Венская классическая школа музыки
Особенности творчества композитора Й. Гайдна. Структура и особенности исполнения симфонии и сонаты. Основные произведения В. Моцарта. Основные периоды творчества Л. Бетховена. Произведения для большого симфонического оркестра. Понятие партитуры.
| Рубрика | Музыка |
| Вид | курсовая работа |
| Язык | русский |
| Дата добавления | 13.07.2009 |
| Размер файла | 40,4 K |
Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже
Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.
13
ВВЕДЕНИЕ
Художественный стиль классицизм (от лат. classicus - "образцовый") возник в XVII столетий во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке. В опере XVIII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка, создавшего новую трактовку этого вида музыкально-драматического искусства. Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII - начала XIX столетия - венскую классическую шкалу.
КРИСТОФ ВИЛЛИБАЛЬД ГЛЮК (1714-1787)
С середины XVIII столетия на развитие европейской музыкальной культуры стал оказывать влияние классицизм. Произведение искусства должно было создаваться по строгим правилам и решать высокие нравственные проблемы. Итальянские операсериа и операбуффа этим требованиям не отвечали. По явление оперы, основанной на художественных принципах классицизма, связано с творчеством Кристофа Виллибальда Глюка [1].
Композитор родился в австрийском городке Эрасбах (недалеко от границы с Чехией) в семье лесничего. Музыкальное образование он получил в Праге. пел в церковном хоре, под руководством известных чешских музыкантов изучал теорию. Позже, уже в Милане, Глюк познакомился с итальянской музыкой. Здесь он брал уроки у известного композитора и органиста Джованни Баттисты Саммартини (около 1700-1775); именно Саммартини научил его блестяще владеть оркестром. В Италии Глюк сочинил свои первые оперы (они были написаны в жанре оперысериа). Во время пребывания в Лондоне (1745 г.) Глюк встретился с Генделем, и музыка немецкого мастера произвела на него огромное впечатление. В составе оперной труппы композитор посетил многие европейские города. Наконец в 1752 г. он обосновался в Вене, а в 1754 г. получил место придворного композитора. К тому времени Глюк был автором известных опер, имел опыт работы в театре, глубоко знал итальянскую, французскую и немецкую оперные традиции. Постепенно композитор пришёл к мысли, что оперу необходимо изменить. Первыми операми, созданными по новым правилам, стали "Орфей и Эвридика" (1762 г.), "Альцеста" (17б7 г.), "Парис и Елена" (1770 г.). Глюк написал их на тексты итальянского поэта и драматурга Раньери да Кальцабиджи (1714-1795). Это был первый пример сотрудничества автора музыки и либреттиста в процессе создания оперы. Прежде композиторы писали музыку на уже готовые и отдельно изданные либретто. Взгляды Глюка и Кальцабиджи на сюжет и развитие действия совпадали, что сделало их творческий союз плодотворным [9].
Для опер Глюк выбирал, как правило, античные сюжеты, в которых воспевался подвиг во имя любви и исполнения долга. Действующими лицами его произведений являлись обобщённые символические фигуры, олицетворявшие нравственные понятия - любовь, верность, само отверженность и т. д. В драматургии оперы ясно выражена связь с традициями античного театра - количество персонажей минимально, происходящее комментирует хор. Основное внимание композитор уделял слову. Он стремился к тому, чтобы музыка точно выражала дух и настроение поэтического текста. Важную роль в операх Глюка играют речитативы; они всегда звучат под аккомпанемент оркестра (в отличие от секко - речитативов оперысериа, которые сопровождались клавесином). Главная мелодическая линия проводится в ариях; композитор отказался от виртуозных приёмов и украшений, отвлекавших слушателей от содержания текста. Возросла роль оркестра - уже в увертюре были обозначены основные идеи. Произведения композитора получили признание в Вене, но полное понимание мастер надеялся найти в столице Франции, и в 1773 г. он от правился в Париж. Для французской сцены Глюк создал новые редакции "Орфея и Эвридики" и "Альцесты", написал такие оперы, как "Ифигения в Авлиде" (1774 г.; по трагедии французского поэта и драматурга Жана Расина) и "Ифигения в Тавриде" (1779 г.; по мотивам трагедии древнегреческого драматурга Еврипида). Оперы Глюка, имевшие в Париже большой успех, вызвали тем не менее ожесточённые споры. Общество разделилось на сторонников Глюка и его яростных противников. Композитора поддержали писатели и философы Дени Дидро, Жан Жак Руссо. Однако многие выступили против новшеств - они отстаивали традиционные принципы французской оперы в духе Люлли и Рамо и итальянской оперысериа. Противники Глюка даже вызвали в Париж в 1776 г. известного итальянского композитора Никколо Пиччинни и добились постановки его опер. Разгорелась так называемая "война глюкистов и пиччиннистов", вызвавшая много споров в парижском обществе. В произведениях Глюка привлекали ясность драматургического развития, цельность образов, классическая строгость и выразительность музыки, естественность и красота мелодий, благородство чувств героев. Творческие принципы композитора приобрели немало приверженцев, но ни один из них не обладал таким же ярким дарованием, поэтому опыт венского мастера можно считать уникальным и не имеющим прямого продолжения. Однако к идее о ведущей роли поэтического текста обращались многие музы канты, в частности немецкий композитор Рихард Вагнер.
ЙОЗЕФ ГАЙДН (1732-1809)
О музыке Йозефа Гайдна - одного из основателей венской классической школы - его друг и младший современник Вольфганг Амадей Моцарт писал: "Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет Гайдн". С творчеством Гайдна связан рас цвет таких жанров, как симфония (их у него сто четыре, не считая утерянных), струнный квартет (восемь десять три), клавирная соната (пять десять две); большое внимание уделял композитор концертам для различных инструментов, камерным ансамблям и духовной музыке [8].
Родился Франц Йозеф Гайдн в деревне Рорау (Австрия) в семье карет ного мастера. С восьми лет он стал петь в капелле Святого Стефана в Вене. Будущему композитору приходилось зарабатывать на жизнь перепиской нот, игрой на органе, клавире и скрипке. В семнадцать лет Гайдн потерял голос и был исключён из капеллы. Только через четы ре года он нашёл постоянную работу - устроился аккомпаниатором к известному итальянскому оперному композитору Николе Порпоре (1686-1768). Тот оценил музыкальное дарование Гайдна и стал преподавать ему композицию.
В 1761 г. Гайдн поступил на службу к богатым венгерским князьям Эстерхази и провёл при их дворе в качестве композитора и руководи теля капеллы почти тридцать лет. В 1790 г. капелла была распущена, но за Гайдном сохранили оклад и должность капельмейстера. Это дало мастеру возможность поселиться в Вене, путешествовать, выступать с концертами. В 90х гг. Гайдн подолгу жил и плодотворно работал в Лондоне. Он приобрёл европейскую известность, его творчество по достоинству оценили современники - композитор стал обладателем множества почётных степеней и званий. Йозефа Гайдна часто называют "отцом" симфонии. Именно в его творчестве симфония стала ведущим жанром инструментальной музыки.
В симфониях Гайдна интересна разработка основных тем. Проводя мелодию в разных тональностях и регистрах, придавая ей то или иное настроение, композитор таким образом обнаруживает её скрытые возможности, выявляет внутренние противоречия: мелодия то преображается, то возвращается к первоначальному состоянию. Гайдн обладал тонким чувством юмора, и эта особенность личности отразилась в музыке. Во многих симфониях ритмика третьей части - менуэта - нарочито тяжеловесна, словно автор пытается изобразить неуклюжие по пытки простолюдина повторить элегантные движения галантного танца. Остроумна Девяносто четвёртая симфония (1791 г.). В середине второй части, когда музыка звучит спокойно и тихо, неожиданно раздаются удары литавр - чтобы слушатели "не скучали". Не случайно произведение назвали "С боем литавр, или Сюрприз". Гайдн нередко использовал приём звукоподражания (поют птицы, бродит по лесу медведь и т.п.). В симфониях композитор часто обращался к народным темам, в основном к славянским - словацким и хорватским [8].
Представителям венской классической школы, и прежде всего Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава симфонического оркестра. Прежде композиторы довольствовались лишь теми инструментами, которые в данный момент были доступны. Появление устойчивого состава оркестра - яркий признак классицизма. Звучание музыкальных инструментов приводилось таким образом в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки. Правила эти основаны на знании возможностей инструментов и предполагают, что звук каждого - не самоцель, а средство, выражающее определённую идею. Устойчивый состав давал цельное, однородное звучание оркестра. Помимо инструментальной музыки Гайдн уделял внимание опере и духовным сочинениям (создал ряд месс под влиянием Генделя), обращался к жанру оратории ("Сотворение мира", 1798 г.; "Времена года", 1801 г.).
СИМФОНИЯ
Наиболее сложная форма инструментальной музыки - симфония (греч. "созвучие"). Она рассчитана на исполнение симфоническим оркестром. Возможности этого жанра велики: он позволяет выразить музыкальными средствами философские и нравственные идеи, рассказать о чувствах и переживаниях. Сформировался жанр в середине XVIII столетия в творчестве представителей венской классической школы. Композиторы разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы. Первая часть, построенная в сонатной форме и обычно исполняемая в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием. Иногда ей предшествует медленное вступление. Вторая часть медленная, созерцательная; это лирический центр композиции. Третья - контрастна по отношению ко второй: подвижная, живая музыка носит либо танцевальный, либо шутливый характер. До начала XIX в. композиторы использовали форму менуэта (фр. menuet, от menu - "мелкий"), распространённого салонного таниа XVIII столетия. Позднее менуэт был заменён скерцо (от иг. scherzo - "шутка") - так назывались небольшие вокальные или инструментальные произведения, быстрые по темпу и шутливые по содержанию. Четвёртая, обычно быстрая, часть - финал симфонии; здесь подводятся итоги развития тем и образов произведения.
СОНАТНАЯ ФОРМА
Одна из самых сложных и богатых по содержанию музыкальных форм, сонатная, начала складываться в первой половине XVIII в. и окончательный вид обрела во второй половине столетия в произведениях композиторов венской классической школы. Сонатная форма - это принцип изложения музыкального материала. Он предполагает не механическое чередование частей и разделов, а взаимодействие тем и художественных образов. Темы - главная и побочная - либо противопоставляются друг другу, либо дополняют одна другую. Развитие тем проходит три этапа - экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции (от фр. expose - "изложение"). Главная звучит в основной тональности (которая и определяет наименование тональности всего сочинения, например Симфония до мажор), побочная обычно излагается в иной тональности - между темами возникает контраст. В разработке происходит дальнейшее развитие тем. Они могут вступать в острое взаимное противоречие. Иногда одна подавляет другую или, наоборот, уходит в тень, оставляя "сопернице" полную свободу действий. Обе темы могут предстать в ином освещении, например будут исполнены другим составом инструментов, или резко поменять характер. В репризе (фр. reprise, от reprendre - "возобновлять", "повторять") темы на первый взгляд возвращаются в начальное состояние. Однако побочная звучит уже в основной тональности, таким образом приходя к единству с главной. Реприза - итог сложного пути, к которому темы при ходят обогащённые опытом экспозиции и разработки. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе - коле (от иг. coda - "хвост"), однако она необязательна. Используют сонатную форму обычно в первой части сонаты и симфонии, а также (с небольшими изменениями) во второй части и в финале [2]. СОНАТА - один из главных жанров инструментальной музыки - соната (ит. sonata, от sonare - "звучать"). Это многочастное (обычно из трёх или четырёх частей) произведение; у композиторов второй половины XIX - начала XX в. есть и одночастные сочинения. В творчестве мастеров венской классической школы соната, так же как и симфония, достигла расцвета. В отличие от симфонии соната предназначена либо для одного инструмента (как правило, фортепиано), либо для двух (один из которых фортепиано). Первая часть произведений такого жанра пишется в сонатной форме. Здесь обозначаются основные музыкальные темы произведения. Вторая часть, обычно спокойная, медленная, составляет резкий контраст с первой. Третья - финал, исполняемый в быстром темпе, - подводит итоги и окончательно определяет общий характер произведения.
ВОЛЬФГАНГ АМАДЕЙ МОЦАРТ (1756-1791)
Творчество Моцарта занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классицистическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью. Музыка композитора близка к тем направлениям в культуре второй половины XVIII в., которые были обращены к чувствам человека ("Буря и натиск", отчасти сентиментализм). Именно Моцарт впервые показал противоречивость внутреннего мира личности [7].
Вольфганг Амадей Моцарт родился в Зальцбурге (Австрия). Обладая феноменальным музыкальным слухом и памятью, он уже в раннем детстве научился играть на клавесине, а в пять лет написал первые сочинения. Первым педагогом будущего композитора стал его отец Леопольд Моцарт - музыкант капеллы архи епископа Зальцбургского. Моцарт виртуозно владел не только клавесином, но также органом и скрипкой; славился как блестящий импровизатор. С шести лет он гастролировал по странам Европы. В одиннадцать создал первую оперу "Аполлон и Гиацинт", а в четырнадцать уже дирижировал в театре Милана на премьере собственной оперы "Митридат, царь Понтийский". Примерно в это же время его избрали членом Филармонической академии в Болонье.
Как и многие музыканты той эпохи, Моцарт состоял на придворной службе (1769-1781 гг.) - был концертмейстером и органистом у архиепископа города Зальцбург. Однако независимый характер мастера (особенно когда дело касалось музыки) вызывал резкое неудовольствие архиепископа, и Моцарт предпочёл покинуть службу. Из выдающихся композиторов прошлого он стал первым, кто выбрал жизнь свободного художника. В 1781 г. Моцарт переехал в Вену, у него появилась семья. Зарабатывал он редкими изданиями собственных сочинений, уроками игры на фортепиано и выступлениями (последние послужили стимулом для создания концертов для фортепиано с оркестром) [7].
Особое внимание Моцарт уделял опере. Его произведения - целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Опера привлекала композитора возможностью показать взаимоотношения людей, их чувства и стремления.
Моцарт не стремился по примеру Глюка к созданию новой оперной формы - новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую - появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены. Как следствие - в операх Моцарта нет однозначно положительных и отрицательных героев, характеры живые и многогранные, не связанные рамками амплуа. В отличие от Глюка, который предпочитал мифологические сюжеты, Моцарт часто обращался к литературным источникам [9].
Так, опера "Свадьба Фигаро" (1786 г.) написана по пьесе французского драматурга Пьера Огюсте на Бомарше "Безумный день, или Женитьба Фигаро", которая была запрещена цензурой. Главная тема оперы - любовь, что, впрочем, можно сказать обо всех творениях Моцарта. Однако есть в произведении и социальный подтекст: Фигаро и его возлюбленная Сюзанна умны и энергичны, но они незнатного происхождения - всего лишь слуги в доме графа Альмавивы. Их противодействие господину (глуповатому и в конце концов одураченному аристократу) вызывает сочувствие автора - совершенно очевидно, что он на стороне влюблённых.
В опере "Дон Жуан" (1787 г.) получил музыкальное воплощение средневековый сюжет о покорителе женских сердец. Энергичному, темпераментному, своевольному и свободному от всех нравственных норм герою противостоит в лице Командора высшая сила, олицетворяющая разумный порядок. Философское обобщение соседствует здесь с любовными интригами (отношения Дон Жуана с деревенской девушкой Церлиной, благородной дамой Донной Анной) и жанрово-бытовыми элементами (поведение Лепорелло, незадачливого слуги главного персонажа). Трагическое и комическое образуют неразрывное единство. Эту особенность оперы подчеркнул и сам автор, дав своему сочинению подзаголовок "Весёлая драма". Казалось бы, в финале справедливость торжествует - порок (Дон Жуан) наказан. Но музыка оперы тоньше и сложнее такого упрощённого понимания произведения: она вызывает у слушателя сочувствие к герою, оставшемуся верным себе даже перед лицом смерти. Философская сказка-притча "Волшебная флейта" (1791 г.) написана в жанре зингшпиля. Основная идея произведения - неизбежность победы добра над злом, призыв к стойкости духа, к любви, к понимаю её высшего смысла. Герои оперы - Тамино и Памина подвергаются серьёзным испытаниям (молчанием, огнём, водой), но достойно преодолевают их и достигают царства красоты и гармонии.
Моцарт (опять же в отличие от Глюка) главной считал музыку, хотя относился к тексту либретто очень требовательно. В его операх значительно возросла роль оркестра. Именно в оркестровой партии нередко обнаруживается авторское отношение к действующим лицам: то промелькнёт насмешливый мотив, то появится прекрасная поэтическая мелодия, то напыщенно-важные аккорды сменятся шустрыми пассажами. Внимательному слушателю эти детали говорят больше, чем текст. Основными портретными характеристиками остались арии, а о взаимоотношениях героев рассказывается в вокальных ансамблях. Композитор сумел передать в ансамблях особенности характера каждого персонажа, при том что свои реплики они часто поют на одну и ту же музыку [1].
Будучи представителем венской классической школы, Моцарт, как и Гайдн, большое значение придавал жанру симфонии. Особенно популярны три последние симфонии - Тридцать девятая, Сороковая и Сорок первая ("Юпитер"), созданные в 1788 г. В произведениях этого жанра окончательно закрепились четырёхчастный цикл и правила сонатной формы (Моцарт одним из первых стал использовать эту форму для медленных частей). Симфонии Моцарта включают множество тонких эмоциональных нюансов. Темы часто неровные по характеру, сложные по ритму, порой идут в сопровождении резких гармоний, но музыка сохраняет отточенные, чёткие формы. Именно симфонии близки по духу к немецкому литературному движению "Буря и натиск". Его представители, в частности Иоганн Вольфганг Гёте и Иоганн Фридрих Шиллер, стремились изображать сильные чувства, душевное смятение, героические поступки и характеры. Многие исследователи сравнивали Сороковую симфонию Моцарта с романом Гёте "Страдания молодого Вертера". Симфония во многом предвосхитила традиции симфонической музыки эпохи романтизма.
Моцарт стал и одним из создателей жанра классического концерта. В основе концерта - соревнование солиста и оркестра, и этот процесс всегда подчинён строгой логике. Композитору принадлежит двадцать семь концертов для фортепиано с оркестром, семь - для скрипки с оркестром. В одних произведениях слушателя поражает виртуозное мастерство, праздничность, в других - драматизм и эмоциональные контрасты. Фортепианное творчество Моцарта включает девятнадцать сонат, в которых он продолжал разрабатывать сонатную форму, а также сочинения в жанре фантазии - так называют музыкальное произведение, основанное на импровизации и свободное по форме. Композитор отказался от клавесина и клавикорда, обладающих по сравнению с фортепиано более мягким, но слабым звуком. Фортепианная манера Моцарта - отчётливая, элегантная, с тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента [3].
Интересы мастера не ограничивались оперой и инструментальной музыкой. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием. Музыка реквиема (1791 г.), предназначенного для солистов, хора и оркестра, глубоко трагична (Моцарт работал над сочинением, когда уже был болен, фактически перед самой смертью). Полна скорби сдержанная первая часть - "Вечный покой", поражает силой и суровой энергией "День гнева". Музыка завершающей строфы "Дня гнева" передаёт состояние чистой печали, проникающей в самые глубины человеческой души. Эту часть называют "Лакримоза" ("Lacrimosa") по первым словам текста: "Слезным будет этот день" ("Lacrimosa dies ilia"). При создании реквиема Моцарт использовал опыт, приобретённый в работе над операми, и достижения предшественников (в частности, приёмы полифонии Баха). Части сочинения, напоминающие оперные арии и ансамбли, делают музыку очень эмоциональной, а полифонические - прежде всего "Господи, помилуй!" ("Kyrie eleison") - олицетворяют духовное начало, высшую справедливость. Главный образ реквиема - страдающий человек перед лицом сурового Божественного правосудия.
Мастер так и не успел дописать реквием; он был доработан по наброскам композитора его учеником Францем Ксавером Зюсмайром (1766-1803). Музыку Моцарт сочинял очень легко, иногда даже без черновиков, создавая творения, непревзойдённые по художественной красоте и гармоничности. Музыканты-современники высоко ценили дарование Моцарта, но большинство аристократической публики его творчество не понимало, а в последние годы жизни композитора не принимало вовсе. Умер Моцарт в бедности и был похоронен в Вене в общей могиле.
РЕКВИЕМ
Реквием (отлат. requies - "отдохновение", "покой") - заупокойная месса на канонический латинский текст. Название месса получила по первому слову своей начальной части: "Вечный покой даруй им, Господи" ("Requiem aeternam dona eis, Domine"). Музыка обычно передаёт скорбь, погружённость в размышления о смерти и загробном бытии души. Структура реквиема не точно повторяет мессу. В нём отсутствуют песнопения "Слава" ("Gloria") и "Верую" ("Credo"), но появляются другие: вступительная часть "Вечный покой" ("Requiem aeternam"); центральная часть заупокойной службы, посвящённая предстоянию души на Страшном суде, - "День гнева" ("Dies irae"); финальное песнопение "Избавь меня, Господи, от вечной смерти" ("Libera me Domine ad morte aeternam", сокращённо "Libera me") [5].
Реквием окончательно сложился в эпоху Возрождения (XV в.), но отдельные части возникли раньше. Со временем реквием разделил судьбу мессы - превратился в самостоятельный музыкальный жанр.
ФОРТЕПИАНО: ОТ КЛАВЕСИНА ДО РОЯЛЯ
Клавишные струнные музыкальные инструменты - пианино и рояль - называют одним словом "фортепиано" (от ит. forte - "громко" и piano - "тихо"). Своим происхождением они обязаны псалтерию (греч. "псалтерион", от "псалло" - "перебираю струны") - многострунному шипковому инструменту, распространённому в древности и в Средневековье. Корпус у него был треугольный или прямоугольный. В XVI в. псалтерий усовершенствовали: присоединили клавишный механизм. Так появился клавесин (фр. clavecin, от лат. clavis - "ключ"). Он имел струны разной длины, и каждая соответствовала определённой клавише. При нажатии на клавишу гусиное перо зацепляло струну, и раздавался отрывистый музыкальный звук. Звук был слабым, и, чтобы его усилить, стали применять двойные и тройные струны. Со временем изобрели специальное приспособление для защипывания струн - плектр.
На рубеже XVII-XVIII вв., чтобы разнообразить звучание, изобрели клавесин с двумя и тремя клавиатура ми, или мануалами (от лат. manus - "рука"). "Голос" одного мануала был громче, другого - тише. Этот инструмент (и его разновидности) назвали клавесином во Франции. В Италии он получил другое имя - чембало, в Англии - вёрджинел, в Германии - кильфюгель и т. д. Клавесинную музыку писали многие композиторы конца XVII-XVIII вв.
В XV-XVIII столетиях существовал родственный клавесину инструмент - клавикорд (от лат. clavis - "ключ" и греч. "хорде" - "струна"). Сначала он представлял собой прямоугольный яшик, который при игре клали на стол. Внутри укреплялись струны. При нажатии клавиш мангеты (металлические штифты с плоской головкой) касались струны и как бы делили её на две части - одна свободно вибрировала и таким образом издавала звук, другая была заглушена. По сравнению с несколько "жёстким" клавесином клавикорд обладал более гибким, тёплым, мягким звуком; особые способы звукоизвлечения позволяли достичь нежной вибрации, которую обычно невозможно получить на клавишных инструментах. Аля усиления звука, как и в клавесине, применяли двойные и тройные струны.
Над усовершенствованием клавесина и клавикорда работали мастера во многих странах. В начале XVIII в. независимо друг от друга в Италии, во Франции и в Германии три мастера (соответственно Бартоломео Кристофори, 1711 г.; Жак Мариус, 1716 г.; Готт-либ Шрётер, 1721 г.) изобрели фортепиано. Инструмент с вертикальным корпусом назвали пианино (ит. pianino - "маленькое фортепиано"), а с горизонтальным крыловидным корпусом - рояль (от фр. royal - "королевский"). По сравнению с клавесином пианино и рояль обладали более ярким и сильным звуком.
Одними из первых композиторов, оценивших достоинства новых инструментов, были Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен. Однако всеобщее признание пианино и рояль получили только в XIX- XX вв., когда композиторы, изучив их выразительные возможности, стали сочинять произведения для фортепиано. Развитию фортепианной музыки во многом способствовало появление в XIX в. аристократических салонов и публичных концертов, куда приглашали таких известных пианистов-виртуозов, как Фредерик Шопен, Ференц Лист и др [11, 12].
ЛЮДВИГ ВАН БЕТХОВЕН (1770-1827)
"Музыка должна высекать огонь из груди человеческой" - это слова немецкого композитора Людвига ван Бетховена, произведения которого принадлежат к высшим достижениям музыкальной культуры. Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и свободолюбивых идеалов Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой - запечатлело черты нового, романтического искусства. От классицизма в произведениях Бетховена - возвышенность содержания, прекрасное владение музыкальными формами, обращение к жанрам симфонии и сонаты. От романтизма - смелое экспериментаторство в области этих жанров, интерес к вокальной и фортепианной миниатюре, к программности. Традиции классицизма Бетховен использовал уже как мастер XIX столетия - опираясь на наследие Гайдна и Моцарта, он значительно расширил возможности музыкального искусства. Людвиг ван Бетховен родился в Бонне (Германия) в семье придворного музыканта. Заниматься музыкой он начал с раннего детства под руководством отца. Однако настоящим наставником Бетховена стал композитор, дирижёр и органист Кристиан Готлиб Нефе (1748-1798). Он преподавал юному музыканту основы композиции, обучал игре на клавире и органе. С одиннадцати лет Бетховен служил помощником органиста в церкви, потом - придворным органистом, концертмейстером в оперном театре Бонна. В восемнадцать лет он поступил в Боннский университет на философский факультет, однако не окончил его и впоследствии много занимался самообразованием [10].
В 1792 г. Бетховен переехал в Вену. Он брал уроки музыки у Йозефа Гайдна, а также у Иоганна Георга Альбрехтсбергера (1736-1809) и Антонио Сальери (1750-1825) - крупнейших музыкальных теоретиков той эпохи. Альбрехтсбергер, капельмейстер собора Святого Стефана в Вене, познакомил Бетховена с творчеством Генделя и Баха. Отсюда блестящее знание композитором музыкальных форм, гармонии и полифонии.
Вскоре Бетховен начал давать концерты; стал популярным: его узнавали на улицах, приглашали на торжественные приёмы в дома высокопоставленных особ. Он много сочинял: писал сонаты, концерты для фортепиано с оркестром, симфонии.
Долгое время никто не догадывался, что Бетховена поразил серьёзный недуг - он начал терять слух. Убедившись в неизлечимости болезни, композитор решил уйти из жизни ив 1802 г. приготовил завещание (по месту написания оно называется Гейлигенштадтским), где объяснял мотивы своего решения. Однако Бетховен сумел преодолеть отчаяние и нашёл в себе силы писать музыку дальше. Выходом из кризиса стала Третья ("Героическая") симфония.
В 1803-1808 гг. композитор также работал над созданием сонат; в частности Девятой для скрипки и фортепиано (1803 г.; посвящена парижскому скрипачу Рудольфу Крейцеру, поэтому получила название "Крейцерова"), Двадцать третьей ("Апассионатой") для фортепиано, Пятой и Шестой симфониями (обе 1808 г.). Шестая ("Пасторальная") симфония имеет авторский подзаголовок "Воспоминание о сельской жизни". Это произведение рисует различные состояния человеческой души, отстранившейся на время от внутренних переживаний и борьбы. Симфония передаёт чувства, возникающие от соприкосновения с миром природы и сельской жизни. Необычна её структура - пять частей вместо обычных четырёх. Каждая имеет программное название: "Пробуждение бодрых чувств по прибытии в село", "Сцена у ручья", "Весёлая компания поселян", "Гроза. Буря", "Радостное чувство благодарности после бури". В симфонии есть элементы изобразительности, звукоподражания (поют птицы, гремит гром и т.д.). Находки Бетховена в области оркестровки впоследствии использовались многими композиторами-романтиками.
Вершиной симфонического творчества Бетховена стала Девятая симфония. Задумана она была ещё в 1812 г., но работал над ней композитор с 1822 по 1823 г. Симфония грандиозна по масштабам; особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст оды "К радости" Иоганна Фридриха Шиллера.
Первая часть - сонатное аллегро. Музыка здесь сурова и драматична. В главной партии как бы из хаоса звуков рождается чёткая и очень масштабная тема. Вторая часть - скерцо по характеру перекликается с первой. Написано скерцо в сложной трёхчастной форме, причём первая и последняя части представляют собой сонатное аллегро. Таким образом, шутливая, игровая музыка обретает у Бетховена серьёзность и драматизм. Третья часть, исполняемая в медленном темпе, - это спокойный взгляд просветлённой души. Здесь соединились вариации на две темы: первая, сосредоточенная и вдохновенная, сменяется второй, полной лирического обаяния. Дважды в конце второй части в неторопливое течение музыки врываются звуки фанфар. Они напоминают о грозах и битвах, но изменить общий философский, созерцательный образ не в силах. Эта музыка - вершина лирики Бетховена. Четвёртая часть - финал. Замечательна находка композитора в решении вступления: темы предыдущих частей, как в хороводе, проплывают перед слушателем словно уходящее прошлое, подобно тому как перед самым важным шагом в своей жизни человек осмысливает прожитое. Эти темы связывает друг с другом музыка, похожая на оперный речитатив (её исполняют виолончели и контрабасы). И вот появляется тема радости. Удивителен внутренний строй темы, похожей на хорал: трепетность - и строгая сдержанность, огромная внутренняя сила, в конце концов высвобождающаяся в грандиозном гимне добру, истине и красоте.
Радость Бетховен понимал как восхищение гармонией природы и мироздания, как осознание всеобщего человеческого братства, равенства людей перед Богом. Положив на музыку текст Шиллера, Бетховен сократил его. Он убрал философские размышления и оставил лишь те фрагменты, в которых прославляются Бог и стремление к победе человеческого духа. Таким образом, композитор создал собственную "Оду к радости", весьма отличающуюся от оригинала.
Премьера симфонии состоялась в 1825 г. в Венском оперном театре. Для осуществления авторского замысла театрального оркестра оказалось недостаточно, и пришлось пригласить любителей: двадцать четыре скрипки, десять альтов, двенадцать виолончелей и контрабасов, вместо двойного - четверной состав духовых. Для венского классического оркестра такой состав был необыкновенно мощным. Кроме того, каждая хоровая партия (басы, тенора, альты и сопрано) включала двадцать четыре певца, что также превосходило привычные нормы.
При жизни Бетховена Девятая симфония для многих осталась непонятной; ею восторгались лишь те, кто близко знал композитора, его ученики и просвещённые в музыке слушатели. Со временем симфонию стали включать в свой репертуар лучшие оркестры мира, и она обрела новую жизнь.
Для произведений позднего периода творчества композитора (20 е гг. XIX в.) характерны сдержанность чувств и философская углублённость, что значительно отличает их от страстных и драматических ранних сочинений. За свою жизнь Бетховен написал девять симфоний, тридцать две сонаты для фортепиано (а также для скрипки и виолончели), шестнадцать струнных квартетов, оперу "Фиделио" (1802-1814 гг.), "Торжественную мессу" (1823 г.), пять концертов для фортепиано и один для скрипки с оркестром, увертюры, отдельные пьесы для разных инструментов.
Удивительно, но многие сочинения (в том числе Девятую симфонию) композитор написал, будучи уже совершенно глухим. Однако и его последние произведения - сонаты для фортепиано и квартеты - непревзойдённые шедевры камерной музыки [1].
"ЛУННАЯ" СОНАТА
Четырнадцатая соната (1801 г.) названа "Лунной" не самим автором, а поэтом-романтиком Людвигом Рель-штабом, другом австрийского композитора Франца Шуберта. Случайно найденный образ навсегда закрепился за этим музыкальным произведением, хотя и не вполне соответствует его содержанию. В 1799 г. Бетховен познакомился с семьёй графа Франца фон Брунсвика. Соната посвящена родственнице семейства - Джульетте Гвиччарди, неразделённая любовь к которой оставила глубокий след в душе композитора и отразилась в музыке "Лунной" сонаты.
Соната Бетховена - новаторское произведение подобного жанра. Необычно уже то, что она начинается с медленной части (вместо быстрой), к тому же написанной не в сонатной форме. В основе лежит тема, построенная на троекратном повторении одного звука - характерный для Бетховена приём. Музыкальная тема у него может состоять из минимального количества звуков (в "Лунной" сонате - один, в Пятой симфонии - два) и при этом заключать в себе внутреннюю энергию и создавать яркий образ. Драматический конфликт (происходящий обычно в первой части) переносится в финал, причём возникает внезапно (ни первая, ни вторая часть его в себе не содержит).
Соната имеет авторский подзаголовок "Почти фантазия" (ит. quasi una fantasia) и восходит к фантазиям Моцарта, основанным на чередовании контрастных по характеру частей. "Лунная" соната построена по тому же принципу, но Бетховен нашёл новое, оригинальное художественное решение: медленное начало (размышление, глубокая печаль), изысканно-тонкая середина (созерцание, наслаждение красотой мира), бурный, драматический финал (порыв чувств, трагические образы судьбы).
"ГЕРОИЧЕСКАЯ" СИМФОНИЯ
Работая над Третьей симфонией (1802-1804 гг.), Бетховен сначала хотел посвятить её Наполеону Бонапарту - настолько восхищала и притягивала композитора эта сильная личность. Наполеон казался настоящим героем, предводителем народных масс, который руководствуется отнюдь не личными побуждениями. Но вот "генерал революции" провозгласил себя императором, и стало очевидно, что им двигало вовсе не стремление к общечеловеческому счастью, а жажда власти и славы. И Бетховен вычеркнул посвящение с титульного листа, написав лишь одно слово: "Героическая" [6].
В симфонии четыре части. Первая - грандиозное сонатное аллегро, где есть и героическая борьба, и боль страдающей души, и тихое лирическое настроение, и неуклонное стремление к победе. Вторая часть - медленная. Это траурный марш. Музыка полна возвышенной скорби, внутренней сосредоточенности. Третья часть - стремительное скерио. В симфониях Бетховена впервые менуэт заменяется на скерцо. Благодаря этому элемент танца (что в XVIII в. связывало симфонию с танцевальной сюитой) становится для симфонии необязательным. Четвёртая часть - финал. Здесь и шутливая начальная тема, и танцевальная вторая, затем обе преобразуются в военный марш, насыщенный драматизмом, и в лирические вариации.
В целом музыка "Героической" симфонии отражает бурную и мятежную эпоху Французской революции и Наполеоновских войн. Это произведение - гимн стойкости человеческого духа, утверждение победы света и разума, преодоление боли и отчаяния.
Первое исполнение симфонии состоялось в Вене в 1805 г. и вызвало противоречивые оценки. Большинство критиков крайне резко отзывались о "Героической", указывая, что масштабы сочинения непропорционально велики, а музыка скучна и непонятна. Лишь спустя годы произведение начало находить своего слушателя.
БОЛЬШОЙ СИМФОНИЧЕСКИЙ ОРКЕСТР
Название "оркестр" происходит от древнегреческого слова "орхестра", обозначавшего площадку в театре, на которой выступали актёры и хор. В наши дни так именуют большой коллектив музыкантов, совместно исполняющих на разных инструментах музыкальные произведения. В зависимости от состава инструментов оркестры бывают струнные, духовые и др. Самый совершенный по звучанию - большой симфонический оркестр. Он предназначен для выступлений в театрах и концертных залах.
Возникли симфонические оркестры в начале XVII в. Их появление связано с рождением оперы и инструментального концерта, требующих значительного числа исполнителей. В современном большом симфоническом оркестре играют от пятидесяти до семидесяти пяти человек (иногда и больше). Ядро оркестра - струнные смычковые инструменты: скрипки (делятся на две подгруппы - первые и вторые скрипки; каждая исполняет свою партию), альты, виолончели и контрабасы. К этой группе можно отнести и струнно-шипковый инструмент арфу (обычно их две).
В состав оркестра входят духовые инструменты - деревянные и медные. Группа деревянных включает флейты (две большие и одну малую - флейту пикколо), гобои (два обычных и английский рожок), кларнеты (два обычных, малый кларнет и бас кларнет), фаготы (два обычных и один низкого тона - контрфагот). Группу медных инструментов составляют валторны (четыре и более), трубы (две три), тромбоны (три) и туба.
В оркестре обязательно есть ударные инструменты: литавры, барабаны, тарелки, колокола, треугольник, бубен, ксилофон и др. Иногда композиторы вводят в оркестр также фортепиано и орган. Богатый состав инструментов даёт оркестру широкий набор выразительных средств - от мощного звучания до воспроизведения тончайших оттенков мелодии, от глубоких низких тембров до очень высоких нежных звуков. Возглавляет большой симфонический оркестр дирижёр. Движениями рук он руководит артистами: добивается стройности звучания, соответствия исполнения музыки замыслу композитора и собственному видению произведения.
Такой сложный состав складывался постепенно, но основные группы инструментов появились уже во второй половине XVIII в., а полностью большой симфонический оркестр сформировался к середине XIX столетия.
СОНАТА "АПАССИОНАТА" И ПЯТАЯ СИМФОНИЯ
Двадцать третья соната ("Аппассионата") была закончена в 1805 г., в то время, когда композитор находился в расцвете творческих сил, но глухота уже неотвратимо преследовала его. Он избегал любого общества, кроме близких друзей, и посвятил сочинение одному из них - Францу фон Брунсвику.
По масштабам соната приближается к симфонии. В ней три части: первая - драматическое сонатное аллегро, вторая - медленная, сосредоточенная, третья - бурный финал, написанный в сонатной форме. Первая и последняя части показывают противостояние человеческой воли и стихийной, роковой силы. Название как нельзя лучше отвечает духу произведения: авторская пометка "apassionata" означает по-итальянски "страсть" [4].
"Аппассионата" внутренне связана с Пятой симфонией, в которой ярче всего выразилась главная тема творчества Бетховена - борьба человека с судьбой. У этих произведений общий круг образов; короткая ритмическая структура в первой части "Аппассионаты" перекликается с темой судьбы из Пятой симфонии. Этой теме дано название самим композитором. "Так судьба стучится в дверь", - писал Бетховен. Есть сходство и в драматургии цикла: заключительные части и сонаты, и симфонии идут без перерыва; тем самым подчёркивается стремительность и необратимость событий. Но если "Аппассионата" завершается самой драматической частью (здесь борьба только начинается), то в Пятой симфонии противостояние и напряжение разрешаются триумфальным радостным финалом.
ПАРТИТУРА
Запись всех голосов (партий) инструментов музыкального произведения, предназначенного для коллектива исполнителей, называется партитурой (ит. partitura - буквально "разделение", "распределение"). Свою строчку в партитуре имеет каждая группа инструментов. Строчки расположены одна под другой и объединены вертикальными отрезками - тактовыми чертами. В современных партитурах группы инструментов записывают следующим образом. На верхних строчках фиксируют партии деревянных духовых инструментов в такой последовательности: флейты, гобои, кларнеты, фаготы. Ниже идут медные духовые инструменты: валторны, трубы, тромбоны, тубы; ещё ниже - ударные инструменты. На последних строчках размешают струнные инструменты - скрипки, альты, виолончели, контрабасы. Если в произведении композитор использует арфу, фортепиано и орган, то их партии записываются над группой струнных. Голоса солистов и хора, в опере например, располагают над строчкой скрипок.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Венская классическая школа - направление в музыкальном искусстве, сложившееся во 2-й половине 18 - начала 19 вв. Представители - Й. Гайдн, В. А. Моцарт, Л. Бетховен. Обобщив предшествующий опыт музыкального творчества, они создали жанры классической симфонии, камерного ансамбля, сонаты и концерта, основанные на форме сонатно-симфонического цикла и сонатной форме. Их высшие достижения в инструментальном, а также в др. жанрах (оперы, мессы, оратории) оказали сильное воздействие на последующее развитие музыки и составляют одну из вершин мирового искусства.
Классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. В музыке невозможно опираться на античные традиции - они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения.
Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.
ЛИТЕРАТУРА
·Грибушина Н.Г. История мировой художественной культуры. - М., 1995.
Ивлев С.А. МХК: новые стандарты и новое планирование. // Педагогические вести. № 10 (116). Октябрь 2006.
Ильина Т.В. История искусств. - М., 1993.
Литература и искусство. Детская энциклопедия. Т.10. - М., 1961.
Пог Д., Спек С. Классическая музыка «для чайников». Питер-Пресс, 2002.
Теодор В. Адорно. Философия новой музыки / Перевод с немецкого Б.Скуратова. Вступительная статья К. Чухрукидзе. М.: Логос, 2006.
Черная Е.С. Моцарт. Жизнь и творчество. - М., 1961.
Шедевры мировой классической музыки. Ч.8: Франц Йозеф Гайдн (1732-1809). - М.: Мир кн., 2002.
Шедевры мировой классической музыки. Ч.12: Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791). Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787). - М.: Мир кн., 2003.
Шедевры мировой классической музыки. Ч.16: Людвиг ван Бетховен (1770-1827). - М.: Мир кн., 2002.
Шедевры мировой классической музыки. Ч.26: Гектор Берлиоз (1803-1869). Ференц Лист (1811-1886). - М.: Мир кн., 2003.
Шедевры мировой классической музыки. Ч.27: Ференц Лист (1811-1886). - М.: Мир кн., 2005.
Подобные документы
Эволюция жанра сонаты в творчестве Бетховена. Значение жанра фортепианной сонаты для творчества Й. Гайдна, В.А. Моцарта. Фортепианная соната - "лаборатория" бетховенского творчества. Раннее сонатное творчество Бетховена: характеристика, особенности.
курсовая работа [1,3 M], добавлен 27.02.2013Понятие и структура симфонии как музыкального произведения в сонатной циклической форме, предназначенного для исполнения симфоническим оркестром. Инструменты и структура симфонического оркестра, анализ выдающихся произведений, написанных в данном стиле.
презентация [2,0 M], добавлен 18.02.2015Жизненный и творческий путь Александра Константиновича Глазунова, место симфонической музыки в его наследии. Типичные черты стиля композитора, выражение связи с традициями симфонизма композиторов Могучей кучки. Особенности симфонического творчества.
реферат [27,3 K], добавлен 09.06.2010Характеристика истоков жанра сонаты и пути, пройденного до возникновения классической сонаты. Сонаты Бетховена в контексте его скрипичного творчества. Черты стиля. Анализ структуры, драматургии, музыкальных образов Четвёртой скрипичной сонаты Бетховена.
курсовая работа [992,5 K], добавлен 02.07.2012Биография П.И. Чайковского. Творческий портрет композитора. Детальный разбор финала Второй симфонии в контексте предстоящей переинструментовки для оркестра русских народных инструментов. Стилистические черты оркестровки, анализ симфонической партитуры.
дипломная работа [1,3 M], добавлен 31.10.2014Биография Людвига ван Бетховена как ключевой фигуры западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом. Вклад Бетховена в мировую музыкальную культуру. Девятая симфония - вершина творчества композитора, закономерности его симфоний.
презентация [1,7 M], добавлен 17.03.2014Краткие сведения о жизненном пути и деятельности Александра Константиновича Глазунова - русского композитора, дирижера, музыкально-общественного деятеля. Большие симфонические циклы и развернутые одночастные симфонические произведения А.К. Глазунова.
курсовая работа [29,8 K], добавлен 11.06.2014Биография Ференца Листа - венгерского композитора, пианиста-виртуоза, педагога, дирижёра, публициста. Получение им образования, личная жизнь и творческая деятельность. Последние годы жизни композитора. Его фортепианные произведения, симфонии и сонаты.
презентация [3,0 M], добавлен 14.04.2015Жизнеописание швейцарско-французского композитора и музыкального критика Артура Онеггера: детские годы, образование и юношество. Группа "Шестёрка" и исследование периодов творчества композитора. Анализ "Литургической" симфонии как произведения Онеггера.
курсовая работа [574,7 K], добавлен 23.01.2013Выразительные средства музыки. Творчество Моцарта, Бетховена, Шопена, русских и украинских композиторов. Полифония и творчество Баха. Возникновение музыкальных жанров. Оперный спектакль и балет. Строение сонатной формы. Состав симфонического оркестра.
шпаргалка [63,7 K], добавлен 06.11.2009
