом. Таким образом, человек освобождается от бремени дьявола и становится членом Церкви - чадом Божиим. С этого момента он, получив благодать, выходит на дорогу к Богу. Дальнейший путь зависит от него самого. Если человек не будет делать никаких шагов по этой дороге, крещение не будет иметь никакого смысла. Крещение - не самоцель, а лишь дверь на дорогу спасения.

15 Слайд: Основными источниками иконографии Рождества Христова являются Евангелие и церковное предание. Самые ранние сохранившиеся изображения Рождества Христова можно увидеть в катакомбах древнего Рима и на христианских саркофагах, которые относят к IV веку. (16 слайд)

17 Слайд: Христианские открытки - один из способов выразить любовь и поддержку ближнему.

18 слайд: Приметы: Если в крещенскую ночь небо чистое -будет много гороха. Если звезд не видно - грибы не родятся. Яркие звезды в крещенскую ночь - к хорошему приплоду овец.

19 слайд: Поговорки. Уродилась коляда накануне Рождества. Ясные дни в Рождественский пост - к хорошему урожаю. На Рождество Христово метель - пчелы хорошо роиться будут

Билет 2

1. Римская архитектура

Римляне широко использовали приемы эллинской архитектуры. Но, кроме того, римские архитекторы научились строить дугообразные перекрытия -- арку, свод и купол, сложенные из обтесанных и пригнанных друг к другу камней. Они изобрели бетон, который, застывая, приобретал прочность и долговечность камня. Все это позволило римлянам создать величественные и очень прочные сооружения. Арки (слово«арка» произошло от латинского «аркус» -- лук) использовались при постройке мостов, по которым ездят даже сейчас, водопроводов, тянувшихся на десятки километров, и зданий, сохранившихся до настоящего времени. Свод -- дугообразный потолок. Такое перекрытие храмов и залов придавало им большую высоту и величественность. Купол -- потолок в виде опрокинутой гигантской чаши. Образцом купольной постройки является сохранившийся до наших дней Пантеон -- «храм всех богов» в Риме. Ощущение высоты и простора внутри Пантеона еще более усиливается благодаря свету, льющемуся сверху через огромное круглое окно в середине купола.

Пантеон, в переводе с греческого - «храм всех богов» -- в данном случае богов всех народов, покоренных Римом. Это единственное здание античности, которое сохранилось до наших дней почти без переделок, благодаря тому, что позднее Пантеон был превращен в христианскую церковь.

Пантеон был произведением новаторским. Это громадная ротонда (круглая постройка, перекрытая куполом). Наружный вид прост: большая часть окружности ротонды - глухая стена; входная стороны отмечена мощным портиком. В этом есть намек на значительность внутреннего пространства храма, а она действительно играла в Пантеоне главную роль. Круглое здание перекрыто куполом. Изнутри он представляет точную полусферу и украшен пятью рядами кессонов, углублений на внутренней стороне свода. Этим достигается впечатление легкости. Перспективно уменьшающиеся кессоны создают ощущение необыкновенной высоты. Купол был подобен небесному своду и господствовал над всем пространством, символизируя обитель всех богов. Он опирался на стены, внутреннее пространство не членилось, а было едино и гармонично. Сквозь большое (диаметр 9 м) круглое отверстие в центре купола - единственный источник освещения - было видно небо, солнце. Это отверстие называли «оком» Пантеона. «Таким образом, грандиозное купольное сооружение, само по себе образно выражающее идею царящего над землей небесного свода, становится связанным с движением небесного светила». Пантеон построен из кирпича и бетона. Толщина стен - 6,3 м. Внутри стен пустоты для облегчения веса. Внутри храм облицован мрамором, украшен колоннами и пилястрами. Пропорции Пантеона совершенны. Диаметр здания равен его высоте, а высота стены равна высоте купола.

Перед зданием находилась площадь, в центре ее стояла триумфальная арка, под которой должен был пройти каждый и войти в храм не простым смертным, но триумфатором. Пантеон воспринимался как образ всего мироздания. Величественное здание, в котором словно слилось преходящее и вечное, земля и небо. Вплоть до конца XIX века его купол оставался непревзойденным по своей величине.

2. Жанры русской народной песни

Многие народные песни слагались еще в то далекое от нас время, когда музыке никого не учили, когда не было музыкальных инструментов, музыкальных школ (да и обыкновенных тоже), когда почти невозможно было встретить музыкально грамотного человека. В те времена песни сочиняли самоучки, любители и мастера петь и играть на инструментах, которые придумывали сами. Они были очень талантливыми людьми - это видно по множеству дошедших до нас прекрасных старинных народных песен. Самые древние народные песни (крестьянские) сочинялись в деревнях, потом в городах (рабочие, революционные песни). Мелодия и слова почти всегда сочинялись одновременно, часто одним и тем же человеком. Народные песни не записывались (ведь их сочиняли люди, не знавшие грамоты), а пелись по слуху, передаваясь от одного человека к другому, от семьи к семье, от деревни к деревне, от поколения к поколению. Позже, когда появились обученные музыканты, они стали записывать народные песни, и сейчас во всем мире записаны тысячи замечательных народных песен. В этих песнях - картины народной жизни: крепостном праве, бурлаках. Жизнь крестьян заключалась, прежде всего, в труде. По деталям, штрихам из народных песен можно судить о тяжести крестьянского труда. Однако в этих песнях нет жалобы людей на тяжесть, нет и намека на презрение к труду. Труд, по народным понятиям, каким бы тяжелым он ни был, был важнейшим условием жизни. Когда помещики заставляли своих крестьянок собирать урожай в огородах, садах, они требовали, чтобы женщины и дети пели песни, чтобы не ели их ягоды, овощи и фрукты. Когда работа была тяжёлой, песня помогала и этим облегчала работу. Больше всего трудовых песен создавалось на Волге, Каме, Дону. В этих песнях слышится вековой стон русского народа.

В этих песнях рабочие люди смеялись над хозяевами, а также призывали своих товарищей преодолевать трудности. Народные песни почти всегда написаны в куплетной форме. В отличие от народных песен, авторы которых, за редким исключением, так и остались неизвестными, композиторские песни сочинялись и сочиняются профессиональными музыкантами, а стихи к ним - поэтами. Авторы этих песен сами их записывали и подписывали своими именами. Поэтому мы всегда знаем, кто сочинил стихи и кто музыку. Очень часто композиторские песни по своему характеру (и стихи, и музыка) бывают похожи на народные. Про такие песни мы говорим, что они написаны в народном духе, народном характере.

Жанр - французское слово, обозначает исторически сложившийся вид, тип произведения в искусстве.

В музыке различают следующие жанры:

1.По способу исполнения (вокальные - сольные, ансамблевые, хоровые; вокально-инструментальные; инструментальные - сольные, ансамблевые, оркестровые)

2. По назначению (марш, танец, песня, колыбельная песня, частушка и др.).

3. По содержанию (лирические, эпические и др.).

4. По месту и условиям исполнения (театр, концерт, камерные, киномузыка и др.).

Жанры русской народной песни:

1) лирические песни («Тонкая рябина», «Во поле берёза стояла»);

2) плясовые песни («Во кузнице», «Светит месяц», «Во саду ли, в огороде»);

3) частушки;

4) солдатские песни («Солдатушки, бравы ребятушки»);

5) исторические, революционные («Смело товарищи в ногу», «Шёл ленинградский паренёк»)

6) трудовые песни (« А мы просо сеяли», «Посею лебеду на берегу»).

Русский человек всегда был чувствителен к прекрасному, он любил поля и леса своей Родины, её природу и воспевал это в стихах и песнях. В этих песнях, очень разных по характеру, но одинаково распевных, раскрывается сердечность и широта души русского народа, красота русской природы.

возрождение барокко праздник романтизм



Билет 3

1. Особенности храмовой архитектуры христианства

Архитектурное строительство приобрело на Руси особый размах с принятием христианства в 988 г. К XI в. В связи с ростом городов (их количество достигло более 270) стало осуществляться каменное строительство, во многом опирающееся на византийские традиции. Широкое распространение на Руси получил крестово-купольный тип храма, расчлененный на три или пять нефов. Параллельно с каменным зодчеством развивались формы деревянной архитектуры. Дерево как основной строительный материал использовалось на Руси для сооружения не только простейших крестьянских изб-срубов, но и шатровых и ярусных храмов. К сожалению, многочисленные пожары уничтожили эти интереснейшие памятники, а поэтому об архитектуре Древней Руси мы можем судить по сохранившимся каменным постройкам.

Древнейшие из них относятся к середине XI в. Это было время правления Ярослава Мудрого (около 978-1054), когда Киевская Русь достигла особого расцвета. Самым значительным храмовым сооружением Киева стал собор Св. Софии (1037). Хотя его внешний облик в последующие времена претерпел значительные изменения, все же он и сегодня поражает необыкновенной красотой и величием. Ему нет аналогов ни в архигектуре Византии, ни в других государствах средневекового Востока и Запада. Первоначально Софийский собор представлял собой пятинефный крестово-купольный храм с тринадцатью асимметрично расположенными главами. Центральный, самый большой, купол выражал идею учения Христа, а остальные, поменьше, символизировали двенадцать его учеников. Снаружи собор окружали открытые одноэтажные галереи, на которых позднее были надстроены галереи второго этажа, завершающиеся полукружиями. Стены храма были выложены красным кирпичом и серым гранитным камнем), чередующимися с розовой цемянкой -- раствором извести, песка и толченого кирпича. Сочетание серого и красного цветов с розоватым оттенком придавало фасаду собора нарядный вид.

Не менее величественны были и внутренние помещения собора. В главной, алтарной, апсиде под сводами центрального купола происходило богослужение. Здесь возводили на престол князей, звучали проповеди. Боковые нефы и западную часть храма занимали поднятые над полом хоры, предназначавшиеся для князя, его семьи и придворной знати. Они как бы возвышали и отделяли их от общей массы присутствующих в храме. Наличие хоров стало постоянной чертой древнерусских соборов. Обилие пролетов, арок, украшающих пространство храма, создавало впечатление монументальности и пышности его внутреннего убранства. Многочисленные красочные фрески и искрящиеся золотом мозаики, покрывающие сверху донизу подкупольное пространство, стены, своды и столбы, придавали храму особую парадность и торжественность.

Вслед за Киевской Софией возникла Новгородская София (1045-1050). При всей схожести планировки (пятинефное крестово-купольное здание, хоры, двухэтажные боковые галереи с арками) она имела свои характерные особенности. Вместо многокупольности киевского храма Новгородскую Софию венчали пять глав, тесно сгруппированных в центре и напоминавших по форме шлемы русских богатырей. Стены храма снаружи лишены каких-либо декоративных деталей. В целом внешний облик собора отличается простотой, строгостью и асимметрией форм. Эти же особенности присущи внутреннему убранству храма. Здесь нет богатых мозаик и мрамора. Вместо колонн, тройных арок нашли широкое применение двухарочные пролёты, четырёх- и восьмигранные столбы. Стены и своды покрыты фресками.

Крупнейшим архитектурным центром на Руси в ХІІ-XІІІ вв. стало Владимиро-Суздальское княжество. В основном здесь строили из тесаного белого камня. Четырехстолпные храмы увенчивались одной главой, возвышающейся на высоком барабане, и выступающими апсидами. Стены храмов расчленялись на три части лопатками-пилястрами, каждая из которых завершалась закомарами. Самое крупное сооружение Владимире - Успенский собор (1158-1160). Как главный собор города он возвышается над всеми остальными постройками. По художественному воплощению он не уступал Новгородской Софии, но здесь это достигалось иными архитектурными средствами. В нем больше движения, динамики, его фасады расчленены и богато украшены, купола далеко расставлены между собой. В течение многих лет храм неоднократно перестраивался. Первоначально он был одноглавым, но позднее к главному шлемовидному куполу добавлены ещё четыре главы. Храм окружают галереи, соединенные арками. Наружная отделка храма поражает роскошью и изысканностью художественного вкуса. Фасады, разделенные пилястрами, кажутся шире и наряднее. Сравнительно узкие, спрятанные в глубине стены окна подчеркивают стройность и высоту собора. Посередине фасада проходит широкая ажурная лента, состоящая из маленьких колонок, соединенных арочками. Внутри собор был расписан фресками и содержал богатую церковную утварь. Центральное место в храме занимала икона Владимирской Богоматери -- признанный шедевр византийской живописи, привезенный Андреем Боголюбским из Киевской Руси.

Недалеко от Владимира, на берегу реки Нерли, среди заливных лугов, стоит белокаменный храм Покрова Богородицы (1165) -- гордость русского зодчества, одна из его вершин, гимн красоте и гармонии человека с природой. Одни сравнивают этот храм с парусом, уносящимся вдаль по безбрежным волнам времени. Другие уподобляют церковь милой девушке в подвенечном наряде или белой лебеди, голубке. Нежность, красота, гармония, женское обаяние, грусть и печаль -- все слилось здесь воедино. Вглядитесь в благородные пропорции храма, отражающиеся более восьми веков в водах небольшой речки Нерль. В его простых формах зодчим удалось передать впечатление легкости, изящества я стройности устремлённого ввысь собора. Фасады богато украшены резьбой, ею также покрыта поверхность барабана, поддерживающего купол. Главный декоративный мотив -- арка на двух стройных колоннах. Каменные узоры на поверхности стен придают зданию особую красоту и очарование. У подножия этого удивительного храма вспоминается известный афоризм: «Мы сами обретаем вечность пред этой дивной красотой».

2. Титаны Возрождения

Возрождение (Ренессанс - фр.) - эпоха, охватывающая в Италии XІV-XVІ вв., в странах, расположенных к северу от Альп (Северное Возрождение). Период возрождения античности и торжества гуманизма как мировоззрения. В центре мироздания человек, созданный «по образу и подобию божьему». Возрождение стремится найти новую форму искусства, объединить античность и средневековье, обрести гармонию земного и небесного.

На рубеже XV-XVІ в. искусство Италии достигло высшей точки расцвета. Этот период называют Высоким Возрождением. Высочайший уровень искусства определяется творческим гением трёх великих художников: Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, Микеланджело Буонарроти. Центром самых значительных событий становится Рим. Здесь находится глава католической церкви - Римский Папа, который приглашал лучших мастеров для украшения зданий Ватикана, монастырей, капелл.

Леонардо да Винчи (1452--1519)

Итальянский живописец, скульптор, архитектор, ученый и инженер Высокого Возрождения. Писал религиозные композиции, алтарные картины, портреты. Автор знаменитой картины «Мона Лиза» («Джоконда»). Создавал скульптурные композиции. Проектировал и строил архитектурные сооружения. Как ученый и инженер обогатил практически все области научного знания: анатомию, физиологию, ботанику, палеонтологию, картографию, геологию, химию, аэронавтику, оптику, механику, астрономию, гидравлику, акустику, математику. Автор более семи тысяч листов записей, содержащих научные и архитектурные проекты, изобретения и зарисовки.

Леонардо да Винчи родился в 1452 г. в небольшом селении в тосканских Альбанских горах. Он был незаконнорожденным сыном нотариуса Пьеро да Винчи, который, женившись на девушке из своего сословия, взял мальчика на воспитание. В раннем возрасте проявив склонность к рисованию и лепке, Леонардо уже в 15 лет становится учеником Андреа дель Верроккьо, прославленного флорентийского мастера. В 1472 г. Леонардо принимают во флорентийскую гильдию художников. Одной из первых живописных работ молодого мастера была фигура ангела на полотне Верроккьо «Крещение», первая самостоятельная работа -- «Благовещение». Несколько позже были написаны «Портрет Джиневры де Бенчи», так называемая «Мадонна Бенуа», «Мадонна с гвоздикой».

В 1481 или 1482 г. Леонардо отправляется в Милан и поступает на службу к тамошнему правителю герцогу Лодовико Моро. Там он выступает в роли военного инженера, архитектора, скульптора, живописца и организатора придворных увеселений.

В 1483 г. Леонардо получает заказ на алтарный образ для капеллы Непорочного Зачатия церкви Сан-Франческо Гранде («Мадонна в скалах»). Через двадцать лет он напишет второй вариант «Мадонны в скалах».

В начале 1480-х годов Лодовико Моро поручает Леонардо создание бронзовой конной статуи своего отца, Франческо Сфорца. Досконально изучив анатомию лошади, сделав множество подготовительных рисунков, художник изготовил из глины полномасштабную модель статуи, которая была выставлена на обозрение публики в 1493 г. Через шесть лет статуя была разрушена захватившими город французами.

В 1495--97 гг. по заказу Лодовико Моро Леонардо создает стенную роспись «Тайная вечеря» в трапезной доминиканского монастыря Санта-Мария делле Грацие. Неудачный эксперимент с красками и грунтовкой привел к тому, что еще при жизни художника фреска начала разрушаться. В первый миланский период были написаны также: так называемая «Мадонна Литта» и несколько портретов придворных («Дама с горностаем», «Портрет музыканта», «Дама с ферроньеркой»). В 1499 г. Милан был захвачен французами, и Леонардо уехал из города. Последующие годы он провел в непрестанных переездах.

В 1502 г. служил архитектором и генеральным инженером при Чезаре Борджиа, сопровождал завоевателя во время военных кампаний, рисовал карты, проектировал оборонительные сооружения.

В 1503 г. Леонардо возвращается во Флоренцию. Около этого времени написана его знаменитая «Мона Лиза» («Джоконда»). Вероятнее всего, на картине изображена жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо мона (сокр. от мадонна) Лиза Герардини. Согласно другой версии, художник изобразил любовницу Джулиано Медичи синьору Пачифику Брандано. В течение последующих трех лет Леонардо работает над росписью «Битва при Ангьяри» в Палаццо Веккьо. Очередной эксперимент с красками привел к тому, что фреска очень быстро осыпалась. Исчез также картон, с которого он создавал роспись. Сохранился лишь набросок с картона, сделанный Рубенсом. В 1506 г. Леонардо едет в Милан, где поступает на службу к французскому наместнику герцогу Шомону.

В 1507 г. Людовик XII дарует художнику титул «королевского живописца и инженера».

В 1513--16 гг. Леонардо жил в Риме.

К поздним произведениям художника принадлежат: проекты памятника маршалу Тривульцио, алтарные образы «Св. Анна с Марией и младенцем Христом» и «Иоанн Креститель», серия рисунков с изображением вселенской катастрофы (так называемый цикл с «Потопом»).

Последние несколько лет Леонардо провел во Франции, в замке Клу, занимая должность придворного мудреца и советника при короле Франциске I.

2 мая 1519 г. Леонардо да Винчи умер.



Микеланджело Буонарроти (1475--1564)

Итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт Высокого и Позднего Возрождения. Создал грандиозные монументальные росписи потолка и алтарной стены Сикстинской капеллы в Ватикане; расписал фресками капеллу Паолина там же. Создавал скульптурные и архитектурно-скульптурные группы, в том числе для гробницы папы Юлия II и усыпальницы рода Медичи. Много и плодотворно работал в архитектуре: создал проект и руководил возведением библиотеки Лауренциана во Флоренции, руководил строительством собора Св. Петра и ансамбля площади Капитолия в Риме. Творчество Микеланджело, явившееся блестящим заключительным этапом итальянского Возрождения, сыграло значительную роль в истории европейского искусства. Оно во многом подготовило развитие маньеризма и оказало влияние на сложение принципов барокко.

Микеланджело Буонарроти родился в 1475 г. в небольшом городке Капрезе недалеко от Флоренции. В 1488 г. юноша поступает в мастерскую известного флорентийского живописца Доменико Гирландайо, а через год переходит в художественную школу, основанную Лоренцо Великолепным (Медичи), где под руководством Бертольдо ди Джованни начинает обучаться ваянию. Первые скульптурные работы Микеланджело -- «Мадонна у лестницы» и «Битва кентавров».

В 1496 г. художник переезжает в Рим. Здесь, отдавая своеобразную дань увлечению античными памятниками, он создает статую «Вакх», а также скульптурную группу «Оплакивание Христа».

В 1501--1505 гг. Микеланджело вновь живет во Флоренции. Во Флоренции была создана колоссальная статуя Давида. В этот период мастер работает также над живописными произведениями: «Святым семейством» («Мадонна Дони») и картоном «Битвы при Кашине» (для росписи Палаццо Веккьо).

В 1505 г. папа Юлий II приглашает художника в Рим, где Микеланджело начинает работу над гробницей папы. Реакция Юлия II на проект гробницы была отрицательной, и, возмущенный критикой, Микеланджело прекращает работу и возвращается во Флоренцию. Вскоре, однако, наступает примирение, и в мае 1508 г. художник приступает к созданию одного из лучших своих творений -- росписи потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, над которой он трудился четыре года. В средней части потолка художник изобразил девять сцен из библейской книги Бытия («Сотворение Адама», «Грехопадение и изгнание из рая», «Потоп», «Опьянение Ноя»). По углам пяти из них -- двадцать фигур обнаженных юношей. По боковым сторонам свода -- семь пророков («Иеремия») и пять сивилл («Дельфийская сивилла»). В распалубках свода -- четыре драматических эпизода библейской истории («Битва Давида с Голиафом», «История Юдифи», «Падение Амана», «Медный Змей»). В люнетах над окнами -- так называемые предки Христа. В этом произведении художник сумел достичь не только прекрасной обозримости каждой фигуры и сцены в отдельности, но и декоративного единства всей гигантской росписи в целом. Закончив роспись Сикстинской капеллы, Микеланджело вновь принимается за работу над гробницей Юлия II, которая была завершена только в 1545 г. Центральной статуей скульптурной композиции надгробия стал «Моисей». Также для надгробия предназначались две статуи рабов (так называемые «Восставший раб» и «Умирающий раб»), задуманные как противопоставление прекрасного и сильного юноши, пытающегося разорвать путы, столь же прекрасному юноше, бессильно повисающему в них, и четыре статуи рабов, которые остались незавершёнными.

В 1516--34 гг. Микеланджело вновь жил во Флоренции, работал над проектом фасада церкви Сан-Лоренцо и архитектурно-скульптурным ансамблем усыпальницы рода Медичи в Новой сакристии той же церкви. В этот же период Микеланджело разработал проект и руководил строительством здания библиотеки Лауренцианы во Флоренции.

В 1534 г. художник переезжает в Рим. В 1536--41 гг. он пишет огромную фреску «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы. В 1542--50 гг. исполняет фрески для капеллы Паолина в Ватикане («Обращение Павла», «Распятие св. Петра»), отчасти предвосхищающие росписи барокко.

Для позднего творчества Микеланджело характерны постепенный отход от скульптуры и живописи к архитектуре и поэзии. К его самым поздним скульптурным произведениям относятся «Пьета» («Оплакивание Христа»), исполненная им для собственного надгробия (разбита автором, собрана и завершена его учеником Т. Кальканьи), и незаконченная скульптурная группа «Пьета Роданини». В этих произведениях с особой силой отразились спиритуалистические настроения старого мастера. С 1546 г. и до конца жизни главным трудом Микеланджело было возведение собора Св. Петра и строительство ансамбля площади Капитолия в Риме -- духовного и светского центров «вечного города» (обе работы завершены по планам Микеланджело после его смерти).

В последние годы Микеланджело все чаще обращался к поэзии. Его лирика отмечена глубиной мысли и высоким трагизмом. В его мадригалах и сонетах любовь трактуется как извечное стремление человека к красоте и гармонии, сетования на одиночество художника во враждебном мире соседствуют с горькими разочарованиями гуманиста перед лицом торжествующего насилия.

18 февраля 1564 г. Микеланджело умер.

Рафаэль (1483--1520)

Итальянский живописец и архитектор эпохи Высокого Возрождения. Украсил росписями парадные залы (станцы) Ватиканского дворца. Исполнил ряд алтарных образов для церквей Флоренции, Рима и других городов. Автор многочисленных мадонн, в том числе «Сикстинской мадонны», являющейся непревзойденным шедевром мировой живописи. Выдающийся мастер портретного жанра. Украшал фресками дома римской аристократии. Известен как выдающийся архитектор: возводил церкви и капеллы, дворцы и палаццо итальянской знати, руководил строительством собора Св. Петра в Риме, архитектурных сооружений Ватикана. Искусство Рафаэля долгое время сохраняло значение непререкаемого авторитета и образца, оказав значительное влияние на европейскую живопись XVII--XIX вв.

Рафаэль Санти родился в 1483 г. в Урбино в семье живописца Джованни Санти. В 1500 г. переехал в Перуджу, где поступил в мастерскую Перуджино. К первым живописным работам Рафаэля относятся «Сон рыцаря», «Три грации», «Мадонна Конестабиле». Завершает юношеский период творчества художника алтарный образ «Обручение Марии».

В 1504 г. Рафаэль переехал во Флоренцию, где изучал творчество выдающихся мастеров флорентийской школы, занимался анатомией и перспективой. В живописи Рафаэля появляется больше действия («Св. Георгий»). Во Флоренции Рафаэль написал целую серию (не менее 15) мадонн («Мадонна с младенцем и Иоанном Крестителем» («Прекрасная садовница»), «Мадонна Грандука», «Мадонна в зелени»), которые принесли ему широкую известность. Менее удалась художнику многофигурная композиция, рассчитанная на драматический эффект («Положение во гроб»).

В 1508 г. по приглашению папы Юлия II Рафаэль отправляется в Рим. Папа поручает художнику роспись парадных залов (станц) Ватиканского дворца. В Станца делла Сеньятура (1509--11) Рафаэль представил 4 области человеческой деятельности: богословие («Диспута»), философию («Афинская школа»), поэзию («Парнас»), юриспруденцию («Мудрость, Мера, Сила»), а также соответствующие главным композициям аллегорические, библейские и мифологические сцены на плафоне. Станцу д'Элидоро (1511--14) Рафаэль расписал фресками на легендарные темы («Встреча Льва I с Аттилой», «Изгнание Элиодора», «Освобождение апостола Петра из темницы», «Месса в Больсене»). Станца дель Инчендио (1514--17) в значительной части была расписана учениками и помощниками Рафаэля.

В 1514--17 гг. Рафаэль работает над картонами к серии шпалер для украшения стен Сикстинской капеллы, украшает античными фресками виллу Фарнезина, принадлежащую его другу и покровителю Агостино Киджи («Триумф Галатеи», 1514).

В Риме достиг зрелости блестящий талант Рафаэля-портретиста («Портрет Юлия II», «Портрет кардинала», «Женщина в покрывале» («Донна Велата»), «Портрет Б. Кастильоне», «Лев X с кардиналами»). В Риме Рафаэль исполняет целый ряд алтарных образов, в том числе большое количество мадонн («Мадонна Альба», «Мадонна в кресле»). Самое совершенное произведение Рафаэля -- «Сикстинская мадонна», большой запрестольный образ для монастырской церкви Св. Сикста в Пьяченце.

В последние годы жизни Рафаэль был так перегружен заказами, что доверял выполнение многих из них своим ученикам и помощникам, обычно ограничиваясь общим наблюдением над работами («Святое семейство»). В некоторых произведениях этого периода отчетливо проявились черты кризиса, тяготение к маньеризму («Преображение», 1519--20, Ватиканская Пинакотека).

Исключительное значение имеет деятельность Рафаэля-архитектора. В 1509 г. им была построена церковь Сант-Элиджо дельи Орефичи в Риме. Там же в 1512--20 гг. он возвел капеллу церкви Санта-Мария дель Пополо. В 1514 г. Рафаэль был назначен главным архитектором собора Св. Петра в Риме, также достраивал начатый архитектором Браманте ватиканский двор с лоджиями. По проектам Рафаэля возводились палаццо и дворцы для римской знати (палаццо Видони-Каффарелли, палаццо Бранконио дель Аквила).

В 1520 г. Рафаэль скончался.

Билет 4

1. Найдите различия в художественных приёмах украшения готических и крестово-купольных храмов

В средние века архитектура становится главным видом художественной культуры, подчиняющим себе другие виды пространственных искусств. В ней традиционно выделяют два стиля: романский (XI-XII вв.) и готический (XIII-XV вв.).

Термин готический стиль возник в эпоху Возрождения. Главными архитектурными сооружениями и украшениями городов позднего средневековья становятся готические соборы. Именно они являются центром общественной и духовной жизни средневекового города. Их стены были свидетелями пышных праздничных литургий и будничных богослужений. Здесь проводились торжественные церемонии и процессии, отмечались всенародные празднества, устраивались религиозные театрализованные представления.

Внешний вид готического собора с его острыми шпилями, богато украшенными порталами рождал в душе человека восторг и удивление перед подобным творением рук человеческих. Как величественный корабль на волнах житейского моря, он горделиво возвышался над городом.

В основе готического собора -- несколько упрощенная в плане романская базилика, претворенная в новые архитектурные формы и очертания. Для большей вместимости помещения и создания ощущения простора требовалось расширить его внутреннее пространство. Зодчие добились того, что перекрытие зала стало более легким, благодаря чему можно было уменьшить толщину несущих колонн и объединить пространство трех нефов собора. Сущность готической конструкции состояла в каркасном перекрытии здания, составляющем как бы его скелет. В нем сочетались три главнейших архитектурных элемента: свод на нервюрах (арках) стрельчатой формы, система так называемых аркбутанов, т. е. связующих открытых полуарок, передающих распор свода на мощные контрфорсы -- вертикальные, часто сужающиеся кверху выступы стен, увеличивающие устойчивость сооружения. Система аркбутанов и контрфорсов, вынесенная наружу, за стены собора, придавала ему ту ажурность, которая характеризует готический стиль. Невидимая изнутри, эта система снимала гигантскую нагрузку со стен, предоставляя возможность покрывать почти всю их плоскость оконными проемами, застекленными цветными витражами. В результате пространство готического собора, в отличие от мрачноватого интерьера романских церквей, стало более светлым.

Архитектура позднего средневековья Западной и Центральной Европы очень разнообразна. Каждая страна создала свой, неповторимый облик готического собора. И все же родиной готики по праву считают провинцию Иль-де-Франс на северо-востоке Франции. Здесь впервые применили новую архитектурную конструкцию с использованием каркасной системы и стрельчатого свода. К шедеврам ранней французской готики принадлежит собор Нотр-Дам в Париже (начат около 1167 г., закончен в XIV в.). Крестообразная базилика делится внутри на пять продольных частей - нефов. Две башни возвышаются над западным фасадом. В центре фасад украшен ажурным окном - розой. Главный фасад выглядит необычайно легко. Высоту двух изящных башен подчёркивает шпиль, вознесённый на высоту до 32 м. Внутри собор украшают многочисленные скульптуры и рельефы. На них изображены библейские и евангельские персонажи, знаки зодиака, соответствующие календарным месяцам, фигуры, обозначающие пороки и добродетели. Фантастические и реальные растения, животные вплетаются в резной орнамент, свешиваются с карнизов и водостоков. Солнечный свет проникает через витражи на окнах. Их выполнили из небольших кусочков разноцветного стекла, запаянного в металлический переплёт. При рассеянном свете витражи мерцают,как драгоценные камни.

Новый тип церковного здания -- крестово-купольный храм, идеально отвечающий требованиям христианского богослужения появился в Византии. Византийские мастера добились синтеза мозаичных и фресковых росписей в сооружении архитектуры. Здесь была выработана иконография, подчиненная строго обоснованным законам (канонам), которым следовали живописцы Западной Европы и Древней Руси.

Стиль византийской архитектуры складывался постепенно, в нем органично совмещались элементы античного и восточного зодчества.

Главным архитектурным сооружением был храм, так называемая базилика(греч. «царский дом»), место, где верующие собирались на богослужение, т. е. храмы были рассчитаны на пребывание в них человека.

Базилика отличается простотой плана: это вытянутое здание, продольно разделенное внутри рядами колонн на части, нефы (по греч. «корабль»), число которых достигало 3 или 5. Все храмы ориентировались на восток, так как там, по представлению христиан, находился Иерусалим -- центр Земли. На востоке к основному прямоугольному объему примыкает полукруглая ниша -- апсида с расположенным в ней алтарем -- священной частью храма. Характерную черту архитектуры базилики составляют деревянные балочные перекрытия, обращенные во внутреннее пространство храма. К входу в здание на западе обычно примыкает двор -- атриум, окруженный крытой колоннадой. Особенностью оформления византийских храмов был контраст между их внешним и внутренним обликом. Внешний вид базилик подчеркнуто скуп и строг, он поражает суровой гладкостью мощных стен, прорезанных редкими узкими окнами, отсутствием декоративных деталей в оформлении фасадов. Зато, подобно скромному христианину с его богатой внутренней жизнью, базилика имела красивые интерьеры. Они украшены облицовками из мрамора и гранита, фресковыми и мозаичными росписями на стенах, роскошными предметами декоративно-прикладного искусства.

Позднее все большее значение начинает приобретать новый тип храма -- крестово-купольный, имеющий в плане форму креста и завершенный в центре куполом.

Наивысшим достижением византийской архитектуры стал собор Святой Софии в Константинополе (532-537), соединивший базилику с купольным перекрытием.

В плане храм представляет большой прямоугольник, в центре которого четыре массивные опоры обозначают огромный квадрат. Центральный купол Софии, составляющий в диаметре 31,5 м, -- самое замечательное достижение византийских зодчих, в котором воплощено представление о космическом подобии мира. Снизу купол кажется парящим в воздухе, так как тонкие части стены между окнами не видны. К центральному куполу примыкают еще два, более низких купола. Снаружи храм не кажется слишком большим, его внешний вид отличается спокойствием и строгостью.

Иное дело его интерьер. Всякого изумляет зеленая и розоватая мраморная облицовка стен и золотая мозаика сводов. Главное пространство храма не имеет границ, оно растворяется в световых лучах, проникающих через сорок окон, вырезанных у основания купола. Колонны объединены волнистыми аркадами, что создает впечатление ритмического движения. В Византии стали впервые применять не естественные, а окрашенные минеральными красками стеклянные сплавы, так называемые смальты с тончайшей золотой поверхностью. Мастера широко использовали золотой цвет, который, с одной стороны, символизировал роскошь и богатство, а с другой, был самым ярким и сияющим из всех цветов. Большинство мозаик располагалось под разным углом наклона на вогнутой или сферической поверхности стен, а от этого только увеличивался золотой блеск неровных кубиков смальты. Он превращал плоскость стен в сплошное мерцающее пространство, еще более сверкающее благодаря свету горящих в храме свечей. Мозаичисты Византии пользовались широким красочным спектром: от нежно-голубого, зеленого и ярко-синего до бледно-лилового, розового и красного различных оттенков и степени интенсивности. Подобно цветному ковру, мозаика повторяла кладку каменных стен, сливалась с богатой резьбой рельефов и мраморной облицовкой. Изображения на стенах главным образом рассказывали об основных событиях христианской истории, земной жизни Иисуса Христа, прославляли власть императора.

Архитектурное строительство приобрело на Руси особый размах с принятием христианства в 988 г. К XI в. В связи с ростом городов (их количество достигло более 270) стало осуществляться каменное строительство, во многом опирающееся на византийские традиции. Широкое распространение на Руси получил крестово-купольный тип храма, расчлененный на три или пять нефов.

Древнейшие из них относятся к середине XI в. Самым значительным храмовым сооружением Киева стал собор Св. Софии (1037). Первоначально Софийский собор представлял собой пятинефный крестово-купольный храм с тринадцатью асимметрично расположенными главами. Центральный, самый большой, купол выражал идею учения Христа, а остальные, поменьше, символизировали двенадцать его учеников. Снаружи собор окружали открытые одноэтажные галереи, на которых позднее были надстроены галереи второго этажа, завершающиеся полукружиями. Стены храма были выложены красным кирпичом и серым гранитным камнем), чередующимися с розовой цемянкой -- раствором извести, песка и толченого кирпича. Сочетание серого и красного цветов с розоватым оттенком придавало фасаду собора нарядный вид.

Не менее величественны были и внутренние помещения собора. В главной, алтарной, апсиде под сводами центрального купола происходило богослужение. Здесь возводили на престол князей, звучали проповеди. Боковые нефы и западную часть храма занимали поднятые над полом хоры, предназначавшиеся для князя, его семьи и придворной знати. Они как бы возвышали и отделяли их от общей массы присутствующих в храме. Наличие хоров стало постоянной чертой древнерусских соборов. Обилие пролетов, арок, украшающих пространство храма, создавало впечатление монументальности и пышности его внутреннего убранства. Многочисленные красочные фрески и искрящиеся золотом мозаики, покрывающие сверху донизу подкупольное пространство, стены, своды и столбы, придавали храму особую парадность и торжественность.

Вслед за Киевской Софией возникла Новгородская София (1045-1050). При всей схожести планировки (пятинефное кресто-во-купольное здание, хоры, двухэтажные боковые галереи с арками) она имела свои характерные особенности. Вместо многокупольности киевского храма Новгородскую Софию венчали пять глав, тесно сгруппированных в центре и напоминавших по форме шлемы русских богатырей. Стены храма снаружи лишены каких-либо декоративных деталей. В целом внешний облик собора отличается простотой, строгостью и асимметрией форм. Эти же особенности присущи внутреннему убранству храма. Здесь нет богатых мозаик и мрамора. Вместо колонн, тройных арок нашли широкое применение двухарочные пролёты, четырёх- и восьмигранные столбы. Стены и своды покрыты фресками.