Русская музыка XVIII и первой половины XIX века

Размещено на http://www.allbest.ru

Русская музыка XVIII и первой половины XIX века

Большой и славный путь прошла в своем развитии русская музыка. Сколько великих композиторов: Глинка, Даргомыжский, Бородин, Мусоргский, Римский-Корсаков, Чайковский, Скрябин, Рахманинов, Глазунов и другие! Их искусство прославило нашу Родину. Во многих странах земного шара звучит их музыка и будит в сердцах людей светлые, добрые и чистые чувства.

Расцвет музыкальной культуры в XIX веке был подготовлен всем ходом развития ее в России. Веками накапливались в народе драгоценные родники музыкального искусства. Народное поэтическое и музыкальное творчество существовало еще в глубокой древности, и в нем отразилась вся жизнь и история народа: его обычаи и обряды, его труд и борьба за свободу, его надежды и мечты о лучшей жизни. Немало суровых, мужественных песен было создано в народе о Степане Разине, Емельяне Пугачеве и других руководителях крестьянских восстаний и войн.

Высоко ценил песни о Разине и Пугачеве великий русский поэт А.С. Пушкин. В своей повести «Капитанская дочка» Пушкин приводит песню «Не шуми ты, мати зеленая дубравушка» и говорит о ней как о любимой песне Пугачева. Бережно собирали и изучали родную песню наши русские композиторы-классики. Некоторые из них -- Балакирев, Римский-Корсаков, Лядов -- составили сборники русских песен для голоса в сопровождении фортепиано. В своих произведениях они нередко использовали русские напевы. А сочиняя собственные мелодии, вводили в них характерные для русских песен интонации, попевки и мелодические обороты. Музыка Глинки и Чайковского, Бородина и Мусоргского понятна и доступна широкому слушателю именно потому, что она богата прекрасными мелодиями, песенна.

В XVIII веке появляется бытовая городская песня, с аккордовым гармоническим сопровождением, новая по своему выразительному характеру. Более простая по складу городская песня возникла на мелодической основе старинной народной песни, которую часто называют «крестьянской». И почти в каждой городской песне в той или иной мере использованы попевки, ладовые и ритмические особенности старинной песни.

Заметное влияние на развитие городской песни оказало творчество русских поэтов. Пример тому -- песня «Чем тебя я огорчила», сложенная народными певцами на немного измененные слова известного русского поэта XVIII века А. Сумарокова.

В XVIII веке появляются нотные записи русских народных песен. Первый сборник народных песен выпустил придворный певец-гуслист В. Трутовский; за ним последовало обширное собрание, составленное известным русским поэтом Н. Львовым в содружестве с композитором и пианистом И. Прачем. В эти сборники вошли не только наиболее популярные и любимые народом старинные песни, но также более новые городские. Сборники познакомили любителей музыки с прекрасными русскими мелодиями. Многие из песен впоследствии использовались композиторами в операх и в инструментальных произведениях.

На протяжении XVIII века привычные напевы народных песен все чаще звучат в различных инструментальных пьесах, в музыке к театральным спектаклям и в операх. Разумеется, интерес к народным мелодиям возник не сразу. Долгое время жители обеих русских столиц довольствовались произведениями зарубежных композиторов. При дворе в Петербурге часто ставились пышные оперные спектакли для узкого круга слушателей. Но гораздо большее значение имела деятельность маленьких оперных трупп, часто посещавших Петербург и Москву начиная с 30-х годов. Общедоступности спектаклей способствовали умеренные цены. Это были итальянские и французские веселые комические оперы на сюжеты бытового характера, в которых пение нередко чередовалось с разговорными диалогами.

По образцу разговорных опер с течением времени создавались и первые русские оперы. Вначале это были незатейливые бытовые комедии с музыкальными вставками, основанными на мелодиях русских песен. В некоторых из них высмеивались быт и нравы различных сословий -- купцов, чиновников («Санкт-Петербургский гостиный двор» крепостного музыканта М. Матинского). И в этом, несомненно, проявилась связь первых русских опер с передовой русской литературой (в особенности с творчеством Фонвизина).

В те годы в Петербурге большой известностью пользовался общедоступный «Российский театр». На петербургских и московских сценах выступали талантливые русские артисты, как, например, Е. Сандунова. Украшением домашнего театра Шереметева была замечательная крепостная актриса Параша Жемчугова (о ее необычайной судьбе в народе сложилась песня «Вечор поздно из лесочка»). Однако участь талантливых русских актеров и музыкантов в условиях крепостнической России часто оказывалась трагичной, многие из музыкантов безвременно погибали.

Несмотря на тяжелое, бесправное положение музыкантов, в последней четверти XVIII века в России складывается уже своя композиторская школа. Молодые композиторы создают выразительные романсы и обработки русских песен, фортепианные и скрипичные пьесы, оркестровые увертюры, музыку к спектаклям и, наконец, оперы. Среди них были Дубянский, Березовский, Бортнянский, Фомин, Хандошкин и другие.

Песня и романс

Один из наиболее любимых видов музыкального искусства в конце XVIII и в первой половине XIX века -- романс. Многие из романсов того времени были тесно связаны с тогдашней городской бытовой песней. По своему строению они мало чем отличались от народных песен, сохраняя нередко куплетную (строфическую) форму. Исполнялись эти «песенные романсы» под аккомпанемент фортепиано, арфы или гитары, балалайки. В романсе, как и в народной песне, отразились думы, настроения и переживания простых людей. Лучшие из них распространялись устно, свободно варьировались и постепенно превращались в народные песни. Так было с песней-романсом «Стонет сизый голубочек» Дубянского, с «Красным сарафаном» Варламова.

Важную роль в развитии русского романса первой половины XIX века сыграли композиторы Алябьев, Варламов, Гурилев, Верстовский, Булахов. Видное место занимает жанр романса и камерной песни также в творчестве композиторов-классиков -- Глинки и Даргомыжского.

Михаил Иванович Глинка 1804 - 1857

Глинка -- гениальный русский композитор. Подобно Пушкину в поэзии, он был основоположником русской классической музыки -- оперной и симфонической.

Талант Глинки созревал в период высокого подъема русской культуры, неразрывно связанного с ростом революционно-освободительных идей того времени. Современник событий Отечественной войны 1812 года, Глинка в своей патриотической опере «Иван Сусанин» («Жизнь за царя») показал великую роль народа в истории родной страны.

Истоки музыки Глинки уводят в русское народное творчество. Любовью к Родине, ее народу, к русской природе проникнуты лучшие его произведения.

Жизненный путь

В 1804 году, 20 мая, в селе Новоспасском Смоленской губернии родился мальчик, который стал впоследствии замечательным музыкантом, гордостью русской музыки. Был он в детстве слабым и болезненным ребенком. Первые годы жизни провел в имении отца, капитана в отставке, среди деревенской природы Смоленского края. Здесь он узнал и полюбил народную песню, заслушивался ею. Во впечатлительную детскую душу маленького Глинки глубоко запали сказки крепостной няни Авдотьи Ивановны, нежно и преданно любившей его.

Огромное впечатление произвели на Глинку события 1812 года. Спасаясь от нашествия наполеоновской армии, семья Глинки покинула имение. Много рассказов о героизме партизан услышал мальчик и навсегда проникся любовью и уважением к русскому народу, его могучей силе и душевной красоте.

В домашнем быту у родных Глинки часто звучала музыка. У дяди, жившего неподалеку, был хороший оркестр, состоявший из крепостных музыкантов. Музыка производила на мальчика потрясающее впечатление, после концертов он ходил рассеянный. «Музыка -- душа моя», -- сказал он однажды. Крепостной оркестр дяди исполнял разнообразные произведения. Были среди них и русские песни. Вспоминая свои детские впечатления, Глинка писал: «...Может быть, эти песни, слышанные мною в ребячестве, были первою причиной того, что впоследствии я стал преимущественно разрабатывать народную русскую музыку».

Всякий приезд крепостного оркестра был для мальчика праздником. Со скрипкой (на которой он учился у одного из крепостных музыкантов) или флейтой маленький Глинка присаживался к музыкантам и по слуху играл с ними. «Отец часто гневался на меня, что я не танцую и оставляю гостей, -- вспоминал впоследствии Глинка, -- но при первой возможности я снова возвращался к оркестру».

Вскоре в доме появилась гувернантка -- В. Ф. Кламмер. С ней Глинка занимался географией, русским, французским и немецким языками, а также игрой на фортепиано. Мальчик учился легко и проявил особенные способности к языкам и рисованию.

С 1817 по 1822 год Глинка учился в Петербурге в Благородном пансионе при Главном педагогическом институте. Этот пансион считался одним из лучших учебных заведений. Среди его преподавателей были такие незаурядные люди, как А. Куницын (один из любимых учителей Пушкина), профессор географии К. Арсеньев -- горячий противник крепостничества. Преподавателем русской словесности и воспитателем Глинки был В. Кюхельбекер - друг Пушкина, будущий декабрист. Кюхельбекер учил «чувствовать и мыслить». Нет сомнения в том, что он способствовал развитию у Глинки чувства любви и уважения к народу, готовность служить ему. В одной комнате с Глинкой жил брат Пушкина Лев Сергеевич. Благодаря этому Глинка в юные годы познакомился с великим русским поэтом, который бывал в пансионе, навещая Кюхельбекера, товарища по лицею, и младшего брата. Уже тогда Глинка зачитывался стихами Пушкина. В эти годы он серьезно занимался и музыкой, брал уроки фортепианной игры и теории музыки. Глубокое впечатление произвели на него три урока, взятые у знаменитого пианиста Джона Фильда. Успешно изучал Глинка языки -- латинский, французский, немецкий, английский и персидский. Часто бывал в театре, особенно увлекался оперой и балетом. Во время летних каникул усердно занимался с крепостным оркестром своих родственников, дирижируя им. глинка композитор даргомыжский романс

По окончании пансиона Глинка поступил на службу в ведомство путей сообщения. Но служба тяготила его: она отрывала от занятий музыкой, мешала творчеству. Вскоре он вышел в отставку.

В Петербурге Глинка сближается с передовой интеллигенцией, бывает на вечерах у поэта Дельвига, знакомится с Жуковским и Грибоедовым. К этому времени юноша был уже автором многих фортепианных пьес и романсов. Так, в 1825 году он написал романс «Бедный певец» и элегию «Не искушай». Большое впечатление произвела на молодого Глинку поездка на Кавказ, предпринятая им для лечения минеральными водами.

25 апреля 1830 года Глинка уехал в Италию. Об этой поездке он давно мечтал, стремясь «усовершенствоваться в искусстве». Предполагалось, что теплый климат Италии улучшит его расстроенное здоровье.

В Италии Глинка с большим увлечением занимался пением, часто бывал в театре, слушал оперы того времени, знакомился с лучшими певцами и композиторами, сочинял арии в итальянской манере. Прожив в Италии около четырех лет, Глинка поехал в Германию. В Берлине он познакомился с известным немецким теоретиком Зигфридом Деном и в течение пяти месяцев брал у него уроки. По словам Глинки, Ден привел в систему его музыкально-теоретические знания и навыки. За границей Глинка написал несколько ярких романсов («Венецианская ночь», «Победитель»), «Патетическое трио» для фортепиано, кларнета и фагота и ряд других произведений. Вдали от родины возникла идея создания отечественной оперы.

Вернувшись в 1834 году в Россию, Глинка с увлечением стал сочинять оперу о патриотическом подвиге Ивана Сусанина. Сюжет подсказал ему поэт Жуковский, но либретто для него писать не стал, как обещал. Глинке пришлось обратиться к услугам барона Е. Розена. Оперу назвали «Жизнь за царя», хотя в первоначальном плане, который составил Глинка, она называлась «Иван Сусанин» -- «отечественная героико-трагическая опера». В своем произведении Глинка прославил героический подвиг простого русского крестьянина, пожертвовавшего своей жизнью во имя Родины.

Опера Глинки с большим успехом была исполнена 27 ноября 1836 года на сцене Большого театра в Петербурге. Передовые люди русского общества высоко оценили ее. Зато аристократическая публика насмешливо называла музыку «ямщицкой» («кучерской»).

Три года проработал Глинка в качестве капельмейстера в Придворной певческой капелле. Он сделал много полезного для развития русского хорового искусства. Глинка сам ездил на Украину, для того чтобы подобрать в капеллу мальчиков с хорошими голосами.

После премьеры «Ивана Сусанина» композитор увлекся идеей создания оперы на сюжет поэмы Пушкина «Руслан и Людмила». Композитор мечтал о том, чтобы сам Пушкин написал для него либретто, но преждевременная смерть поэта помешала этому.

Либретто создавалось постепенно по плану, составленному Глинкой. Стихотворные отрывки из поэмы Пушкина чередовались с более или менее искусными стихами друзей композитора. Позднее поэт-любитель В. Ширков с помощью Глинки окончательно завершил и привел в порядок либретто.

«Руслан и Людмила» Глинки -- первая русская сказочно-эпическая опера. Она проникнута народной героикой, величием былинного эпоса, патриотизмом. В финале оперы народ прославляет не только доблестного витязя Руслана, одолевшего злого волшебника Черномора, но также мощь и силу древнего Киева.

От народно-героической оперы «Иван Сусанин» с характерной для нее непрерывностью и напряженностью действия вторая опера Глинки отличается не только своим сказочным сюжетом, но и особенностями развития -- спокойного, неторопливого. Вся опера представляет собой контрастное чередование отдельных красочных картин. Вслед за величавой сценой древнерусского свадебного пира в тереме киевского князя следуют волшебные приключения героев то на далеком севере (встреча Руслана с мудрым Финном и с великанской Головой), то в волшебных садах Наины и Черномора. Величественная картина в стольном городе Киеве с заключительным могучим хором симметрично завершает произведение.

Работа над оперой растянулась более чем на пять лет. В эти годы Глинка порывает с аристократической средой и переселяется в дом литератора Н. Кукольника. Здесь он встречается с писателями, актерами и музыкантами. Тогда же была сочинена музыка к трагедии «Князь Холмский» Н. Кукольника (увертюра, симфонические антракты и три песни, одна из которых -- «Ходит ветер у ворот» -- стала народной). Тогда же родились многие из вокальных шедевров Глинки: «Ночной смотр» на слова Жуковского, «Я помню чудное мгновенье» и «Ночной зефир» на слова Пушкина, «Сомненье» и «Жаворонок» на слова Кукольника. Сочиненный в порыве глубокого сердечного чувства «Вальс-фантазия» для фортепиано затем был оркестрован, а позднее переделан в обширную оркестровую пьесу.

27 ноября 1842 года -- ровно через шесть лет со дня первой постановки «Ивана Сусанина»-- состоялась премьера второй оперы Глинки -- «Руслана и Людмилы». Демократическая публика и передовая интеллигенция сумели оценить неповторимую красоту гениального создания Глинки. Музыкальный писатель В. Ф. Одоевский выступил со статьей, посвященной новой опере: «На русской музыкальной почве вырос роскошный цветок -- он ваша радость, ваша слава. Пусть черви силятся всползти на его стебель и запятнать его -- черви спадут на землю, а цветок останется. Берегите его: он цветок нежный и цветет лишь один раз в столетие». Зато придворная знать встретила оперу с холодным равнодушием. Отношение аристократических кругов хорошо выразил брат царя, великий князь Михаил Павлович: провинившихся офицеров он посылал не под арест на гауптвахту, а на представление «Руслана и Людмилы», считая это наказанием.

Оперу стали давать все реже и реже, хотя она делала хорошие сборы, а вскоре и вовсе сняли со сцены. Редко ставился и «Иван Сусанин» -- к тому же с обветшавшими декорациями и костюмами.

В 1844 году Глинка вновь уезжает за границу, на этот раз во Францию и Испанию. В Париже Глинка познакомился с французским композитором Гектором Берлиозом. С большим успехом прошел здесь концерт из произведений Глинки. Два года Глинка провел в Испании. Его живо увлекала народная испанская музыка. Композитор знакомился с народными испанскими музыкантами, певцами и гитаристами, изучал язык, даже выучился танцевать с кастаньетами. Используя записи испанских народных танцев, Глинка в 1845 году написал замечательное симфоническое произведение -- концертную увертюру «Арагонская хота»; в 1848 году, уже по возвращении в Россию, появилась еще одна увертюра -- «Ночь в Мадриде». Тогда же была сочинена и симфоническая фантазия «Камаринская» на темы двух русских песен: свадебной лирической («Из-за гор, гор высоких») и бойкой плясовой.

Последние годы Глинка жил то в Петербурге, то в Варшаве, Париже и Берлине. Композитор был полон творческих планов, но обстановка вражды и недоброжелательства мешала творчеству. Несколько начатых партитур он сжег.

Близким, преданным другом последних лет жизни композитора была его любимая младшая сестра Людмила Ивановна Шестакова. Для ее маленькой дочки Оли Глинка сочинил некоторые свои фортепианные пьески. В доме композитора собирались поэты, писатели, актеры и певцы, передовые молодые музыканты. Бывал у недр А. С. Даргомыжский, завершавшей тогда свою «Русалку», бывали молодые музыкальные критики А.Н. Серов и В.В. Стасов. Вскоре к ним присоединился талантливый юноша М.А. Балакирев, впоследствии ставший главой «Могучей кучки». Под впечатлением знакомства с Балакиревым Глинка написал в письме к сестре следующее: «…В первом в Балакиреве я нашел взгляды, так близко подходящие к моим во всем, что касается музыки… со временем он будет второй Глинка».

Глинка умер в 1857 году в Берлине. Его прах перевезли в Петербург и захоронили на кладбище Александро-Невской лавры.

После смерти брата Л. И. Шестакова всю свою жизнь посвятила пропаганде его творчества. Она стала близким другом последователей Глинки -- композиторов «Могучей кучки».

«Иван Сусанин»

Опера Глинки «Иван Сусанин» - героическая народная музыкальная драма. Впервые на русской сцене была поставлена отечественная опера, основанная на непрерывном музыкальном развитии, без разговорных вставок.

Сюжетом для оперы послужило предание о героическом подвиге костромского крестьянина Ивана Осиповича Сусанина в 1612 году, в трудное для России время захвата ее иноземцами. Польские войска были уже изгнаны из Москвы, но отдельные их отряды еще бродили по стране. Один из таких отрядов забрел в село Домнино, где жил Иван Сусанин. Сусанин согласился стать проводником, но завел отряд поляков в непроходимые дебри и болота и сам погиб там.

Подвиг костромского крестьянина вдохновил поэта-декабриста К. Рылеева, написавшего думу «Иван Сусанин». И Рылеев, и Глинка в героическом поступке простого человека усматривали проявление силы и патриотизма всего русского народа, готового отдать жизнь во имя свободы родной земли.

В опере четыре действия и эпилог.

Первое действие происходит в селе Домнино, где живет Иван Сусанин с дочерью Антонидой и приемным сыном Ваней. Антонида ждет возвращения своего жениха - ратника Собинина, который защищает Родину от врагов. Девушка мечтает о скорой свадьбе. Сусанин возражает: «Что гадать о свадьбе - горю нет конца». С отрядом ратников прибывает Собинин, он рассказывает крестьянам об успехах русского ополчения во главе с Мининым и Пожарским. Теперь можно бы играть и свадьбу. Иван Сусанин благословляет Собинина и Антониду.

Первое действие - характеристика русского народа и основных героев произведения. Оно начинается с обширной хоровой интродукции. В ней два хора - мужской и женский. Мелодия этого хора близка русским народным песням - старинным молодецким и солдатским. Кавантина и рондо Антониды, следующие за интродукцией, раскрывают типичные черты русской девушки - нежность, верность ее чувства, искренность и простоту души. Характер музыки светлый и радостный.

Трио «Не томи, родимый» передает грустные переживания Собинина и Антониды. Задушевная его мелодия построена на выразительных интонациях городских бытовых песен. Та же мелодия звучит и в партии Сусанина. Отдельные фразы у каждого из певцов как бы перекликаются, отвечают одна другой, образуя имитации.

Второе действие. Пышный бал в замке польского короля Сигизмунда. Поляки хвастают своими победами и уверены в скором завоевании Руси. Но вот появляется гонец, он сообщает о тяжелом положении польского войска и о том, что Минин и Пожарский собирают народное ополчение. Поляки в смятении. Тут же созревает план нового захватнического вторжения. Большой отряд собирается в поход.

Все второе действие ярко контрастирует с первым. Музыкальные характеристики совсем другие. Вместо простой задушевной песни, вместо народных хоров звучит в основном танцевальная музыка. Четыре танца, следующие один за другим (блестящий польский -- полонез, краковяк, вальс и мазурка), образуют своего рода симфоническую сюиту из одних только польских (если не считать вальса) танцев. Открывается действие блестящим полонезом.

Третье действие. В доме Ивана Сусанина готовятся к свадьбе Антониды и Собинина. Внезапно появляются поляки: они требуют, чтобы Сусанин указал им дорогу на Москву. Сусанин украдкой посылает Ваню предупредить русские отряды об опасности, сам же решает завести поляков в непроходимую лесную глушь. С пением свадебной величальной приходят подружки Антониды. Они находят невесту в слезах: девушка опасается за жизнь отца. Появляется Собинин. Вместе с крестьянами он решает отправиться на поиски Сусанина и польского отряда.

Песня Вани «Как мать убили» открывает третье действие и служит музыкальной характеристикой мальчика-сироты. Ваня выражает благодарность названому отцу. Песня Вани близка русским народным песням.

Далее следует квартет Сусанина, Вани, Антониды и Собинина. Но вот тихая и мирная беседа дружной семьи нарушается приходом поляков -- в музыке прорывается тема полонеза из второго действия.

Сцена Сусанина с поляками -- замечательный образец драматически развивающегося ансамбля. Музыкальная характеристика поляков очерчена ритмами полонеза и мазурки. Спокойные, полные достоинства ответы Сусанина передают присущий ему степенный и серьезный характер. В них звучат гордые слова русского человека, патриота своей родины, готового пожертвовать собой ради нее.

В реплике Сусанина «Велик и свят наш край родной» зарождается тема хора «Славься» из финала оперы.

Его ответ полякам «Страха не страшусь, смерти не боюсь, лягу за святую Русь» основан на теме мужского хора из интродукции.

Перед уходом Сусанин прощается с дочерью. Музыка полна скорби и тревоги.

Песня-романс Антониды «Не о том скорблю, подруженьки» -- одна из самых поэтичных страниц оперы. Мелодия ее выразительна и задушевна. В ней слышатся трогательные интонации народных причитаний. Песня-романс раскрывает всю глубину горя Антониды и тем самым с новой стороны показывает богатство ее душевного мира.

Четвертое действие. Собинин со своими людьми пробирается по засыпанному снегом лесу, разыскивая следы польского отряда.

Ворота монастыря, где находятся ополченцы и посадские люди. Поздней ночью прибегает сюда Ваня и долго стучится в запертые ворота. Волнением проникнут речитатив Вани «Бедный конь в поле пал». За ним следует небольшая певучая ария. Наконец ворота открываются. Ваня сообщает о польском отряде. Воины выступают на поиски врага.

Непроходимая лесная глушь. Морозная ночь. Сюда Сусанин завел поляков. Хор поляков в ритме мазурки хорошо передает их угнетенное состояние. Поляки засыпают. Сусанин предчувствует смерть и готов к ней. Поднимается метель. Поляки просыпаются. Они поняли, наконец, что Сусанин умышленно завел их сюда, и убивают его.

Речитатив и ария Сусанина -- один из наиболее напряженных, драматичных эпизодов оперы. Сусанин предчувствует скорую гибель, вспоминает своих детей, мысленно прощается с ними и готовится к смерти. Музыка арии строга и очень сдержанна. Мелодия проста, выразительна и напевна.

Развязка наступает в тот момент, когда Сусанин твердо и мужественно отвечает полякам: «Туда завел я вас, куда и серый волк не забегал». Слова эти были вписаны в либретто самим Глинкой. А в оркестре в это время повторяется характерный мелодический оборот из русской молодецкой песни «Вниз по матушке по Волге».

Эпилог. В Москве на Красной площади народ празднует победу над врагом. Появляются Антонида и Ваня вместе с Собининым. Они рассказывают о трагической гибели отца. В заключительном хоре «Славься» народ славит родную землю и погибших героев, славит всех воинов во главе с Мининым и Пожарским, отстоявших свободу Руси. Несмотря на довольно быстрое движение, музыка хора величава и торжественна, и это придает ей черты гимна. Сам Глинка назвал этот хор гимном-маршем.

Произведения для оркестра

Важное место в творчестве Глинки занимают пьесы для симфонического оркестра. Выше упоминалось о том, что Глинка с детских лет любил оркестр, предпочитая оркестровую музыку всякой другой.

Наиболее значительные произведения Глинки для симфонического оркестра: фантазия «Камаринская», испанские увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде», «Вальс-фантазия». В репертуар симфонических концертов часто входят и увертюры к обеим операм Глинки, а также превосходная музыка к трагедии «Князь Холмский».

В симфоническом творчестве, как и в оперном, Глянка остался верен своим художественным принципам. Все его оркестровые пьесы понятны широким массам слушателей, высокохудожественны и совершенны по форме. Глинка полагал, что смелые выразительные средства современного ему гармонического языка и новые оркестровые краски можно сочетать с простотой и доступностью образов, создавая произведения «равно докладные (то есть понятные. -- Э. С.) знатокам и простой публике». Не случайно в своих симфонических пьесах последних лет он постоянно обращался к народно-песенным темам. Но Глинка не просто «цитировал», а широко развивал их и на их основе создал произведения самобытные, прекрасные по своим музыкальным образам и красоте инструментовки.

Симфоническая фантазия «Камаринская» (1848) представляет собой вариации на две русские темы, разработанные поочередно. Темы эти контрастны. Первая из них -- широкая и плавная свадебная песня «Из-за гор, гор высоких», повествующая о белой лебедушке -- невесте, которую клюют и щиплют серые гуси -- недобрая женихова родня.

Напев первой песни задумчиво-лирический. При варьировании мелодия остается неизменной, оплетаясь все новыми и новыми подголосками наподобие русских протяжных песен, развитии темы композитор красочно использует деревянные духовые инструменты, близкие по звучанию духовым народным инструментам -- пастушескому рожку, жалейке, дудке.

Напев «Камаринской» быстрый и веселый. В вариациях этой мелодии Глинка применяет пиццикато струнных, напоминающее звучание русской балалайки. При варьировании плясовая мелодия также обрастает подголосками, а порой и существенно изменяет свой облик. Так, после ряда вариаций появляется мелодия, сходная -- несмотря на быстрое плясовое движение и отрывистость с темой протяжной свадебной песни.

Эта тема незаметно приводит к возвращению первой -- медленно-величавой темы, после чего с новой силой звучит буйная народная пляска.

В «Камаринской» Глинка воплотил черты национального характера, смелыми и яркими штрихами нарисовал картину праздничного быта русского народа. Контрастное сопоставление неторопливой лирической, а затем веселой, задорной песни часто можно встретить в народном хоровом исполнении. Очень важно, что Глинка умело применил подголосочное и вариационное развитие мелодии, свойственное народному исполнительству.

«Вальс-фантазия» -- одно из самых поэтичных лирических произведений Глинки. Сперва это была небольшая фортепианная пьеса. Позднее она была расширена и оркестрована. Незадолго до смерти (в 1856 году) композитор взялся за ее переработку и превратил бытовую пьеску в совершенную по мастерству симфоническую фантазию. В основе ее лежит задушевная, ласковая тема. Благодаря нисходящей тритоновой интонации эта задумчиво-элегическая мелодия звучит порывисто и напряженно. Своеобразно строение темы: нечетные трехтактовые фразы, какие мы встретим в русских народных песнях, а не «квадратные» четырехтактовые, как в западноевропейских вальсах. Такая нечетная структура придает мелодии Глинки устремленность и полетность.

С основной вальсовой темой контрастируют разнообразные по характеру эпизоды, то светлые и грациозные, то взволнованно-драматические. Главная тема повторяется многократно, становясь рефреном формы рондо. Удивительно изящна инструментовка этого произведения. Преобладание струнной группы придает звучанию легкость, полетность, прозрачность, неповторимое очарование мечты. Впервые в русской музыке на основе бытового танца возникло развернутое симфоническое произведение, отражающее многообразные оттенки душевных переживаний.

В «Вальсе-фантазии», «Камаринской» и балетных сценах обеих опер Глинка создал неувядающе-прекрасные образцы симфонической музыки, выросшей из бытовых танцев.

Романсы и песни

Романсы и песни Глинки -- гордость русской классики. Композитор писал их на протяжении всей жизни. Лирические романсы Глинки -- это своего рода исповедь его души. В некоторых из них запечатлены картины русской природы и быта. В романсах Глинка обобщил и развил все лучшее, что было создано его предшественниками и современниками -- авторами бытового романса. Сам он был замечательным мастером вокального исполнения и хорошо знал возможности человеческого голоса. Неудивительно, что жанр романса он сумел довести до высокого совершенства.

Все пленяет в романсах Глинки: искренность и простота, скромность и сдержанность в выражении чувств и настроений, классическая стройность и строгость формы, красота мелодии, всегда песенной, выразительной, правдиво передающей содержание текста, и ясная красочная гармония.

Среди романсов и песен Глинки можно встретить самые разнообразные жанры: от «русской песни», чувствительного бытового романса («Бедный певец») до драматической баллады, песенного повествования («Ночной смотр»), от жизнерадостной застольной и «дорожной» песни до лирической «песни на воде» -- баркаролы. Неповторимо своеобразны его песни-танцы в ритме вальса, мазурки, полонеза, испанского болеро, наконец, марша («Прости, корабль взмахнул крылом»). Характерную особенность романсов Глинки составляет также гармоничное сочетание вокальной и фортепианной партий.

Глинка является основоположником русской школы вокального пения, его романсы -- неиссякаемый родник красоты и совершенства, из которого черпали все последующие русские композиторы.

Глинка сочинял романсы на стихи современных ему поэтов -- Баратынского, Жуковского, Дельвига, Пушкина. Многие из его романсов написаны на слова близких друзей, например Кукольника. На стихи этого поэта в 1840 году композитор сочинил вокальный цикл «Прощание с Петербургом». Среди романсов цикла -- «Жаворонок» и «Попутная песня».

«Жаворонок» - задушевная и задумчивая песня с легко льющейся и плавной мелодией, естественной и простой, окрашенной светлой печалью. В фортепианной партии выразительно воссоздается равнинный русский пейзаж - бескрайние дали, поля и луга со стелющимися по ветру стеблями трав и злаков. Перед вступлением певца в сопровождении слышатся трели жаворонка.

«Попутная песня» - образец светлой, жизнерадостной лирики. В ней все - движение и порыв, буйное и горячее ожидание встречи, нетерпение, взволнованное биение сердца. В песне все подчинено этому настроению. Фортепианная партия с упругим и четким ритмом как бы передает быстрое движение поезда, стук колес и мелькание за окном меняющихся картин. Характерен энергичный и полнозвучный аккорд в начале каждой строфы - от него отталкивается и неудержимо несется вперед мелодия. А далее она сменяется широким и плавным напевом, как бы передающим тоску ожидания.

«Я помню чудное мгновенье». В вокальной лирике Глинки важное место занимают романсы на слова Пушкина. Среди них «Я помню чудное мгновенье» -- жемчужина русской вокальной лирики, в которой воедино слились гении поэта и композитора. Трехчастная форма романса соответствует содержанию стихотворения, в котором отражены три важных момента душевной жизни героя: первая встреча, горечь разлуки с любимой и радость вновь наступившего свидания. Мелодия романса впечатляет своей плавностью и нежной грацией.

Ярким контрастом звучит тревожная средняя часть («В глуши, во мраке заточенья»). Здесь музыка становится речитативно-декламационной и суровой. В третьей части возвращается прежняя светлая мелодия, но она становится радостно-возбужденной, а сопровождение -- подвижным и трепетным.

Романс относится к зрелому периоду творчества Глинки, поэтому мастерство композитора в нем так совершенно. Никогда еще и никем до Пушкина и Глинки не была поднята на такую высоту красота человеческого чувства.

Основные произведения

Оперы «Иван Сусанин», «Руслан и Людмила»

Музыка к трагедии Н. Кукольника «Князь Холмский»

80 произведений для голоса с фортепиано: романсы, песни, арии

Симфонические пьесы: испанские увертюры «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде», симфоническая фантазия «Камаринская», «Вальс-фантазия»

Инструментальные ансамбли

Фортепианные пьесы (вариации, мазурки, вальсы, ноктюрны и др.)

Александр Сергеевич Даргомыжский 1813 - 1869

Даргомыжский -- младший современник и последователь Глинки. В историю русской музыки он вошел как «великий учитель музыкальной правды», смелый новатор.

Взгляды Даргомыжского сложились в период 30 -- 40-х годов XIX столетия, время бурного развития русской культуры. Даргомыжский чутко откликался на все передовое, прогрессивное в русском искусстве. В своем творчестве он был близок к демократическим писателям и художникам России. Особенно тесны связи вокальной музыки Даргомыжского с Пушкиным, Гоголем, Лермонтовым. Не случайно лучшие творения Даргомыжского написаны на слова Пушкина и Лермонтова.

Жизненный путь

Александр Сергеевич Даргомыжский родился 2 февраля 1813 года в селе Троицком Белевского уезда Тульской губернии. В конце 1817 года семья переехала в Петербург. Отец композитора был правителем канцелярии в коммерческом банке. Мать, образованная и одаренная женщина, любила искусство, писала стихи. Некоторые из них даже печатались. В семье Даргомыжских образованию детей придавали большое значение. Как и во многих дворянских семьях, дети воспитывались дома, к ним приглашали учителей.

Любительница поэзии и музыки, мать Даргомыжского развивала и в своих детях любовь к искусству. Старший брат композитора Эраст был отличным скрипачом. Узы глубокой дружбы связывали Александра Сергеевича с обеими его сестрами -- Софьей и Эрминией. Старшая сестра Софья впоследствии стала женой известного художника Степанова, и Даргомыжский жил вместе с семьей сестры. Софья была умна, хозяйственна. Она горячо любила брата Александра и много времени отдавала его делам.

Музыкальные способности маленького Александра проявились рано. С семи лет его стали обучать игре на фортепиано.

С 1821 года учителем музыки Даргомыжского стал А. Т. Данилевский. Уже в десятилетнем возрасте у мальчика появилось стремление к творчеству. Он сочиняет небольшие пьесы для фортепиано и романсы. Однако его учитель относился к этому неодобрительно. Впоследствии композитор писал: «Считал ли он это неприличным для русского дворянина или полагал, что я мог бы лучше употребить свое время на заучивание заданного мне фортепианного урока, но всякий раз, как я приносил ему на показ новое сочинение, в книжке поведения моего было отмечено: весьма скверно, и я был наказан».

Помимо занятий на фортепиано Даргомыжский обучался игре на скрипке и пению. И все же фортепианная игра оставалась на первом месте. В то время в России жил известный виртуоз Франц Шоберлехнер, выступления которого пользовались огромным успехом. Его игра произвела на юношу неизгладимое впечатление. Три года Даргомыжский брал у Шоберлехнера уроки игры на фортепиано. Занятия принесли ему немало пользы, и со временем он стал отличным пианистом.

К восемнадцати годам Даргомыжский был уже автором многих сочинений для фортепиано, скрипки, двух квартетов, кантат и романсов. Некоторые из них были напечатаны. Но композиторская техника его была еще недостаточной.

Огромное значение в жизни Даргомыжского сыграла его встреча с Глинкой в 1835 году. Молодые музыканты быстро сблизились, подружились и часто музицировали вместе. В ту пору Глинка работал над оперой «Иван Сусанин». Он передал Даргомыжскому тетради с записями лекций своего учителя 3. Дена, и юноша занялся серьезным изучением музыкально-теоретических предметов.

Вскоре Даргомыжский стал работать над оперой «Эсмеральда» на сюжет романа Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери». В выборе сюжета проявился тогдашний интерес молодого композитора к французской культуре. Оперу «Эсмеральда» он закончил в 1841 году. Друзья Даргомыжского -- передовые литераторы -- приветствовали оперу, но постановка ее затянулась на несколько лет. Опера не удержалась в репертуаре. Композитор тяжело переживал эту неудачу.

По окончании работы над «Эсмеральдой» Даргомыжский пишет другие произведения: музыку для любительских спектаклей, кантату «Торжество Вакха» на слова Пушкина, позднее переработанную в оперу-балет. Особенно охотно сочинял Даргомыжский романсы. К этому времени он стал признанным в Петербурге преподавателем пения. В его доме устраивались музыкальные вечера, где исполнялась русская музыка, и в первую очередь произведения Глинки и самого Даргомыжского.

Постепенно у Даргомыжского зреет мысль о поездке за границу. Больше всего хотелось ему посетить Париж, познакомиться с выдающимися музыкантами. С детских лет его увлекала французская литература и поэзия, французская опера.

В 1844 году Даргомыжский побывал за границей, посетил Берлин, Брюссель, Париж, Вену. Путешествие длилось около полугода. Поездка принесла много новых впечатлений, интересных встреч с музыкантами, композиторами. Общественная атмосфера в Париже была напряженной, нарастало революционное движение. Это отразилось в искусстве, особенно театральном. Даргомыжский с увлечением посещал оперу и театр.

На чужбине, вдали от родины он почувствовал себя подлинно русским художником. Даргомыжский писал: «...Нет в мире народа лучше русского и... ежели существуют в Европе элементы поэзии, то это в России».

В этот период окончательно сложилось мировоззрение Даргомыжского как художника-реалиста. Наступила пора зрелости. Все это нашло отражение в его творчестве. Именно в эти годы композитор обращается к теме из жизни русских людей, стремится правдиво претворить в музыке живые интонации человеческой речи. По возвращении на родину он приступает к созданию оперы «Русалка» на сюжет драмы Пушкина социально-обличительного характера. В это же время он пишет многие превосходные романсы.

В своих зрелых песнях и романсах Даргомыжский предстает смелым новатором. Следуя по пути Глинки, он в то же время переосмыслил многие традиционные вокальные жанры и создал новые. Так возникли монологи-размышления «И скучно и грустно», «Мне грустно» на стихи Лермонтова. Поэзия Лермонтова с ее пафосом гнева и горечи, с ее страстным обличением неприглядной российской действительности особенно привлекает теперь Даргомыжского. Если Глинка, создавая свои романсы, стремился к передаче общего настроения текста, используя для этого кантиленную, напевную мелодию, то Даргомыжский идет иным путем. Его мелодии следуют за всеми тонкими изгибами текста («Мне грустно»), они насыщены «говорящими» речевыми интонациями.

В 1853 году по инициативе известного русского музыкального критика и просветителя В. Ф. Одоевского был устроен концерт из произведений Даргомыжского. Успех был огромный. Горячий прием со стороны музыкантов и публики вызвал у композитора новый прилив творческой энергии. Он с энтузиазмом продолжает работу над «Русалкой», сам пишет либретто.

Поставленная в 1856 году на сцене Театра-цирка в Петербурге, «Русалка» была принята аристократической публикой равнодушно. И только демократически настроенная молодежь встретила оперу сочувственно. Разделились мнения и у критиков. В защиту Даргомыжского выступил замечательный русский музыкальный писатель А. Н. Серов. Он отметил в этой опере связи с народной музыкой, правдивость и искренность. На сцене опера шла со значительными сокращениями, в плохой постановке и вскоре была снята с репертуара, несмотря на превосходное исполнение роли Мельника знаменитым певцом О. А. Петровым.

В конце 50-х годов Даргомыжский сближается с демократическим кружком поэтов и литераторов, принимает энергичное участие в работе сатирического журнала «Искра». Тогда же он создает песни социально-обличительного характера. Некоторые песни он сочинил на слова В. Курочкина -- видного поэта журнала «Искра». Среди них драматическая песня «Старый капрал» и сатирическая песня «Червяк» на стихи Пьера Беранже в переводе Курочкина.

В начале 60-х годов возникли яркие оркестровые пьесы: «Казачок», «Баба-Яга» и «Чухонская фантазия» (на финские народные темы). Как и Глинка, Даргомыжский использует в них народные мелодии. Во многом композитор опирается на традиции Глинки, но в этих пьесах раскрывается и самобытность, яркость его собственного таланта.

Много времени отдает Даргомыжский общественно-просветительной деятельности как член комитета Русского музыкального общества.

В 1864 году Даргомыжский вновь отправился за границу, на этот раз будучи уже зрелым композитором. В Лейпциге в его честь был устроен музыкальный вечер. Восторженно встречали композитора в Брюсселе, где в концерте были исполнены увертюра к опере «Русалка» и симфоническая пьеса «Казачок”». Затем Даргомыжский посетил Париж, Лондон и в мае 1865 года вернулся в Петербург.

И здесь, на родине, он также получил признание. В 60-е годы заметно изменился состав театральных слушателей: в театр пришла демократическая молодежь со своими, новыми требованиями к искусству. Возобновленная в Петербурге «Русалка» была теперь восторженно принята новым зрителем. В главных ролях выступили талантливые русские артисты О. А. Петров (Мельник) и Ю. Ф. Платонова (Наташа).

В конце 50-х годов возникло содружество композиторов «Могучая кучка» во главе с Балакиревым. Даргомыжский сближается с молодыми композиторами балакиревского кружка. В этой дружбе он находит источник творческой энергии, черпает силы для борьбы за новые эстетические идеалы. Композитор начинает работать над оперой «Каменный гость» на текст «маленькой трагедии» Пушкина. Сочиняет он очень много, с большим вдохновением. Даже тяжелая болезнь не может оторвать его от напряженной работы.

Своей новизной и необычностью опера эта вызывала искренний восторг композиторов «Могучей кучки». Яркие характеристики героев пушкинской трагедии Даргомыжский воссоздал посредством напевно-речитативного диалога. Речитатив Даргомыжского, выразительный и гибкий, отличается здесь высочайшим мастерством. В опере нет общепринятого деления на номера. В ней преобладает непрерывное, «сквозное» развитие. Лишь две песни Лауры имеют законченную, закругленную форму. Завершить полностью свою оперу Даргомыжский не успел. Он умер 5 января 1869 года. Похоронили его рядом с могилой Глинки. Согласно завещанию Даргомыжского, оперу «Каменный гость» завершил композитор Кюи, а оркестровал Римский- Корсаков. В 1872 году композиторы «Могучей кучки» добились постановки этой оперы в Петербурге на сцене Мариинского театра.

«Русалка»

«Русалка» -- первая русская опера в характере психологической бытовой музыкальной драмы. Основная задача, поставленная композитором, -- отражение душевного мира героев, их переживаний и характеров.

Новая задача потребовала и новых музыкально-выразительных средств. Вот почему в опере сравнительно немного замкнутых музыкальных номеров, арий и лирических ансамблей. Преобладает принцип сквозного развития. Совместное пение в ансамбле свободно сменяется диалогом между действующими лицами. Причем именно в диалогах нередко содержатся яркие музыкальные характеристики героев. Этот смелый и новый прием позднее получил развитие в творчестве других русских композиторов -- Мусоргского, Чайковского.

В основе содержания «Русалки» лежит социальный конфликт. С большой художественной силой и правдой рассказывается в опере о судьбе простой русской девушки, обманутой и брошенной богатым князем. Трагедия Наташи -- это трагедия многих русских девушек, жизнь которых в условиях помещичье-крепостного строя была искалечена барскими прихотями. Содержание драмы Пушкина композитор в основном оставил без изменений, присочинив лишь конец, отсутствовавший у Пушкина. При этом некоторые герои пушкинской драмы получили в опере имена. Так, дочери Мельника дано имя Наташа, а подруге Княгини -- Ольга.

В опере четыре действия. Сценическому действию предшествует увертюра в сонатной форме. В ней звучат некоторые темы оперы.

Первое действие. Мельница на берегу Днепра. Наташа, дочь Мельника, и молодой Князь полюбили друг друга. Наташа любит искренно, преданно, не думая о будущем, не слушая предостережений отца. Между тем Князь стал бывать на мельнице все реже и реже.

Ария Мельника открывает первое действие. В музыке арии Даргомыжский метко запечатлел черты характера Мельника -- склонность к веселому балагурству и вместе с тем ворчливость. Основная тема арии Мельника -- оживленная, с приплясывающим ритмом и резкими, «угловатыми»акцентами в мелодии. Она звучит и в небольшом оркестровом вступлении.

Облик Наташи раскрывается впервые в лирическом терцете. Терцет характеризует грустное настроение всех трех героев -- Наташи, Князя и Мельника. Совместное пение свободно переходит в диалог между действующими лицами. Нежная и задушевная партия Наташи в то же время порывиста и стремительна. Ей присущи широкие ходы мелодии. Это отражает искренний и пылкий характер девушки. Особенно ярко раскрывается ее образ в начале Анданте фа минор «Ах, прошло то время, время золотое». Песенная мелодия близка жанру городского лирического романса.

Хороводная «3аплетися, плетень» -- более веселая и оживленная. Запевает ее женский хор на фоне подвижного и прозрачного сопровождения альтов и кларнетов. Песня сопровождается веселой хороводной игрой с притоптыванием и припляской.

Крестьяне уходят. Невесел Князь, смущена его задумчивостью и Наташа. С тревожным предчувствием расспрашивает она Князя, и тот сообщает ей о разлуке. Вначале Наташа не понимает его. Она готова идти с ним повсюду, даже в поход. Но затем догадывается в чем дело.

Не слушая уговоров отца и своих односельчан, девушка в глубоком отчаянии бросается в воды Днепра. Все потрясены.

Второе действие. Богатая свадьба в доме Князя. Хор гостей славит молодых. Княгиня прощается с подружками. Заздравный хор сменяется веселыми танцами -- славянскими, цыганскими. Девушки поют шуточную песню «Сватушка». Слова этой песни народные.

Внезапно раздается голос Наташи: ее полная скорби песня вносит смятение.

Песня Наташи служит переломным моментом в развитии действия. В разгар веселья в оркестре звучат нежные, но вместе с тем холодные и прозрачные переборы струн арфы, а печальную мелодию запевает гобой.

Третье действие. В тереме Княгини. Прошло уже двенадцать лет. Женитьба не принесла счастья ни Князю, ни Княгине. Князь грустит, часто отлучается из дома, посещает места, где был счастлив с Наташей. А Княгиня тоскует одна. Ее подруга Ольга поет ей шуточную песню. Узнав от слуги, что Князь один на берегу Днепра, Княгиня решает вместе с Ольгой поехать за ним.

На берегу Днепра русалки водят хороводы. С появлением Князя они скрываются. На том месте, где когда-то была мельница, теперь одни развалины: «Веселый шум колес ее умолкнул». С горечью вспоминает Князь былое счастье с Наташей. Прошли годы, а он так и не смог забыть Наташу, ее искреннюю и боль тую любовь. Теперь Князь полон раскаяния. Грустные воспоминания нахлынули на него при виде знакомых мест.

Каватина Князя начинается певучим речитативом «Невольно к этим грустным берегам…». Музыка задумчива и печальна.

Мельник, отец Наташи, от горя лишился рассудка и вообразил себя вороном. Заброшенный и жалкий, он встречается с Князем и не узнает его. Вся эта драматическая сцена, как и первое действие оперы, построена на непрерывном, сквозном развитии. Встреча с Князем глубоко волнует Мельника. Несчастный вспоминает о горестной судьбе Наташи. Дочь его будто бы стала русалкой, царицей здешних вод. У нее маленькая дочка, которая и присматривает иногда за ним.

Князь потрясен услышанным. Он приглашает Мельника к себе в дом, но тот с ужасом отказывается, вспомнив о страшной гибели дочери. Несчастный старик гневно восклицает: «Заманишь, а там, пожалуй, удавишь ожерельем». В отчаянии он молит Князя вернуть ему дочь. В припадке ярости бросается на Князя. Подоспевшие слуги спасают своего господина.

Четвертое действие. В подводном тереме русалок. Наташа -- царица днепровских вод. Близится вечер. Она отпускает русалок на берег и просит дочку -- маленькую русалочку -- плыть наверх и заманить Князя -- ее отца. Наташа хочет отомстить.

На берегу Днепра. Сюда вновь возвращается Князь. Появляются и Княгиня с Ольгой. Завидев Князя, они прячутся. Происходит встреча Князя с русалочкой -- его дочкой. Русалочка рассказывает о матери и зовет его за собой. Напрасно Княгиня и Ольга пытаются удержать Князя. Из глубины Днепра раздается голос Наташи -- она призывает его. Русалочка увлекает Князя. Мельник ей помогает. Раздается злорадный смех русалок.

В эпилоге изображено подводное царство. Русалки кладут мертвое тело Князя к ногам своей царицы. Так отомстила Русалка за обманутую девушку Наташу. В оркестре гордо и властно звучит тема ее призыва, построенная на интонациях народной колыбельной.

Романсы и песни

Видное место в творчестве Даргомыжского занимают романсы и песни. Их написано композитором более ста. Содержание вокальной музыки Даргомыжского исключительно богато. Здесь задушевная лирика, шутливое лукавство и драматизм, спокойные пейзажи и характерные бытовые зарисовки, а порой едкая социальная сатира, в чем Даргомыжский явился новатором. Особенно глубоко и психологически правдиво раскрыт в романсах внутренний мир человека с его думами и чувствами.