Идеи поп-арта

Размещено на http://www.allbest.ru/

Оглавление

• арт искусство экспрессионизм абстрактный
• Общая характеристика поп-арта
• Идеи поп-арта
• Зарождение поп-арта
• Художники поп-арта
• Заключение
• Список использованных источников и литературы

Общая характеристика поп-арта

ПОП-АРТ (англ. pop art, сокращение от popular art - популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop - отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. производящее шокирующий эффект) - направление в искусстве конца 1950-х - начала 1970-х; возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму; знаменует переход к концепции нового авангардизма.

В современном мире искусства часто можно услышать понятие «поп-арт», над значением которого мало кто задумывается. При этом значение его на сегодняшней день изменилось. Поп-арт воспринимается как нечто вызывающее, плохо сделанное, некачественное. В то время как первоначально поп-арт - это искусство, которое направлено на массовость, но при этом сделанное для всех на высоком уровне.

Поп-арт оказал огромное влияние на развитие современного искусства, его традиции сохраняются и в настоящее время. Он убрал границы между искусством и жизнью, доказал, что вещь, выставленная в музее, будет восприниматься зрителями подсознательно иначе. Человек невольно начинает по-другому относиться к предмету из обыденной жизни, он ощущает желание понять идею выставленной оппозиции.

Поп-арт появился в то время, когда необходимо было обществу показать неординарность мышления, уйти от традиций, канон, классицизма.

Представители поп-арта в лице Р. Раушенберга предложили зрителю искусство, оперирующее привычными предметами, которые, будучи вырваны из обычных связей с окружающими объектами, предстали в случайных, парадоксальных сочетаниях.

Поп-арт имеет свои идеи, технику, представителей, характерные особенности и черты, которые позволяют его отличить от других видов направлений.

Таким образом, в этой работе рассмотрена общая характеристика поп-арта, его идеи и техника, так как и в современном мире искусства он актуален, востребован. Неслучайно, сегодня поп-арт встречается в архитектуре, живописи, интерьерах и другом.

Идеи поп-арта

Культура создания предметов, окружающих человека, напрямую связана с культурой обращения с ними. Однако предметный мир сам по себе столь многообразен и разноречив, что никак не смог бы стать объектом для художественной рефлексии, если бы не найденный ход: представлять не сами вещи или коллекции вещей, а их образы, имиджи, виртуальных двойников. В современной цивилизации освоение окружающей среды идет не столько при помощи чувственного опыта, сколько - его фикции, суррогата, подмены, вырастающей из того, что наше восприятие мира вещей определяется техническими средствами воспроизведения, тиражирования и интерпретации (фото-, теле- и видеосъемка, различные виды полиграфии, включая тиражную печатную графику, например, в виде шелкографии), которые применяют современные СМИ - и электронные, и «бумажные». Именно этот ход и предлагает одно из влиятельнейших направлений искусства второй половины ХХ века - поп-арт.

Идея устранить в произведении искусства личностное начало, превратить это произведение в имперсональный объект, чуть ли не в массовое промышленное изделие занимала умы ряда художников с самого начала ХХ века. На пути выявления творческой индивидуальности авангардные направления начала века - экспрессионизм, но еще больше кубизм и разные виды абстрактной живописи - достигли почти максимума. Выдающийся мистификатор и ниспровергатель разного рода репутаций и авторитетов Марсель Дюшан еще в начале 1910-х годов придумал свои «рэди-мейды» (от английского «ready made», то есть «созданные из готового, из готовых частей»). Собственно в «рэди-мейде» важны не сами обычные или почти обычные предметы (сушилка-«елочка» для бутылок, велосипедное колесо, воткнутое в сиденье табурета), которые Дюшан впервые в истории искусства показал в выставочном пространстве еще в 1913 году. Важно то, что произведением искусства становится не только нечто материальное, но и еще некая смысловая игра - игра контекстами, от изменения которых одна и та же вещь может как остаться незаметным предметом обихода или, на худой конец, результатом чудачества, так и превратиться в объект философского осмысления высоколобой критикой как произведение искусства. Окончательная победа контекста надо всеми прочими вещественными или смысловыми аспектами была достигнута Дюшаном в 1917 году, когда на одной из нью-йоркских выставок он представил фаянсовый писсуар из обыкновенного уличного туалета, назвав его «Фонтаном». Из дюшановского фонтана вода не лилась, но он породил поток интерпретаций и продолжений. Одним из них стало движение «Дада», своим анархическим абсурдизмом сильно раскачавшее казалось бы устойчивое равновесие между «серьезными» традиционализмом и авангардом конца 1910-х - начала 1920-х годов.

Термин «поп-арт» впервые возник в 1956 году, когда в Лондоне, в продвинутой галерее «Уайтчэпел» состоялась выставка «Это - завтра». О составе этой экспозиции можно с убедительностью судить по программному коллажу Ричарда Хамильтона с длинным названием «Что делает современные дома такими особенными, такими привлекательными?», в котором концентрированно утверждалась модель нового образа жизни, состоящая из использования достижений цивилизации, представленных в подчеркнуто не уникальных, а тиражных образцах - в обличье репродукций в рекламных проспектах и иллюстрированных журналах. Жилье превращается то ли в витрину престижного магазина, то ли в декорацию футурологического фильма - эстетика закругленных форм 1960-х годов была напрямую связана с модой на обтекаемость межпланетных кораблей будущего (примеров тому множество и в нашем собственном прошлом - от красочных иллюстраций в журнале «Америка» до кадров фильма Андрея Тарковского «Солярис»). Картины и скульптуры в такого рода интерьерах и вообще в архитектурной среде должны были замениться на что-то нерукотворное - растиражированное (в СССР отголоски этого поп-артистского принципа привели к моде на эстамп в качестве основной формы массового внедрения искусства в быт) или созданное в результате арт-акций (вроде «Живых кистей» или «Антропометрий» Ива Кляйна, где краска наносилась на бумагу обнаженными телами натурщиц). Наконец, сами предметы начинали жить собственной жизнью - то собирались в «колонии» по воле французских «ассамбляжистов» Армана и Бена, то сжимались в компактные блоки, скрывая свое первоначальное назначение (Сезар, создававший объекты из спрессованных старых автомобилей), то, как у американцев Класа Ольденбурга или Тома Вассельмана, вырастали вдруг до циклопических размеров и неожиданно меняли свои привычные свойства. Но в любом случае в поп-арте зритель имеет дело не с предметами, а с их мистифицированными, а иногда и устрашающими образами, закрепившимися в массовом сознании и имитируемыми художниками поп-арта. А рядом с парадом «вещевых имиджей» в объектах и ассамбляжах вполне уместны другие имиджи - не вещей, но людей: звезд шоу-бизнеса (Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Элвиса Пресли и других - у Энди Уорхола) и даже известных политиков (Мао Дзэдуна у того же Уорхола или Джона Кеннеди - у Роберта Раушенберга). Да и сам термин «поп-арт» возник как аббревиатура выражения «популярное искусство», то есть в нем самом заложен намек на некое усредненное, массовое и, в конце концов, обезличенное восприятие .

Однако поп-арт наследует не только промышленной революции и массовому производству, но и, как упоминалось выше, таким направлениям искусства ХХ века, как дада и сюрреализм (как только его не именовали - и «новый реализм», и «неодада»), поэтому предметы и вещи в поп-арте, мимикрируя под промышленный ширпотреб, одновременно представляют собой овеществленные, гипнотически влекущие энигмы (загадки) и подсознательные фобии современного человека. В этом отношении поп-арт наилучшим образом отразил постиндустриальную эпоху второй половины ХХ века, совпавшую с началом постмодернистской эпохи в искусстве. К тому же, стараниями его создателей и идеологов, поп-арт и его эпоха в целом породили множество культурных феноменов, без которых почти немыслимо наше сегодняшнее бытие. Среди них - новые возможности кино, видеоискусство, наконец, рок-музыка в том виде, который она приобрела к концу ХХ века. Все эти аспекты «поп-эпохи» отразила одна из лучших и представительнейших выставок последнего времени «Les Annes Pop», которая прошла в Центре имени Жоржа Помпиду в Париже в начале 2001 года. Сам факт создания такой обширной экспозиции, на которой, помимо произведений европейских и американских знаменитостей поп-эры, были представлены фильмы режиссеров «новой волны», дизайн- и архитектурные проекты, испытавшие влияние поп-эстетики, рок-культура (в форме музыки и всего, что ей сопутствовало в моде и стиле), говорит о том, что годы поп-арта закончены и прочно обосновались в истории. Перефразируя название упоминавшейся выставки 1956 года, можно было бы сказать о парижской экспозиции: «Это - вчера».

Появление поп-арта (а до России он добрался в начале 1960-х как преимущественно американский феномен) было сначала воспринято советскими искусствоведами как возникновение своего рода критического направления, разоблачающего буржуазный вещизм и вообще общество, где количественно и качественно вещи подчиняют себе людей. Впрочем, довольно скоро отечественные критики увидели, что в поп-арте есть не столько критика, сколько констатация существующего положения вещей (в прямом и переносном значении) в современном мире вообще, в том числе и в обществе «развитого социализма», где неуклонно «возрастало производство предметов потребления», а это попахивало уже идеологической диверсией. Так поп-арт стал еще одним «порождением бездуховного буржуазного образа жизни» и попал в идеологические противники отечественных духовных ценностей.

Это как будто бы подтвердило известное провокативное высказывание человека, которого принято считать если не отцом (им он вовсе не был), то лицом и имиджем поп-арта - Энди Уорхола. Действительно, если спросить у образованных людей в разных странах, не исключая и нашей, что означает и с каким именем ассоциируется у них слово «поп-арт», то почти наверняка большинство ответит: «американское массовое искусство» (некоторые добавят - «буржуазное») и «Энди Уорхол». Ни разу не побывав в России, он в своей книге середины 1970-х «Философия Энди Уорхола» тем не менее утверждал, что, в отличие от таких городов, как Токио, Стокгольм, Флоренция, не говоря уж о Нью-Йорке, в Москве нет ничего красивого, так как там нет «Макдоналдса».

В 2000-2001 годах, когда в С.-Петербурге и Москве прошли первые в нашей стране ретроспективы Уорхола (потомка выходцев с Западной Украины, получившего при рождении имя Эндрю Вархола), этот пункт претензий знаменитого мастера к нашей стране можно было считать устраненным. Сам факт организации ретроспективы как бы подтвердил то, о чем говорилось в книге разгромных очерков о западном искусстве ХХ века «Модернизм», которая выдержала четыре издания в Союзе в течение 70-80-х годов: поп-арт - это искусство явно несоциалистическое. В книге говорилось и об Энди Уорхоле и репродуцировались некоторые его знаменитые вещи, так что, не бывая в СССР, он был здесь уже хорошо известен и «засвечен» в соответствующих инстанциях. На заре перестройки, в ответ на присланные ему работы питерских «неформалов» того времени Тимура Новикова и Олега Котельникова через рок-певицу Джоану Стингрей, Уорхол передал нескольким питерским художникам и музыкантам (среди которых - уже названные Новиков и Котельников, а также Борис Гребенщиков, Сергей Курехин, Виктор Цой, Сергей Бугаев-Африка и другие) по банке настоящего фирменного «кэмпбелловского» супа с автографами, создав таким образом прецедент присутствия своих произведений в нашей стране (оригинал у Уорхола принципиально ничем не отличается от тиражной копии).

С другой стороны, симптоматично, что проведение ретроспективы Уорхола в России совпало с итоговой выставкой в Париже: рубеж XXI столетия решительно меняет свои ориентиры в искусстве и подводит столь же убедительную черту под исканиями и увлечениями недавнего прошлого, отправляет в архив кумиров, еще недавно казавшихся вечными. Это и понятно: новые времена требуют новых кумиров.

Но, честно признаться, выставленные вместе «хиты» поп-культуры в целом и вошедшие во все учебники по истории искусства ХХ столетия объекты-имиджи Энди Уорхола сегодня производят не только не меньшее, но даже более сильное впечатление, чем тогда, когда они были созданы и запущены как целостный арт-проект несколькими галеристами во главе с нью-йоркцем Лео Кастелли, взявшим в союзники ведущие американские и некоторые европейские СМИ.

Чрезвычайно мощный импульс породил их, и здесь неразрывно слились коммерческий расчет и творче-ское прозрение, точный психологический посыл и свойственная настоящему искусству избыточная расточительность креативной энергии.

Зарождение поп-арта

Энди Уорхол (Andy Warhol), наверно, является самой известной и противоречивой личностью в искусстве во второй половине двадцатого века. Он был одним из основоположников поп-арта и доказал что искусство может быть материально прибыльным. На протяжении всей своей жизни он создавал множество историй вокруг своей персоны. Уорхолзанимался различными видами искусства, он был и коллекционером, и издателем журнала, и дизайнером, и кинорежиссером, и скульптором, и писателем, а так же художником и продюсером.

Так же как и противоречива вся его жизнь, так же противоречивы сведения о дате его рождения. Все называют разные года, это и 1927 год, и 1928 год, и 1930 год и упоминается всего две даты - 6 августа и 28 сентября. Уорхол утверждал, что он родился в августе 28 года. Как бы это ни было, одно известно точно, он появился на свет в городе Питтсбурге, который находится в штате Пенсильвания. При рождении ему дали имя Эндрью Вархола. Его семья был родом из Австро-Венгрии, из деревни Микова (на данный момент она находится в Словакии). У Уорхола было еще три старших брата. Семья очень рано потеряла отца. Детство у него прошло не очень сладко, он часто терпел обиды и побои от соседних мальчишек и хулиганов. Из-за этого факта, мальчик мало выходил на улицу и сидел все время дома. У него был свой рабочий стол, на котором он вырезал фигурки из разных журналов, клеил какие-то подделки, писал различные истории.

В период с 1945 года по 1949 год он учится в родном городе в институте Карнеги (Carnegie Mellon University), направленность которого - технологические специальности, в нем он изучал коммерческое искусство. Учился Энди Уорхол всегда хорошо и часто был непонятен своим учителям и однокурсникам. В то время он полностью соответствовал стереотипу гения.

Сразу после окончания образования он решился уехать в Нью-Йорк. Поначалу Энди оформлял витрины магазинов, делал открытки и плакаты, потом он стал художником иллюстратором в различных журналах, в том числе и «Vogue». Первый успех ему принесли рисунки для обувной компании «И.Миллер». Они представляли собой изображения обуви, нарисованные чернилами в эксцентричнойманере, со специально сделанными кляксами.

Первая его крупная выставка прошла в 1952 году, которая вызвала большой успех. В это же время Энди Уорхол покупает себе дом в Манхэттене на East 33rd Street, где все больше и больше увлекается рисованием. В это время он уже зарабатывал около ста тысяч долларов в год и всё сильнее мечтает о «высоком искусстве».

Его псевдоним появился в случае опечатки в типографии одного из журналов, но Уорхол, когда прочитал своё новое имя, решил его оставить на всю свою последующую жизнь. В 1960 году он делает дизайн для банок Кока-кола, который, в последствии, стал культовым.

В начале шестидесятых, Уорхол рисует все больше карандашом, причем, в основном, только картины с долларовыми банкнотами. Переворотным для Энди Уорхола стал 1962 год, когда он создал серию картин с изображениями банок консерв и супов «Campbell`s». Эти рисунки были выполнены с помощью кричащих цветов. Они стали визитной карточкой художника. Показав эти работы на выставке, которая проходила в галерее «Stabl», в этом же году, он взорвал можно сказать бомбу. Энди Уорхол, в миг, стал сенсацией. Многие критики сказали, что эти картины Уорхола показывают всю пошлость, тупость и безликость всей западной культуры массового потребления. После этой выставки он сразу начал общаться с основными деятелями поп-арта, среди которых были Роберт Рауншенберг, Джаспер Джонс и Рой Лихтенштейн. С этого же года художник начал использовать технику шелкографии - это техника повторения одного и того же изображения. Эти повторения стали одним из свойств Уорхола. Под этот кислотный стиль попали изображения Эвиса Пресли, Лиз Тейлор, Мерлин Монро, Мика Джаггера, а так же множественное количество кока-колы. Все эти люди были кумирами того времени. Этот стиль у него не изменился на протяжении всей егожизни, менялись только сюжеты. Его длинные полотна и монотонное изображения на них, напоминали ряды продуктовых маркетов. Скандальный стиль жизни Уорхола способствовал росту цен на работы художника, ходили слухи, что он просил свои друзей мочиться на картины в качестве последнего штриха. В наши дни его работы покупают за несколько десятков миллионов долларов.

В следующем 1963 году Энди перенес свою мастерскую в Манхэттен. Её все начали называть «Фабрикой». Её стены были окрашены серебрянкой. В ней тусили все его друзья и знакомые, жили и творили. На «Фабрике» обитало много наркоманов, где наркотики были в излишестве. Это наверно было первое место, где мастерскую нельзя было назвать местом для уединения. «Я пишу картины именно так, а не иначе потому, что хочу быть машиной, и я чувствую, что то, что я делаю, уподобляясь машине, - это то, что я хочу делать» - эти слова Уорхола были девизом «Фабрики». На своей «Фабрике» он сделал нечто похожее на «бизнес-арт», где он был предпринимателем. Мастерская выпускала его работниками до ста шелкографий в день. Этим всем Энди Уорхол поставил все устои классического искусства вверх дном. За два года «Фабрика» произвела более двух тысяч картин.

Для того чтобы создать шелкографию, люди приходили на «Фабрику» и фотографировались на обычный фотоаппарат, после чего Уорхол выбирал лучшую и переносил её увеличенную на холст.

На своих полотнах он делал всех суперзвездами, у него даже была рекламная акция, которая обещала «лучшее лицо от Уорхола». Такой эффект он достигал благодаря тому, что убирал морщины, срезал все лишнее, делал глаза красивее и т.д…

В это же время, не смотря на то, что Энди Уорхол ничего не понимал в музыке, он работал с группой «Velvet Underground». Для неё он был продюсером и создал дизайн первого ихальбома. Следует заметить, что Энди разрабатывал дизайн обложек для групп «Sticky Fingers» и «The Rolling Stones». В 1966 году Уорхол создал для выступления «Velvet Underground» супер световое шоу, которое включало в себя множественные вспышки света, разноцветные лучи, а на экран выводились фильмы.

1965 год стал для художника переломным. Он назвал себя «художником в отставке» и заявил, что будет экспериментировать и работать в кино, но все же, у него, ни когда не получилось забросить создавать свои картины.

Энди Уорхол является одним из самых удачных режиссеров американского андеграунда, так как он известен многим. Первые его работы, такие как «Сон» («Sleep») и «Эмпайр» («Empire»), были абсолютно неподвижными. В первом фильме снятом в 1963 году, на экране показывают спящего человека в течении около 6 часов, надо заметить что в этом фильме абсолютно нету звука, а во втором в ночном пейзаже, статичной камерой, в течении восьми часов нам показывается небоскреб Эмпайр-Стейт-Билдинг. Свои фильмы Уорхол снимал вместе с Полом Морисси.

Большинство его фильмов не имеет сюжета, и идут они до двадцати пяти часов. В этих работах играют в основном работники и посетители «Фабрики». Среди которых были Эди Седжвик и Джо Далессандро.

Впервые, свой фирменный стиль в кино, называемый техникой «расколотого экрана», он применил в фильме «Пространство внешнее и внутреннее» («Outer and Inner Spase»), который Энди снял в 1965 году. Эта манера, в которой на экран выводится сразу две пленки, и экран разделен на две части и так же используется две звуковых дорожки, которые смешиваются между собой. Эта техника была применена в самом успешном его фильме, в коммерческом смысле, «Девушка из Челси» («Chelsea Girls»).

В середине шестидесятых годов начинают выходить более менее сюжетные фильмы, обычно это были ленты эротического содержания, Энди Уорхол ни разу не принял в них участия. В 1969 году выходит полностью игровая картина под названием «Плоть», вскоре после это ещё вышел фильм «Мусор», который также был игровым. В конце шестидесятых выходит несколько фильмов с участием его группы - “Velvet Underground”.

Результатом режиссерской работы Уорхола (за 5 лет) стало появление около шестисот фильмов. Более шестидесяти его работ были выпущены в свет.

В его роковой 1968 год была выпущена первая его книга «Уорхола А», она представляет собой телефонные разговоры, которые были записаны на его «Фабрике».

3 июня 1968 года одна из приверженец Энди Уорхола, которая работала на «Фабрике» -феминистка Валери Соланас, выстрелила мастеру в живо. Ранение было очень тяжелым, но его жизнь удалось спасти. После этого ранения он был инвалидом ещё 2 года. Это событие, как ни странно, закрепило за художником ещё больше легенд.

После этого происшествия Энди Уорхол изменил свой стиль жизни. Он стал постоянно бояться смерти, часто начал ходил в церковь и можно сказать потерял, какую-то свою искру, и говорил что «живет и не живет».

Он как чувствовал и ещё до покушения, начал уделять внимание в своих картинах такой тематике, как насильственная смерть. На его работах появились изображения автомобильных катастроф, посмертные изображения Мерилин Монро, электрические стулья. После выздоровления он ещё больше начал создавать изображения связанные со смертью.

В этот период, а именно в 1969 году, он начал выпускать свой журнал, подназванием «Интервью», который был очень популярным.

Энди Уорхол часто говорил о том, что хотел бы создать движущееся произведение искусства и в 1978 году он придумал как это сделать. Энди Уорхол разрисовал гоночный автомобиль любыми доступными подручными средствами: «Я пытался нарисовать, как выглядит скорость. Когда машина движется на большой скорости, все линии и цвета смазываются».

К концу его жизни, людей стало больше привлекать его имидж супер-звезды, а его творчество все меньше интересовались.

22 февраля 1987 года Энди Уорхол умер в больнице, после операции по удалению желчного пузыря. Причиной всего этого было то злополучное ранение, которое Уорхол получил ещё в 1968 году.

Банковский счет Энди Уорхола составлял около 100 миллионов долларов. Все деньги, по завещанию, были отданы художественным организациям.

После смерти были опубликованы, в 1989 году, его дневники («The Andy Warhol Diaries»).

Рой Лихтенштейн

Художник, который расширил представление о Поп Арте и внес свой стиль, который основан на мультипликации. Рой родился в НьюЙорке в октябре 1923 года. Лихтенштейн начал рисовать в качестве хобби, он был фанатом джаза и часто рисовал портреты музыкантов. После школы он он стал слушателем в школе изобразительных искусств в Университете штата Огайо. В 1949 году прошла первая персональная выставка Роя Лихтенштейна в галерее Кливленда. С 1957 по 1960 год его работы можно классифицировать как абстрактный экспрессионизм, кубизм и футуризм. Его ранняя работа в стиле Поп Арт - картина долларбыла написана в 1956 году. Как же родился стиль Роя Лихтенштейна? В 1961 году Рой Лихтенштейн написал свою первую картину Микки ( Mickey Mouse) используя изображение одноменного мультфильма и методы коммерческой печати. Именно в это время он первым сделал использование таких устройств как точки, буквы и слова в воздушных шарах своей подписью в работах. В 1966 году работы Роя Лихтенштйна были показаны на Веницианском биеннале. В 1969 году в Музее Гуггенхайма была открыта ретроспективная выставка Роя Лихтенштейна. В 1970 году он был избран членом Американской Академии искусств. Рой Лихтенштейн был мастером стереотипа и самым сложным из известных исполнителей поп дизайна с точки зрения его визуального анализа конвенции и его иронической эксплуатации стилей прошлого. Картины Роя Лихтенштейна за которые он сейчас известен стали результатом его долгих поисков и ученичества.

Алекс Кац

Американский художник, известный своими большими масштабами, упрощенными образами семьи и друзей. Кац был сыном русских иммигрантов, родился в 1927 году и вырос в Нью-Йорке. Алекс Кац учился в школе искусств СоюзаКупера в Нью-Йорке и в училище живописи и скульптуры Скоуниган в штате Мэн. Алекс Кац является весьма уважаемым современным художником поп арта и гравером. Он является самым известным за его большие, часто больше, чем в натуральную величину портреты. Алекса Каца отличает его способность отразить в искусстве своих близких - жену Аду и сына Винсента. Жена Алекса, Ада, сыграла важную роль в творческой жизни мужа. Картины с ее изображением получили культовый статус и стали беспрецендентыми по своей напрвленности, имея одну тему для творчества на протяжении столь многих десятилетий. На протяжении более 50 лет, художник КАЦ нарушил модные тенденции современного искусства и представил свой собственный стиль фигуры живописи.Характеристика подписи стиля Каца обманчива проста, его малый размер и откровенные элементы, которые отличают его картины остротой и элегантностью. Кац работает на плоских гранях цвета и открытых пространствах для достижения реализма. Впервые работы Кацабыли выставлены в Нью-Йорке в 1954 году. Сейчас его работы находятся в коллекции Тэйт и Музее современного искусства. Увидев хоть один раз картины Алекса Каца - вы навсегда запомните его стиль поп арт.

Ричард Гамильтон

Ричард Гамильтон родился в семье рабочего, вырос в районе Лондона, Помплико. После школы Ричард обнаружил у себя способности к рисунку и начал заниматься живописью на вечерних занятиях в школе искусств Сент-Мартин. Эти занятия привели Ричарда к вступлению в Королевскую академию. После двух лет обучения он начал выствляться в музее Современного искусства. В 60 годах Гамильтон подружился с Полом Маккартни, в результате чего он разработал дизайн обложки и плакат коллаж для белого альбома "Биттлз". В 70 годах Ричард Гамильтон пользуется международным признанием с рядом крупных выставок его работ. В1992 году галерея Тейт в Лондоне организовала крупную ретроспективу с сопровождающим каталогом, которая обеспечила наиболее полный обзор его карьеры. В 1993 году Гамильтон представлял Великобританию на Венецианском биеннале и был удостоен Золотого льва. Его определение Поп Арт: " Поп Арт является популярным, переходным, длительным и недорогим массовым искусством. Это молодость, остроумие, сексуальность, гламур и большой бизнес, подчеркивающие свои повседневные и обычные значения. В его работах можно увидеть признаки политизации. На сегодняшний день он остается самым типичным художником поп арт искусства.

Джаспер Джонс

Джаспер Джонс взял для своих картин такие повседневные объекты как флаги, карты и пивные бутылки. Он дал им несколько уровней смысла через текстуру, особого способа нанесения слов и чисел, а также другие визуальные манипуляции. Самая известная картина Джаспера Джонса - флаг. Свое детство Джаспер провел в Южной Каролине. Рассказывая об этом периоде своей жизни он говорит: " В том месте, где я был ребенком, не было художников и не было искусства, так что я действительно не знаю , что это значит." В 1949 году после учебы в Университете Южной Каролины он переехал в Нью Йорк и поступил в школу дизайна. В это время Джаспер Джонс встретил художника Роберта Раушенбурга, с которым и начал развивать свои идею об исксстве. В 1958 году галерист Лео Кастелли, посещая студию Раушенберга, обнаружил там работы Джаспера и организовал его первую сольную выставку. Именно здесь, Альфред Барр, основательи директор Музея Современного искусства, приобрел четыре произведенияиз его выставки. Джаспер Джонс часто рассматривается в качестве посредника между двумя движениями в искусстве: абстрактный импрессионизм и поп арт. Джон сформировал новй путь абстракции. Он легко читал объекты,цифры, карты и флаги. Возможно, самое главное, Джаспер Джонс изменил то, как мы воспринимаем эти символы и вскрыл основные сложности в повседневной иконографии. Тем не менее, сегодня, Джаспер Джонс по-прежнему заинтересован в логике, языке и изучении смысла через символы.

Роберт Индиана

Американский мастер художник, гравер и скульптор Роберт Индиана широко признан в качестве одного из видных представителей американского поп искусства. Он известен своими смелыми простыми знаковыми изображениями цифр и букв.

Родился Роберт с фамилией Кларк, но потом изменил фамилию на Индиана как дань уважения к его родному штату. Получив степень в Институте искусств в Чикаго в 1953 году он переехал в Нью-Йорк. Он стал частью сообщества художников которые начали экспериментировать в геометрическом стиле поп арт.

В начале 1960-х годах он сделал первые конструкции из древесины, хлама и железа. Эти работы впервые объединили металл,дерево и гипс в геометрической форме. В начале 1960-х годах несколько его работ были приобретены музеями и коллекционерами, были включены во многие выставки, в том числе его первая персональная выставка состоялась в 1962 году в галерее в Нью-Йорке. В 1964 году он сотрудничал с Энди Уорхолом в фильме.

Хотя он стал известен в 1960-х, проблемы, которые он отражал в поп арт всегда сильно отличались от всех его современников. В то время как общее движение поп арт достигло интереса в средствах массовой информации и приобрело атрибуты культуры потребления, поп арт Роберта Индиана был обращен к Американской национальной самобытности.

В 1973 году Почтовая служба США использовала изображение "LOVE" на первой серии марок под названием Любовь. Изображение "LOVE" было напечатано тиражом около 300 миллионов и стало самым воспроизводимым изображением вв поп арт искусстве.

Заключение

Одна из идей поп-арта - это игра на контрасте, отсутствие жестких рамок и канонов. Обезличенные предметы массовой культуры с живыми цветами - это ярко, необычно и временно: «сегодня использовал - завтра выбросил». «Поп» - это соответствовать времени и быть модным, поэтому в своих работах мы используем самые популярные предметы XX века, которые радуют нас день ото дня.

Множество создателей поп искусства используют творческие методы, пришедшие из дадаистских экспериментов, когда форма не моделирована из материала, но составлена из искусственных объектов. Так ассамбляж стал трамплином для многогранного мышления, которое становятся всё важнее для художника - для искусства окружающей среды и хепеннинга. Он так же ведёт и к новым формам реализации творчества: объединение пространственных объектов, в которое может войти и сам зритель - в инсталляции. Поп искусство так же имело влияние и для искусства среды без хеппенинга. Художники вступали в эксперименты с реальными объектами.

Поп-арт - это стиль искусства, который резко подвергался критики, так как он отходил от принятых правил, переплеталось с творчеством рекламы, художники порою изображали девушек, которые привлекали к себе внимание, а не товару, что, безусловно, не могло нравиться среднестатистическому обществу.

С одной стороны, можно говорить о том, что поп-арт - то искусство массовости, поэтому его сложно воспринимать как шедевры искусства, с другой стороны, некоторые картины, скульптуры стали уникальными, ими восхищаются.

Таким образом, о поп-арте как о направлении искусства говорить сложно, так как оно противоречиво, содержит в себе множество граней, оно всегда открывается по-новому.

Список использованных источников и литературы

1. Бычков В.В. Лексикон нонклассики. Художественно-эстетическая культура XX века. - М.: Дрофа, 2003.

2. Живопись ХХ века в европейском искусстве / К.П. Иванова. - М.: Мир книги, 2010.

3. Искусство поп-арта // Библиотека искусства. - 2009.

4. Маньковская Н.Б. Культурология. XX век. - М.: Просвещение.

5. Мигунов С.А., Хренов Н.А. Эстетика и теория искусства ХХ века. Хрестоматия. - М.: Прогресс-Традиция, 2008.

6.Словарь по искусству / К.М. Кадочникова. - М.: Дрофа, 2011.

7. Толстой А. Галактика поп-арта // Новая юность, 2001.

Размещено на Allbest.ru