Просветительский реализм в изобразительном искусстве 18 века

Характеристика просветительского реализма как художественного метода в европейском искусстве и литературе XVIII века. Анализ творчества У. Хогарта, Ж.-Б. Шардена, Ж.Л. Давида, Ж.А. Гудона. Изучение идей Просвещения в русском изобразительном искусстве.

Рубрика Культура и искусство
Вид реферат
Язык русский
Дата добавления 18.04.2016
Размер файла 132,7 K

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http://www.allbest.ru/

1. Просветительский реализм

ПРОСВЕТИТЕЛЬСКИЙ РЕАЛИЗМ - художественный метод в европейском искусстве и литературе XVIII в., в соответствии с которым все явления общественной жизни и поступки отдельных людей оценивались как разумные или неразумные. Создателями и теоретиками его стали Дидро во Франции и Лессинг в Германии. Отличительными особенностями просветительского реализма были дальнейшее расширение и демократизация тематики в таких формах художественной культуры, как литература, театр, живопись; появление нового героя -- представителя третьего сословия, объявленного в духе времени носителем Разума или Природы; отказ от нормативности, свойственной классицизму; требование жизненной правды, документально точного раскрытия характеров и «мнений»; назидательность повествования, связанная со стремлением донести до слушателя, зрителя, читателя общественные или нравственные идеи. При этом сторонники данного метода часто допускали условность в своих произведениях. Так, обстоятельства в романе и драме не обязательно были типичными. Они могли быть условными, как в эксперименте. Главным достижением просветительского реализма стало создание романа Нового времени -- могучего средства художественного познания действительности. Его основоположником считается Д. Дефо, зачинатель таких жанровых разновидностей романа, как биографический, приключенческий, психологический, уголовный, авантюрный, воспитательный и аллегорический. Д. Свифт стал создателем жанра сатирического философско-политического романа. В эпоху зрелого Просвещения появился семейно-бытовой (С. Ричардсон) и социально-бытовой (Г. Фильдинг) роман. Появление нового героя привело к возникновению «мещанской» драмы («Лондонский купец» Д. Лилло, «Коварство и любовь» Ф. Шиллера, «Побочный сын» Д. Дидро и др.), просветительской демократической (Р. Шеридан) и социально-политической (Г. Фильдинг) комедии. Сценический реализм был в полной мере воплощен в творчестве П. О. Бомарше.

Просветительские идеи оказали воздействие на становление реалистической живописи XVIII в. Художники реалисты У. Хогарт, Ж. Б. Шарден вступили в борьбу за искоренение пороков общества, обратились к обыденным ситуациям или к созданию картин «на современные нравственные темы -- области еще не испробованной ни в одной стране» (Сатирические циклы У. Хогарта). Ж. Б. Шарден превратил натюрморт в самостоятельный жанр живописи.

2. Творчество Ульяма Хогарта

К первой половине XVIII века относится рождение национальной школы живописи в Англии. Основателем отечественной художественной школы и одним из ярких ее мастеров был Уильям Хогарт. Своим смелым и оригинальным творчеством он положил начало нового расцвета английской живописи.

Произведения Хогарта явились правдивым отображением жизни различных слоев английского общества и были проникнуты правдивыми активными критическими тенденциями.

Картины и гравюры художника отличались высоким мастерством драматического повествования, новаторской самобытностью и оригинальностью художественного решения. Он активно боролся за утверждения реализма и идей гражданственности в искусстве. В своем теоретическом трактате «Анализ красоты» (1753 г.) художник выдвигал положения демократической эстетики реализма. Он резко осуждал лживую льстивость шаблонных светских портретов, отстаивал бытовую живопись, основанную на непосредственном наблюдении и раскрывающую сущность жизненных явлений.

Искусство Хогарта оказало значительное влияние на европейскую бытовую живопись XIX века, оно несло в себе многие наиболее существенные черты дальнейшего развития и явилось предвестником всего того, что стало характерным для европейского искусства XIX века, в частности критического реализма.

Важную часть творческого наследия Уильяма Хогарта составляют его работы на бытовые и нравоучительные темы. Каждый из его циклов - это развернутое драматическое повествование о человеческих судьбах, это своеобразный вызов обществу, где Хогарт метко и остро показывает социальную среду и типические обстоятельства английской жизни.

Художник считал, что основную задачу «полезного» искусства составляет суд над жизнью, а методом служит сатира. Подобно тому, как передовые писатели Просвещения создали новый тип художественного произведения - бытовой реалистический роман, Хогарт создал новый для своего времени жанр - серии сатирических бытовых картин. Эти серии читались как романы и благодаря ясности их художественного языка были доступны гораздо более широким кругам людей, чем любая книга.

Творчество Хогарта также в значительной своей части посвящено осмеянию пороков современного ему общества; но, раскрывая мрачные картины жестокости, продажности, аморальности, духовной бедности и материальной нищеты, художник никогда не изменяет своей вере в человека. Художник создает портреты. Его образы говорят о здоровье, душевной силе, внутренней красоте людей - чертах, которые умеет видеть художник и которые являются основой его искусства.

2. Первые шаги Хогарта в искусстве и формирование в его творчестве самостоятельной оценки по отношению к действительности

К 1730-м годам в Англии появляется самобытный и удивительный художник - Уильям Хогарт.

У. Хогарт (1697-1764) родился в семье перебравшегося в Лондон сельского учителя. Его отец сначала держал школу в своем селении, затем в Лондоне, а в дальнейшем работал корректором, занимался литературой и оставил несколько работ философического характера, которые не принесли ему материальной обеспеченности.

Из этих высказываний следует, что его метод сложился с самых молодых лет. Для него предметом искусства и единственным источником художественных образов была жизнь. Он считал, что следует изучать не правила предшественников и созданные ими образы, а окружающий мир. Бессмысленно копировать предметы и фигуры, необходимо развивать память и фиксировать наблюдения.

Для гравюры характерны простые приемы рисунка и четкий ритм композиции.

В 1726 году Хогарт сделал к «Гудибрасу» две серии иллюстраций: в первой, по требованию заказчиков - книготорговцев, он довольно близко придерживался приемов анонимных иллюстраций более раннего издания этой книги (1710), но внес существенные изменения. Вторую же серию можно считать самостоятельным произведением художника. Реалистические иллюстрации свидетельствуют о зрелости его рисунка, о богатстве творческой фантазии. Для них характерны цельность композиции, широкий своеобразный ритм и необычайная насыщенность деталями бытового характера.

В 1729 году Хогарт женился на дочери художника Торнхилла, обвенчавшись с нею тайком от ее родителей. Родители вскоре простили Хогарта и молодые супруги поселились вместе с Торнхиллами.

Художник занимался живописью уже с начала 1720-х годов, когда учился в Академии у Вандербэнка, участвуя в росписях загородного дома вместе со своим учителем Торнхиллом.

Хогарт довольно быстро исчерпал возможности жанра «разговорных» групповых портретов, который уводил его в сферу салонного искусства. Все больше и больше его увлекали темы общественного звучания, которые отвечали идеалам художника и особенностям его дарования. Но как сатирик и автор злободневных тем он развернулся в полной мере в 1730-х годах.

Таким образом, в первый период своей деятельности молодой Хогарт предстает перед нами как человек с рано сформировавшимся мировоззрением, как мастер большой творческой целеустремленности. Уже в ранние годы он делает первые шаги к достижению цели всей жизни - созданию полезных для общества произведений искусства. Юношеские работы показывают, что в листах на злободневные темы Хогарт в какой то мере нашел своих учителей, свой жанр и установил контакт с той публикой, к которой обращался. Он брал в качестве материала события из жизни и трактовал их сатирически, давал им оценку. Используя опыт предшественников, он продолжал вырабатывать и свой художественный язык. просветительский реализм изобразительный искусство

4. Серия «Модный брак»

В первой половине 40-х годов XVIII века Хогарт создает свою самую знаменитую серию «Модный брак» (шесть картин, галерея Тейт, Лондон). Цикл слагается из отдельных драматических сюжетов. Заглавия сцен раскрывают замысел серии. Хогарт неоднократно называл себя не живописцем, а «автором» серий, желая подчеркнуть этим значение литературного сюжета, положенного в их основу, недаром многие современники оценивают его именно как автора. Т. Готье говорит: «Хогарт - это Аристофан кисти, который рисует свои комедии вместо того, чтобы писать их».[[7],[8]- Кроль А.Е. Уильям Хогарт. Л.-М., 1965, с. 83-84.7] Теккерей, посвятивший художнику целый раздел в своих лекциях о комических писателях XVIII века подчеркивает профессиональную писательскую завершенность сюжетных циклов Хогарта.

Мысль автора становится знакомой зрителю, когда он узнает всю серию. Художник изображает людей в момент самого действия, его герои будто разговаривают между собой. Это удается Хогарту благодаря точной передаче мимики и жестов.

Серии картин Хогарта пользовались широкой популярностью в среде писателей, которые использовали их в драматических переделках. Чарль Лэмб в своей статье говорит: «… Другие картины мы рассматриваем - его гравюры мы читаем». Однако следует сказать, что созданные Хогартом сюжеты и характеры обрабатывались, как правило, малозначительными авторами и лишь отдельные эпизоды.

Трудно установить и точную датировку цикла «Модный брак». Существуют две близкие друг другу серии картин на эту тему. Одна, как уже говорилось ранее в галерее Тейт (Лондон), другая, отличающаяся от нее в деталях и которую считают эскизами Хогарта, законченные другой рукой - в собрании Г.Р. Виллета. Существует предположение, что известная серия была написана между 1742 и 1745 годами.

«Модный брак»

был третьей сатирической серией Хогарта. В картинах этой серии зритель видит острую социальную сатиру, выставляющую на посмеяние общественный слой. Изображая сцены из жизни высшего общества Хогарт показывает не менее уродливого и порочного, страшного и смешного, чем в сценах из жизни бродяг, воров и проституток. Персонажи также как и в предыдущих сериях приобретают портретность.

Сюжет Уильяма Хогарта - брак по расчету. Это повесть о женитьбе разорившегося сынка на дочери богатого торговца, явлении весьма обычном в Англии времен Хогарта, о кутежах мужа и о ничем, за исключением любовной интриги, не заполненной жизни жены. История эта заканчивается трагической развязкой - смертью графа, заколотого любовником графини, попадающим за это на виселицу, и самоубийством графини.

Выразителен уже первый эпизод - «Брачный контракт»

который заключается как коммерческая сделка. Собрались заинтересованные лица. Они образую две группы. Первая изображает старого лорда с породистым портфелем и величественной осанкой и сидящего напротив отца невесты с брачным контрактом в руках, который с ужасом смотрит на будущего родственника и подсчитывает, во что ему обойдется это родство. Другая группа - сидящие со скучным видом жених и невеста, олицетворяющие пассивное равнодушие. На первом плане изображены фигурки животных, связанные цепью, символизирующие такой же союз, который заключается в этой комнате.

Картину отличает выразительность, четка, продуманная композиция, волнистая «змеевидная» линия подчеркивает все очертания, умело сгруппированы персонажи.

Хогарт показал в этом сюжете распространенное явление из жизни английского общества. Жадные до денег и общественного положения отцы, хитрые и корыстолюбивые, ради собственной наживы заключают союз между своими детьми, которые являются для них товаром. Отец невесты покупает себе место в среде знати и не боится переплатить. Жадность, страх, угодливость воплощены в его лице и фигуре. Бегающий хитрый взгляд подчеркивает его натуру. Старый лорд - отец жениха, оглядывающий все вокруг с высоты величия, умеющий сохранить высокомерный вид перед покупателем, набивает себе цену. Каждый хочет урвать лакомый кусочек. Непрочность этой сделки видна сразу каждому зрителю.

Во второй сцене («Утренний завтрак. Вскоре после свадьбы»)

] участвуют все три персонажа. Эта композиция изображает утро в доме молодых. Опрокинутые стулья, которые лениво поднимает заспанный слуга, валяющиеся на полу игральные карты, музыкальные инструменты и тетрадь нот - все говорит о вчерашнем празднике, окончившемся изрядной вакханалией. Довольно миловидная графиня небрежно потягивается, вот-вот зевнет, и выражает полное безразличие к своему супругу, ввалившемуся в комнаты, не сняв шляпы и тяжело рухнувшемуся в кресло. Управляющий с пачкой счетов в руке удаляется, воздев руки к небу.

Все, что происходит в картине - взаимоотношения между действующими лицами, каждая физиономия, каждый жест - обрисовано чрезвычайно ясно и наглядно.

Третья сцена («У шарлатана») [Прил. рис. 20] повествует о дальнейших приключениях мужа. Он пришел со своей подругой к шарлатану - врачу. Врач принимает их в эффектно убранном кабинете, где каждый предмет говорит об «учености» хозяина. Молодой кутила разоблачает шарлатана, замахиваясь на него тростью. За врача вступается известная в Лондоне сводня Бэтти Кэрлесс. Художник объединил с помощью жестов, взглядов и общего действия, врача-шарлатана и сводню в одну группу, которая как бы отдаляет фигуру беззащитной, робкой фигуры юной жертвы.

В следующей картине - «Утренний прием»

художник раскрывает характер развлечений молодой графини. Мы видим ее за утренним туалетом. Возле хозяйки суетится парикмахер, знаменитый в Лондоне певец поет под аккомпанемент флейты, гости оживленно о чем то беседуют, а на кушетке развалился стряпчий, который ведет себя как дома. Он протягивает графине билеты на маскарад. Отношения между хозяйкой дома и стряпчим дают для окружающих богатую пищу для размышлений.

Мягкие созвучия красок, розовых и серебристо-серых, или оливковых, розоватых и коричнево-золотистых, передают внешнее благополучие и нарядность этого быта, а композиция картин, полных суматошного движения, отвечает внутренней пустоте и разладу в жизни героев «Модного брака».

Следующие картины из серии «Модный брак» близят зрителя к развязке. В пятой картине [Прил. рис. 22] показан переломный момент: падает, пораженный на смерть муж, молодая жена стоит на коленях перед лежащим мужем, а любовник - убийца скрывается в окне. Выразительность сцены определяется ее динамикой. Хогарт делает смелую попытку схватить неуловимый миг как в движениях так и в душевных переживаниях героев. Как и в других сценах действие опять происходит в конкретной обстановке с множеством реальных деталей. Лица и фигуры сцены показаны в тени.

Шестая сцена окрашена горечью и драматизмом. Графиня принимает яд. У ее ног лежит лист с последними словами казненного любовника. Через распахнутое окно мрачного старого жилища расстилается прекрасный вид на широкую Темзу и Лондонский мост - как символ жизни простирается невозмутимо текущая река, несмотря ни на какие жизненные трагедии.

В серии «Модный брак» Уильям Хогарт затронул важную социальную проблему, за что его считали моралистом - проповедником. Художник не наказывает зло. Не страдают жадный отец, пожертвовавший своею дочерью и старый лорд, выгодно женивший сына. Пострадали их дети, которые стали пассивными жертвами безжалостных общественных условий. Судьбу героев определяет в сюжетах Хогарта социальная обстановка. Положительные герои в его картинах очень редки, так как художник видит главное не в торжествующей добродетели и морали, а в утверждении неизбежности пороков и несчастий.

В середине 1740-х годов Хогарт делает попытку провозгласить положительные жизненные ценности. Он начинает серию «Счастливый брак» (1745). Но замысел художника не был доведен до конца, сохранилось лишь шесть эпизодов из этой начатой серии. В гравюрах сохранились первая, четвертая и пятая картины, в живописи - третья и шестая, и в виде живописного фрагмента - вторая.

Особое место в творчестве Уильяма Хогарта занимает серия гравюр «Прилежание и леность» (1747-1748 годы), в которой художник наиболее пространно развивает свою положительную программу.

Хогарт был сыном своего века, он безжалостно обличал пороки и в тоже время разделял те иллюзии, которые проповедали писатели Просвещения, например Дефо. К таким иллюзиям относилась мысль о том, что счастье и богатство - это награда человеку за добродетель и честный труд. Дефо в романе «Робинзон Крузо» изображает смелого, настойчивого, трудолюбивого героя, который своими руками построил счастье, несмотря на превратности судьбы. В дидактической серии «Прилежание и леность» Хогарт отдает дань этому идеалу времени.

Около 1750-1751 годов Хогарт создает еще несколько графических произведений поучительного характера: сюиту «Четыре степени жестокости» и два парных офорта «Улица Джина» и «Улица Пива» [Прил. рис. 30, 31]. В них он следует той же программе, какую проводил и в своей большой дидактической серии «Прилежание и леность» [Прил. рис. 32].

В гравюрах «Улица Джина» и «Улица Пива» художник обращается к народу. Хогарт пишет: «Поскольку темы этих гравюр рассчитаны на то, чтобы воздействовать на некоторые распространенные пороки, присущие низшим классам, то в надежнее на самое широкое распространение гравюр автор исполнил их в наиболее дешевой технике».[[15],[16]- Кроль А.Е. Уильям Хогарт. Л.-М., 1965, с. 115.15]

На этот раз Хогарт выступил как общественный деятель, борющийся с пьянством, которое было настоящим бичом Англии его времени. Это социальное зло усиливалось вместе с ростом нищеты и болезней в среде «низших» классов. Разумеется, не в одном пьянстве коренилась причина нищеты и смертности неимущего населения Лондона, но Хогарт, как и передовые умы того времени, не сознавал в чем источник зла. Поэтому художник вместе с другими английскими просветителями направлял всю силу своей критики не на основы социального строя, а лишь на одно из сопутствующих им явлений.

Гравюры «Улица Джина» и «Улица Пива» встретили немедленный отклик, и в 1751 году в парламенте прошел акт, запрещающий незаконную продажу джина.

Как пишет Уильям Хогарт, на листе «Улица Джина» показаны последствия потребления этого напитка - «… безделье, нищета, бедность и отчаяние, доводящее до безумия и смерти».

Художник делит лист на два плана по диагонали, идущей из правого верхнего угла в нижний левый угол. Справа он изображает несколько узловых эпизодов с немногочисленными персонажами. Слева изображены городские строения и улицы с толпой мелких человеческих фигур. Фоном центральных стен служит нищий Лондон с его переполненными кораблями и полуразрушенными домами.

Безвыходность тупика, в котором гибнут обитатели «Улицы Джина», подчеркнута распространенными у Хогарта символами: вывеской ссудной кассы с тремя тяжелыми шарами и вывеской кабатчика в виде огромного кувшина с надписью «Королевский джин».

«Улица Пива» представляет контраст «Улице Джина». Сцена полна веселого оживления. Художник изображает улицу с чистыми, отстроенными домами. По улице идут прохожие, живописец заканчивает вывеску, где изображает танцующих крестьян вокруг стога ячменя. За столами люди пьют пиво. Единственный заброшенный дом - ссудная касса, на ступенях которой стоит странствующий торговец пивом.

Если в предыдущем листе комическое служит, чтобы подчеркнуть трагическое, то «Улица Пива» вся проникнута жизнерадостным мягким юмором. Иронично изображены Хогартом любители пива с огромными животами, держащие полные кружки пива с пышной пеной. Вывеска ссудной кассы уже не кажется зловещей.

Еще одна серия нравоучительного характера была названа Хогартом «Четыре степени жестокости». Она изображает жизненный путь человека, который в детстве мучает кошек и собак, затем истязает лошадей и в итоге становится убийцей. Труп казненного преступника по закону отдается врачам, которые расчленяют его на части.

Хогарт писал: «Эти листы были награвированы в надежде в какой-то мере изменить к лучшему варварское обращение с животными, один вид истязаний которых делает нашей столицы (Лондона) столь прискорбными для каждой чувствительной души. Если они окажут это действие и воспрепятствуют жестокости, я буду больше гордиться тем, что являюсь их автором, чем если бы я написал картоны Рафаэля».( Кроль А.Е. Уильям Хогарт. Л.-М., 1965, с. 117.18)

«Четыре степени жестокости», как и серия «Прилежание и леность» как «Улица Джина» и «Улица Пива», пишет Кроль А.Е., раскрывают Хогарта как художника, который не проходит мило социальных бедствий и не пытается смешить зрителей картинами нищеты и невежества. Хогарт не остается при этом простым моралистом-проповедником, а шире и объективнее смотрит на мир, чем большинство его современников. Выбирая в качестве героя графа или бродягу, знатную даму или проститутку, он осуждает в их образах те темные черты, которые свойственны не только отдельным личностям, но и целым общественным группам. Хогарт обращал эти злободневные серии к народу и они пользовались популярностью, но публика, к которой он обращался, подчас восхищалась забавностью эпизода, комичностью лиц и на замечала глубокого смысла его произведений.

Таким образом, творчество Хогарта сыграло важную роль в развитии английского искусства. Его произведения явились реалистическим отражением современной жизни различных слоев английского общества и были проникнуты активными критическими мыслями в духе прогрессивных идей того времени. Картины и гравюры Хогарта отличались высоким мастерством драматического повествования, новаторской самобытностью и оригинальностью художественного решения Он активно боролся за утверждение реализма и идей гражданственности в искусстве, отстаивая ведущее место бытового жанра в живописи.

3. Творчество Жана Батиста Симеона Шардена

Жан Батимст Симеомн Шардемн (1699--1779) -- французский живописец, один из известнейших художников XVIII столетия и один из лучших колористов в истории живописи, прославившийся своими работами в области натюрморта и жанровой живописи.

В своём творчестве художник сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических сюжетов, свойственных искусству его времени. Основным предметом его натюрмортов и жанровых сцен, целиком основанных на натурных наблюдениях и являвшихся по сути скрытыми портретами, была повседневная домашняя жизнь людей из так называемого третьего сословия, переданная в спокойной, задушевной и правдивой манере. Шарден, чья деятельность как художника ознаменовала собой расцвет реализма в XVIII в., продолжил традиции голландских и фламандских мастеров натюрморта и бытового жанра XVII в., обогатив эту традицию и внеся в своё творчество оттенок изящества и естественности.[1]

Ученик Пьера-Жака Каза и Ноэля Куапеля, Шарден родился и всю жизнь провёл в парижском квартале Сен-Жермен-де-Пре. Нет никаких свидетельств о том, что он вообще бывал за пределами французской столицы. Помогая Куапелю исполнять аксессуары в его картинах, приобрёл необычайное искусство изображать неодушевленные предметы всякого рода и решился посвятить себя исключительно их воспроизведению. В начале своей самостоятельной деятельности писал плоды, овощи, цветы, хозяйственные принадлежности, охотничьи атрибуты с таким мастерством, что любители искусства принимали его картины за работы знаменитых фламандских и голландских художников, и только с 1739 года расширил круг своих сюжетов сценами домашнего быта небогатых людей и портретами.

Он рано стал известен парижской публике как превосходный мастер натюрморта. Это произошло во многом благодаря парижской «выставке дебютантов», которая проходила на площади Дофина. Так, в 1728 году он представил там несколько полотен, среди которых был в том числе натюрморт «Скат». Картина так поразилаНикола де Ларжильера, почётного члена французской Академии живописи и скульптуры, что он предложил молодому художнику выставить свои произведения в стенах академии. Впоследствии живописец настоял на том, чтобы Шарден поборолся за место в Академии. Уже в сентябре его кандидатура была принята, и он был занесён в списки как «изобразитель цветов, плодов и жанровых сцен».

Бытовой жанр и натюрморт органически связаны в его искусстве как аспекты целостного и поэтически глубокого восприятия реальности. Вслед за голландцами французский жанрист умел выразить очарование интерьера и тех предметов домашнего обихода, которые окружают человека. Для своих композиций Шарден выбирал самые обычные предметы -- кухонный бак для воды, старые кастрюли, овощи, глиняный кувшин, и лишь изредка в его натюрмортах можно увидеть величественные атрибуты наук и искусств. Достоинство этих картин -- не в драгоценности вещей, которую так любили голландцы, а в их одухотворенной поэтической жизни, в уравновешенности построения, создающих образ гармонического бытия.

В совершенстве владея знанием цветовых отношений, Шарден тонко чувствовал взаимосвязь предметов и своеобразие их структуры. Дидро восхищался тем умением, с которым художник заставляет ощутить движение соков под кожицей плода. В цвете предмета Шарден видел множество оттенков и маленькими мазками передавал их. Из подобных оттенков соткан его белый цвет. Необычайно многочисленны серые и коричневые тона, которыми владел Шарден. Пронизывающие полотно лучи света придают предмету ясность и чёткость.

В 1730-х гг. Шарден обратился к жанровой живописи, к повседневным семейным и домашним сценам, полным любви и покоя, удивительной образной и колористической цельности («Молитва перед обедом», 1744). В жанровых сценах Шарден воссоздал спокойный, размеренный уклад повседневной жизни -- то в самые заурядные, но лирически возвышенные моменты, то в эпизодах, имеющих внутреннее нравственное значение.

Картины жанровой живописи, отличающиеся наивной простотой содержания, силой и гармоничностью красок, мягкостью и сочностью кисти, ещё более, чем прежние работы Шардена, выдвинули его из ряда современных ему художников и укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В 1728 г. он был сопричислен к парижской академии художеств, в 1743 г. избран в её советники, в 1750 г. принял на себя должность её казначея; кроме того, с 1765 г. он состоял членом руанской академии наук, словесности и изящных искусств.

В произведениях разных лет и разных жанров, таких, как «Прачка» (1737), «Банка с оливками» (1760) или «Атрибуты искусств» (1766), Шарден всегда остается превосходным рисовальщиком и колористом, художником «тихой жизни», поэтом повседневности; его пристальный и нежный взгляд одухотворяет самые обыденные предметы. В последние годы жизни Шарден обратился к пастели и создал несколько великолепных портретов (автопортрет, 1775), в которых проявил присущую ему эмоциональную тонкость, но также способность к психологическому анализу.

Многое для распространения славы Шардена сделали энциклопедисты, которые противопоставляли его «буржуазное» искусство «оторвавшимся от народа» придворным художникам -- мастерам эротических и пасторальных виньеток в духе рококо. Дидро сравнивал его мастерство с колдовством: «О, Шарден, это не белая, красная и черная краски, которые ты растираешь на своей палитре, но сама сущность предметов; ты берешь воздух и свет на кончик своей кисти и накладываешь их на холст!»

4. Творчество Жана Луи Давида

Жак-Луим Давимд ( 30 августа 1748, Париж -- 29 декабря 1825, Брюссель) -- французский живописец и педагог, крупный представитель французского неоклассицизма в живописи.

Жак-Луи Давид родился 30 августа 1748 года в семье оптового торговца железом Луи-Мориса Давида и его жены, Мари-Женевьев (урожд. Бюрон) и в тот же день был крещён в церкви Сен-Жермен-л'Осеруа. До 2 августа 1757 года -- дня смерти своего отца, возможно, погибшего на дуэли, жил в пансионе монастыря Пикпюс. Благодаря брату матери, Франсуа Бюрону, девятилетний Жак-Луи, позанимавшись с репетитором, поступил в Коллеж Четырёх Наций на курс риторики. После чего мать, оставив ребёнка в Париже на попечении брата, уехала в Эврё. Жак-Франсуа Демезон, были архитекторами, также семья была связана родством с художником Франсуа Буше. Заметив у ребёнка способности к рисованию, было решено, что он станет архитектором, как и оба его дяди.

Давид берёт уроки рисунка в Академии Святого Луки, в 1764 году родственники представляют его Франсуа Буше в надежде, что тот возьмёт Жака-Луи себе в ученики. Однако из-за болезни художника этого не произошло -- тем не менее, он рекомендовал юноше начать заниматься у одного из ведущих мастеров исторической живописи раннего неоклассицизма Жозефа Вьена. Два года спустя, в 1766 году Давид поступает в Королевскую Академию живописи и скульптуры, где начинает заниматься в мастерской Вьена. Педагогическая система последнего, проведшего несколько лет в Италии и увлечённого античностью, была основана на изучении античного искусства, произведений Рафаэля, братьев Карраччи, Микеланджело, требовании достижения в живописи «правды» и «величия».

В 1775--1780 Давид обучался во Французской академии в Риме, где изучал античное искусство и творчество мастеровэпохи Возрождения.

В мае 1782 года женился на Шарлотте Пекуль. Она родила ему четверых детей[3].

В 1783 году был избран членом Академии живописи.

Активно участвовал в революционном движении. В 1792 году был избран депутатом Национального Конвента, где примкнул к монтаньярам во главе с Маратом и Робеспьером, голосовал за смерть короля Людовика XVI. Являлся членом Комитета общественной безопасности, в качестве которого подписывал приказы об аресте «врагов революции». Из-за политических разногласий в это время развелся с женой.

Стремясь увековечить события революции, Давид пишет ряд картин, посвящённых революционерам: «Клятва в зале для игры в мяч» (1791, не закончена), «Смерть Марата» (1793, Музей современного искусства, Брюссель). Также в это время организовывал массовые народные празднества и создал Национальный музей в Лувре.

В 1794 году после термидорианского переворота заключён в тюрьму за революционные взгляды.

В ноябре 1796 года повторно женился на Шарлотте.

В 1797 году стал свидетелем торжественного въезда в Париж Наполеона Бонапарта и с тех пор становится его пылким сторонником, а после прихода того к власти -- придворным «первым художником». Давид создаёт картины, посвящённые переходу Наполеона через Альпы, его коронации, а также ряд композиций и портретов приближённых к Наполеону лиц. После поражения Наполеона в битве при Ватерлоо в 1815 году бежал в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни.

Был похоронен на кладбище квартала Леопольда в Сен-Жосс-тен-Ноде (в 1882 году перезахоронен на Брюссельском кладбище[en] в Эвере), его сердце было перевезено в Париж и захоронено на кладбище Пер-Лашез.

5. Творчество Жана Антуана Гудона

Жан Антуан Гудон (1741- 1828) - известный скульптор классицизма. Им создана уникальная портретная энциклопедия выдающихся людей эпохи. Его главный герой - человек общественный, благородного и сильного характера, мужественный и бесстрашный, творческая личность. Гудона никогда не интересовали титулы и звания тех, кого он запечатлевал в мраморе и бронзе. В созданных им образах мастерски переданы не только внешнее, но и внутреннее сходство с оригиналом, особенности психологии героя. Портрет композитора Глюка, оратора Мирабо, комедиографа Мольера, общественных деятелей Д.Дидро и Ж.Ж.Руссо, американского президента Дж. Вашингтона - вот лучшие работы великого скульптора. Известно, что и Екатерина Великая заказывала ему свой портрет, но Гудон отказался ехать в Россию. Статую русской императрицы он блестяще исполнил по многочисленным портретам, так ни разу и не увидев оригинала.

Слава непревзойденного мастера скульптурного портрета, которую Гудон завоевал еще при жизни, неоспорима и по сей день. Отчасти это связано с личностями его моделей -- великих людей XVIII в.: Вольтера, Ж. Ж. Руссо, Д. Дидро, Б. Франклина, Дж. Вашингтона. Между тем, портреты этих знаменитостей создавали и другие скульпторы, но в нашем сознании они упорно продолжают существовать именно такими, какими изобразил их Гудон. И это не удивительно. Произведения мастера поражают исходящим от них ощущением жизни. Один из современников так отозвался о его скульптуре: «Она бы заговорила, если бы монашеский устав не предписывал ей молчание». Секрет в том, что в своей работе Гудон пользовался древним правилом: нужно задать вопрос, привлечь внимание и изображать человека именно в тот момент, когда все лицо оживает и ответ готов сорваться с губ. К тому же он разработал один простой, но создающий поразительный эффект прием. Моделируя глаза и веки в соответствии с формой натуры, он делал углубление на всю ширину радужной оболочки с таким расчетом, чтобы заполняющая его тень казалась частью объемной и выпуклой поверхности глаза, а зрачок -- совсем черным. Оставленная маленькая «подвеска» белого мрамора порождала иллюзию светового блика, доводя впечатление объемности до совершенства. В результате глаза выглядели живыми, прозрачными и чуть влажными. Такой точности в передаче выражения человеческого взгляда не удавалось еще достигнуть ни одному скульптору.

Притом, что признание таланта пришло к мастеру довольно быстро, он, судя по сохранившимся документам, оставался простым и даже малообразованным человеком. Вся его жизнь, небогатая на эффектные или драматические события, сводилась к упорному ежедневному труду в мастерской и будничным житейским заботам. Однако всему, что касалось его любимого дела, Гудон уделял самое пристальное внимание, будь то изучение строения человеческого тела или соперничество с другими скульпторами.

Жан Антуан родился в Версале 20 марта 1741 г. в семье, далекой от искусства. Его отец Жак Гудон был выходцем из крестьян Ко времени рождения сына он работал простым привратником версальской резиденции графа Деламотта, генерального инспектора королевских парков. Отец и братья матери, Анны Рабаш, были садовниками в этих парках, а из трех сыновей и четырех дочерей супругов Гудон лишь Жан Антуан. четвертый ребенок, завоевал славу художника. Похоже, свыше позаботились о том, чтобы предоставить возможность врожденному таланту мальчика развиться в истинное мастерство. Вслед за отцом, переведенным в парижский дом графа Деламотта, семья переезжает в столицу, а в 1749 г. этот дом сдается в аренду французской короне под «Школу для избранных учеников». То есть тех воспитанников Королевской академии живописи и ваяния, кто в числе лучших из лучших готовился к поездке в Рим для дальнейшего обучения за счет государства. Жаку Гудону разрешили остаться привратником в новой школе, и Жан Антуан с малых лет оказался среди людей искусства. Мальчик жадно впитывал саму атмосферу творчества, царящую в школе, приходил в мастерские и, выпросив глину, увлеченно лепил, подражая старшим. Сначала ученики, а затем и преподаватели обратили внимание на способного ребенка, помогали ему, давали советы и, наконец, содействовали тому, что в 1756 г. юный Гудон стал учеником академии. В том же году он получил серебряную медаль за успехи в выполнении этюдов, а пять лет спустя за барельеф «Царица Савская подносит дары Соломону» (1761 г.) удостоился первой премии -- золотой медали с правом обучения во Французской академии в Риме -- и вернулся в свою родную «Школу для избранных» теперь уже в качестве ученика. Его основным педагогом был М. А. Слодц, но немало полезных знаний он почерпнул и у других академиков -- Ж. Б. Лемуана и Ж. Б. Пигаля. Три следующих года Жан Антуан посвятил овладению искусством обработки мрамора, изучению истории и мифологии, параллельно посещал Анатомический театр, непосредственно знакомясь с внутренним строением человека, а также Лувр и другие коллекции, приобщаясь к произведениям искусства иных стран и великих мастеров прошлого.

В 1764 г. Гудон уезжает в Рим. Согласно распространенной по всей Европе академической системе обучения он обязан был делать копии скульптур на темы классической мифологии, и его первой работой в этом направлении была небольшая по размерам «Весталка» (1767-- 1768 гг.) -- довольно свободно трактованное повторение античной статуи. Причем скульптор несоизмеримо улучшил скучный эллинистический оригинал, придав ему нежность и женственность, характерную для стиля рококо, сохранив при этом специфически классический дух. В дальнейшем он часто возвращался к этому образу, как и ко многим другим, иногда просто копируя свое произведение в разных материалах -- гипсе, мраморе, терракоте, бронзе, -- а иногда создавая варианты, различающиеся в деталях. К римскому периоду творчества Гудона относятся такие работы, как «Святой Бруно», «Святой Иоанн Креститель» (обе в 1766--1767 гг.), «Жрец Луперкалии» (1768 г.) и другие, а также широко известная скульптура «Экорше» (1766--1767 гг.) -- человека с обнаженными мускулами, -- слепки и копии которой стали необходимым атрибутом художественных школ Европы и Америки вплоть до наших дней. Более того, ею при обучении пользовались даже медики.

Интересно, что эта выдающаяся и, пожалуй, самая любимая анатомическая модель в истории скульптуры поначалу была всего лишь гипсовым эскизом для «Иоанна Крестителя». Фигура, созданная на основе глубокого изучения анатомии на трупах в больнице Святого Людовика Французского, изображена в медленном движении с протянутой в благословении правой рукой и сама по себе является шедевром скульптурного мастерства. Эта поза была полностью перенесена в первый, несохранившийся вариант «Иоанна Крестителя», исполненного, как и «Святой Бруно», по более чем почетному для начинающего художника заказу настоятеля церкви Санта Мария дельи Анжели. Много позже Гудон создал другую, бронзовую фигуру «Экорше» (1792 г.), слегка изменив положение рук

В ноябре 1768 г. Жан Антуан вернулся в Париж. Закончился период ученичества, и теперь перед молодым скульптором стояла задача стать независимым мастером, добиться признания на родине, а заодно приобрести приличествующее его способностям материальное положение. В 1769 г. на основании исполненных в Италии работ Гудон без труда был причислен к академии, что давало ему право выставляться в двухгодичных академических Салонах, а значит, иметь возможность показать свои произведения публике и, что более важно, вероятным высоким покровителям. Начиная с этого времени скульптор учавовал почти во всех подобных выставках вплоть до 1814 г.

Первым значительным произведением Гудона по возвращении во Францию был портретный бюст философа Д Дидро (1771 г.), открывший целую галерею образов -- как современников, так и великих людей прошлого: Мольера (1778 г.), Ж. Ж. Руссо (вариации в 1778--1779 гг.), О. Г. Мирабо (1791 г.) и др. После этой работы художнику поступили заказы со стороны герцога Саксен-Готского. небольшое княжество которого в Германии он посетил накануне, и российской императрицы Екатерины II, ставшей первой царствующей покровительницей скульптора. В 1773 г. мастер исполнил мраморный бюст Екатерины Великой, в котором прекрасно передал сходство с оригиналом, причем не только внешнее, но и характерное. хотя в своей работе был вынужден опираться лишь а картины, рисунки или гравюры французских авторов. Портрет императрицы начисто опровергает устоявшееся чнение о том, что Гудон не мог эффективно работать, не чея перед собой живой модели. Действительно, мастер зачастую производил тщательные обмеры портретируемого, делал гипсовые слепки головы и отдельных частей фигуры, а иногда, как в случаях с Мирабо и Руссо, даже снимал посмертные маски. Но все эти действия лишь облегчали труд скульптора, но никак не являлись решающими. Доказательством тому могут служить и портреты давно ушедших из жизни Мольера и Ж. де Лафонтена (ок. 1781 г.), поражающие точной передачей характерных черт.

Следует отметить, что, несмотря на великолепное умение обрабатывать мрамор, Гудон был в первую очередь лепщиком, а не резчиком. Сначала он работал с глиной, а затем делал гипсовую форму, которая хранилась в мастерской и давала ему возможность повторять свои произведения в гипсе, терракоте, бронзе или мраморе до тех пор, пока на них существовал спрос. Причем, прекрасно владея литейной техникой, скульптор лично участвовал в отливке бронзовых статуй, делая окончательную доработку с помощью скребка и оставляя поверхность шероховатой, а не тщательно отполированной, как в более поздних, не авторских копиях.

Хотя Гудон и вошел в историю прежде всего как скульптор-портретист, его творческой натуре больше импонировали темы, почерпнутые из истории, религии или мифологии. Известно, что он постоянно искал заказы на крупномасштабные произведения, и на протяжении всей жизни, говоря о своих художественных достижениях, обычно выделял именно статуи, такие, как «Святой Бруно», «Экорше» или «Диана» (1776 г.). О последней следует сказать особо. Тема богини-охотницы восходит к античности и вполне традиционна для искусства начиная с эпохи Ренессанса. Однако гудоновская «Диана» имела две отличительные особенности -- быстрое движение и полную наготу. Мастер добился иллюзии бега, заставив богиню сохранять равновесие, стоя на пальцах одной ноги. Лишь в мраморном варианте 1780 г. был добавлен куст тростника для создания дополнительной опоры. Статуя, шокировавшая государственных чиновников, имела такой успех у публики, так была воспета поэтами и расхвалена критиками, как ни одно другое произведение Гудона. Однако скульптор все же предпочел не выставлять ее в Салоне, и желающие могли любоваться чистым классическим изяществом «Дианы» в мастерской художника.

В 1777 г. уменьшенный мраморный вариант «Морфея» -- гипсовой статуи в величину натуры (1771 г.) -- стал конкурсной работой Гудона на звание действительного члена Академии живописи и ваяния. В том же году в Салоне число его произведений равнялось половине всех вообще выставленных скульптур, и с этого времени определилась роль мастера как главы французской скульптурной школы.

Центральное место в творчестве Гудона занимает лучшее и наиболее значительное из его произведений -- статуя французского писателя и философа-просветителя Вольтера, над образом которого скульптор работал многие годы и создал целый ряд замечательных портретов. Среди них заслуженно выделяется изображение сидящего Вольтера (1781 г.). Художник облачил мудреца в античную тогу, скрыв его немощное, худое тело. Но он не поступился правдой и изобразил лицо старика с ввалившимися щеками, проваленным ртом. Однако в этом лице так напряженно живет неугасающий насмешливый ум великого философа, что в целом произведение превращается в гимн человеческому интеллекту, провозглашает победу бессмертного духа над слабым и бренным телом. Те, кто видел эту скульптуру, знают о ее удивительном свойстве -- при изменении угла обзора поразительно меняется выражение лица Вольтера. Он плачет, издевается, смотрит на мир трагически и задыхается от смеха. «Во взоре он разгадывал душу», -- сказал о Гудоне другой великий французский скульптор -- Роден.

И действительно, в портретах ученых, философов, людей искусства, в женских образах, созданных мастером, на первый план выступает острота и многогранность психологической характеристики модели. Замечательны с этой точки зрения и детские портреты. В них художник обнаружил поразительную способность передавать свежесть и чистоту детства без сентиментальности. Его дети -- это мыслящие личности с собственным внутренним миром.

Не последнюю, хотя и не основную роль в столь точной передаче человеческого характера играло для скульптора непосредственное наблюдение и изучение натуры. Поэтому, когда в 1785 г. Гудон получил заказ на исполнение мраморной статуи генерала Дж. Вашингтона, он отправился за океан, чтобы работать над портретным бюстом в непосредственной близости от модели. По возвращении в Париж этот бюст был использован скульптором как эскиз. Статуя в полный рост, изображающая генерала как полководца, возможно, лучший из существующих портретов Вашингтона.

Летом 1786 г. сорокапятилетний скульптор женился на двадцатилетней Марии-Анж-Сесили Ланглуа, дочери служащего королевских предприятий. В 1787--1790 гг. у них родилось три дочери. Госпожа Гудон и девочки послужили моделями для нескольких самых очаровательных портретов мастера.

В 1787 г. художник покупает дом, оборудует в нем мастерскую и устанавливает небольшие литейные печи. Теперь он имеет возможность отливать в бронзе почти каждую свою работу. В этом ему содействуют помощники и ученики, так как ему как академику полагалось иметь студентов. Однако из его мастерской не вышло ни одного хоть мало-мальски значительного скульптора. По всей видимости, Гудон был слишком занят, чтобы уделять внимание преподаванию. И только в последние годы жизни, особенно после назначения в 1805 г. профессором специальных Школ живописи, скульптуры и архитектуры при Французском институте, заменившем Королевскую академию, он по необходимости исполнял свои преподавательские обязанности и лишь в 1823 г. полностью отошел от дел.

Французская революция 1789--1794 гг. лишила Гудона не только основной массы заказчиков и устоявшегося положения ведущего скульптора, но и творческих сил. С середины 1790-х гг. его искусство резко пошло на спад. Однако он продолжает работать, хотя и в гораздо меньших объемах, исполняя портреты членов императорской семьи, маршалов и генералов. В 1804 г. им был получен заказ на изготовление гигантской бронзовой статуи Наполеона для установки на колонне в Булони -- она была завершена в 1812 г. и уничтожена после падения Империи. Последним произведением старого мастера был бюст императора Александра I, выставленный в Салоне 1814 г. После этого нет никаких сведений о его работах. В 1823 г. умерла госпожа Гудон, а 15 июля 1828 г. отошел в мир иной и сам скульптор.

Как нельзя лучше творчество мастера характеризуют его собственные слова: «Одним из прекраснейших качеств столь трудного искусства ваяния является возможность сохранить во всей подлинности черты и сделать почти нетленными образы людей, которые создали славу или благоденствие своей родины. Эта мысль постоянно преследовала и ободряла меня в моих долгих трудах».

Вольтер Гудона, несмотря на болезненную худобу и старческую слабость (скульптор впервые увидел писателя незадолго до его смерти), является воплощением силы духа, торжествующей над физической немощью. Это произведение -- не только высшее достижение самого скульптора, но и вершина европейского искусства 18 столетия. Статуя Вольтера вызвала множество восторженных откликов. Огюст Роден восклицал: «Какая удивительная вещь! Это воплощенная насмешка! Глаза несколько враскос, будто подстерегают противника. Острый нос напоминает лисицу: он весь извивается, пронюхивая всюду злоупотребления и повод к насмешке, он буквально трепещет». Жан Антуан Гудон. Вольтер. 1779-1781 гг. «Комеди Франсез», Париж.

Жан-Антуан Гудон - французский скульптор. Жан-Антуан Гудон родился 20 марта 1741 года в Версале (Франция). В 1756 году он был принят в школу Королевской Академии живописи и ваяния, получил третью премию по скульптуре, а в 1761 году, в возрасте двадцати лет, - первую премию за барельеф "Царица Савская подносит дары Соломону". Учителями Гудона были Мишель Слодтц, Жан-Батист Лемуан и Жан-Батист Пигаль. Восемь лет он проучился в школе и Академии и как один из лучших учеников в 1764 году был послан в Рим. В Италии скульптор оставался четыре года и за это время создал ряд произведений, которые сделали его имя известным. Это статуя "Весталки", "Экорше" - анатомическая штудия, скульптуры для украшения церквей "Св. Бруно" и "Св. Иоанн Креститель". В этих ранних скульптурах, которые мастер в дальнейшем неоднократно повторял в других материалах, он отдает предпочтение классической трактовке образа, ясной, спокойной, уравновешенной, связанной с изучением античного наследия. Необходимость заработка, поиски заказчиков и покровителей, вероятно, не позволили ему продлить итальянское пенсионерство, как это делали другие.
В 1768 году скульптор вернулся в Париж. Здесь он нашел своего первого покровителя немецкого герцога Саксен-Готского, который в течение многих лет был заказчиком художника. Начиная с 1769 года, когда Гудон дебютировал в Салоне, и вплоть до конца столетия ни один из открывающихся Салонов не обходился без вещей скульптора. В Салоне 1771 года появился один из самых знаменитых бюстов Гудона - портрет Дени Дидро. Сам философ, знаток и критик искусства, отметил необычайное сходство портрета. Дидро портретировали часто. Но среди портретов, созданных Ван Лоо, Анн Мари Колло, Ж.-Б. Пигалем и Л.-А.-Ж. Лекуантом, портрет Гудона выделяется яркостью и живостью характеристики. Бюст свободен от всяких аксессуаров и украшений. Все внимание сконцентрировано на лице. Гудон изобразил философа без парика, к которому тот питал нескрываемую ненависть. Слегка растрепанные волосы, Гудон трактует их легко и свободно, как во всех своих скульптурах. Бюст высоко срезан, голова повернута в три четверти, рот приоткрыт, широко раскрыты глаза, их взгляд живой и непосредственный, схвачено мимолетное выражение лица. Это произведение заставило говорить во Франции о молодом таланте. Через Дидро и его близкого друга Мельхиора Гримма Гудон вскоре приобрел самого могущественного покровителя - русскую императрицу Екатерину II, которая могла заказывать Гудону дорогостоящие бронзы и мраморы. В 1770-е годы скульптор становится известен как мастер надгробной скульптуры. Среди самых известных его работ - надгробия фельдмаршала Михаила Голицына и сенатора А. Д. Голицына (они находятся в некрополе Донского монастыря в Москве) и гробница графа д'Эннери. По композиции надгробия восходят к типу классических надгробных стел Древней Греции. Гудон выполняет скульптуры на мифологические темы. За мраморную статую "Морфей" в 1777 году он был избран академиком. Одной из самых известных скульптур 18 столетия стала его "Диана-охотница". У Гудона Диана изображена обнаженной, она сохраняет равновесие, стоя на пальцах одной ноги, что создает иллюзию бега. Откровенная чувственная трактовка образа не противоречит чисто классическому изяществу статуи. Те же черты присущи другой популярной статуе Гудона - "Зима", которая олицетворена в образе прекрасной полуобнаженной озябшей девушки. Многие произведения Гудона хорошо известны во всем мире еще и потому, что он их тиражировал, многократно повторяя в дешевом гипсе и в более дорогих мраморе и бронзе. Это был едва ли не единственный скульптор 18 столетия, овладевший техникой литья бронзы. Особенно он увлекался ею в 1780-90-е годы. Он писал: "Я могу выступать в двух ролях - скульптора и литейщика. В первой я - творец, во второй - я могу точно воспроизводить других..." Однако в историю скульптуры Гудон вошел прежде всего как мастер портрета. Ему свойственен аналитический подход к натуре, неустанный поиск жизненной правды, его образы отличает глубокий и острый психологизм. Число его портретных скульптур велико. Особую группу составляют портреты детей. Среди них превосходные бюсты Александра и Луизы Броньяр, портреты дочерей скульптора Сабины, Анны-Анж и Клодины и другие. 18 век как бы заново открывает мир ребенка. Гудон сумел передать ощущение свежести и чистоты детства без налета сентиментальности и игривости, свойственной рококо. В его произведениях дети - это мыслящие личности с собственным внутренним миром.
К числу блистательных портретов деятелей французского театра, созданных Гудоном, принадлежит посмертный бюст Мольера, исполненный по заказу "Комеди Франсез". Гудон добился в нем сходства с существующим живописным портретом Мольера, который он не сумел увидеть в процессе работы, но создал образ-олицетворение французского театра вообще. Голова Мольера, данная в обрамлении длинных, свободно ниспадающих волос, резко повернута, необыкновенно живая поза предполагает немедленное действие или движение. Взгляд пронзительный, рот слегка приоткрыт, как будто в разговоре. Вокруг шеи свободно повязан широкий шарф. Выставленный в здании Королевской библиотеки бюст вызвал восторг критиков, и Гримм писал по его поводу: "Его взгляд (господин Гудон, вероятно, единственный скульптор, умеющий передавать глаза) пронизывает душу". Гудон выполнил портреты многих известных людей своего времени: Неккера, Лафайета, Байи, Франклина и Джорджа Вашингтона и других. Для серии портретов великих людей, задуманных д'Анживийе, он создал портрет маршала де Турвиля. Гражданские добродетели, а также заслуги в науке и искусстве являлись критериями выбора лиц для этой портретной галереи. Но подлинным продолжением серии следует считать портреты уже упомянутого Дени Дидро, Ж.-А. Даламбера, Жана Жака Руссо (был выполнен с посмертной маски) и самый известный из них - портрет Вольтера. Гудон в очень короткий срок, работая по снятой им маске, выполнил статую Вольтера. Скульптор представил Вольтера сидящим в кресле, наподобие античного, окутал мантией, очень напоминающей домашний халат философа. Широкие складки мантии ложатся на плечи и колени, обрисовывая скрытую под ними фигуру и в то же время придавая ей внушительность. Повязка на лбу уподоблена античной. Аксессуары создают образ поэта-философа, принадлежащего миру современному и миру античному. Лицо портретируемого излучает огромную жизненную силу и высокую духовность. Все богатство внутренней жизни Гудон передает в мгновенно схваченном выражении, которое трудно поддается определенной интерпретации. Это тонкий, точный и величественный портрет, в котором век Просвещения нашел свое яркое воплощение. Умер Жан-Антуан Гудон 15 июля 1828 года в Париже.


Подобные документы

  • Непрерывное развитие, смешение и противодействие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Анализ особенностей различных школ изображения форм в живописи и скульптуре. Классицизм как эстетическое направление в европейской литературе и искусстве.

    реферат [935,2 K], добавлен 10.08.2016

  • Франция как гегемон духовной жизни Европы XVIII века. Хронологические и территориальные рамки эпохи Просвещения. Эволюция философских идей просветителей и их воплощение в изобразительном искусстве. Влияние Просвещения на развитие театрального искусства.

    курсовая работа [52,6 K], добавлен 31.03.2013

  • Общая характеристика картин З. Серебряковой и Н. Ярошенко. Рассмотрение автопортрета "За туалетом". Знакомство с особенностями исследования образа русской женщины в изобразительном искусстве конца XIX-XX века. Анализ краткой истории русской живописи.

    курсовая работа [3,8 M], добавлен 08.06.2014

  • Футуризм — художественные авангардистские движения 1910-1920 гг. в литературе и изобразительном искусстве, возникшие в Италии и России как культ будущего и дискриминация прошлого вместе с настоящим; провозглашение пафоса разрушения, взрыва, обновления.

    презентация [1,0 M], добавлен 04.06.2012

  • Описание основных направлений в изобразительном искусстве ХХ века. Характеристика развития и типичные черты каждого из них, особенности техники письма и концепция передачи образов. Основные представители художественных течений и их выдающиеся картины.

    презентация [3,3 M], добавлен 28.10.2013

  • Сущность и значение аллегорий, использование ее в литературе, режиссуре массовых празднеств, театрализации, изобразительном искусстве. Особенности компьютерного искусства, цифровая живопись и фотомонтаж, их недостатки. Образы и символика четырех стихий.

    курсовая работа [410,0 K], добавлен 20.04.2011

  • Направление в искусстве XX века, характеризующееся разрывом с историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве, обновлением художественных форм. Условность схематизация и отвлеченность стиля.

    презентация [818,7 K], добавлен 22.06.2012

Работы в архивах красиво оформлены согласно требованиям ВУЗов и содержат рисунки, диаграммы, формулы и т.д.
PPT, PPTX и PDF-файлы представлены только в архивах.
Рекомендуем скачать работу.