Акварельная живопись

Размещено на http://www.allbest.ru/

Министерство образования и науки РФ

ТЮМЕНСКАЯ ГОСУДАРСТВЕННАЯ АКАДЕМИЯ КУЛЬТУРЫ ИСКУССТВ И СОЦИАЛЬНЫХ ТЕХНОЛОГИЙ

ИНСТИТУТ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫХ ИСКУССТВ

И МУЗЕЙНЫХ ТЕХНОЛОГИЙ

Курсовая работа

по дисциплине «Техника живописи»

на тему: «Акварельная живопись»

Выполнила:

студентка второго курса

специальности живопись

Столбова А.Е

Проверил: Семеней А. А.

г. Тюмень, 2013



Содержание

акварель живопись современный классический

Введение

1. Из истории акварельной живописи

2. Характер живописи

3. Акварель современных художников

4. Способы акварельной живописи

Заключение

Библиографический список



Введение

Акварельная живопись является одной из ведущих техник в живописи. Существует много способов передать окружающий мир на бумаге или холсте, но акварель может с тонкостью показать нам мир во всех красках не требуя особых затрат используя минимум средств и максимум выразительности.

Это легкая воздушная, очень живая и подвижная живопись которая требует особого умения и терпения.

Но, несомненно, для такого динамичного и тонкого творчества не обойтись без определенной смелости, изобретательности и проворности. Именно так рождается эффектная живопись на бумаге.

Цель этой работы выявить особенности акварельной живописи, показать технику исполнения и выявить особенности современных акварелистов.



1. Из истории акварельной живописи

Акварель -- это без сомнения сложная и тонкая техника станковой живописи. Впервые термин «акварель» встречается в 1437 году в «Трактате о живописи» Ченнино Ченнини, где речь шла о растворении краски в воде, которая содержит растительный клей - гумми.

Существует два способа акварельного письма. Первый -- по сухому грунту, второй -- по мокрой поверхности бумаги. История акварельной живописи начиналась с рисования именно по сухому грунту и предположительно в начале XIX века в Англии появилась более прихотливая манера -- писать по-мокрому. Наверное, ничего удивительного в этом нет, так как остров, окруженный водным пространством, сам горделивый «туманный Альбион» с вечно повышенной влажностью воздуха пожелал распорядиться сделать живопись легкой и мягкой. С тех самых пор английская акварель, написанная на сырой бумаге, заполучила глубину и ощущение воздушной перспективы.

Однако художники уже на протяжении нескольких столетий использовали водорастворимые связующие с пигментами.

Еще в конце 15 века великой немецкий мастер Альберт Дюрер (1471-1538) создал замечательную серию натурных пейзажей, работая водными красками. В качестве основы Дюрер использовал пигмент и бумагу, сгущая цвет наложением дополнительных слоев краски и используя белизну бумаги для светлых участков.

В графике 17 века можно часто встретить монохромные рисунки, выполненные пером и чернилами, к которым добавлена размывка, а бывало, художники работали просто кистью и размывкой, как, например, Никола Пуссен (1594-1665) и Клод Лоррен (1600-1682). Преимущественно так выполнялись эскизы и наброски.

Формально их нельзя отнести к акварели, однако свободной техникой построения форм они во многом предвосхищают произведения последующих мастеров акварели.

Однако волею судьбы главным первопроходцем в освоении всех возможностей акварели стал Тернер, владевший этой техникой так, как ни один художник до него и редко кто позже.

Уйдя от практики простого закрашивания линейного рисунка, он постоянно экспериментировал с цветом, вводя новые пигменты и новые виды бумаги. Тернер обращался с цветом очень свободно, первым стал работать «по сырому», смывал, промокал губкой или соскребал уже положенную краску.

У Тернера было много «конкурентов» и в Англии и во Франции. Они также внесли значительный вклад в развитие искусства акварели. Джон Констебл (1776-1842) делал этюды на пленэре, работая в сильной и непосредственной манере, нередко соскребая краску, чтобы придать поверхности определенную фактуру.

2. Характер живописи

Акварель предвестница многообразных живописных техник и школ, стилей и направлений. Стоит отметить, что богатая и многоликая акварельная живопись позволяет дать оценку уровню мастерства её создателя. Причем как раз таки исходя из сравнения всего величия представительницы. Умелое использование и сочетание всевозможных приемов живописи, виртуозное маневрирование в рамках диапазона «сухости-влажности» -- данные факторы и будут оценочными критериями.

Следует также понимать, что рисунки акварелью не имеют какой-нибудь самостоятельной, автономной техники, поскольку последняя находится в чётком подчинении цели или задумки творца. Посему не сложно сделать вывод -- акварель ни больше, ни меньше многообразна и индивидуальна, как и людские почерки. Ни для кого не секрет, что сказанное можно отнести к любому виду искусства, однако именно акварель по-особенному восприимчива к «темпераментному движению кисти», которое исходит из пребывающего в движении духа мастера. В эту струю входит отношение к материалу на творческой, психической и философской ступенях. Именно здесь скрыта основная тайна и фундаментальная проблема владения технической стороной (техникой).

Основными качествами живописца, без которых никак не обойтись в процессе воплощения образа неподатливой, прихотливой, но желанной акварельной живописи являются высокая концентрация энергии, четкое понимание (видение) поставленной задачи, тонкое ощущение воды, бумаги и красок и, наконец, трезвость в самообладании.

Таким образом, если художники-живописцы недооценивают качество рабочих материалов, то это непременно отражается на конечном результате. Первым важнейшим условием для творения на пути к шансу стать «немеркнущим» в различных вариациях этого эпитета следует считать профессиональные материалы. Сама же техника акварельной живописи наряду с оценкой уровня мастерства живописца ценится, исходя из легкости, быстроты исполнения, умения передавать материальность фактур и предметов, безошибочного чувства композиции и рисунка, тонкого вкуса и чувства меры при исполнении отдельных деталей, в частности на этапе завершения работы.

Не менее важной составляющей можно считать особую одухотворенность материала, приближенную к чувству поэтичности. Примечательно, что иллюзия легкости владения техникой перетекает в вожделенное желание её имитации. Так, поверхностный подход, не закрепленный эстетическим чувством мастера и настоящим владением материала, приводит к реализации пустых и совершенно бессмысленных работ.



3. Акварель современных художников

Искусство наших дней отражает жизнь. Наверное, это главная задача, поставленная перед творцами современного искусства. Акварель -- не исключение.

Илья Карим. Рисунки акварелью нынешних представителей современного искусства, разумеется, сильно отличаются от классической школы живописи. Так, например, от акварельных картин Kareem Iliya веет модными тенденциями. Его работы походят на эскизы дизайнеров трендовой одежды. Они нежные, красочно раскрашенные, минималистичные в деталях… Именно модное содержание отличает данные произведения от шаблонных, особо непримечательных, обыкновенных набросков. Карим Илья предпочитает рисовать акварелью и чернилами. Дюжина критиков сошлась во мнении, дескать, работы Карима можно смело считать настоящими произведениями contemporary art!

Лаурент Парцельер. Продолжаем изучать рисунки акварелью. Представляем вашему вниманию серию творческих работ талантливого Лаурента Парцельера. Все представленные работы были сделаны практически в одном месте. Полотна художника словно норовят донести публике фоторепортаж тех мест, где бывал Laurent Parcelier.

Аруш Воцмуш. Работы этого талантливого русского человека исполнены в архисложной технике акварели. Они отличаются безукоризненным цветовым решением и неподражаемым виртуозным воссоединением фактуры и линии… Сюжеты картин Аруша Воцмуша преисполнены утонченной иронией и игрой.

Аруш Воцмуш -- выходец западной Сибири (г. Омск). Родился в 1967 году, спустя двадцать лет закончил Крымское художественное училище. Биография художника богата и, не исключено, что о ней мы поговорим в отдельной статье, всецело посвященной этому автору. А сейчас коротко и о главном.

Аруш числится как член Союза российских художников, Международного художественного Фонда и, наконец, Международной ассоциации художников (UNESCO). Последние несколько строк много о чем могут рассказать, но уж точно не больше чем сам художник в своем акварельном творчестве.

Улугбек Мухамедов. Скажи мало, но выскажи много, вот основной принцип творчества выдающегося художника современности Улугбека Джураевича Мухамедова, графика, мастера акварели, воссоздавшего в своих произведениях дух средневекового Востока. Образы, воспетые художником, воспринимаются, как сон наяву, в его акварелях поражает филигранная техника и способность малыми художественными средствами передать глубокое содержание. От этого миниатюрные по размерам работы выглядят, как большие полотна, имеющие эпическое философское звучание, рассказывающие о жизни узбекского народа, его истории и культуре.

Поразительно, но в работах Улугбека видишь то, что не изображено. Картины рождают настолько яркие образы, раскрывая самую глубинную суть сюжета, что подсознание зрителя, домысливая, "дорисовывает" сцену. Это, поистине, уникально.

Улугбек Мухамедов - редкое явление в искусстве. Его работы повергают в изумление даже видавших виды маститых художников. Мастер максимально образно оперирует утонченными художественными изобразительными "материями", которые ближе к нашему подсознанию и, в силу этого, имеют мощное эмоциональное воздействие. Образ в образе, почти как сон во сне, вот смысл его метода.

Творчество Улугбека Мухамедова - обширное поле для исследования, его картины еще предстоит изучать искусствоведам и культурологам, так как в них заложена феноменальная концепция в искусстве, дающая новый импульс и открывающая колоссальные возможности для развития мирового изобразительного искусства.

Стив Хэнкс. Чаще всего говорят о его художественных способностях, но в молодости, основным увлечением Стива Хэнкса был спорт. Хотя, его интерес к искусству рос вместе с тем, как взрослел Стив. В течение года он учился в Академии художеств Сан-Франциско, а позднее получил степень бакалавра изящных искусств в Калифорнийском колледже искусств и ремесел в Окленде, во времена взрывных шестидесятых годов.

Свои первые работы в жанре карикатуры Стив писал карандашом и маслом, до тех пор, пока аллергия на масляные краски не заставила его экспериментировать с акварелью. Адаптируя методики, Хэнкс научился создавать акварели настолько законченные и реалистичные, как будто они написаны маслом.

К 1973 году работы художника начали получать признание. Стив Хэнкс дважды выиграл премию Arts for the Parks Marine Art Award of Excellence, и вошёл в Топ-100 ассоциации фотографов и художников «Arts for the Parks» с 1989 года. Стив Хэнкс - один из самых узнаваемых американских художников конца XX века. Он получил награду Национального общества акварелистов (National Watercolor Society Merit Award), золотую медаль Национальной академии западного искусства (National Academy of Western Art) и был объявлен художником года в Тихоокеанском регионе на выставке в Сиэтле в 1999 году (Pacific Rim Show). Начиная с 1993 года Стив Хэнкс входит в Топ-10 американских художников по версии U.S. Art magazine. Стив был одним из пяти американцев, отобранных в Зал славы искусства (U.S. Art Hall of Fame) в 2000 году.

Стив Хэнкс родился в 1949 в Калифорнии, живет в Альбукерке, штат Нью-Мексико. Техника живописи - акварель. Его работы можно живьём увидеть в галереях E.S. Lawrence Gallery (в Аспене) и Trailside Galleries (в Джексон Хоул и в Скоттсдейл). Альбом цифровых репродукций его картин стабильно входит в Топ-10 самых популярных альбомов в крупнейшей галерее живописи рунета, Gallerix.ru.



4. Способы акварельной живописи

Чаще всего многослойная акварельная живопись - это живопись с предварительным общим или моделирующим тоном, в некоторых случаях называемым подмалевком, поверх которого художник постепенно накладывает прозрачные слои краски, достигая определенной световой силы.

В такой традиционной для русского искусства ХVIII-XIX веков манере работали и мастера Италии, Франции, Германии, Испании и, конечно, Англии, а в последствии и советские художники.

Способ М.А. Врубеля

Этим способом пользовались многие мастера конца ХIX века. Это - П. П. Чистяков, И. Е. Репин, В. И. Суриков и многие другие. Но свое наиболее полное и последовательное воплощение он нашел в работах М. А. Врубеля.

Как правило, это акварели небольшого формата, по словам самого М. А. Врубеля, размер "с почтовую открытку", а также 20х30 см, 30х40 см и очень редко большого размера.

Некоторые работы П.П. Чистякова и И.Е. Репина имеют приблизительный размер современного листа ватмана.

Попробуем теперь на основе воспоминаний, исследований, писем М. А. Врубеля и, конечно, самих акварелей представить возможную последовательность работы этим способом.

1. Твердым карандашом на хорошо проклеенной бумаге средней или мелкой зернистости в зависимости от размеров работы выполнить подробный, строгий рисунок с изображением внешних и внутренних контуров объектов, а также бликов, полутонов, теней как собственных, так и падающих, границ цветовых пятен, складок тканей, орнаментов и т.д.

Примером может служить незавершенный портрет Н.И. Забелы-Врубель 1904 года, на котором М.А. Врубель успел сделать несколько мазков на прическе и головном уборе, предоставив таким неожиданным образом возможность увидеть практически целиком этот удивительный подготовительный рисунок.

2. Изображаемые объекты прокрыть общим локальным цветовым тоном в 1/3 цветовой силы, светлоты. Оставить непокрытыми блики и другие светлые места. Подчеркнуть разницу в цвете между предметами или их частями.

3. По высохшему предварительному слою нанести отдельные цветовые плоскости изображаемого объекта в полную силу, создавая некую цветовую мозаику, переходя от более крупных заливок к более мелким. Там, где цветового тона недостаточно, покрыть последующие цветовые слои по высохшим предыдущим. И так до завершении работы, которая должна представлять собой объект, состоящий как бы из граней, площадок, по-разному расположенных в пространстве.

4. На данном этапе возможны некоторые размывки кистью, смягчающие резкие края некоторых заливок. Размывки могут обобщить отдельные участки работы, а также ослабить цветовой перегруз в случае ошибки. После высыхания данного участка на него можно нанести нужный цветовой тон. Иногда используются в качестве приема мелкие точки и штрихи, чтобы довести до нужного тона небольшие цветовые участки. Таким образом заполняются и мелкие промежутки между отдельными заливками.

Образцами такой последовательности работы акварелью являются ранние работы М.А. Врубеля: "Натурщица в обстановке Ренессанса" 1883 года, "Портрет старушки Кнорре за вязанием" 1883 года, натюрморт "Ткани" 1884 года, незаконченный портрет В. Е. Ершовой 1880-х годов, в котором благодаря незаконченности можно многое увидеть.

К сказанному следует добавить, что этот способ можно дополнить еще одним приемом в начале работы после выполнения рисунка. На лист бумаги нужно нанести слабый цветовой тон акварели, соответствующий общему тону изображаемой постановки, что придает работе особый цветовой настрой и обобщает ее.

Способ П. Сезанна.

Название способа указывает на его происхождение.

Известно что, Поль Сезанн, помимо масленой живописи, охотно и очень успешно писал акварельными красками. Сохранились очень интересные акварели художника.

Одни написаны двумя цветами: сине-пепельными и охрой красной. В других он немного расширяет свою палитру до трех цветов - зеленого, охры, красной и желтой, оставляя как основу сине-пепельный цвет.

В своих работах Сезанн опирался на один из трех принципов Поля Синьяка, который заключался в том, чтобы никогда не накладывать одну краску на другую, так как любой положенный поверх другого тон выцветает. Но в последние годы П. Сезанн, продолжая страстно увлекаться акварелью, писал совершенно по-другому.

Он перекрывал один цвет другим, затем третьим и так далее, используя при этом основные цвета - синий, красный, зеленый и желтый, примешивая к ним в небольшом количестве черный цвет, с помощью которого делал незначительные штриховые акценты поверх мазков. Самое главное, что П.Сезанн не смешивал основные цвета между собой, а использовал как бы принцип наложения друг на друга цветовых стекол.

Вот что писал об этом Эмиль Бернар в 1904 году: "Он начел с легкой тени, наносил пятно, покрывал его другим, большим пятном, затем третьим, пока все эти цветовые градации, перекрывая друг друга, не вылепливали цветом форму предметов".

Художник работал над всей композицией, касаясь то первого, то второго плана, то неба, а когда возвращался к тому или иному участку, новое положение краски не смывало предыдущий слой. Прозрачность акварели сохранялась.

Трудно сейчас сказать с уверенностью, кто наряду с П. Сезанном мог использовать этот способ, так как многие его современники работали, стараясь не перекрывать один чистый цвет другим.

Так или иначе, описанный способ просматривается в работах художников конца XX века. Мне приходилось видеть выполненные похожим образом работы на московских выставках. Их отличала воздушность в сочетании с особой звонкостью и свежестью цвета.

Последовательность работы этим способом следующая.

1. На лист бумаги нанести свободный рисунок графитным карандашом средней мягкости без использования ластика. Ошибочные линии, если они не столь интенсивны, можно оставить на бумаге, они дополнят будущий цветовой слой некоторой игрой линий.

2. Нанести цвет, начиная с синего, на тех участках, где он может присутствовать в той или иной степени. Мазки следует делать небольшие, по форме предмета, прозрачные, легкие.

Затем нужно нанести остальные цвета один за другим в любой последовательности, например красный, зеленый, желтый. Важно, что переход от более светлых тонов к более темным был постепенным. К чистым цветам в небольшом количестве можно добавить черный цвет. Перекрывание одного цветового пятна другим может быть неполным, т. е. чтобы предыдущий цвет кое-где просматривался в чистом виде. В этом приеме заключается особая цветовая прелесть способа.

3. На данном этапе нужно сделать цветовые акценты с использованием черного цвета, подчеркивающие форму изображаемого предмета или объекта.

В работе этим способом можно использовать вместо чистых ярких цветов земельные цвета, например, охру светлую, охру красную, а к ним добавить окись хрома, голубую ФЦ и черную. Интересная работа может получиться, если карандашный рисунок сделать каким-нибудь цветным карандашом, например, синим, зеленым или любым другим; важно, чтобы он был хорошо заметен на бумаге.



Классический способ

Классический способ, который в некоторых искусствоведческих работах называют "нарочитым", не свойственным акварельной живописи, активно применялся акварелистами ХIХ века в портретной живописи при моделировке лица, при изображении тканей, интерьеров, на отдельных участках фона и иногда в пейзаже.

В настоящее время этот способ никто практически не применяет, очевидно из-за его трудоемкости.

В начале ХIХ века способ широко применяли такие мастера, как П. Ф. Соколов, К.П. Брюллов, В. И. Гау, и многие известные и неизвестные художники. Данным способом в основном выполнялись миниатюрные акварельные портреты, но есть также и сюжетные сцены, и интерьеры.

Последовательность работы можно представить таким образом.

1. На лист акварельной хорошо проклеенной бумаги с небольшой зернистостью нанесли строгий неяркий рисунок твердым карандашом достаточно подробно.

2. На изображаемый предмет или объект нанести общий цветовой фон, соответствующий светлым участкам, за исключением бликов и светлых пяте, где бумага должна оставаться пока не тронутой цветом.

3. После высыхания первого слоя нанести последовательно друг на друга следующие слои-заливки, начиная со светлых полутонов и заканчивая самыми темными участками, собственными и падающими тенями. Края отдельных слоев - заливок не должны быть размыты. Каждый последующий слой нужно наносить на хорошо просушенный предыдущий. Таким образом, изображение доводится до неполной степени законченности, когда можно еще нанести примерно 1-2 слоя.

4. Острым кончиком тонкой кисти (возможно это современные №1, 2) на поверхность просохшего изображения или какой то его части нанести штриховой слой акварели, аналогичный карандашному или первому рисунку. Этот слой смягчает резкие края отдельных заливок, моделирует форму, доводит изображение до законченного состояния по светлоте и цветовой насыщенности и создает ощущение материальности изображаемого.

Наносимый штриховой слой, в котором штрихи могут пересекаться, накладывая друг на друга, может быть как одного цвета (обобщающего), так и разных цветов, в зависимости от состоящих перед художником задач.

Например, художники XIX века при моделировке лица на предварительный золотистый тон в светлых местах наносили розоватые штрихи, а в теневых - синеватые. Достоинство такого приема заключалось в его особой пластической выразительности, что позволяло "не замылить" форму и не сделать ее грубой. Это требовало большого мастерства.

В пейзажных и портретных работах мне приходилось проявлять огромную смелость, чтобы суметь воспользоваться хотя бы в незначительной степени этим способом, всякий раз оставляя надежды на будущие работы. Но даже самая незначительная удача при этом вызывала чувство удовлетворения и радости.

Способ А.В. Фонвизина

Рассматриваемый способ акварельной живописи назван по имени замечательного художника Артура Владимировича Фонвизина, работавшего в удивительной, неповторимой манере. И хотя существует мнение, что Фонвизин традиционен в своих работах, его скорее всего можно отнести к тому обстоятельству, что художник не пользовался белилами, не примешивал к акварели гуашь, т. е. был традиционен в чистой акварели.

В остальном его работы носят глубоко индивидуальный характер.

Можно было бы именно по этой причине не рассматривать его способ акварельной живописи, если бы не множество последователей, а точнее подражателей среди последующих поколений художников, особенно современных молодых акварелистов.

Некоторые художники и искусствоведы считают, что Фонвизин исполнял свои акварели по влажной поверхности бумаги. Это неверно. Художник не работает на предварительно смоченной бумаге, когда он целиком зависит от капризов растекающейся по мокрой бумаге краски.

Сохранились воспоминания современников художника, его моделей, наблюдавших за работой мастера. Можно внимательно посмотреть, и не один раз, на его работы в Третьяковской галерее и на различных выставках.

А.В. Фонвизин писал на ватманских листах ГОЗНАК ручной работы с небольшой зернистостью, прикрепляя бумагу к планшету кнопками, след от которых так и остался на работах.

Похоже, автор не делал подготовительного рисунка карандашом, а начинал рисовать тоненьким кончиком кисти, намечая только незначительные контуры изображаемого, о чем свидетельствуют незаконченные работы.

В прочем, эта незаконченность скорее производит впечатление особой лаконичности, присущей его работам. Затем, набрав крупной кистью большое количество воды с краской, он мягко втирал ее в поверхность бумаги, добавляя другие цвета для получения необходимого сложного тона, т. е. получалась своеобразная палитра на самой работе. С большим мастерством художник управлял широкими цветовыми потеками с помощью кисти, чередуя темные и светлые участки, оставляя порой почти нетронутой бумагу.

Кое-где художник вносил цветовые акценты на высохшей поверхности предыдущего слоя, порой совсем незначительные, почти точки, чтобы подчеркнуть форму или цветовое пятно. В портретах чаще всего акцентируются глаза и губы.

В некоторых работах видно, как художник, взяв активный цвет, который на первый взгляд выбивается из общего тона листа, наносил на его поверхность широкий мазок трепетным движением кисти.

В поздних работах А. В. Фонвизин слегка размывал некоторые цветовые участки, сочетая их с четкими заливками, а также накладывал несколько слоев цвета друг на друга. Однако его работы не производят впечатления многослойной акварели, они сохраняют удивительную свежесть, прозрачность и светоносность.

В заключение хочется добавить следующее. Рассматривая акварели современных молодых художников, увлеченных творчеством А. В. Фонвизина, хочется верить, что они в конечном счете смогут от подражания большому мастеру, скорее формальному, подойти к глубокому осмыслению его творчества и, используя основные, принципиальные подходы художника к акварели, создают свои неповторимые работы.

Способ К.П. Брюллова

Основой способа является подмалёвок, выполненный в холодный тонах.

Название способа говорит само за себя. Как известно, К. П. Брюллов был виртуозным акварелистом, овладевшим в совершенстве этой техникой, использовавшим в своих работах разные изобразительные приемы.

Мастерство художника можно видеть в его однотонных и многоцветных сюжетных работах.

Тем не менее во многих портретах просматривается способ, в котором он ограничивает свою красочную палитру, выполняя в начале с помощью синей и черной красок подмалевок, расцвечиваемый затем с помощью охры желтой и охры красной.

Надо отметить, что похожим приемом пользовались и другие русские художники.

Вспомним пейзажные работы М.Н. Воробьева и особенно большую группу акварелей А.А. Иванова, в которых он прокладывает по сути дела одни голубые холодные тени, решая таким образом задачу передачи пространства и воздушной перспективы.

Подробнее работы можно встретить у П. Сезанна, который спустя шесть десятилетий так сформулировал свою позицию в письме к Э. Бернару от 15 апреля 1904 года: "…природа для нас, людей, - это скорее глубина, чем плоскость: отсюда необходимость ввести в наши световые ощущения, передаваемые красными и желтыми цветами, достаточное количество голубого для того, чтобы чувствовался воздух".

По-видимому, те же задачи ставил перед собой К. П. Брюллов еще в начале ХIX века, добиваясь передачи воздушной среды и пространства в сюжетной и портретной акварельной живописи и приходя к еще более цельному цветовому решению.

Мы имеем удивительную, редкую возможность увидеть в начале XXI века замечательный портрет Г.Н. и В.А. Олениных среди атрибутов архитектуры на фоне римского пейзажа, а также женских портретов, выполненных мастером способом, о котором идет речь.

Из сказанного можно заключить, что этот способ применим в пейзаже, а также в портретных работах. Им можно писать натюрморт, когда натурная постановка составлена из предметов классической формы в сочетании с гипсовыми слепками на фоне драпировок холодного тона, т.е. когда предметы имеют не яркую цветовую насыщенность, когда можно передать пространство и воздушную среду. Способ можно также использовать для изображения интерьера.

Попробуем представить последовательность работы данным способом.

1. На лист хорошо проклеенной бумаги с фактурой средней или мелкой зернистости нанести строгий, подробный рисунок твердым карандашом таким образом, чтобы на бумаге было четкое изображение. Однако не должно быть углублений, которые может оставить твердый карандаш и которые будут видны сквозь слой акварели.

2. С помощью синей (в нашем случае это голубая ФЦ) и черной красок выполнить подмалевок в технике гризайли, доведя работу до некоторого незавершенности. Красочные слои накладывать друг на друга по высохшей поверхности последовательно от светлых к темным.

3. Используя охру светлую и охрану красную (можно также сиену жженую и английскую красную), довести работу до законченного состояния. При этом желтая краска, перекрывая синюю, дает зеленоватые оттенки, красная - фиолетовые, желтая и красная - оранжевые, а вместе все дают коричневые оттенки. На участках, где нет синего цвета, желтый и красный "звучат" в полную силу. При этом в незначительном количестве можно подмешивать черную краску.

4. На данном этапе в работу можно внести цветовые и тональные акценты (с небольшим количеством черного цвета), а также незначительные исправления в виде легких размывок. Впрочем, лучше к этому в данном случае не прибегать. В современной акварельной живописи этот способ практически не встречается.

Во всяком случае, мне не приходилось видеть работы, выполненные таким способом, на выставках.

В некоторых случаях я использовала этот способ, особенно в зимних пейзажах, расцвечивая их затем охрой светлой, английской красной и яркой зеленью. Мне пришлось идти от обратного в работе над теплым майским пейзажем с цветущей ивой и распускающейся зеленью над рекой. Чтобы передать теплоту воздуха, я выполнила сначала подмалевок, используя золотисто - желтую ЖХ и охру красную, а затем довела работу до законченного состояния с помощью алой красной, зеленой и синей красок.

Иллюстративно-декоративный способ

Этот способ, часто применяемый в современной иллюстративной графике, а также при выполнении декоративных работ, основан на одноразовом нанесении акварельного красочного слоя на определенный участок изображения со строго обозначенными границами.

Все цветовые оттенки на данном участке должны плавно перетекать один в другой.

Такие работы выполняются в условиях мастерской на основе собранного этюдного материала с натуры с предварительным карандашным эскизом в натуральную величину.

Прекрасной темой для данного способа кроме иллюстрации являются композиции из цветов, всевозможных овощей и фруктов, словом, все то, что принято называть дарами природы, в сочетании с предметами быта. Гораздо реже это способ используется в пейзаже и практически не применим в портрете из-за своеобразных, порой неожиданных, цветовых заливок.

Последовательность работы иллюстративно-декоративным способом:

1. Необходимо хорошо продумать и выполнить в натуральную величину графитным карандашом эскиз предстоящей работы. На эскизе четко обозначить все будущие цветовые участки, определяемые характером композиционного построения изображения.

При этом цветовыми участками могут быть как отдельные предметы, так и их части, на которые затем можно нанести акварель в полную силу с одного раза.

2. На данном этапе выполняется основная цветовая часть работы. Насыщенным красочным слоем, вводя в него последовательно все необходимые цветовые оттенки, плавно переходящие друг в друга, нужно покрыть прорисованный по контуру участок изображения.

Заливку следует выполнять кистью мягко, с достаточным количеством воды по всей поверхности участка, не допуская высыхающих пятен.

Вторичные нанесения краски всевозможные исправления не желательны, а порой и не допустимы, так как полученный цветовой участок должен выглядеть свежо, сочно, переливчато. В этом заключается весь смысл данного способа.

После того как прописанный участок полностью просохнет к нему приписывается другой и так далее до полного завершения работы. При этом планшет также можно отклонить в разные стороны, направляя красочный слой в нужном направлении.

3. Изображенная композиция хорошо воспринимается декоративным силуэтом на фоне белого листа бумаги. Но, по желанию, можно ввести цветовой фон - как темный, так и светлый. Для этого необходимо выбранным в качестве фона цветом с помощью небольшой кисти обвести изображение контуром толщиной от 0,5 до 1 см. Мелкие промежутки фона следует запомнить целиком.

4. Расположить работу горизонтально и большой кистью покрыть фон вокруг обозначенного контура, добавляя активно краску и воду, размывая четкость контура с наружной стороны. Красящий слой может растекаться неравномерно, меняя свою интенсивность, плавно сходя на нет в некоторых местах, образуя своеобразные перламутровые заливки. После этого работа должна находиться в горизонтальном положении до полного высыхания.

Иллюстративно-декоративный способ можно назвать современным, поскольку в настоящее время этим способом работают многие художники - иллюстраторы и станковисты, желающие придать своим работам декоративный характер. Впрочем, отдельные признаки способа можно заменить в иллюстрациях таких мастеров прошлого, как В.М.Васнецов и И.Я. Билибин, а также в некоторых станковых работах В.М. Конашевича.

Очень ярко, полно, наглядно технические приемы этого способа нашли выражение в декоративных работах эстонской художницы М.В. Лейс, выполненных в конце ХХ века. Ее работы удивляют своей оригинальной динамичной композицией, цветовой культурой и графической изысканностью.

И не случайно иллюстративно-декоративный способ акварельной живописи нашел отклик в творчестве молодых художников-акварелистов.

Работа по сухой поверхности бумаги.

При этом способе поверхность бумаги не смачивается перед началом работы цветом, как при первом способе. Живопись ведется отдельными участками или, как говорят художники, "от куска". Участки приписываются друг к другу. Бумага для работы может иметь как ярко выраженную зернистую структуру, так и не очень заметную.

Хорошо подходят листы не сильно проклеенные. Художники-акварелисты называют эту бумагу "мягкой". Такой способ акварельной живописи очень хорошо подходит для учебных краткосрочных заданий. Он используется также многими профессиональными художниками для решения творческих задач. Прекрасным примером применения этого способа живописи являются работы замечательного мастера акварели А.П. Остроумовой-Лебедевой, которые можно видеть в собрании Государственной Третьяковской галереи и в различных учебниках по акварельной живописи. Последовательность работы по сухой поверхности бумаги такова:

На лист бумаги нанести более подробный рисунок, чем при первом способе. Если работа не с натуры на природе, желательно сделать рисунок с предварительно выполненного эскиза, чтобы не испортить ластиком поверхность бумаги, исправляя ошибки. Затем лист прикрепить к планшету.

Акварельную краску взять кистью большого размера в полную цветовую силу с некоторым запасом на пожухание, с активным набором воды и нанести на поверхность бумаги, заполняя цветом определенный "кусок" и добавляя, где это необходимо, дополнительные цветовые оттенки.

К законченному "куску" приписать следующий и так далее до полного заполнения листа. Размеры "кусков" могут быть различными, они определяются характером изображаемого. Не совсем просохшие края отдельных соседних "кусков" в некоторых местах могут слегка перетекать друг в друга, образуя цветовые переливы, не требующие исправления и придающие работе своеобразную цветовую выразительность.

После того как прописана практически вся поверхность листа, нанести дополнительные цветовые акценты, а также незначительные смягчающие размывки, которые не должны испортить свежесть работы. Кроме того, нужно заполнить цветом мелкие участки бумаги, остающиеся, как правило, между отдельными "кусками" в процессе работы. Впрочем некоторые художники сознательно оставляют участки чистой бумаги, используя это как своеобразный живописный прием. Планшет с листом бумаги в процессе работы можно наклонять под разными углами в разные стороны, направляя в нужном направлении текущий красочный слой.

Акварельно-графический способ

Этот способ сочетает в себе графические и акварельные приемы.

Он берет начало от подкрашенных гравюр и рисунка ХVIII - ХIХ века.

Но если в них преобладающим было графическое начало, то в рассматриваемом способе рисунок и акварель выступают как бы равных, дополняя друг друга, когда штрих карандаша играет столь же важную роль, что и цвет, когда графическое и живописное начала оказываются слиты.

Это очень хорошо просматриваются в акварелях П. Синьяка начала 30-х годов ХХ века, в которых он, активно используя основные цвета - желтый, красный, синий и зеленый, добавляя немного черный, следует одному из трех своих принципов: "…первоначальный карандашный набросок не должен исчезнуть под пятнами акварели, напротив, он должен быть отчетливо виден, чтобы "создать игру линий в пустотах, разграничивающих те пространства, которые надлежит расцветить".

В начале ХХ века, сочетая акварель с графическими приемами, работали А.П. Остроумова - Лебедева, акварели которой носили более строгий цветовой характер, и позднее Д. И. Митрохин. Его работы отличаются выразительным линейным рисунком, поддержанным штриховкой в тенях и по форме предметов, и энергичным использованием акварели и даже в ряде случаев цветного карандаша.

Акварельно-графический способ может быть успешно применен как в иллюстративных, так и в станковых работах, пейзаже, натюрморте и даже портрете. Мне приходилось пользоваться им в тех случаях, когда за сравнительно небольшое время нужно было сделать максимально выразительный этюд, чтобы зафиксировать увиденное, который затем использовался в последующей работе.

Последовательность работы акварельно-графическим способом.

1. На лист бумаги, фактура которой может иметь различный характер (в зависимости от желания исполнителя), нанести свободный интенсивный рисунок мягким графитным или черным карандашом. Можно использовать черный карандаш из набора обычных цветных карандашей или стержень "негро". Формы предметов можно моделировать штрихами. Там, где необходимо, штрихами может быть заполнен и фон. При этом пользоваться ластиком не обязательно, предварительные легкие линии придают работе некоторую живость.

2. Используя текучесть акварели, на законченный рисунок нанести в полную силу цвета красящий слой, где один цвет может плавно переходить в другой.

3. На данном этапе можно усилить тени, вводя в работу дополнительные цветовые пятна, наносимые на просохший основной слой. К сказанному следует добавить, что для рисунка могут быть использованы угольный карандаш и акварельный, который слегка размываясь наносимым слоем каски, придает работе некоторую мягкость. Можно также применять и различные цветовые карандаши, подчеркивающие фактур.

Наряду с классическими приемами живописи акварелью жизнь не стоит на месте, и появляются новые материалы, оборудование и вместе с ними новые технические приемы живописи акварелью. Вот о них мы и поговорим на этой странице. Что нового применяют в акварельной живописи? Это следующее нововведения:

Использование корректирующей жидкости (штрих). Применяется для того, чтобы оставить светлый след. Наносится на бумагу в том месте, куда не должна попасть краска, после чего весь участок сплошь покрывается краской, а после высыхания ее штрих удаляется ножом для резки бумаги- остается светлый след.

Для этой же цели применяется парафиновые свечи- удобнее всего использовать свечи, которые предназначены для украшения тортов для именинников. Парафиновой свечой наносится рисунок, который будет провялятся после нанесения краски, так как парафин отталкивает воду.

Использование бумажных салфеток (или бумажного полотенца) для снятия излишков краски.

Использование клейкой ленты (лучше использовать строительную клейкую ленту на бумажной основе). Ее применяют с той же целью, что и штрих, только с помощью нее закрываются большие пространства бумаги.

Использование набрызгов краски в том числе и по корректирующим элементам (штриху, клейкой ленте, парафину). Набрызг краски удобнее всего производить с помощью обычной зубной щетки.

Использование фена для быстрой просушки бумаги с целью ускорения работы.

Использование мелко нарезанной бумаги и бумажных трафаретов (что приближает технику живописи акварелью к технике вырезной бумажной гравюры)

Использование гуммиарабика для стабилизации эффекта размытости акварели. Его применение не позволяет краске растекаться на соседние участи.



Заключение

Сегодня акварель можно встретить на каждом шагу: выставки, музеи, галереи -- всюду витает дух акварели. Однако, несмотря на распространенность и доступность, техника акварели загадочна и непостижима.

Из всех видов и техник живописи акварель является самой приятной для глаза и восприятия, и имеет большую популярность среди художников. К сожалению не многим удается раскрыть потенциал этого материала, но те кому это удается без сомнения выдающиеся и оригинальные художники. Они поражают нас яркостью и необычностью своих работ, даря только положительные эмоции.

Акварель - это воздух и вода на бумаге. Каждый акварелист создает ни с чем несравнимое пространство на листе, которое так и хочется вдохнуть и впитать в себя.



Библиографический список

1) http://way-art.ru/istoriya-zhivopisi/istoriya-texniki-akvareli

2) http://art-veranda.ru/paintings-and-drawings/akvarel-zhivopis-risunki-akverelyu/#ixzz2T6QtEAb4

3) http://sekretizo.narod.ru/akvarel/akvarel-sovremennie.html

4) http://oformitelblok.ru/aguarelle2.html

5) http://gallerix.ru/storeroom/1910072626/

6) http://xe-korneva.narod.ru/index/0-18

Размещено на Allbest.ru