Флорентийская мозаика в произведениях декоративно-прикладного искусства Италии XVII – XVIII веков

Размещено на http://www.allbest.ru/

Размещено на http://www.allbest.ru/

Московский государственный университет им. М.В. Ломоносова

Реферат

по предмету: Декоративно-прикладное искусство

на тему: Флорентийская мозаика в произведениях декоративно-прикладного искусства Италии XVII - XVIII веков

Искусство создания мозаик очень древнее. Дословно мозаика От лат. (opus) musivum -- (произведение) посвящённое музам. - «посвященная музам» - это изображение, созданное из кусочков различных по свойствам (цвет, структура, блеск и т.д.) материалов, в частности камней. Если «византийская» и «римская» мозаики это изображение, набранное из кусочков камня кубической или прямоугольной формы, во «флорентийской» мозаике изображение создается из плотно подогнанных друг к другу кусочков камней произвольной формы, необходимой для создаваемого изображения.

Флорентийской эта мозаика называется потому, что изобретение этого вида искусства инкрустации камнем произошел во Флоренции в середине шестнадцатого века. Искусство создания произведений из флорентийской мозаики расцвело во второй половине XVII века в мастерских великого герцога Фердинандо де Медичи I, он превратил частную семейную лабораторию в великолепные герцогские мастерскиеArt of the Royal Court. Treasures in Pietre Dure from the palaces of Europe. [catalogue of the exhibition at the Metropolitan Museum of Art, July 1-Sept. 21, 2008] - 2008. С.10., которые в следующем веке послужили прообразом придворных мастерских всех ведущих монархов Европы. Работы, выполненные в технике флорентийской мозаики, считались столь ценными, что до XVII века их производство было монополией государства. Произведения мастеров остаются и по сегодняшний день уникальными и дорогими предметами искусства, свидетелями своей эпохи, стиля и духа времени.

В связи с этим, цель данной курсовой работы:

- кратко изложить историю возникновения флорентийской мозаики;

- описать основные материалы и техники её создания;

- на конкретных примерах провести анализ произведений, в декоре которых использована техника флорентийской мозаики.

Флоренция три века была общеевропейским центром новой декоративно-прикладной техники работы с камнем. Особенностью техники флорентийской мозаики является тщательная подгонка (без швов) каждого элемента создаваемой картины. При этом «мастера стремились наивыгоднейшим образом использовать эффекты природного рисунка камня» Бирюкова Н.Ю. Западноевропейское прикладное искусство XVII - XVIII веков, стр. 14., - цветовые переходы, вкрапления, прожилки, трещинки, что позволяет создавать яркие и красочные композиции.

Кроме использовавшихся при создании «римских» мозаик, в основном мраморов и ониксов, флорентийские мастера значительно расширили «минеральную палитру», - стали применять яшмы, агаты, бирюзу, лазурит, кварц, оникс, порфир, горный хрусталь и другие ярко окрашенные камни, которые они называли «твердые камни». Это дало второе известное во всем мире название флорентийской мозаике - Pietre Dure. Некоторые из этих камней добывались недалеко от Флоренции (месторождение халцедона Вольтера) или месторождения яшмы Сицилии и Корсики, другие привозились из Индии, Египта, Туниса, Алжира, Афганистана и Испании.

Флорентийские мастера в совершенстве знали, как максимально использовать все возможности камня. Например, gialloantico - особому виду мрамора, придавали приятный розовый оттенок при нагревании. Совершенно особым образом готовился к работе халцедон. Этот камень применялся для передачи тонов человеческого тела. Извлеченные на поверхность куски халцедона медленно нагревались и затем на целый год закладывались обратно в свои естественные подземные хранилища, что позволяло усилить блеск и яркость красок.

Процесс создания каменной картины в технике флорентийской мозаики состоял из нескольких этапов. Сначала художником делался рисунок будущей картины, который адаптировался к возможностям камня «подборщиками» камней. Затем этот рисунок разбивался на фрагменты, которые выпиливались из различных кусочков камня. Затем, после тщательной подгонки и притирки для абсолютного прилегания кусочков, их помещали на ровную подложку, которая служила основанием мозаики, склеивали специальными мастиками, шлифовали и полировали до приданий зеркального блеска.

В технике флорентийской мозаики создавались картины, вставки, которыми инкрустировалась мебель, столешницы, шкатулки, декоративные панно, а также миниатюры, которые использовались в ювелирном искусстве.

В конце XVI века (т.е. в предшествующий рассматриваемому периоде), в основном, создавались произведения декоративно - прикладного искусства с абстрактными орнаментами, состоящие из ритмически повторяющихся геометрических фигур (прямоугольников, кругов, овалов), а также стилизованных цветов, геральдических лилий.

Важнейшей инновацией эпохи барокко стало использование твердых камней для создания реалистических изображений предметов - птиц, цветов, раковин, гербов, трофеев, а затем пейзажей, натюрмортов, жанровых сцен и композиций на литературные сюжеты.

Примером может служить кабинетВ эпоху Возрождения конструкция кабинета была очень проста - ларец или сундучок, поставленный на стол. В ящичках, скрывавшихся за наружными створками, хранились коллекции монет и медалей, драгоценности и документы. Сама комната, где стояли такие предметы интерьера, стала называться «кабинет». (Приложение № 1), 1606-1620-е гг. (60 x 97 x 36 см.), экзотические породы дуба, молдинги из эбенового дерева, pietre dure, сланец, горный хрусталь (место хранения - Нью-Йорк, Метрополитен музей). флорентийский мозаика декоративный прикладной

Кабинет прямоугольной формы, на 4-х сплюснутых круглых ножках. Фасад кабинета разделен на симметричные (относительно центральной оси) прямоугольные рамки. В них расположены вставки из флорентийской мозаики.

Центральная часть выделена композиционно и представлена в виде портика с пилястрами на цоколе и «разорванным» фронтоном, который является характерной архитектурной формой позднего Возрождения и Барокко. На фронтоне расположен герб флорентийского (итальянского) семейства Барберини Маффео Барберини, сын небогатого аристократа из Тосканы, основывает династию Барберини, т.к. в период своего понтификата (1623- 1643 гг.) принесёт семейству власть и финансовое могущество (История Италии Джонатан Китс; пер. с англ. Т.М. Котельниковой. М.:АСТ:Астрель, 2008. С. 108). (с их знаменитым символом - тремя пчёлами). Заказчиком произведения являлся представитель этого семейства Маффео Барберини, который в 1623 г. восходит на папский престол под именем Урбана VIII.

В арочном обрамлении на центральной дверце изображен Орфей, в античной тунике нежно-розового цвета и в лавровом венке, играющий на золотой лире, дикие звери и птицы смиренно расположились вокруг него. Некоторые звери даны фрагментарно (лев, тигр, коза, собака), пейзаж обозначен условно, деревья по обе стороны композиции также изображены частично. В этом приеме проявляется эффект остановленной действительности, схваченного момента, а не статики сюжета.

Еще одна немаловажная составляющая - ассоциативный звуковой эффект - золотая лира в руках Орфея. Музыкальные инструменты изображались в живописи еще с эпохи Ренессанса, в данном предмете «игра» Орфея настраивает на музыкально-поэтическое восприятие всех остальных изображенных сюжетов.

Большинство сюжетов мозаичных вставок взяты из басен фригийского баснописца Эзопа. Например, такие: Лев и Мышь, Лисица и Журавль, Петух и алмаз, Собака с куском мяса Например, одна из басен: Собака с куском мяса в зубах перебиралась через речку и увидела в воде свое отражение. Она решила, что это другая собака с куском побольше, бросила свое мясо и кинулась отбивать чужое, так и осталась она без того и без другого. Басня направлена против жадного человека..

Выбор сюжетов из басен Эзопа не случаен. Во-первых, Эзоп был заново открыт в XIV веке (сборник, написанный монахом Максимом Планудом); а латинский перевод, сделанный Федром в 1 в. н.э., вышел в свет в 1596 г. (только в 1668 г. басни Эзопа переложит на стихи Лафонтен). Во-вторых, в 1485 г. Франческо дель Туппо (Наполи) выпускает ксилографии http://www.metmuseum.org/, которые легли в основу композиционных решений этого комода. Да и сам Маффео Барберини был поэт и прозаик На портрете Маффео Барберини, работы Караваджо (1606 -1608 гг), мы видим будущего папу Урбана VIII с небольшим томиком собственных сочинений. Его "Poemata" -- латинские гимны, оды и эпиграммы -- были изданы в Риме (1631) и Париже (1642), вместе с некоторыми его ранними итальянскими стихотворениями. Сочинения Урбана VIII переизданы в Оксфорде в 1726 году. (Махов А. Караваджо. М.: Молодая гвардия, 2009. С. 87.).

Две доски по обе стороны от центральной дверцы, имеют изображения мифических существ: слева от двери кабинета - саламандра (эмблема Франциска I, как и Маффео, знаменитого покровителя искусств), и справа - Феникс (герб Папы Климента VIII, который назначил Маффео апостольским нунцием в Париже в 1606 г.). Оба существа показаны в языках пламени, т.к. саламандра способна не гореть в огне, а Феникс возрождается из пепла.

В нижней части комода три композиции. Две крайние - сцены охоты на дикого кабана и доверчивого оленя, а посередине - два петуха несут поверженную лисицу. Возможно, такая сцена говорит о том, что те, кто мог стать жертвой, повергнут своих врагов. И так как во времена понтификата Урбана VIII идёт сближение Ватикана с Францией, возможна трактовка петухов как галлов (эмблемы Франции «gallus»), а лисицы, как главного персонажа средневекового французского эпоса «Роман о лисице» («Roman de Renard»), XII-XIV вв.

Именно в эпоху барокко в литературе и в живописи бытует метаморфизм, сатирическое отношение к действительности, насыщенность риторическими фигурами, антитезами. Басни Эзопа в этой связи популярны, но не читаются буквально. Что они могут означать именно в этом произведении и именно для этого заказчика? Возможно то, что разные человеческие пороки (хитрость, жадность, невежество и т.д.) усмиряет глава католической церкви в образе Орфея, который усмиряет диких зверей. Он как Добрый пастырь со своим стадом, что ассоциируется с ранне-христианскими образами.

В оформлении комода имеются также две цветочные композиции (по краям). В вазах крупные цветы стоят в середине, а мелкие их как бы дополняют, располагаясь свободно и просторно. Такие приемы соответствуют еще эпохе Возрождения, но хотя букеты изображены еще не достаточно реалистично, все цветы в них узнаваемы (это адонис, тюльпаны, дикая гвоздика, ландыши, лилии, роза - символ богатства и знатности, Фритилярий имперский - символ власти).

В целом, это произведение изготовлено в начале правления папы Урбана VIII, и призвано, наряду с другими (например, плафон палаццо Барберини, работы Пьетро да Кортона, 1633-1639 гг.) прославлять его власть, богатство, знатность и образованность.

Кабинет (Приложение № 2), 1620-1623 гг., (56 х 88 х 49 см), черное дерево, позолоченная бронза, гранат, pietre dure. (Лихтенштейн музей в Вене). Выполнен знаменитым мастером Джулиано ди Пиеро Пандольфини.

Комод на плоском основании. Фасад комода разделен на три части, - узкая центральная и две боковые симметричные. Композиции из флорентийской мозаики вписаны в геометрические фигуры - прямоугольники, восьмиугольники и овалы. В дополнительном обрамлении этих фигур использованы камни граната.

В центральной части использованы пилястры на высоком цоколе, углы оформлены тоже пилястрами с цоколем, которые образуют своеобразные раскреповки.

В верхней композиции центральной части изображен герб и флаг (прекрасно передан муар стяга), внизу монограмма - атрибуты, принадлежащие заказчику, принцу Карлу I фон Лихтенштейн Карл I фон Лихтенштейн (1569 - 1627 г.р.) родоначальник княжеской фамилии Лихтенштейнов, верный подданный Габсбургов. В годы Тридцатилетней войны Карл выступает на стороне Католической лиги, и в 1622 году император Фердинанд II назначает Карла на должность губернатора и вице-регента Богемии. Увлечение искусством, продолжение традиций семьи, коллекции, собрания - в музее Лихтенштейн в Вене. .

Интересны композиции вставок из флорентийской мозаики. Мы видим изображение пейзажей - архитектурный городской пейзаж, и сельский. Архитектура типична для северо-восточных окрестностей бывшей Священной римской империи.

Все пейзажи населены, однако в них нет шумной толпы. В прямоугольных рамках городские дома и горожане (до трёх персонажей), в восьмиугольных загородные замки и прогуливающиеся пары (уже вполне галантные сцены), есть дальняя панорама с одиноким путником. В овальных вставках изображены сельские пейзажи с рыбаком, или сельским жителем (жанровые сцены).

Художественное решение пейзажей основано на сочетании ярких цветовых пятен, изображение плоскостно и декоративно. (Перспективное сокращение и свето-воздушная среда даже больше переданы в сельских сценах).

В первой трети XVII века пейзаж в итальянской живописи, под влиянием голландской, формируется как отдельный жанр. Мастер Джулиано ди Пиеро Пандольфини выступает в этом произведении смелым новатором, вводя пейзажные и жанровые сцены в такой дорогой предмет мебели.

Кабинет (Приложение № 3) в 1709 г., (280х162х54 см.), эбеновое дерево, тополь, сосна, экзотические породы дерева, позолоченная бронза (Музей Питти, Флоренция). Выполнен по проекту знаменитого флорентийского скульптора Джованни Батиста Фоджини (1652-1725 гг.) Джованни Батиста Фоджини (Foggini) мастер позднего барокко, учился в Риме, сформировался под влиянием работ Дж.Л.Бернини. Известны его скульптурные статуи и бюсты (Кардинал Леопольдо Медичи, 1681, Флоренция, галерея Уффици; бюст Галилея, Флоренция, церковь Санта Кроче), скульптурные группы небольших размеров из бронзы. .

В период раннего барокко кабинет принимает форму шкафа на высоком подстолье. Наряду с роскошью, приоритет отдаётся удобству Соколова Т. М. Художественная мебель. Очерки по истории художественной мебели XV - ХIХ веков. М.: Сварог и К, 2000. С. 74. (пользоваться многочисленными ящичками на уровне глаз эргономичнее). Нижняя часть данного кабинета (подстолье) исполнено в форме массивного столба с базой и пышными волютами по бокам.

Верхняя часть кабинета традиционно решена в форме архитектурного сооружения, с балюстрадой и полукруглым фронтоном. На четырех углах балюстрады находятся вазоны из золоченой бронзы со вставками камней. Фасад членится элементами архитектурного декора - пилястрами с ионическими капителями.

В центральной части кабинета ниша-экседра, в которую помещено скульптурное изображение - мужская фигура в доспехах, характерных образу бога войны Марса, но специфический парик - указывает на приметы барочного времени. Здесь изображен т.н. Elector Palatine, Иоганн Вильгельм II, Курфюрст ПфальцскийСын курфюрста Филиппа Вильгельма Пфальцского, Курфюрст Пфальцский с 1690 г. Дело в том, что в 1691 году он женится 2-ой раз, на Анне Марии Луизе де Медичи (1667-1743), единственной дочери КозимоIII де Медичи (1642-1723), герцога Тосканского. (Enrico Colle. Il mobile Barocco in Italia. Arredi e decorazioni d`interni dal 1600 al 1738. Milano. Electa, 2000. С. 182.). Вполне вероятно, что такой заказ во флорентийскую мастерскую мог поступить в качестве свадебного подарка, что подтверждает «двойной» герб, объединяющий гербы рода Медичи и герб территорий Курпфальца. Военные трофеи, на которых восседает Иоганн Вильгельм II, означают участие его отряда во внутриимперских конфликтах конца XVII века.. Халцедон использован для фигуры, доспехи - из позолоченной бронзы.

Фронтон украшен трофеями и гербом, который состоит из символов двух семейств (Медичи и Курпфальц, Иоганн Вильгельм II был женат на дочери Козимо III Медичи Анне Луизе). Две женские фигуры, аллегория Благородства и аллегория Силы Enrico Colle. Il mobile Barocco in Italia. Arredi e decorazioni d`interni dal 1600 al 1738. Milano. Electa, 2000. С. 182., со своими атрибутами, на фронтоне ритмически повторяют его пирамидальную форму.

В симметрично расположенных рамках цветочные композиции, фрукты, птицы в радужном оперении, маскароны. Все это соответствует манере работ Фоджини, т.к. мебель из черного дерева в пышном барочном стиле по его проектам в изобилии украшалась объемными изображениями. Динамичная поза фигуры курфюрста, диагонали фигур аллегорий, причудливое сочетание реалистично изображенных птиц и фруктов с фантастически переплетающимися цветами и листьями, в полной мере раскрывают напряженность пластики и гротескность декора в эпоху зрелого и позднего барокко.

Кабинет работы Фоджини полностью соответствует эстетике барокко, заключенной в синтезе искусств - архитектуры, скульптуры и живописи.

Как уже говорилось, в технике флорентийской мозаики создавались и другие предметы декоративно-прикладного искусства. Например,

Шкатулка для ювелирных изделий (Приложение № 4), 1720-1730 гг. (34.9 x 52.7 x 43.2 см), дуб и эбеновое дерево, ляпис лазурь, халцедон, жемчуг, мастер Джованни Баттиста Фоджини (Миннеаполис институт искусств) и Ночные часы Дж.-Б. Фоджини (Приложение № 4), 1704-1705 гг.(37 x 24 x 11 см), эбеновое дерево, позолоченная бронза, ляпис - лазурь и т.д. (Музей Гетти). Проявляется интерес мастера-живописца к механистическим достижениям времени. Эти ночные часы подсвечивались сзади масляной лампой (механизм - мастер Франческо Папиллион).

Такие предметы чаще всего становились подарками по различным случаям для известных особ по всей Европе.

Форма шкатулки простая прямоугольная со срезанными углами, на которых размещены маскароны с гирляндой листьев и ягод (такое украшение встречается почти во всех работах Фоджини). Часы решены сложнее, в виде барочного церковного алтаря с волютами и разорванным фронтоном. Автором деревянного каркаса здесь выступает знаменитый мастер-краснодеревщик Леонард ванн дер Винне. Леонард ванн дер Винне - известный фламандский мастер - краснодеревщик, в 1659 г. приезжает в Италию, работает в мастерских Медичи до своей смерти в 1713 г. (перевод с сайта музея Гетти Наверху композиция из небольших бронзовых скульптур - кабана (миниатюрная копия античного мраморного изображения, хранящегося в Уффици) и двух пути. Кабан - символ спокойствия Флоренции По преданию, в XVI веке в городе появился дикий кабан, своим ревом вселявший ужас в жителей. Напуганные флорентийцы заперлись в домах, и только один маленький мальчик подошел к зверю и погладил его по мордочке. Кабан присмирел и вскоре ушел из города. Античный оригинал статуэтки находится в галерее Уффици..

Предметы небольшие, композиции в них ясные, ритм волнообразных линий гармоничен. В шкатулке цветочные композиции (букеты, перевязанные лазурной лентой) исполнены более натуралистично. В часах небольшие веточки даны более объёмно, это достигается использованием свето-теневых переходов белого и серого мрамора. «Главным героем» центральной композиции из флорентийской мозаики является попугай яркой окраски, внизу и в боковых вставках изображены фантастические животные (голова лошади с хвостом морского конька; или голова птицы, с туловищем собаки и хвостом дракона т.п.). Это распространенная в эпоху барокко гротесковая орнаментация (заново открытая в XV веке при обнаружении золотого дома Нерона), использовавшаяся еще Рафаэлем в ватиканских росписях, в принципе, характерна для итальянской живописи.

Традиции барокко сильны в Италии до последней трети XVIII века. Стиль рококо проникает постепенно (середина 18 века), но не приобретает достаточной популярности. Типичным приемом, которым пользуются мастера рококо - это эффект «обманки» - композициями, имитирующими объемные предметы. Эта техника требовала безошибочного подбора камней различных оттенков, которые могли бы передать не только разницу в локальных цветах, но также и тончайшую градацию оттенков при переходе от света к тени.

Примером могут служить две столешницы консолей, (Приложение № 5) датируемые 1761 и 1766 годами, работы известного мастера Джузеппе Дзокки Джузеппе Дзокки (Giuzeppe Zocchi) (1711-1767 гг.)- известный флорентийский живописец и гравер, мастер ведуты. Можно сказать, что Дж.Дзокки значит также много для Флоренции, как Каналетто и Франческо Гварди для Венеции, и Дж-Б-Пиранези для Рима. Дж.Дзокки начал свое обучение во Флоренции, учился мастерству также в Венеции, Болонье, Милане и Риме. С 1754 г. по 1760 г. был официальным дизайнером по флорентийской мозаике во флорентийской мастерской (Enrico Colle. Il mobile Rococo in Italia. Arredi e decorazioni d`interni dal 1738 al 1775. Milano. Electa, 2003. С. 190.). (67х106 см). Одна из них с изображениями, символизирующими аллегорию Воды (место хранения - Венский музей мебели), другая - аллегорию Воздуха (место хранения - музей Лувр).

Форма консолей более спокойная, что является проявлением влияния стиля рококо. Композиции располагаются фризово по трем сторонам столешницы. Центральное поле с аллегорией воды - пустое, а с аллегорией воздуха заполнено.

В столешнице с аллегорией Воды - ракушки (спиралевидные, гребешкового типа), кораллы, нитка с жемчугом.

В столешнице с аллегорией Воздуха - реалистичные изображения цветов (тюльпаны, ромашки, вьюнки, васильки, полевые цветы - в рококо эстетика простого, не экзотические и дорогие цветы), бабочки, гусеницы. Цветы собраны в гирлянду, перевязанную светло-голубой лентой.

Бабочки изображены очень точно, энциклопедично. Реально узнаваемы - Махаон, Подалирий, Пестрянка-эфиальт и другие экзотические виды. Эпоха Просвещения накладывает свой отпечаток - быстро развиваются различные науки, и наряду с математикой, астрономией, физикой, возникает глубокий интерес к флоре и фауне. Издаются ботанические и зоологические научные Атласы с иллюстрациями. И художники ими пользуются. На консоли с аллегорией Воздуха изображение бабочек статично (или строго вид сверху, или боковой вид), что подтверждает использование научных трудов, а не наблюдение и зарисовки с натуры. Экзотическая природа стран, путешествия в которые активно предпринимаются в XVI-XVIII веках, дает большую цветовую палитру для художников эпохи Барокко и Рококо.

Флорентийская мастерская сохраняла свою славу вплоть до крушения в1859 г. Тосканского герцогства. Ее творчество оказало решающее влияние на создание мастерских в других государствах Европы В России центром мозаичных работ стала Петергофская гранильная фабрика. Первые работы были выполнены в технике римской мозаики, но уже во второй половине XVIII века мастера фабрики осваивают мозаику флорентийских мастеров. В поисках подходящих камней с мягкими цветовыми переходами на Урал, Алтай и Сибирь отправляются специальные экспедиции, возвращающиеся с богатой добычей местных яшм, агата, орлеца, змеевика, малахита., среди которых особенно выделялись мастерские Богемии и Франции. В России техника флорентийской мозаики уже применяется во 2 пол 18 века, используя камни Урала, Алтая и Сибири.

Произведения декоративно-прикладного искусства с использованием техники флорентийской мозаики, безусловно, предназначались они только для очень богатых и знаменитых людей Италии В социально - политическом плане рассматриваемый период неспокоен - шли завоевательные междоусобные войны, восстания, население голодало, бесчинствовали болезни. (История Италии. Джонатан Китс; пер. с англ. Т.М. Котельниковой. М.:АСТ:Астрель, 2008. С.109).

Бирюкова Н.Ю. Западноевропейское прикладное искусство XVII - XVIII веков, стр. 14. и Европы. И эти шедевры полностью отвечали современным течениям и в живописи, и в архитектуре и в скульптуре, ориентировались на работы знаменитейших мастеров того времени (и итальянских, и европейских), но авторы их были новаторами, и гениальными мастерами.

Флорентийская мозаика удовлетворяла «стремлению к декоративности и ярким полихромным сочетаниям, соответствующим эпохе барокко».

Список литературы

1. Басни Эзопа. Пер. с греч. М. Л. Гаспарова. М.: Паритет издательство, 2009 г.

2. Бирюкова Н.Ю. Западноевропейское прикладное искусство XVII - XVIII веков. Л.: Искусство, 1972.

3. Всеобщая история искусств. В шести томах. В 8 книгах. Т.4. Под общей ред. А. Д. Чегодаева. М.: Искусство, 1963.

4. Дэвидсон Пол. Справочник коллекционера антиквариата. Периодизация по детали. М.: Арт-Родник, 2000.

5. История Италии. Джонатан Китс; пер. с англ. Т.М. Котельниковой. М.:АСТ:Астрель, 2008.

6. Кес Д. Стили мебели. М.: Издательство В. Шевчук, 2008.

7. Махов А. Караваджо. М.: Молодая гвардия, 2009. (Жизнь замечательных людей).

8. Соколова Т. М. Художественная мебель. Очерки по истории художественной мебели XV - ХIХ веков. М.: Сварог и К, 2000.

9. 500 years of Italian Furniture. Magnificence and Design. Edited by Luigi Settembrini, Enrico Colle, Manolo De Giorgi. SKIRA, 2009.

10. Art of the Royal Court. Treasures in Pietre Dure from the palaces of Europe. [catalogue of the exhibition at the Metropolitan Museum of Art, July 1-Sept. 21, 2008] - 2008

11. Enrico Colle. Il mobile Barocco in Italia. Arredi e decorazioni d`interni dal 1600 al 1738. Milano. Electa, 2000.

12. Enrico Colle. Il mobile Rococo in Italia. Arredi e decorazioni d`interni dal 1738 al 1775. Milano. Electa, 2003.

Размещено на Allbest.ru