Размещено на http://www.Allbest.ru/

Размещено на http://www.Allbest.ru/

Министерство образования Российской Федерации

Магнитогорский филиал

Московского психолого-социального института

Реферат

по культурологии

Тема:

Типы искусств в социодинамической концепции культуры П. Сорокина

Магнитогорск - 2002

Содержание

1. Идеациональное искусство

2. Идеалистическое искусство

3. Чувственное искусство

4. Эклектичное искусство

Список литературы

1. Идеациональное искусство

В качестве примера, иллюстрирующего этот тип искусств, можно указать древнерусскую живопись - иконопись. В «Распятии» Дионисия традиционная иконография подвергнута художественному перетолкованию. Элементы голгофской драмы присутствуют, но ее острота как бы снята силою искусства. Распятый Христос - это триумфатор, парящий в небе, простерший длани над миром, готовый его обнять. Но самое замечательное то, что происходит на небе. Крупной, стройной фигуре Христа противостоят миниатюрные фигурки ангелов. Этим контрастом в икону вносится элемент пространственной глубины. Летящие в небе фигурки образуют вокруг голгофского древа подобие венка, они, как цветы, украшают его, намечают незримый круг, в который заключена фигура Христа.

Все эти особенности «Распятия» почти невозможно передать словами, они едва уловимы глазом, но именно эти едва заметные отклонения от канона выделяют икону Дионисия из числа всех других русских икон на эту тему. При всем благочестивом соблюдении канона в создании Дионисия мы видим плоды высочайшего взлета его художественного гения.

Икона «Апокалипсис» Кремлевского мастера - это выдающееся произведение как по замыслу, так и по выполнению. Он дал «Видениям св. Иоанна» единственное в своем роде истолкование. Это не рассказ о мрачных испытаниях и ужасах, которые ждут человечество при конце мира, но светлая мечта о наступлении царства справедливости и гармонии. Верный лучшим заветам Рублева, близкий в своем живописном языке к Дионисию, Кремлевский мастер в своей грандиозной иконе с несколькими сотнями фигур проявил редкую изобретательность, разнообразие. Все, что он представил, это вовсе не простой перевод текста в «зрительный ряд». Это настоящее вдохновенное творчество, создание своей легенды и своего мифа о людях, об ангелах, о явлении божества и об испытаниях человеческого рода.

К идеациональному искусству относится, на мой взгляд, то искусство, которое непосредственно обращено к Богу. Сюда можно отнести и индийское религиозное искусство.

Индийские религии создали в искусстве неповторимую атмосферу движения, мерцания жизни, способствовали укреплению принципа незавершенности. Ярким примером классического воплощения в искусстве противоречивого взаимодействия конечного и бесконечного, материального и духовного с явной доминантой бесконечного и духовного является образец культового буддийского сооружения - ступы.

Все ее компоненты пронизаны этим принципом, начиная от конструкции, сочетающей в себе квадратное основание (символ земли) с полусферической верхней частью. Полусфера, символ Неба и бесконечности, в буддизме означает нирвану Будды и самого Будду. Центральный шест ступы -- ось Вселенной, соединяющая Небо и Землю, символ Мирового Древа Жизни. «Зонты» на конце шеста, ступени восхождения к нирване, считаются также и символами власти. Ступу украшали рельефы и скульптуры бодхисатв и самого Будды, сцены из жизни святых и человека, восходящего в высших мир идей. И даже общая композиция храма подчинена идее незавершенности, мерцания неуловимого мира. (Структура вселенной изображали также буддийские мандалы -- своеобразные святые символы-диаграммы.) Одной из самых древних сохранившихся ступ, сооруженных во времена империи Маурьев, является Ступа в Санчи (III-II вв. до н.э., штат Мадхья-Прадеш.) Она имеет высоту четырехэтажного дома и была ранее облицована каменными плитами с рельефными изображениями сцен из преданий буддизма. В Индии каменная скульптура служила украшением архитектуры и чаще всего создавалась в виде декоративных рельефов. Каждая фигура в них была неразрывно связана с другими изображениями. Позы, движения и жесты людей на горельефах на редкость выразительны и изящны. В этом проявилось влияние на скульптуру искусства танца, широко распространенного и любимого в Индии с древнейших времен. Для рельефа характерна любовь к точности деталей. Чтобы сделать изображение более четким и более понятным зрителям, художник пренебрегает прямой пространственной перспективой, то есть уменьшением фигур и предметов по мере удаления от зрителя. По той же причине подчас игнорируются не только определенные моменты содержания, но и пространственные соотношения отдельных фигур, предметов и растительных форм. При этом иной раз случается, что один и тот же персонаж изображается дважды в одной и той же сцене, однако в другом положении, в иной ситуации.

Из растительных форм чаще всего встречаются лотос и дерево Бодхи. Оба эти растения характерны для символики буддийского учения в индийском искусстве. Изредка встречалась в Индии и круглая скульптура. Такова знаменитая Львиная капитель, когда-то венчавшая огромную колонну, поставленную по велению царя Ашоки в городе Сарнатхе в память первой проповеди Будды. Эта капитель, изваянная в виде четырех львов, как бы сращенных спинами, служила опорой для большого «Колеса Учения» (дхарма-чакра) -- символа учения Будды. Изображение Львиной капители стало впоследствии гербом Республики Индия.

2. Идеалистическое искусство

К такому типу искусства можно отнести творчество великих художников и скульпторов XIII-XV веков в Европе. Так, например, синтез традиций античности и духа христианства нашел наиболее яркое воплощение в творениях гениального художника Возрождения Рафаэля Санти (1483-1520). В его творчестве получили решение две важнейшие проблемы изобразительного искусства: изображение пластического совершенства человеческого тела, выражающего духовное богатство и гармонию внутреннего мира человека, и построение сложной многофигурной композиции.

Всю жизнь Рафаэль искал совершенный, гармоничный образ, воплощая свой замысел в изображении Мадонны («Мадонна Конестабиле», «Мадонна в зелени», «Мадонна с щегленком», «Мадонна в кресле»). Вершиной рафаэлевского гения стала «Сикстинская мадонна» (1515 - 1519). Автору удалось создать образ идеально прекрасной женщины с младенцем Христом на руках, которого она отдает в жертву во искупление человеческих грехов. Распахнулись зеленые драпировки, и зрителю явилась Мадонна, держащая в руках младенца Христа. Спокойный силуэт Мадонны четко вырисовывается на фоне светлого неба. Она движется легкой решительной поступью, встречный ветер развевает складки ее одежды, от чего ее фигура кажется более ощутимой. Ее маленькие босые ноги чуть касаются пронизанного светом облака. Это придает ее поступи необычайную легкость. И с такой же легкостью она несет своего сына, протягивая его людям и в то же время крепко прижимая к себе.

Прекрасное лицо молодой женщины выражает огромную внутреннюю силу. В нем - любовь к младенцу, тревога за его судьбу и непоколебимая твердость, сознание совершаемого ею подвига: мать приносит в жертву своего единственного сына ради спасения людей.

Лицо Христа недетски серьезно. Сквозь детскую хрупкость ощущается сила: его глаза смотрят твердо и прозорливо. Совершенная по композиции картина создает ощущение удивительной гармонии. Это одно из самых выдающихся произведений мирового изобразительного искусства по художественному языку, колориту, пластике, ритму, композиции.

Рафаэль работал в различных жанрах. Он и автор знаменитых фресок («Афинская школа», «Парнас», «Изгнание Элиодора», «Месса в Больсене», «Освобождение апостола Петра из темницы» и др.) и величайший портретист своего времени. Им написаны работы, в которых индивидуальные черты слиты воедино с типическими, характеризующими образ эпохи («Портрет Юлия II», «Лев X», «Портрет кардинала», «Дама с вуалью» и др.).

Помимо живописи, Рафаэль занимался также архитектурой, археологией, охраной античных памятников. Умер Рафаэль в возрасте 37 лет, не успев завершить многих начатых работ.

К идеалистическому типу искусства можно отнести творчество Микеланджело Буонарроти (1475-1564). Прожив долгую жизнь, он творил как и в период высокого Ренессанса, так и в годы его заката. Величайший мастер своей эпохи, Микеланджело превзошел всех силой и насыщенностью живописных образов, гражданским пафосом, страстью. Живописец, скульптор, архитектор, поэт Микеланджело внес щедрый вклад в сокровищницу мировой культуры.

В 1496-1499 гг. он создает свои первые, принесшие ему славу скульптурные произведения «Вакх» и «Пьета». С этого момента и до конца жизни изображение прекрасного обнаженного тела становится главной темой творчества Микеланджело. В 1504 г. он завершил работу над статуей Давида (ее высота около 5,5 м). Скульптура получила высокое признание общественности и виднейших художников того времени, ее было решено установить перед городской ратушей во Флоренции. Открытие статуи вылилось в народное торжество.

О титанической работоспособности, нечеловеческом напряжении ума и физических сил Микеланджело свидетельствует роспись плафона Сикстинской капеллы в Ватикане. До него никому не приходилось браться за такую гигантскую работу: площадь фресок составляет 600 кв. м на высоте 18 м. Над ними Микеланджело работал с 1508 по 1512 г. В росписи Сикстинского плафона 343 фигуры, и несмотря на религиозный сюжет (сцены Ветхого завета), она представляет собой гимн человеку, его совершенству, силе, мужеству, красоте.

Последние два десятилетия жизни Микеланджело были отмечены утратой надежд, разочарованием, духовным одиночеством. Но великий мастер продолжал творить до конца своих дней, создавая произведения, свидетельствующие о его неумирающем гении.

Тициан Вечеллио также отнесен мною к идеалистическому типу искусства. Он прожил долгую жизнь, которая совпала с бурными и трагическими событиями в истории Италии. В начале 20-х годов XVI в. он становится самым знаменитым художником Венеции, и слава не покидает его до конца жизни. Кисти Тициана принадлежат творения на мифологические и христианские сюжеты, произведения в жанре портрета. Ему не было равных в композиционной изобретательности, феноменальным было его колористическое дарование.

Ранние произведения Тициана полны радости жизни («Любовь земная и небесная», «Вакх и Ариадна» (1523), «Празднество Венеры» и т. д.). В них он предстает также певцом античности, сумевшим вдохновенно воплотить свободный дух той эпохи.

Одна из самых прославленных картин великого мастера - «Лежащая Венера» (1538). В ней автор открывает свой тип красоты. Венера Тициана - прежде всего прекрасная земная женщина. Этой картиной начинается целый ряд полотен, изображающих красоту обнаженного женского тела. К их числу принадлежат четыре варианта «Данаи» (1545-1554). Воспроизводя античный идеал красоты, мастер создает образ, несущий в себе прекрасное земное начало, наполняет его человеческой плотью и радостью бытия.

На протяжении всего творческого пути Тициан работал в жанре парадного портрета и был одним из создателей этого жанра. Его портреты отличает высочайшее мастерство исполнения, благородство колорита. Но самым главным для Тициана была передача индивидуальности и внутреннего мира человека («Портрет молодого человека с перчаткой», портреты Ипполито Риминальди, Пьетро Аретино, Карла V, папы Павла III и многие другие).

Последние годы жизни Тициана проходят в условиях усиления феодально-католической реакции в Италии, в том числе и в Венеции, куда проникает иезуитский орден и инквизиция. В творчестве художника появляются трагические мотивы как результат тревог и разочарований. Он все больше пишет на античные сюжеты («Венера и Адонис», «Юпитер и Антиопа», «Диана и Актеон» и др.).

Меняется характер его живописи: светлый, легкий колорит уступает место мощной, бурной живописи, композиция становится более динамичной. По своей одухотворенности, внутренней драматичности, цветовой мощи поздние творения Тициана превосходят все ранее созданное художником. Таковы «Венера перед зеркалом» (1553), «Кающаяся Мария Магдалина» (1565), «Св. Себастьян» (1570), «Пьета» (1576). Последние произведения Тициана принадлежат уже позднему Возрождению. У великого мастера было много учеников, однако никто из них не смог превзойти учителя. Творчество Тициана оказало огромное влияние на живопись следующего столетия.

живопись возрождение чувственность театральный эклектика

3. Чувственное искусство

Яркий пример подобного искусства - картины современных художников. Например, картина Татьяны Назаренко "Пугачев" (1989).

Вероятно, впервые после пушкинской "Истории пугачевского бунта", образ "народного царя", самозванца из среды беглых казаков, рассматривался с трезвостью, без поэтических наслоений. Пугачева везут, как бешеного зверя, в клетке, его везут на казнь, что само по себе должно вызывать сочувствие. Но сочувствия нет, потому что во главе конного отряда скачет национальный герой непререкаемой величины - Александр Суворов. Исторический факт (разгром бунтовщиков завершил Суворов), редко попадавший на страницы советских изданий, выводит зрителя к пушкинским раздумьям о "бессмысленных и беспощадных" бунтах. Однако картина Назаренко по своей форме еще располагалась в границах "высокой" пластической традиции в области исторического жанра. Переживание истории наших дней толкнуло художницу к выходу за пределы плоскости холста, к живописно-пространственному решению, которое можно считать своего рода изобретением: "Переход" (1996).

Плоские, вырезанные из фанеры в размер натуры, фигуры и группы людей стоят и "идут" по пространству залов, они имеют черты привычных уличных типов - мы узнаем нищих-музыкантов и монашек с кружками, инвалидов-афганцев и продающих газеты пенсионеров, "кришнаитов" и "металлистов", мы видим среди них художницу и членов ее семьи, мы сами двигаемся между ними..... Длинный коридор-переход в московском метро становится для нас не просто путем следования, но символом переброса всего российского общества в другое бытие. Транзитный характер "пост-перестроечного" времени обнаруживал тут свой лик двояко - и в исторических категориях, и в том конкретном бытовом аспекте, которым "переход" обернулся для подавляющего большинства людей в России.

Наталья Нестерова, «Несение креста» (1991)

Выстроенная Татьяной Назаренко композиция реконструировала жизнь в натуральную величину и включала в зрительский обзор само время прохода по пространству залов, зритель шел вместе с изображенными людьми. "Переход" был естественным для всего пройденного художницей пути, но она, очевидно, откликалась и на программы крайних "левых" течений в искусстве, где творимый художником объект мог быть отвлеченным продуктом воображения, но мог и имитировать жизнь, конкурируя с ней в своей достоверности. Нельзя не отметить и другую незамедлительно возникающую ассоциацию: сам прием вырезанных из фанеры силуэтных изображений и экспрессия живописной манеры внутри контура намекали на уличную вывеску, на манекены с товаром в руке, выносившиеся в прошлом к дверям лавки или харчевни в качестве их знака. Зазывность, которая содержалась в "Переходе", была особого свойства, это была пронзительность песни уличного музыканта.

4. Эклектичное искусство

Для характеристики искусства этого типа, как мне кажется, наиболее подходят образчики современного театрального искусства. Например, спектакли Брука, например, «Король Лир», «Сон в летнюю ночь» и т.д. Режиссер считал, что шекспировская пьеса требует следующего: «На одном из уровней актеры должны демонстрировать физическую виртуозность - выражение радости. Поэтому наш стратфордский спектакль включает в себя акробатику, цирковое искусство, номера на трапециях. В то же время, определенные места в пьесе нельзя сыграть, не добившись органичности жизни сценического персонажа, как это понимал Станиславский». Ставя пьесу, в которой огромную роль играет волшебство, Брук хотел восславить вечное волшебство театра, но при этом полностью отказаться от всякого декоративного иллюзионизма и сценической машинерии, унаследованных от XIX века и утративших очарование для современного зрителя, окруженного чудесами техники в повседневной жизни. Среди цитат, выбранных режиссером для программы его спектакля, две (одна - высказывание Мейерхольда, другая - отрывок из самой пьесы) говорили о могуществе воображения актеров и зрителей, а третья, из книги Брука «Пустое пространство», приготавливала зрителей к тому, какими средствами будет твориться театральная магия: «Мы должны показать, что в руках у нас ничего нет, а в рукавах ничего не спрятано. Только тогда можно начинать».

Стратфордская «белая коробка» в спектакле Брука была преображена в подобие ослепительно белого, залитого ярким светом гимнастического зала (художник Салли Джейкобс). Сверху, с колосников, свешивались канаты и трапеции; на белом ковре, застилавшем пол от стены до стены «зала», было разбросано несколько белых подушек. На высоте около четырех с половиной метров стены завершались узкой галереей, на которую вели две металлические лестницы, расположенные на торцах боковых стен. На задней стене, по бокам, были симметрично расположены две двери (также белые и почти незаметные, пока их не открывали). Оркестр, сопровождавший все представление, не скрываясь, располагался на галерее. Актеры начинали спектакль как актеры: под барабанный бой устремлялись на сцену и кланялись, приветствуя публику. Они были одеты в роскошные белые атласные плащи, соответствующие праздничному тону, взятому с самого начала.

Чувство радости и свободы выражалось, прежде всего в физической раскрепощенности и виртуозности движений исполнителей. Под руководством Брука актеры классического репертуара овладели ремеслом цирковых артистов и демонстрировали его с увлечением и непринужденностью. Оберон (актер Алан Хауард) и Пэк (актер Джон Кейн) «летали» над сценой на трапециях - смелая и простая метафора настоящего полета. Для волшебного цветка, обладающего любовными чарами, также был найден цирковой эквивалент-метафора: серебряное блюдце, которое Пэк - Кейн и Оберон - Хауард, как заправские жонглеры, вращали на палочке и перебрасывали друг другу, одновременно проносясь над сценой на своих трапециях. Получив от Оберона приказ заморочить влюбленных юношей, попавших в ночной лес, Пэк становился на ходули и сверху, недосягаемый для сбитых с толку смертных, управлял их движениями. Земные персонажи пьесы не уступали лесным духам в ловкости и подвижности.

В схожем ключе я считаю, можно трактовать творчество Луки Ронкони, который делал свой спектакль «Неистовый Роланд» с учетом того, что происходило тогда в мире искусства. В связи с «Неистовым Роландом» говорили об атмосфере хэппенинга, вспоминали об идеях театра среды, о Ливинг театре. Режиссер, несомненно, синтезировал и многое из того, что уже было открыто в изобразительном искусстве XX века. Ронкони оказался на острие поисков современного театра, с редкой творческой силой, оригинальностью и мастерством претворил в жизнь новые идеи. И в полной мере раскрылся и как художник, и как личность. Жанр спектакля Ронкони определить нелегко. Здесь в строго найденном равновесии пребывают, не противореча, а дополняя друг друга, рыцарская поэма и ярмарочный балаган, мистерия и драма с романтическим захватывающим сюжетом, элементы кукольного представления, поэтическая декламация в классическом стиле, мелодрама, фарс...

Литература

1. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. - М.: Искусство, 1985.

2. Культурология: Учебное пособие. - М.: Изд-во Российской экономической академии имени Г.В. Плеханова, 1994.

3. Культурология. Учебное пособие. / Под ред. Г.В. Драча. - Ростов-на-Дону, 1996.

4. Мещерякова. Н.А. Культура в ценностном измерении // Свободная мысль. - 1992. - №12. - С. 34-44.

5. Мировая художественная культура: учеб. пособие / Колл авт.: Б.А. Эренгросс, В.Р. Арсеньев, Н.Н. Воробьев и др. / Под ред. Б.А. Эренгросс. - М.: Высш. шк.,2001.

6. Угринович Д.М. Искусство и религия. - М.: Просвещение, 1982.

Размещено на Allbest.ru