Балетные сезоны С.П. Дягилева: золотое время русского искусства

Размещено на http://www.allbest.ru/

Размещено на http://www.allbest.ru/

Тема: Балетные сезоны С.П. Дягилева: золотое время русского искусства

Секция: История

Автор: Кислова А.В.

Содержание

Введение

1. Общая характеристика культуры в н. XX века

2. Русский балет: триумф первых сезонов

3. Новые балеты

4. «Русские сезоны» спустя 100 лет

Заключение

Список литературы

Приложение

Введение

Балет - живое искусство. Оно развивается и видоизменяется вместе с жизнью. И в этом - одна из самых привлекательных его черт. Классический русский балет преобразил мировое балетное искусство. Он славился, долгие десятилетия и славится до сих пор. В начале 20 века вспыхнула «звезда» новой русской хореографии, заложившей свои традиции, - и эти традиции не только живут до сих пор, но стали провозглашением нового мирового искусства. Русский балет начала 20 века - это совершенно неожиданное слово в искусстве балета, и балетная культура, по словам современников, давно ждала его.

Расцвет русского балета связан с именем Сергея Павловича Дягилева - организатора Русских балетных сезонов в Париже с 1909 по 1929. Дягилеву удалось не только создать балетную труппу, в которую вошли звёзды мировой величины, как Вацлав Нижинский, Ольга Списисцева, Серж Лефарь, Анна Павлова, Тамара Карсавина, но и привлечь к работе над спектаклями известнейших художников и композиторов своего времени таких как Александр Бенуа, Леон Бакст, Николай Рерих, Мстислав Добужинский, Наталья Гончарова, Михаил Ларионов, Пабло Пикассо, Игорь Стравинский, Жан Дебюсси, Сергей Прокофьев, Анри Матисс и Наум Габо.

Для многих из них Русский балет Дягилева стал источником вдохновения на долгие годы. Балетные сезоны Дягилева - особенно первые, в программу которых входили балеты "Жар-птица", "Петрушка" и "Весна священная" - сыграли значительную роль в популяризации русской культуры в Европе и способствовали установлению моды на всё русское - даже супруга короля Великобритании Георга VI выходила замуж в "платье, перефразирующем русские фольклорные традиции. Благодаря С.П. Дягилеву родился современный балет, который из пышного придворного зрелища превратился в искусство, способное выразить и философскую драму и шарж. Сейчас произведения, связанные с Русскими балетными сезонами, можно отнести к величайшему культурному наследию XX века.

Данная работа посвящена «Русским балетным сезонам», их участникам и событиям. Главная цель работы - выяснить «Как «Русские балетные сезоны» преобразили мировое искусство?» Для этого нам необходимо: во-первых, собрать и изучить материал по данной проблеме, во-вторых проанализировать имеющиеся данные, в-третьих, сделать выводы.

До сих пор мировой балет питается открытиями и новациями русской труппы, выступавшей в Европе в 1910- 1920-х гг., развивает и преображает заложенные ею традиции. По странности судьбы, новый русский балет родился и приобрел мировую славу за пределами России, но создавали его русские артисты, русские балетмейстеры, художники, композиторы. Труппа не случайно носила название «Русский балет Сергея Дягилева». Хронологические рамки русских балетных сезонов датируются 1909-1929 гг. Но мы решили более подробно остановиться на 1909 -1911 гг. Это было время первых русских сезонов за рубежом. Именно в эти годы «русские сезоны» оказали мощное влияние на западную культуру и были поистине триумфальными.

При написании работы мной были использованы труды отечественных авторов: Пасютинско в. Шенг Схейн, Воспоминания и мемуары Нижинской Р., Лифаря С., Стравинского И., Бенуа А. и Фокина М. Тамары Карсавиной. Материалы «Детской энциклопедии», посвященной искусству. В работе использованы интернет - статьи из журналов эмигрантской прессы, выходившие в Париже в 20-30 годах XX века, а так же статьи современных периодических изданий. Изучив все материалы, была составлена работа.

1. Общая характеристика культуры в н. XX века

Медленно, нехотя уходил XIX век, "золотой век" русского искусства, открывший миру Толстого и Достоевского, Чайковского и Мусоргского, Репина и Сурикова.

На смену шел новый век, полный предчувствий перемен в социальной и художественной жизни России. Еще впереди были катаклизмы трех русских революций, первая мировая война, но ощущение изжитости старых ценностей и старых идеалов уже витало в воздухе. Жизнь требовала перемен.

Модернизационные процессы в России на рубеже XIX-XX вв. провели к переломному состоянию культурно-духовной сферы общества. Начался пересмотр устоявшихся ценностей, поиск новых идей в духовной сфере. Этот период называют периодом серебряных идей в духовной сфере или серебряным веком русской культуры. В общественном сознании доминировала атмосфера переходного времени, переживаемого страной.

В наибольшей степени это отразилось на настроениях интеллигенции, часть которой видела выход в религиозно-нравственных началах. Русская культура начала XX в. уникальна и своеобразна, но по своему уровню и потенциала мировой. В сфере образования были достигнуты существенные положительные результаты. Заметно расширялось женское высшее образование. В первое десятилетие XX в. по количеству издаваемых книг Россия вышла на третье место в мире после Германии и Японии, а в 1912 г. выпускалось больше тысячи газет. Русские учёные (К.Э. Циолковский, В.И. Вернадский, П.Н. Лебедев, И.И. Сикорский и И.П. Павлов) внесли свой весомый вклад в мировую науку. Создаётся новый вид искусства - кинематограф.

В начале века в России выделялись три архитектурных стиля: модерн (пример - Ярославский вокзал), неоклассицизм (пример - Музей изобразительных искусств им. Пушкина) и неорусский стиль (пример - Казанский вокзал). Наиболее известными скульпторами были: П.П. Туберской (памятник Александру III в Петербурге 1909г.), С.С. Волнухин (бюст П.М. Третьякова) и Н.А. Андреев (памятник Н.В. Гоголю). В это время появились в последствии знаменитые писатели и поэты как А. Ахматова, Саша Чёрный, И.А. Бунин, А.П. Чехов и др.

В целом для культуры России 1900-1917гг. был характерен чётко проявившийся существенный разрыв между духовным ренессансом и реальной жизнью большинства народа, которого мало затрагивало развитие творческих и образовательных причин. Эта особенность общественно-культурной жизни впоследствии повлияла на дальнейший ход исторического развития страны.

Начало 20 века в России постепенно зреет кризис верхов. Словно нарыв на большом сердце. В умах интеллигенции и студенчества бродят идеи об ограничении монархии и введении Конституции, но имперский трон пока незыблем. Событие Кровавого воскресенья - начало первой русской революции. Власти вводят в столицу регулярные войска. Полиция и казаки довольно быстро усмиряют волнение. Народ разгорается пулями, дубинками и гайками.

9 января Айседора Дункан записывает в своём дневнике «Нас везли в карете в театр на спектакль, Мы слышали свистки и крики. Кого-то тащили полицейские. Шумела толпа. Кто-то из толпы стал бросать куски грязи и стали кричать «Эй! Смотрите! Царских наложниц везут!» Осенью 1905 года создаётся всеобщая политическая стачка. Балетные артисты захвачены всеобщим ожиданием. Манифест 17 октября успокаивает общественность надеждой на демократические свободы и на порлилантализм. Власть в стране разделяется между государственной думой и государственным троном. У власти теперь 2 дворца: Зимний и Таврический. Страна на время успокаивается, а русский балет разделяется на «Имперский старый» и на «Новый дягилевский».

2. Русский балет: триумф первых сезонов

1909: начало триумфа

Русские Балетные Сезоны в Париже (франц. Saison des Ballets Russes a Paris) -- уникальное и вместе с тем характерное явление для «серебряного века» русской культуры. Оно было результатом деятельности художников «Мира искусства». В 1906 г. появилась идея «прославить русское искусство на западе». В этом проявил себя «доселе неприметный», по словам Алекандр Бенуа, член кружка мирискусников Сергей Дягилев - необычайно энергичный антрепренер(1), известный в России как серьезный знаток мировой культуры, известный балетный критик, автор работ по истории русской живописи, один из организаторов художественного объединения, «Мир искусства», редактор журналов «Мир искусства» и «Ежегодник императорских театров», организатор художественных выставок, театральный деятель, человек, близкий как к балетным кругам, так и к кругу художников, композиторов. Дягилев к тому времени успел организовать в Европе не одну выставку работ русских художников, представителей того нового русского искусства, которое позже назовут искусством Серебряного века, искусством эпохи модерна.

Свою деятельность по пропаганде русского искусства - живописи, классической музыки, оперы - С.П. Дягилев начал в 1906 г. В 1906-1907 гг. организовал в Париже, Берлине, Монте-Карло, Венеции выставки русских художников, среди которых были Бенуа, Добужинский, Ларионов, Рерих, Врубель и др. «Русские сезоны» в Париже Дягилев начал с «Исторических концертов», в которых приняли участие С.В. Рахманов, Н.А. Римский-Корсаков, А.К. Глазунов, Ф.И. Шаляпин, хор морского Большого театра. В следующем году Дягилев привез в Париж русскую оперу, познакомив европейского зрителя с шедеврами постановок произведений М.П. Мусорского, А.П. Бородина, Н.А. Римского-Корсакова (главные партии пел Федор Шаляпин). Премьера оперы «Борис Годунов» в мае 1908 г. прошла с огромным успехом на сцене парижской Гранд-оперы. На другой день после премьеры газета «Либерте» писала, «обладает такой же интенсивностью изображения прошлого, всеобъемлющим универсализмом, реализмом, насыщенностью, глубиной, волнующей беспощадностью чувств, живописностью и тем же единством трагического и комического, той же высшей человечностью». Зильберштейн И.С., Самков В.А. С. Дягилев и русское искусство. М.: Изобразительное искусство, 1982. Огромный интерес у публики и критики вызвали массовые сцены. "Русские хористы потрясли нас силой исполнения, чистотой интонации, гибкостью и точностью передачи. Они так же великолепно играют, как и поют”, - писал Пьер Лало в "Тамп”. Зильберштейн И.С.О художниках "Русских Сезонов"//Огонек. - 14 мая 1983. -№20

Тогда же у Бенуа зарождается мысль показать русский балет за рубежом. Зная, что Дягилев после ошеломляющего парижского успеха "Бориса Годунова" в 1908 году замышляет новый оперный сезон 1909 года, Бенуа предлагает разбавить его балетными постановками. Балетмейстера-реформатора Бенуа видит в Михаиле Михайловиче Фокине. Именно ему принадлежит идея их знакомства, которое состоялось осенью 1908 года. Идею привезти русский балет в Париж поддержали и танцовщики. Пока Дягилев составлял программу, заказывал эскизы декорации и подбирал музыку, остальные с энтузиазмом принялись совершенствовать выбранный репертуар. Дягилев пригласил дирижеров Черепнина и Купера, затем выбрал танцовщиков. Труппа балетных сезонов была набрана из ведущих танцовщиков Мариинского театра в Петербурге и Большого театра в Москве. Приглашение Дягилева приняли Анна Павлова, Михаил Фокин и его жена Вера Фокина, Тамара Карсавина, Ида Рубинштейн, Вацлав Нижинский, Александр Монахов, солисты Большого театра Вера Каралли и Михаил Мордкин и другие.

В Париже редко где собиралось столько народу, сколько пришло в «Шатле» вечером 17 мая 1909 года. В программе значились: «Павильон Армиды», «Пир» и «Князь Игорь». Париж был повержен, очарован, изумлён и потрясён. Шум стоял невообразимый, критики пребывали на гране истерики, зрители, как безумные, задыхаясь от волнения, толпились возле сцены. В этом сезоне труппа Дягилева показала новые спектакли: «Клеопатра», «Сильфиды» («Шопенина») и «Шехеризада». Совершенно особое место в сезоне 1909 г. заняли «Половецкие пляски» Бородина. Танцевальный финал II акта «Князя Игоря» заслонил собой оперную часть спектакля и был воспринят как самостоятельное произведение. Французская критика объявила «Половецкие пляски» "лучшим в мире балетом” и прозорливо указала на принципиальную новизну их музыкально-образного содержания. «Половецкие пляски» были музыкально-хореографическим воплощением массовой стихии пляса, - писал Э. Лало - Бородин создал коллективный образ половцев, обладающий такой монолитностью музыкально-тематического содержания, такой масштабностью симфонического обобщения и единством формы, что впору было говорить о новом типе музыкальной композиции балетной сцены, лишенной признаков традиционного балетного дивертисмента». Метелица Н. Непреходящее волшебство "русских сезонов" // Взор. - 1999. - №1.

Ошеломляющий успех имели во Франции и балетные спектакли, показанные С.П. Дягилевым начиная с 1909 года в его «Русских сезонах». Именно так и сказал об этом известный художник Теофиль Стейнлен в беседе с русским журналистом: «Для нас, французов, и ваш балет, и ваша опера - целое откровение... Вы ошеломили нас своим искусством». Зильберштейн И.С.О художниках "Русских Сезонов"//Огонек. - 14 мая 1983.

Писатель Камиль Моклер в статье «Урок Русского сезона» заявлял: «Все эти русские, исполнившие такие декорации -- Билибин, Лев Бакст, Рерих, Головин, Серов, Александр Бенуа, -- все они хорошие художники, смело порвавшие с условностями и сразу понявшие, что декорации музыкальной драмы совершенно отличаются от декораций драматического театра и должны являться симфонией цвета, которая созвучна оркестровой симфонии и стремится к красоте в нереальном мире. Наши композиторы балетов и хоровых сцен, декораторы, режиссеры, танцовщики, танцовщицы -- все могли без ложного самолюбия получить в один голос у русских благородный урок». Зильберштейн И.С., Самков В.А. С. Дягилев и русское искусство. М.: Изобразительное искусство, 1982.

Айседора Дункан увидев дягилевские спектакли еще в 1909 году в Париже, выразила свой восторг такими словами: «Велика заслуга Дягилева! Он развернул перед французами, если и не все, то очень многое из того, что есть в русском театре талантливого, красивого, поучительного и живописного. Он дал почувствовать, что страна, об искусстве которой большинство знает очень мало, заключает в себе целый храм эстетических радостей, и каждая подробность этого храма полна красоты и интереса». Зильберштейн И.С., Самков В.А. С. Дягилев и русское искусство. М.: Изобразительное искусство, 1982.

Таким образом, успех "Русского сезона" в Париже 1909 года можно смело рассматривать как начало триумфа. Спектакли на сцене театра Шатле не только стали событием в интеллектуальной жизни Парижа, но и оказали мощное влияние на западную культуру в самых различных ее проявлениях, не говоря уже о самом балете, дальнейшее развитие которого прямо предопределилось "Русскими сезонами" не на одно десятилетие. Французы по достоинству оценили новизну театрально-декорационной живописи и хореографии, но высочайших похвал удостоилось исполнительское мастерство Анны Павловой, Тамары Карсавиной, Людмилы Шоллар, Веры Фокиной. Зрителей потрясли сила и искусство мужского танца, возрожденного Вацлавом Нижинским, Михаилом Фокиным, Адольфом Больмом, Михаилом Мордкиным и Григорием Розаем. Совершенство ансамбля и высокий профессионализм русского кордебалета стали общим местом в отзывах о русской труппе. "Каким образом русские, так уступающие нам в делах искусства, достигли столь высокой степени мастерства?" Все ждали продолжения.

1910-1911: оглушительный успех

Участие художников "Мира искусства" в "Русских сезонах", бесспорно, самый яркий и характерный момент их деятельности. Целостность "Русских сезонов" 1909-1914 годов во многом определялась теми художественными принципами, которые на протяжении многих лет коллективно вырабатывались "Миром искусства". Это, во-первых, стремление к синтетическому охвату явлений искусства и культуры в целом; во-вторых, "западничество" большинства его участников, стремление приобщиться к мировому художественному процессу и, наконец, разработка современной эстетики через стилизацию ушедших эпох. Здесь у каждого был свой излюбленный "конек": у Бенуа - французский XVIII век, у Бакста - пряный Восток, у Рериха - языческая Русь, у Головина - русская сказка.

В 1910 году Дягилев отказывается от оперы и привозит в Париж только балет. Можно сказать, что с этого года он становится исключительно «балетным антрепренером». Балету Дягилев посвящает всю оставшуюся жизнь.

Основными спектаклями следующих двух сезонов стали "Шехеразада», "Жар-птица» «Ведение розы» и «Петрушка». Идея эротического балета "Шехеразада" на музыку симфонической поэмы Н.А. Римского-Корсакова принадлежала Александру Бенуа. Новым словом в балетной пластике была фокинская пантомима(3) "Шехеразады", в которой натуральный жест занял главное место. Актеры "летели, борясь, кубарем с лестницы, падали вниз головой, висели кверху ногами", - вспоминает он в своих мемуарах. Действие было настолько захватывающим, пленительная музыка и движущаяся живопись Бакста настолько овладевали эмоциями зрителей, что успех "Шехеразады" в Париже был ошеломляющим.

М. Фокин в своих «Мемуарах» так рассказывает о возникновении замысла нового балета: «Не хватало балета из русской жизни или на тему из русской сказки. Жар-птица - самое фантастическое создание народной сказки и вместе с тем наиболее подходящее для танцевального воплощения. Но нет такой сказки о Жар-птице, которая бы целиком подошла к балету. Я взялся соединить различные народные сказки и сочинил по ним либретто». Премьеры постановок прошли в роскошном зале парижского оперного театра Гранд-опера в мае и июне 1910 года.

Балет «Петрушка» был одним из шедевров в балетном мире. Тема «Маленького человека» отображала отношение Дягилева с танцорами. Он вершил их судьбы и некоторым ломал жизни. «Петрушка» Стравинского - историческая веха для каждого из его создателей - для него это - начало долгого и блистательного подъема, для Бенуа одна из центральных работ художника-декоратора, для Фокина - вершиной, за которой начинался спуск. В балете был отображен русский дух, русские обычаи и нравы. Эти еще привлекала постановка иностранцев.

После того, когда знаменитый композитор Клод Дебюсси увидел многие постановки «Русских сезонов», он также выразил в 1911 году уверенность в благотворном воздействии русского искусства на французское: «Русские дадут нам новые импульсы для освобождения от нелепой скованности. Они помогут нам лучше узнать самих себя и более свободно к себе прислушиваться». Зильберштейн И.С., Самков В.А. С. Дягилев и русское искусство. М.: Изобразительное искусство, 1982. Под его музыку был поставлен балет «Призрак розы». Маленький, но такой завораживающий. Сюжет был поставлен всего лишь на маленьких строчках: - «Я - ведение розы, которую ты вчера принесла на бал». Очень красивый и романтичный балет, поставленный Фокиным. За время этих гостролей.

1912-1913: рискованные эксперименты

С новым сезоном Дягилев начал менять характер своей антрепризы (10), всё больше отходя от традиционного представления о балете и двигаясь в сторону новых, экспериментальных форм. Ранее за редкими исключениями музыкальную канву (11) его постановок составляли произведения русских композиторов. С 1912 года Дягилев начал обращаться к иностранцам. Представителем странной и новой хореографии была фореография Вацлава Нижинского «Послеполуденный отдых фавна». Балет на античную тему длительностью всего в 8 минут с хореографией Нижинского, был поставлен на музыку Дебюсси. Спектакль стал дебютом в его недолгой карьере балетмейстера. Парижане увидели совершенно необычную хорерграфию: нет больше никаких танцев, никаких прыжков, ничего, кроме положений и жестов полусознательной животности: танцор распростирается, облокачивается, идёт скорченный, выпрямляется, подвигается вперёд, отступает движениями то медленными, то резкими, нервными, угловатыми; взгляд танцора следит, руки напрягаются, кисть широко раскрывается, пальцы сжимаются один против другого, голова поворачивается, с вожделением измеренной неуклюжести, которую можно считать единственной. Конечно публика была возмущена и откритикавала балет как никогда. После неудачи в Париже, Дягилев показал свои постановки в Лондоне, Берлине, Вене и Будапеште, где публика восприняла их более благосклонно.

В следующим году было выпущено еще два балета Нижинского - «Весна священная» Стравинского и «Игры». Балет «Игры» был еще страннее, чем «Послеполуденный отдых фавна», но был отриогирован ровно. Наверно публика не могла отреогировать никак от увиденной шокирующей постановки, а балет «Весна священная» еще сильнее удивил публику. Да так, что после десяти минут публика на премьере балета сбунтовалась и пришлось вывести из зала половину зрителей, чтобы не мешали продолжать танцевать танцором. Тема балета основана на языческих ритуалах северного народа, следовательно никаких пуант, шумная музыка Стравинского, вызывающие костюмы и декорации Рериха. Это полная противоположность классических норм. Нижинская Р. Вацлав Нижинский. М.: Русская книга, 1996.

В последнем предвоенном сезоне Дягилев показал еще два новых оперных спектакля: «Золотого петушка» Римского-Корсакова и «Соловья» Стравинского. Оба имели успех, хотя, как ни парадоксально, свидетельствовали скорее об ослаблении интереса дягилевской антрепризы к оперному жанру и явном преобладании балетных тенденций. "Золотой петушок” был поставлен как балет и в этом смысле предвещал новый путь взаимодействия вокального и танцевального начала в музыкальном театре последующих лет. Опера «Соловей» не сохранилась в репертуаре. Позднее по просьбе Дягилева Стравинский сделал на ее материале балетную партитуру.

1913-1919: через океан.

В эти следующие годы Дягилев старался все чаще и чаще отправлять свою труппу через океан, практически каждые гастроли проходили не ладно, то начнутся проблемы с деньгами, то сгорят по пути декорации, то тупость Нижинского, отвечающего за труппу, приводит к голоданию танцоров и полному беспорядку. Это доказывает, что «Русские сезоны» без Дягилева не могут спокойно существовать. Из-за своих принципов и морской болезни он категорически отказывался от поездки через океан. От него ушел ведущий хреограф-постановщик Михаил Фокин, и на замену ему пришел новый, молодой и талантливый хореограф Мясин. Дягилев пригласил художницу Гончарову, иностранного художника Пабло Пикассо, молодого композитора Прокофьева, поета Жана Кокто.

Первое творение сотрудничества Пабло Пикассои и композитора Сати с Дягилевым состоялось 18 мая в Париже на премьере балета «Парад» хореография Мясина. Некоторые костюмы созданные Пикассо в стиле кубизма были изготовлены из картона, что позволяло танцорам делать только минимальные движения. Музыкальное сопровождение содержало ряд предметов издающих звуки: пишущую машинку, горн, набор молочных бутылок, добавленных Кокто к неудовольствию Сати. Публика очень шумела, а когда на сцену вышла лошадь с кубической мордой, то публика совсем потеряла дар речи «Смерть русским!», «Пикассо - бош!», «Русские - боши!».

1920-1921: воскрешение старых балетов и полных успехов

Мясину нравилась тема балета «Весна священная» и решил его переделать. 14 декабря 1920 года состоялась в Париже его премьера. Зрители оценили с восторгом новую хореографию, отметив, что Мясин лучше понял характер и образ действующих лиц. С восторгом оценили новый балет-оперу «Женские причуды» и балет «Треуголка» Мясина.

Кроме Пикассо попробовал свои силы в сотрудничестве с Дягилевым и Сергей Прокофьев в новом балете «Шут».

Дягилев решил воссоздать балет Петипа «Спящая красавица». Очень много потребовалось для создания балета. Были приглашены новые лица: хореограф Бронислава Нижинская и балерина Ольга Списисцева. В итоге полный провал.

1924-1928: впереди всех, 1929: закат

В эти годы создавались только шедевры. От «Свадебки» Стравинского до «Блудного сына» Прокофьева. «Голубой экспресс», «Стальной скок», «Кошка» и многие другие балеты были исполнены новыми звездами русского балета, как С. Лифарем, Л. Лопуховой и Соколовой, А.Никитиной, А. Долинным, С. Идзиковским. Приняла участие в «Русских сезонов» знаменитая Коко Шанель. К сожалению это были последние постановки так, как в 1929 . В последние

В 1917 г. качестве педагога-репетитора Дягилева пригласил знаменитого Эрнесто Чеккетти, поклонника и знатока русского классического балета: Дягилев никогда не декларировал разрыва с великими традициями русского балета, даже в своих самых «модернистских» постановка он оставался все же в их рамках. Редко какая антрепризная труппа удерживалась на пике успеха три-читыри сезона. Труппа Дягилева держалась на уровне мировой славы в течение 20 лет. Режиссер «Русских балетов Дягилева» С.Л. Григорьев писал, что завоевать Париж трудно, а удерживать влияние на протяжение 20 сезонов - подвиг.

3. Русские сезоны спустя 100 лет

В апреле 2013 года исполняется 107 лет с тех пор, как начались знаменитые «Русские сезоны» в Париже. Это был уникальный период расцвета отечественной культуры и меценатства. Европа была поражена, увидев русскую живопись, услышав русскую музыку. С этого времени каждая парижская весна в течение 20 лет приносила новые открытия в русском балетном и оперном искусстве. «Русские сезоны» гремели во славу русского искусства в Париже, Лондоне, Риме. Каждое из событий «сезонов», будь то выставка, спектакль или концерт, вписывало новую страницу в летопись мировой культуры. Художественная деятельность труппы Дягилева в корне перевернула представления европейцев о классическом балете, о декорациях, костюмах, красках и формах и помогла западным художникам сделать шаг к новому направлению и стилю - арт-деко.

К сожалению, «сезоны» прекратили свое существование с уходом из жизни патриота и просветителя Сергея Дягилева. Но вначале 21 века они были возрождены, и сейчас мы имеем возможность увидеть балет, который танцевали сто лет тому назад. Фонд имени Мариса Лиепы возрождают великую традицию «Русских сезонов» Сергея Дягилева - ярчайшего явления в мировом культурном процессе. Фестиваль «Черешневый лес» ежегодно представляет лучшие балеты из цикла «Русские сезоны 21 век». 25 октября 2005 года на сцене Государственного Кремлевского дворца состоялась премьера восстановленного балета Брониславы Нижинской «Болеро». Эта постановка посвящается всем создателям спектакля 1912 года в Париже.

Заключение

Европейский балетный театр в начале XX века переживал кризис. Балет терял классическую основу, выражаясь в развлекательные танцы для варьете и кабаре. Русские артисты доказали, что это искусство может быть современным и волновать зрителей.

Сегодня, спустя более 100 лет, трудно понять масштабы такого события, как русские сезоны Дягилева в Париже. Даже сейчас, когда всеобщая интеграция и современные средства связи сделали границы прозрачнее, а расстояния - ближе, событие такого масштаба вызывает восхищение. Бесспорно, что главнейшей заслугой Сергея Дягелева стал тот факт, что, организовав свои «Русские сезоны», он фактически запустил процесс возрождения балетного искусства не только в России, но и во всем мире. Созданные в его антрепризе балеты по сей день являются гордостью крупнейших балетных сцен мира и с успехом идут в Москве, Санкт-Петербурге, Лондоне, Париже и множестве других городов. Популярность сезонов Дягилева привела к увлечению традиционным русским костюмом и породила новую моду.

«Русские сезоны» произвели в Европе настоящую сенсацию. Они открыли перед зарубежной публикой новые, до того неизвестные истоки русской национальной культуры, продемонстрировали ее богатство и яркое своеобразие. Костюм в спектаклях Дягилева стал не только искусством, он оказал влияние на веяния моды последующих лет. Таким образом,«Русские сезоны» официально узаконили отношения между балетом и модой. Творчество хореографа Михаила Фокина последующих лет оказало большое влияние на развитие зарубежного балета, а успех балетных сезонов настолько велик, что Дягилев, Фокин и ведущие русские артисты сразу стали мировыми знаменитостями.

Благодаря усилиям Сергея Дягилева русские балеты стали неотъемлемой частью культурной жизни Европы 1909 - 1929 гг., оказали значительное влияние на все сферы искусства; пожалуй, никогда раньше русское искусство не оказывало столь масштабного и глубокого влияния на европейскую культуру, как в годы «русских сезонов».

балет дягилев культура париж

Литература

1. Бенуа А.Н. Мои воспоминания. Т. 2. М.: Искусство, 1990

2. Васильев А. Костюмы Русских сезонов Сергея Дягилева. М.: Этерна, 2006.

3. Гершензон П., Долинина К., Манулкина О. Сергею Дягилеву - 125 лет // КоммерсантЪ. - 1997.

4. «Детская энциклопедия». Том12. М.: «Педагогика». 1977

5. Зильберштейн И.С. О художниках "Русских Сезонов"//Огонек. - 14 мая 1983

6. Зильберштейн И.С., Самков В.А. С. Дягилев и русское искусство. М.: Изобразительное искусство, 1982.

7. Лифарь С. Дягилев и с Дягилевым. М.: Артист. Режиссер. Театр, 1994.

8. Маскаленко Ю. «С чего начинались «Русские балетные сезоны» Сергея Дягелева в Париже». Познавательный журнал «Школа жизни РУ».

9. Метелица Н. Непреходящее волшебство "русских сезонов" // Взор. - 1999. - №1.

10. Мода вне сезонов// VOGUE. - 2010.- №10.

11. Нижинская Р. Вацлав Нижинский. М.: Русская книга, 1996.

12. Пасютинская В. «Волшебный мир танца». М.: «Педагогика». 1977.

13. Стравинский И. Хроника моей жизни. М.: Издательский дом «Композитор», 2005.

14. Фокин М.М., Против течения. Воспоминания балетмейстера. Статьи, письма. Л.-М.: Искусство, 1962.

Приложение

1. Костюмы и мода.

Никогда ранее мода не менялась так быстро и так кардинально, как в 1910 году. Русский балет стал началом новой эпохи развития мировой моды: в конце первого десятилетия ХХ века в Париже начались гастроли труппы Сергея Дягилева. «Русские сезоны» в Париже ввели в мировую моду экзотику. Теперь о легендарных спектаклях «Русских сезонов» мы можем судить, по отзывам в старых журналах, специальным исследованиям, статьям, мемуарам и музыкальным записям. Но совершенно особую информацию и подлинное наслаждение доставляют дошедшие до нашего времени эскизы костюмов и декораций, выполненные прекрасными русскими художниками. Многие из них составляют гордость театральных и художественных музеев нашей страны, некоторые находятся в галереях разных городов мира. А какая-то часть эскизов декораций и костюмов Л.С. Бакста, А.Н. Бенуа, Н.К. Рериха, А.Я. Головина, К. Коровина, Н.С. Гончаровой и других художников, работы, поражающие вкусом, фантазией, бесконечным богатством цвета и изяществом линий, попали в частные собрания.

Особое значение в истории моды имело творчество уроженца Гродно Леона Бакста (Л.С. Розенберга). Под влиянием восточного и античного стиля Леона Бакста, автора костюмов к балетам «Карнавал», «Шахерезада», «Синий Бог», «Послеполуденный сон фавна» и «Дафнис и Хлоя», сформировалось творчество знаменитого парижского кутюрье начала XX века Поля Пуаре. Бакстовские мотивы видны и в работах парижских Домов моды «Пакен», «Сестры Калло», «Дреколь», «Бабани» и многих других. Можно смело утверждать, что благодаря влиянию Дягилевских русских сезонов в моду 1910-х годов вошли шаровары, тюрбаны, женские лифчики, подушки, абажуры и даже, позднее, загар! Широкие платья-кринолины к балету Михаила Фокина «Карнавал» стали толчком к созданию модного во время Первой мировой войны силуэта «кринолин военного времени». Ромола Нижинская пишет о Вацле Нижинском: «Он снял ожерелье, которое сделал для него Бенуа, не ведая о том, что создаёт новую моду, Сначала усыпанное драгоценными камнями украшение было одето довольно низко поверх атласного костюма, но, увидев, что линия выбрана явно неудачно, Вацлав поднял украшение так, что оно плотно облегало шею, наподобие ошейника. Чуткий ко всяким модным нововведениям, Картье мгновенно отреагировал на интересную находку, и следуюшие два сезона знатнюе дамы Парижа и Лондана носили на шее черную муаровую ленточку с бриллиантами и жемчугом «а-ля Армида». Нижинская Р. Вацлав Нижинский. М.: Русская книга, 1996. После каждого выступления в «Видение розы» преданный слуга Нижинского собственноручно состригал и продавал лепестки роз с костюма танцора многочисленным поклонницам.

Необычайно широк был и диапазон работ Александра Бенуа, художника высочайшей эрудиции, легко ориентирующегося в атмосфере, казалось бы, полярных культур. Достаточно назвать хотя бы балет «Павильон Армиды», в котором Бенуа воскрешал век Людовика XIV, и «Петрушку», где раскрывается пестрый, красочный мир петербургского балаганного представления. Васильев А. Костюмы Русских сезонов Сергея Дягилева. М.: Этерна, 2006.

Конечно, заворожили зрителя, незнакомого со славянским фольклором, декорации Н. Рериха к балету И. Стравинского «Весна священная», к сцене половецких плясок из оперы «Князь Игорь». На парижан как бы сошел со сцены таинственный мир русского средневековья. Глубокая интеллигентность, чувство истории, настоящая образованность вкупе с талантом и дерзанием принесли мировую славу и другим художникам «Русских сезонов»: Добужинскому, Головину, К. Коровину, Стеллецкому, Билибину, Анисфельду, Судейкину. Зильберштейн И.С.О художниках "Русских Сезонов"//Огонек. - 14 мая 1983. В 1920 году Дягилева и Шанель познакомила их общая подруга - Мися Серт. Шанель с ее чутьем на современность мечтала быть частью дягилевского круга. Она предоставила свой дом под Парижем Игорю Стравинскому и его семье. Она дала Дягилеву триста тысяч франков на возрождение «Весны священной» с новой хореографией Леонида Мясина.В 1922 году Жан Кокто попросил ее сделать костюмы к своей версии софокловской «Антигоны». Критики не заметили ни режиссуру Кокто, ни декораций Пикассо, зато восхищались тем, как Шанель ловко интерпретировала греческую тему, оставаясь при этом верной своему стилю. Васильев А. Костюмы Русских сезонов Сергея Дягилева. М.: Этерна, 2006. Но настоящий театральный успех Шанель получила два года спустя, когда создала костюмы для нового балета дягилевской антрепризы - «Голубой экспресс». Компания была, как всегда у Дягилева, en vogue: либретто написал Жан Кокто, танцы ставила Бронислава Нижинская, эскиз антрактного занавеса сделал Пикассо. Название балета отсылало к супермодному «Голубому экспрессу», который с недавних пор доставлял светскую парижскую публику на Ривьеру.написал о балете даже с некоторым удивлением: «Русские балеты уже не такие русские: холодные, спокойные, сдержанные цвета скорее напоминают о французском стиле». Мода вне сезонов// VOGUE. - 2010.- №10. Персонажи - пловчиха, чемпионка по теннису, гольфист, британский аристократ - вступают в романтические отношения, одновременно демонстрируя свою спортивную форму. Ничего принципиально нового для себя Шанель в «Голубом экспрессе» не сделала: костюмы стали просто сценической версией ее последней коллекции - вариацией спортивного стиля, который она разрабатывала уже несколько лет. Если для Шанель в этих костюмах не было открытий, то для балетного театра использование бытовых костюмов стало прорывом. Впервые светский костюм почти в неизменном виде перекочевал на сцену. Танцовщики дягилевской труппы позже вспоминали, что танцевать в шанелевских костюмах было неудобно: неудобно «держать» партнершу, одетую в трикотаж; огромные жемчужные серьги мешали движению и т. д. Тем не менее «Голубой экспресс» доказал, что мода может напрямую диктовать балетную эстетику. Мода вне сезонов// VOGUE. - 2010.- №10.Теперь костюмы Русских балетов хранятся в Канберре, в Национальной Галерее Австралии, в Лондоне, Стокгольме, Техасе и, конечно, в Театральном музее Петербурга.

Эскизы к балетам и фотографии.

В. Нижинский в балете «Шехеризада».

А. Павлова в балете в балете «Павильон Армиды»

Жорж Барбье. В. Нижинский Л. Бакст. Эсккиз костюма для Т. Карсавина в балете «Видене розы»

В. Нижинского в балете «Синий Бог»

Балет «Петрушка». В главных ролях Т. Карсавина и В. Нижинский.

2. Биографии.

Сергей Павлович Дягилев (1872--1929) -- русский театральный и художественный деятель, антрепренёр, один из основоположников группы «Мир Искусства», организатор «Русских сезонов» в Париже и труппы «Русский балет Дягилева». Сергей Дягилев родился в Селищах Новгородской губернии, в семье кадрового военного, потомственного дворянина, кавалергарда Павла Павловича Дягилева. Мать умерла через несколько месяцев после рождения Сергея, и его воспитывала мачеха Елена, дочь В.А. Панаева. В детстве Сергей жил в Санкт-Петербурге, потом в Перми, где служил его отец. Брат отца, Иван Павлович Дягилев, был меценатом и основателем музыкального кружка. В Перми на углу улиц Сибирской и Пушкина (бывшая Большая Ямская) сохранился родовой дом Сергея Дягилева, где сейчас располагается гимназия его имени.

Особняк в стиле позднего русского классицизма построен в 50-х годах XIX века по проекту архитектора Р.О. Карвовского. На протяжении трех десятилетий дом принадлежал большой и дружной семье Дягилевых. В доме, названном современниками «Пермскими Афинами», по четвергам собиралась городская интеллигенция. Здесь музицировали, пели, разыгрывали домашние спектакли. После окончания пермской гимназии в 1890 году вернулся в Петербург и поступил на юридический факультет университета, параллельно учился музыке у Н.А. Римского-Корсакова в Петербургской консерватории. В 1896 году Дягилев окончил университет, но вместо того чтобы заниматься юриспруденцией, начал карьеру деятеля искусства. Спустя несколько лет после получения диплома создал совместно с А.Н. Бенуа объединение «Мир искусства».

С 1907 года Дягилев организовывает ежегодные зарубежные выступления русских артистов, получившие название «Русские сезоны». В 1907 году в рамках «сезонов» были проведены выступления музыкантов -- «Исторические русские концерты». В 1908 году состоялись сезоны русской оперы. Несмотря на успех, сезон принёс Дягилеву убытки, поэтому на следующий год он, зная вкусы публики, решил везти в Париж и балет. Балетные сезоны затем продолжались до 1913 г. В 1911 году Дягилев организовал балетную труппу «Русский балет Дягилева». Труппа начала выступления в 1913 году и просуществовала до 1929 года, то есть до смерти её организатора.Дягилев скончался 19 августа 1929 года в Венеции, по слухам, от фурункулёза. Похоронен на расположенном неподалеку острове Сан-Микеле. По традиции, на его могилу приносят балетные туфли.

Михаил Михайлович Фокин (1880-1942) (23 апреля 1880, Санкт-Петербург -- 22 августа 1942, Нью-Йорк) -- русский солист балета, русский и американский хореограф, считающийся основателем современного классического романтического балета. Михаил Михайлович Фокин родился в купеческой семье. Мать Михаила, Екатерина Андреевна, очень любила театр и сама в своё время мечтала о сцене, но сценическая жизнь у неё не сложилась и всю свою страсть и любовь к театральному искусству она передала своим детям. Миша рос красивым, стройным и грациозным мальчиком, и вся семья считала, что балетная сцена будет лучшей участью для маленького Миши. Но глава семейства, купец Фокин, считал это занятие недостойным мужчины и запретил сыну заниматься танцем. Однако, в 1889 году мать Михаила в тайне от главы семейства отвела Мишу в Императорскую балетную школу Санкт-Петербурга на вступительные экзамены, куда его и зачислили. Отцу пришлось смириться. Обучался Фокин у Павла Гердта, Платона Карсавина, Николая Легата.

В академии большое внимание уделялось профессиональной подготовке и большую часть времени посвящали репетициям, остальные предметы считались второстепенными. Михаил Михайлович с самый первых лет делал успехи в обучении, что, в свою очередь, не мешало ему интересоваться рисованием и музыкой, освоив балалайку, скрипку и пианино. В музее Ленинградского хореографического училища сохранилось несколько живописных работ Фокина, выполненных в реалистической манере. Также он принимал участие в различных музыкальных кружках, даже играл в знаменитом в свое время оркестре народных инструментов В. Андреева. Первое выступление на большой сцене состоялось в 1890 году в балете «Спящая красавица» в номере детских танцев. А в 1892 году он был участником премьерного показа «Щелкунчика».

В 1898 дебютировал на сцене Мариинского театра в па-де-катр из балета Пахита; в 1902 стал педагогом в балетной школе. Преодолевая балетные традиции, Фокин стремился уйти от принятого балетного костюма, стереотипной жестикуляции и рутинного построения балетных номеров. В балетной технике он видел не цель, а средство выражения и, используя выразительную музыку, создавал единство слухового и зрительного рядов. Фокин представил соответствующий его принципам сценарий по роману Лонга Дафнис и Хлоя в дирекцию Императорских театров, но предложенная им реформа не встретила поддержки. Первые постановки Фокина - балет Ацис и Галатея (музыка А.В. Кадлеца, 1905) и Сон в летнюю ночь (на музыку Ф. Мендельсона, 1906). Затем последовали Виноградная лоза (музыка А.Г. Рубинштейна, 1906) и Умирающий лебедь (1907), впоследствии принесшие хореографу мировую славу, Евника и Оживленный гобелен (музыка Н.Н. Черепнина, 1907), Египетские ночи (музыка А.С. Аренского) и Шопениана (1908).

В 1909 Дягилев пригласил Фокина стать хореографом "Русского сезона" в Париже. Результатом этого союза стала мировая известность, сопутствовавшая Фокину до конца его дней. Он поставил более 70 балетов, преимущественно в лучших театрах Европы и Америки - от петербургского Мариинского театра до "Балле тиэтр" в Нью-Йорке. Основные российские работы Фокина - Шопениана (более известная за пределами России под названием Сильфиды), Карнавал и Павильон Армиды. Среди постановок для "Русских сезонов" - Жар-Птица и Петрушка И.Ф.Стравинского и Видение розы на музыку К.-М.Вебера. Умер Фокин в Нью-Йорке 22 августа 1942. Фокинские постановки по сей день возобновляются ведущими балетными труппами мира.

Вацлав Фомич Нижинский (12 марта 1889, Киев, Российская империя -- 8 или 11 апреля 1950, Лондон, Великобритания) -- русский танцовщик и хореограф польского происхождения, родившийся в Киеве. Один из ведущих участников Русского балета Дягилева. Брат танцовщицы Брониславы Нижинской. Хореограф балетов «Весна священная», «Послеполуденный отдых фавна», «Игры» и «Тиль Уленшпигель». С 1913 -- в эмиграции: ведущий танцовщик и балетмейстер труппы «Русский балет Дягилева». Весна священная, написанная Стравинским хореографически построенная на сложных комбинациях ритмов, стала одним из первых экспрессионистских балетов. Балет был не сразу принят, и его премьера закончилась скандалом, как и Послеполуденный отдых фавна, шокировавший публику финальной эротической сценой. В том же году осуществил бессюжетный балет Игры Дебюсси. Парижскую публику очаровал несомненный драматический талант артиста, его экзотическая внешность.

Нижинский оказался смелым и оригинально мыслящим хореографом, открывшим новые пути в пластике, вернувшим мужскому танцу былой приоритет и виртуозность. Своими успехами Нижинский был обязан и Дягилеву, который верил и поддерживал его в дерзких экспериментах. Разрыв близких отношений с Дягилевым из-за женитьбы Нижинского на непрофессиональной танцовщице Ромоле Пульской привел к уходу Нижинского из труппы и фактически к концу его короткой головокружительной карьеры.Уйдя от Дягилева, Нижинский оказался в сложных условиях. Нужно было добывать средства к существованию.

Гений танца, он не обладал способностями продюсера. Предложение возглавить балет «Гранд Опера» в Париже отверг, решив создать собственную антрепризу. Удалось собрать труппу из 17 человек (в неё вошла сестра Бронислава с мужем, также оставившие Дягилева) и заключить контракт с лондонским театром «Палас». Репертуар составили постановки Нижинского и, частично, -- Фокина (Призрак розы, Карнавал, Сильфиды, которые Нижинский переделал заново). Однако гастроли не имели успеха и закончились финансовым крахом, что повлекло за собой нервный срыв и начало душевной болезни артиста. В 1917 Нижинский окончательно покинул сцену и вместе с семьей обосновался в Швейцарии. Здесь ему стало легче, он размышлял о новой системе записи танца, мечтал о собственной школе, в 1918 написал книгу Дневник Нижинского (издана в Париже в 1953).

Однако вскоре был помещен в клинику для душевнобольных, где и провел остаток жизни. Он умер 11 апреля 1950 в Лондоне. Нижинский совершил смелый прорыв в будущее балетного искусства, открыл утвердившийся позднее стиль экспрессионизма и принципиально новые возможности пластики. Его творческая жизнь была короткой (всего десять лет), но напряженной. Личности Нижинского посвящен знаменитый балет Мориса Бежара «Нижинский, клоун Божий» на музыку Пьера Анри и Петра Ильича Чайковского, 1971.

Анна Павлова - родилась 12 февраля 1881 года в деревне Лигово под Петербургом. Матерью будущей балерины была швея Любовь Павлова (порой ей приходилось подрабатывать прачкой). Девочка родилась недоношенной и выжила буквально чудом. Официального отца - отставного солдата Преображенского полка Матвея Павлова - Аня не помнила. Молва считала ее настоящим отцом Лазаря Полякова, банкира и младшего брата российского «железнодорожного короля» Самуила Полякова. Возможно, это просто легенда. Но она, во всяком случае, объясняет некоторые неувязки между бедным детством солдатской дочки и снятой для Аниной бабушки двухэтажной дачей в Лигове - аристократическом предместье Северной столицы, куда на лето съезжалась театральная богема и тогдашние нувориши. Да и частое посещение Мариинки, а также обучение в столичной Императорской балетной школе тоже стоили денег, и немалых.

То, что она станет танцовщицей, Аня знала с восьми лет, едва побывав с матерью на балете в Мариинке. Тогда она безапелляционно заявила: «Я буду танцевать «Спящую Красавицу» в этом театре!». Однако первая попытка поступления в школу закончилась провалом. Вторая попытка тоже чуть было не сорвалась. Судьбу Ани решил председатель приемной комиссии - знаменитый балетмейстер Мариус Петипа. Посмотрев танцевальный номер Ани Павловой, седоусый мэтр вынес вердикт: «Пушинка на ветру - она будет летать на сцене». После окончания Вагановского училища, в 1899 году Анна Павлова была принята в труппу Мариинского театра. Танцевала партии в классических балетах «Щелкунчик», «Конёк-Горбунок», «Раймонда», «Баядерка», «Жизель».

В 1906 году стала ведущей танцовщицей труппы. Анна Павлова исполняла главные роли в балетах М.Фокина «Шопениана», «Павильон Армиды», «Египетские ночи» и других. В 1907 году на благотворительном вечере в Мариинском театре Анна Павлова впервые исполнила поставленную для неё М.Фокиным хореографическую миниатюру «Лебедь» (позже «Умирающий лебедь»), ставшую впоследствии одним из символов русского балета 20 века. В 1909 году участвовала в «Русских сезонах» Дягилева в Париже, положивших начало её мировой известности. Афиша работы В.Серова с силуэтом Павловой стала навсегда эмблемой «Русских сезонов». В 1910 году Анна Матвеевна создала собственную труппу, с которой гастролировала во многих странах мира. Специально для труппы Павловой М.Фокиным были поставлены несколько балетов. Последнее выступление балерины в Мариинском театре состоялось в 1913 году, а в России - в 1914 году, после чего она обосновалась в Англии и в Россию больше не возвращалась. О подлинной жизни балерины известно мало, ее имя ещё при жизни стало легендарным. Скончалась Анна Матвеевна Павлова в Гааге, во время гастролей, 23 января 1931 года от пневмонии. Несмотря на завещание балерины быть похороненной на родине, урна с её прахом находится в Лондоне.

…Как песню слагаешь ты легкий танец,

О славе он нам сказал.

На бледных щеках розовеет румянец,

И с каждой минутой все больше пленных,

Забывших свое бытие.

И клонится снова в звуках блаженных

Гибкое тело твое.

Анна Ахматова

Тамара Карсавина 25 февраля (9 марта) 1885 года в Петербурге в семье танцовщика императорской труппы Платона Карсавина и его жены Анны Иосифовны, урожденной Хомяковой, дочери двоюродного брата (то есть внучатой племянницы) известного славянофила А.С. Хомякова. Брат - Лев Карсавин, русский философ.

В 1902 году окончила Императорское театральное училище, где постигала основы балетного мастерства у педагогов Павла Гердта, Александра Горского и Энрико Чекетти, затем вошла в состав труппы Мариинского театра. Карсавина быстро достигла статуса примы-балерины и исполняла ведущие партии в балетах классического репертуара -- «Жизель», «Спящая красавица», «Щелкунчик», «Лебединое озеро», «Карнавал» и др. С 1909 года по приглашению Сергея Дягилева Карсавина начала выступать в организованных им гастролях артистов балета России в Европе, а затем в Русском балете Дягилева. Наиболее заметными работами балерины в период сотрудничества с Дягилевым были ведущие партии в балетах «Жар-птица», «Призрак розы», «Петрушка» (постановка Михаила Фокина), «Треуголка», «Женские причуды» (постановка Леонида Мясина) и др. Исполняла роль Бельгии в спектакле-пантомиме «1914», автор и режиссер-постановщик кн. С.М. Волконский (премьера 6 января 1915 в Мариинском театре). Спектакль был «выпускным вечером» Курсов Ритмической гимнастики, закрывшихся с началом Первой мировой войны. В 1917 году Карсавина вышла замуж за британского дипломата Генри Брюса и в 1918 году уехала вместе с ним в Лондон. В эмиграции она, не прекращая выступать на сцене и гастролировать с Русским балетом Дягилева, занималась преподавательской деятельностью. Кроме того, в начале 1920-х балерина появилась в эпизодических ролях в нескольких немых кинофильмах производства Германии и Великобритании -- в том числе в картине «Путь к силе и красоте» (1925) с участием Лени Рифеншталь. В 1930--1955 годах занимала должность вице-президента Королевской академии танца.Тамара Карсавина умерла 26 мая 1978 года в Лондоне в возрасте 93 лет.

Словарь

1. Антрепренер - частный театральный предприниматель.

2. Партитура - совокупность всех партий многоголосного музыкального произведения, а также запись этих партий.

3. Пантомима - представление средствами мимики и жестов, без слов, игра мимов.

4. Репертуар - совокупность пьес, музыкальных и иных произведений, идущих в театре, в кино, исполняемых в концертных залах, на эстраде, в цирке. 2. Совокупность исполняемых театральных ролей, музыкальных произведений. Обширный р. артиста. В своем репертуаре кто-н.

5. Синтетичность - обобщенность, собирательность

6. Пируэт - в танце: полный круговой поворот всем телом на носке одной ноги.

7. Фуэте - в классическом танце: группа па с характерным маховым движением ноги, помогающим повороту или вращению танцовщика.

8. Арабеска - танцевальная поза, требующая идеального баланса, когда танцор стоит на одной ноге, вытянув другую ногу назад.

9. Кордебалет - артисты балета, исполняющие групповые танцы, выступающие в массовых сценах.

10. Антреприза - форма организации театрального дела, в котором частный предприниматель (антрепренёр) собираетактёровдля участия вспектакле(в отличие от формырепертуарного театрас постояннойтруппой).