Разнообразие музыкальных и театральных жанров

Размещено на http://www.allbest.ru/

1. Характеристики музыкальных и театральных жанров

ОПЕРА (итал. opera, буквально - сочинение, произведение, от лат. opera - труд, изделие) - вид синтетического искусства; художественное произведение, содержание которого воплощается в сценических музыкально-поэтических образах.

Опера соединяет в едином театральном действии вокальную и инструментальную музыку, драматургию, изобразительные искусства, нередко и хореографию. В Опере находят многообразное воплощение различные формы музыки- номера сольного пения (ария, песня (каватина) и т.д.), речитативы, ансамбли, хоровые сцены, танцы, оркестровые номера. Первые оперные начинания получили свое развитие, прежде всего, в творчестве такого великого композитора своего времени, как Монтеверди, который написал свою первую оперу "Орфей" в 1607 году и последнюю - "Коронация Поппеи" - в 1642 году. Монтеверди и его современники установят классическую оперную конструкцию, действующую и поныне:

1.В ариях, ансамблях (дуэтах, терцетах, квартетах) герои выражают свои эмоции.

2.В речитативах, хорах объясняются происходящие события (по традициям Хора из античной драмы).

3.Оркестровые увертюры, прелюдии включались программу представления, чтобы дать зрителям возможность рассесться по местам.

4.Интерлюдии, антракты сопровождали смену декораций.

Все перечисленные пункты чередуются и повторяются в соответствии с правилами музыкальной драматургии.

Опера существует в разных видах. В т.н. большой опере, самом распространенном ныне виде оперного жанра, поется весь текст. В комической опере пение обычно чередуется с разговорными сценами. Название "комическая опера" (opera comique во Франции, opera buffa в Италии, Singspiel в Германии) в большой мере условно, так как далеко не все произведения этого типа имеют комическое содержание (характерный признак "комической оперы" - наличие разговорных диалогов). Вид легкой, сентиментальной комической оперы, получивший распространение в Париже и Вене, стал называться опереттой; в Америке он называется музыкальной комедией. Пьесы с музыкой (мюзиклы), снискавшие славу на Бродвее, обычно более серьезны по содержанию, чем европейские оперетты.

Все эти разновидности оперы основываются на убеждении, что музыка и особенно пение усиливают драматическую выразительность текста. Правда, временами другие элементы играли в опере не менее важную роль. Так, во французской опере определенных периодов (и в русской - в 19 в.) весьма существенное значение приобретали танец и зрелищная сторона; немецкие авторы нередко рассматривали оркестровую партию не как аккомпанирующую, а как равноценную вокальной. Но в масштабах всей истории оперы пение все же играло доминирующую роль.

Если певцы являются ведущими в оперном представлении, то оркестровая партия образует обрамление, фундамент действия, движет его вперед и готовит слушателей к грядущим событиям. Оркестр поддерживает певцов, подчеркивает кульминации, своим звучанием заполняет лакуны либретто или моменты смены декораций, наконец, выступает в заключении оперы, когда опускается занавес.

В большинстве опер имеются инструментальные вступления, помогающие настроить восприятие слушателей. В 17-19 вв. подобное вступление называлось увертюрой. Увертюры представляли собой лаконичные и самостоятельные концертные пьесы, тематически не связанные с оперой и потому легко заменяемые. Например, увертюра к трагедии Аврелиан в Пальмире Россини позже превратилась в увертюру к комедии Севильский цирюльник. Но во второй половине 19 в. композиторы стали обращать гораздо большее влияние на единство настроения и тематическую связь увертюры и оперы. Возникла форма вступления (Vorspiel), которое, например в вагнеровских поздних музыкальных драмах, включает в себя основные темы (лейтмотивы) оперы и непосредственно вводит в действие. Форма "автономной" оперной увертюры пришла в упадок, и ко времени появления Тоски Пуччини (1900) увертюра могла заменяться всего лишь несколькими вступительными аккордами. В ряде опер 20 в. вообще отсутствуют какие бы то ни было музыкальные приготовления к сценическому действию.

Итак, оперное действие развивается внутри оркестрового обрамления. Но так как сущность оперы есть пение, высшие моменты драмы находят отражение в завершенных формах арии, дуэта и в других условных формах, где музыка выходит на первый план. Ария подобна монологу, дуэт - диалогу, в трио обычно воплощаются противоречивые чувства одного из персонажей по отношению к двум другим участникам. При дальнейшем усложнении возникают разные ансамблевые формы - такие, как квартет в Риголетто Верди или секстет в Лючии ди Ламмермур Доницетти. Введение подобных форм обычно останавливает действие, чтобы дать место развитию одной (или нескольких) эмоций. Только группа певцов, объединенная в ансамбль, может выразить сразу несколько точек зрения на совершающиеся события. Иногда в роли комментатора поступков оперных героев выступает хор. В основном текст в оперных хорах произносится сравнительно медленно, фразы часто повторяются, чтобы сделать содержание понятным слушателю.

Сами по себе арии не составляют оперы. В классическом типе оперы главным средством донесения до публики сюжета и развития действия является речитатив: быстрая мелодизированная декламация в свободном метре, поддержанная простыми аккордами и основанная на естественных речевых интонациях. В комических операх речитатив часто сменяется диалогом. Речитатив может показаться скучным слушателям, не понимающим смысла произносимого текста, но часто незаменим в содержательной структуре оперы.

Не во всех операх можно провести четкую грань между речитативом и арией. Вагнер, например, отказался от завершенных вокальных форм, имея целью непрерывное развитие музыкального действия. Эта новация была подхвачена, с различными модификациями, целым рядом композиторов. На русской почве идея непрерывной "музыкальной драмы" была, независимо от Вагнера, впервые опробована А.С.Даргомыжским в Каменном госте и М.П.Мусоргским в Женитьбе - они называли данную форму "разговорной оперой", opera dialogue.

Опера сама состоит из множества номеров, и каждый номер при желании можно исполнить отдельно (за исключением примеров со сквозным развитием). И у этих номеров есть свои жанры. Внутри оперы может встретиться марш ("Аида" Верди), песня ("Дон Жуан" Моцарта), различные танцы и танцевальные сюиты ("Иван Сусанин" Глинки, "Кармен" Бизе) и даже опера в опере ("Пиковая дама" Чайковского). Смешение жанров при этом происходит не всегда. В случае Полонеза из второго акта "Ивана Сусанина" номер полностью самостоятелен, может исполняться отдельно (хотя и не является вставным, как иногда арии в итальянских операх), его жанр чётко определён композитором. Другое дело - увертюра "Кармен". Увертюра - уже жанр, но в её рефрене и эпизодах явные черты марша, лирической, героической, драматической арии, скерцо (первый эпизод) и даже траурного шествия во втором разделе.

В той же "Кармен" можно найти и пример экстраполяции жанров: ария главной героини в 3ем действии (гадание) является драматическим монологом с чертами похоронного марша.

Ассимилиция происходит в отдельных номерах оперы, когда требуется выразить определённой чувство, и получается растворение признаков, допустим, бравурного марша и скерцо в характерной арии, как это есть в арии Фигаро у Моцарта (1 действие).

Опера - один из самых сложных жанров, но при этом очень интересный и своеобразный. Существуя вот уже 400 лет, она пользуется, и будет пользоваться популярностью.

ОПЕРЕТТА (итал. operetta, дословно маленькая опера) -- жанр музыкального театра, в котором музыкальные номера чередуются с диалогами без музыки. Оперетты пишутся на комический сюжет, музыкальные номера в них короче оперных, в целом музыка оперетты носит лёгкий, популярный характер, однако наследует напрямую традициям академической музыки.

Истоки происхождение оперетты уходят в глубь веков. Уже в экстатических античных мистериях в честь бога Диониса, которые считаются прообразом европейской драмы, можно выявить некоторые жанровые признаки оперетты: сочетание музыки с пантомимой, танцем, буффонадой, карнавалом и любовной интригой. Заметное влияние на общую эволюцию оперетты оказала греческая комедия, в частности пародийные комедии нравов Аристофана и Менандра, а также римская комедия Плавта и Теренция; затем комедийные персонажи в средневековых моралите, мистериях и мираклях. Вслед за возникновением серьезной оперы около 1600 года появился такой новый музыкально-театральный жанр, как интермеццо. «Служанка-госпожа» (1733) Дж. Перголези -- образец интермеццо, который послужил моделью для последующих произведений. Успех «Служанки-госпожи» в Париже побудил Ж.Ж.Руссо к развитию этого жанра на французской сцене. Его «Деревенский колдун» (1752) -- один из трёх источников, лежащих в основе opйra-comique, французской комической оперы. Двумя другими источниками были комедии-балеты Мольера и Ж.Б.Люлли и водевили, ставившиеся в народных ярмарочных театрах.

МЮЗИКЛ (иногда называется музыкальной комедией) -- музыкально-сценическое произведение, в котором переплетаются диалоги, песни, музыка, танцы, при этом сюжет, как правило, незамысловат. Большое влияние на мюзикл оказали многие жанры: оперетта, комическая опера, водевиль, бурлеск. Как отдельный жанр театрального искусства долгое время не признавался и до сих пор признается не всеми.

Мюзикл -- постановочный жанр, работа над каждым проектом начинается с написания пьесы. Постановка пьесы осуществляется режиссером-постановщиком. В постановке также могут участвовать балетмейстеры, специалисты по пению.

Мюзикл -- один их наиболее коммерческих жанров театра. Это обусловлено его зрелищностью, разнообразием тем для постановки, неограниченностью в выборе средств выражения для актеров.

При постановке мюзиклов часто используются массовые сцены с пением и танцами, нередко применяются различные спец. эффекты.

По форме мюзикл чаще всего представляет собой двухактовый спектакль.

Предшественниками мюзикла были множество легких жанров, где смешались шоу варьете, французский балет и драматические интерлюдии. В сентябре 1866 года на сцене Нью-Йорка прошла постановка Black Crook, где сплетались романтический балет, мелодрама и другие жанры. Именно она считается исходной точкой нового жанра. Музыкальной комедией охарактеризовал один из своих хитов «Хористка» английский продюсер Джордж Эдвардс. Музыкальная комедия подразумевала легкое развлекательное представление, где важным был не сюжет, а скорее популярные вокальные номера в исполнении кумиров публики. Постановки Эдвардса снискали ошеломительный успех в Нью-Йорке, и до начала XX века моду в новом жанре диктовали английские представления.

БАЛЕТ - синтетическое искусство, в котором танец - главное выразительное средство балета, тесно связан с музыкой, с драматургической основой - либретто, со сценографией, с работой костюмера, художника-осветителя и т.д. Балет многообразен: сюжетный - классический повествовательный многоактный балет, драмбалет; бессюжетный - балет-симфония, балет-настроение, миниатюра. По жанру балет может быть комическим, героическим, фольклорным.

Балет - высшая ступень хореографии, в котором танцевальное искусство поднимается до уровня музыкально-сценического представления. Термин «балет» появился в ренессансной Италии в XVI веке и обозначал не спектакль, а танцевальный эпизод.

Прошло много лет, исторических эпох, прежде чем из примитивных пластических движений человека возник один из сложнейших видов искусства - балетный спектакль. Постепенно рождались хореографические формы, передающие в живых картинах пластическую красоту движений, создавались и ломались традиции.

Балетный спектакль как таковой начал формироваться в Европе в XVI веке. С тех пор искусство балета прошло долгий и сложный путь становления и развития.

В переводе с латинского языка само слово «классический» означает «образцовый». Классическими мы называем образцовые, выдающиеся, общепризнанные произведения литературы и искусства, имеющие непреходящую ценность для национальной и мировой культуры. Классическими мы называем и лучшие, первоклассные балетные спектакли - зарубежные, русские, советские. А их создателей балетмейстеров причисляем к классикам хореографии.

Классический танец формировался путём долгого и тщательного отбора, отшлифовки многообразных выразительных движений и положений человеческого тела. Он вбирал в себя достижения различных танцевальных культур, перерабатывал движения разнообразных народных плясок, пантомимных действий - искусства мимов и жонглёров, движения трудовых и бытовых танцев.

Развиваясь в течение длительного времени, классический танец обрёл точные и узаконенные формы, сосредоточил в себе огромное количество разнообразных движений человеческого тела.

Россия узнала балет в XVII веке, а первые балетные представления в XVIII столетии. С тех пор в нашей стране выросла великая культура классического балета. Русскими балетмейстерами созданы своеобразные, неповторимо прекрасные спектакли. И не случайно многие театры мира включают в свой репертуар такие балеты, как «Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Шопениана» и другие.

В своей работе я хотела бы рассмотреть развитие русского классического балета через призму истории нашей страны, понять как исторические события, культурные, социальные изменения влияют на данный вид искусства. Также я бы хотела проследить, как великие балетмейстеры через свои творения отражали жизнь народа, и как с их же помощью влияли на умы современников.

2. Характеристики жанров хоровой музыки

ХОРАЛ (нем. сhoral). Первоначально хоралом называлось григорианское одноголосное церковное песнопение; позже наименование закрепилось за лютеранскими песнопениями. Мартин Лютер, стремившийся к тому, чтобы все прихожане принимали участие в богослужении, ввел в него гимны, пригодные для общинного пения. Таким образом, хорал - как отдельное песнопение и как часть более крупной композиции - стал центром протестантской литургии.

Музыкальными источниками хорала являлись:

а) церковные песнопения, существовавшие до Реформации;

б) светские песни;

в) заново сочиненные мелодии с текстами, среди которых наиболее известен реформаторский гимн Ein' feste Burg ist unser Gott (Твердыня крепкая наш Бог). Почти все немецкие мастера 16, 17 и начала 18 вв. обрабатывали хоральные мелодии.

Хоралы лежат в основе и других богослужебных композиций, среди которых:

1) хоральная прелюдия - органная пьеса, основанная на мелодии хорала и служившая вступлением к общинному пению;

2) хоральная фантазия - органная пьеса, развивающая мелодию хорала в импровизационной манере;

3) хоральная партита - масштабное инструментальное произведение на тему хорала;

4) хоральный мотет - развернутое хоровое произведение;

5) хоральная кантата - крупное произведение для хора, солистов и оркестра с использованием мелодий лютеранских гимнов. Наиболее совершенные хоральные композиции из дошедших до нас принадлежат Михаэлю Преториусу и И.С. Баху.

Историческая роль хорала огромна: с хоралам и хоральными обработками в значительной мере связано развитие европейского композиторского искусства, в том числе эволюция лада, зарождение и развитие контрапункта, гармонии, музыкальных форм.

МЕССА (франц. messe, от позднелат. missa, от лат. mitto -- посылаю, отпускаю; итал. messa, нем. Messe, англ. Mass)

Месса как музыкальный жанр -- циклическое вокальное или вокально-инструментальное произведение на текст определённых разделов одноименного главного богослужения католической церкви (в православной церкви ему соответствуют обедня, литургия).

Mесса как богослужение совершается на лат. языке. Смысл мессы связан с обрядом "превращения хлеба и вина в тело и кровь Иисуса". Некоторые разделы мессы читаются или речитируются (молитвы), др. поются (священные песнопения, исполняемые соло и хором). Последние в свою очередь распадаются на 2 типа, составляя соответственно missa ordinarium (обычную мессу) и missa proprium (особую мессу). Missa proprium - песнопения, посвященные определённым воскресным и праздничным дням. Состав этих песнопений зависит от того, в какой день совершается богослужение, при каждом очередном богослужении он обновляется. Missa ordinarium - это постоянно присутствующие в мессе песнопения. Их всего пять (названия определяются начальными словами текста):

1) Kyrie eleison (Господи, помилуй),

2) Gloria (Gloria in excelsis Deo - Слава в вышних богу),

3) Credo (Credo in unum Deum - Верую во единого бога),

4) Sanctus (Sanctus dominus Deus Sabaoth - Свят господь бог Саваоф) и Benedictus (Benedictus qui venit in nomine Domini - Благословен грядущий во имя бога),

5) Agnus Dei (Agnus Dei, qui tollis peccata mundi - Агнец божий, взявший на себя грехи мира).

В некоторых частях мессы иногда выделяются более или менее самостоятельные разделы. Так, в Credo мессе 19 в. нередко обособляются разделы "Et incarnatus" ("И воплотился в человека, рождён от святого духа и девы Марии"), "Crucifixus" ("И был распят и погребён"), "Et resurrexit" ("И воскрес"). Последняя часть мессы "Agnus Dei" кончается словами "Dona nobis pacem" ("Даруй нам мир"). В старой мессе (до 15 в.) была принята и 6-я часть: "Ite, missa est" ("Идите, служба окончена").

КАНТАмТА (Итал. cantata, от лат. canto - пою) -- многочастное вокально-симфоническое произведение торжественного или повествовательно-эпического характера (термин “кантата” происходит от итальянского cantare -- петь). Кантаты обычно предназначаются для солистов, хора и оркестра (существуют кантаты без солистов; в некоторых образцах этого жанра оркестр заменяется небольшим камерным ансамблем; изредка встречаются кантаты чисто хоровые, т. е. без инструментального сопровождения). По своему складу кантата близка жанру оратории, от которой она отличается меньшими размерами и сравнительно неразвитым сюжетом. Однако ко многим сочинениям современной музыки термины “кантата” и “оратория” могут быть применены в одинаковой мере. Сближение кантаты и оратории произошло относительно недавно. На рубеже XVI--XVII вв. кантата представляла собой сольную вокальную пьесу лирического характера (в отличие от монументального хорового цикла -- оратории). Позже кантата стала приближаться к развернутой оперной сцене. Главным “действующим лицом” в кантатах постепенно стал хор. В конце XVII в. были широко распространены 2 типа кантат: духовная (на религиозные сюжеты) и светская. Выдающиеся образцы таких произведений можно встретить в творчестве И. С. Баха. В зарубежной музыке XIX в. жанр кантаты получает развитие в творчестве Л. Бетховена, Ф. Шуберта, Ф. Мендельсона, Г. Берлиоза, Ф. Листа, И. Брамса. К этому жанру обращаются и многие композиторы XX в. (Б. Барток, К. Орф, Б. Бриттен, П. Хиндемит и др.).

Первые русские кантаты появились в XVIII в. Расцвет отечественной кантаты связан с творчеством П. И. Чайковского (кантата “Москва”), С. И. Танеева (“Иоанн Дамаскин”, “По прочтении псалма”), С. В. Рахманинова (“Весна”, “Колокола”). Традиции классиков творчески продолжили отечественные композиторы середины и 2-й половины XX в. (кантаты Ю. А. Шапорина, С. С. Прокофьева, Д. Д. Шостаковича, Г. В. Свиридова).

ОРАТОРИЯ (итал. oratorio, от позднелат. Oratorium- молельня, от лат. оrо - говорю, молю; франц., англ. oratorio, нем. Oratorium) - крупное музыкальное произведение на тексты драматического, эпического или созерцательного характера, часто на религиозные темы. Нередко оратория напоминает оперу, так как в оратории используются оперные средства выразительности и такие оперные формы, как ария, речитатив, вокальный ансамбль, хор, оркестровая интерлюдия, однако в оратории исключено сценическое оформление и сценическое действие. В оратории обычно преобладает хоровое, а не сольное вокальное начало, что является одним из основных различий между ораторией и оперой.

Считается, что жанр оратории возник в 1550 г., когда Филиппо Нери, выдающийся итальянский церковный деятель (позже канонизированный), начал проводить в Риме особые молитвенные собрания в оратории (молельне) капеллы Сан-Джироламо делла Карита, после чтения Писания верующие пели духовные гимны, исполнялись мистерии. Крупнейшие итальянские композиторы того времени сотрудничали с Нери и писали музыку для его собраний. Это начинание получило признание и распространилось по другим областям Италии.

Связанные поначалу только с латинскими текстами, оратории вскоре стали использовать и живой язык (oratorio volgare). Одна из первых дошедших до нас ораторий - Представление о душе и теле Эмилио Кавальери. Первым выдающимся мастером этого жанра стал Джакомо Кариссими, автор знаменитых ораторий Иевфай и Суд Соломона.

Проникновение жанра оратории в музыку лютеранской церкви породило обширную литературу начиная с ранних кантат Генриха Шютца, которые имели обозначение «в стиле оратории», ораториальные сочинения Шютца на тексты рождественской, страстной и пасхальной служб непосредственно повлияли на монументальные церковные вокально-инструментальные циклы И.С. Баха (1685-1750). Часто различия между кантатой и ораторией стираются, как, например, в кантате Баха № 11, которая носит авторское название Оратория на Вознесение. Одно из главных мест в истории духовной оратории занимают пассионы («страсти»), музыкально-драматические произведения на евангельские тексты.

Внецерковный вид традиционной оратории достиг наивысшего развития в творчестве Г.Ф.Генделя (1685-1759); его Мессия, Израиль в Египте, Саул, Иуда Маккавей, Соломон и Семела - это вершины мировой музыки. Оратории Генделя послужили толчком к настоящему возрождению хорового искусства в Англии, вслед за ними были созданы такие выдающиеся образцы жанра, как Сотворение мира и Времена года Й. Гайдна, Св. Павел и Илия Ф. Мендельсона. К жанру оратории обращались Р. Шуман (Рай и Пери, Фауст), Ф. Лист (Христос), Г.Берлиоз (Детство Христа, Осуждение Фауста), Э. Элгар (Сон Геронтия), И.Ф. Стравинский (Царь Эдип), А. Онеггер (Царь Давид).



3. Хор и его разновидности

ХОР - объединение людей, определенную психологически-единую вокальную организацию различных по качеству голосов и музыкальной одаренности участников его, но обязательно объединенных определенным организационно-творческими принципами, творческим отношением к музыке и своему певческому делу. Хор - это не просто коллектив поющих, а живой творческий организм. Он обладает особенностями, порожденными самой природой поющего человека.

Хоры разделяются на однородные и смешанные (тип хора). К однородным относятся детские, женские и мужские хоры.

К смешанным относятся хоры, в которые входят и женские (или детские) и мужские голоса.

Каждый из типов хора имеет в своем составе две основные партии - верхних и нижних голосов. Хоровой партией называется группа певцов хора, имеющих голоса приблизительно одинаковые по диапазону, а также родственные по тембру.

В однородном детском хоре к партии верхнего голоса относятся дисканты, к партии нижнего голоса - альты.

В однородном женском хоре к партии верхнего голоса относятся сопрано, к партии нижнего голоса - альты.

В однородном мужском хоре к партии верхнего голоса относятся тенора, к партии нижнего голоса - басы.

Однородные хоры в клиросной практике присутствуют преимущественно в женских и мужских монастырях, в учебных заведениях - семинариях, духовных училищах, воскресных школах.

Смешанный хор состоит из соединения двух однородных - женского и мужского, и имеет в своем составе соответственно четыре хоровые партии - сопрано, альт, тенор, бас. Если же одна из них отсутствует, то хор называется неполносмешанным. Каждая хоровая партия может разделяться на два (реже более) голоса. Такое разделение называется divisi (дивизи). Дивизи может быть временным или постоянным. Частичное (временное) разделение, занимающее обычно непродолжительное время (небольшое количество тактов), помещается на одном нотоносце. Самостоятельное (постоянное) разделение хоровой партии требует отдельного нотоносца.

В зависимости от того, сколько голосов имеет партитура, хор может быть одноголосным, двух-, трех-, четырех- и многоголосным (вид хора).

музыкальный хор пение месса

4. Основы хорового пения

Хоровое пение - достаточно специфическая область искусства, имеющее в своей основе идею приобщения к музыке посредством коллективного пения. Через голос человек выражает всю гамму своего чувственного мира, все богатство и разнообразие эмоциональных состояний. А пение в хоре - это общение между людьми именно на уровне этих чувств и состояний, общение, не нуждающееся в словесных пояснениях.

Хоровое пение у наших предков занимало главенствующее место на праздниках, в богослужениях, в театральных зрелищах. Участие в хоре считалось священным долгом. Именно хоровое искусство укрепляло самые лучшие качества в человеке, воспитывало нравственную красоту и очищало душу. В средние века отношение к искусству определялось влиянием церкви, но даже на этом переломном этапе церковь не отвергала, а, наоборот, преклонялась перед чудотворным воздействием хорового пения. Люди видели в этом искусстве удивительную силу - сплачивать людей, объединяя их через унисонное пение, примиряя враждующих и соединяя их в дружбу. Хор действительно являлся «формой единения единств». Певцы в хор набирались по велению души и сердца. Хоровое воспитание укрепилось в жизни человека, оно являлось единственной отрадой и отдушиной для раскрытия глубоких душевных чувств. Каждая эпоха принимала данную эстафету как реликвию времени, насыщая ее лучшим. Эпоха Возрождения укрепила хоровое пение, усложнив его многоголосием. Постепенно хоры обосновывались в светской жизни; они стали звучать на приемах и балах.

В русской музыкальной культуре хоровое пение главенствовало, и до XVIII века хоровой жанр успешно развивался. Все хоровые коллективы можно разделить на профессиональные, любительские, бытовые.

Первый русский профессиональный хор был основан в XV веке - хор государственных певчих дьяков. В начале XVIII века на его основе в Петербурге была создана Придворная певческая капелла. Этот коллектив, а также Синодальный хор в Москве сыграли значительную роль в развитии хорового искусства России. В XIX веке появляются и светские капеллы - хоры Ю.Н.Голицына, А.А.Архангельского, Д.А.Агренева-Славянского. В 1910 году М.Е.Пятницкий организовал народный хор, который стал первым народным профессиональным музыкальным коллективом. Участники академических профессиональных коллективов специально обучаются пению, их голоса звучат ровно на всех участках диапазона; диапазон может достигать двух октав. Они владеют певческим дыханием, дикцией, динамикой и другими вокальными навыками. К профессиональным хорам относятся также ансамбли песни и пляски и народные хоры.

Бытовые хоры - это как правило, организовывались по принципу совместной трудовой деятельности или места жительства. Так, например, в деревнях старой России во время полевых работ или отдыха возникал хор. Среди работающих находился талантливый запевала, который начинал песню и вёл её до конца. Все остальные, внимательно слушая ведущий голос, подстраивались к нему, украшая его своим мелодическим узором и лилась песня, исполненная великой любви к жизни. Такой самодеятельный, как принято теперь называть, хор существовал практически в каждой деревне, в каждом селе.

Любительские хоры - это коллективы, состоящие из певцов, для которых пение в хоре не является профессией. Они возникли во многих странах в связи с организацией специальных хоровых обществ. Многие любительские хоры достигают высокого уровня исполнительства, и нередко композиторы доверяют им исполнять свои сочинения впервые. В СССР любительское хоровое искусство получило необычайный размах. Хоровые коллективы были в университетах, институтах, средних специальных учебных заведениях и школах.

Тип хора определяется в зависимости от того, какие партии его составляют. Хор, состоящий из женских голосов, называется однородным женским хором. Аналогично - мужской хор называется однородным мужским, а хор, состоящий из мальчиков и девочек, называется детским хором. Существует традиция исполнения произведений, написанных для детского хора, женским составом и наоборот.

Хор, состоящий из мужских и женских голосов, называется смешанным хором. К типу смешанных хоров относятся также неполные смешанные хоры. Неполные смешанные хоры - это такие хоры, где отсутствует какая-либо одна из партий. Чаще всего это басы или тенора, реже - какие-либо из женских голосов.

Обычный смешанный хор состоит из четырёх партий: женские голоса - сопрано и альты (если в хоре поют мальчики, то сопрановая партия называется дискантами), мужские голоса - тенора и басы. Каждая партия в свою очередь может делиться на несколько самостоятельных групп в зависимости от партитуры исполняемого сочинения. Количество партий в хоре определяет его вид: двух-, трёх-, четырёх-, шести-, восьмиголосный.

Уменьшение и увеличение числа реально звучащих партий путем дублирования или, наоборот, разделения может дать новые виды хора. Например: однородный одноголосный хор, однородный четырехголосный хор, смешанный восьмиголосный хор, смешанный одноголосный хор и т.д.

Дублирования и разделения могут быть как постоянные, так и временные. Хоровая партитура с нестабильным изменением количества голосов будет иметь вид, называемый эпизодическим одно-, двух-, трех-, восьмиголосием, с обязательным указанием стабильного числа голосов (например, однородный двухголосный женский хор с эпизодическим трехголосием).

Минимальный состав хора - 12 человек (по три человека в партии), максимальный - 100-120 человек. Иногда несколько коллективов объединяются в сводный хор. В таком хоре поют 200, 400, 600, 800 человек. Сводные хоры выступают на больших праздничных концертах, на праздниках песни.

Давно известно, что голоса мальчиков, прошедшие специальную подготовку, отличаются замечательной подвижностью, красотой, серебристостью звучания. Именно на эти качества детских голосов обратило внимание духовенство и включило мальчиков в церковные хоры. Такие капеллы существовали во многих странах Европы уже в средние века, а с XVIII века и в России. Для подготовки малолетних певчих создавались специальные школы.

Кроме простых хоров существуют также многохорные составы, когда в исполнении произведений одновременно участвуют несколько хоров, имеющих самостоятельные хоровые партии. Такие многохорные партитуры особенно часто встречаются в оперной музыке. В православной музыкальной практике также существует традиция сочинения так называемых антифонных (антифонное пение (буквально - звук против звука) - тип исполнения, при котором попеременно звучат два хора, например, левый и правый клиросы в православной церкви) произведений, при которой два хора поют, как бы отвечая друг другу. Такие составы называются соответственно: двойные, тройные и т.д.

Размещено на Allbest.ru