Импрессионизм. Поиск ускользающей красоты

Размещено на http://www.allbest.ru

Реферат

на тему: Импрессионизм. Поиск ускользающей красоты

Колпакова Дарья 12а 2014г.

Итак, романтическое искусство возвысило идеал личности, наделенной живой душой, чувствительным сердцем, страждущей в мире дисгармонии и социального зла. Во второй половине XIX в. «излишняя человечность» и «гипертрофированная чувствительность» (так критиковали романтическое искусство) начинают сдавать свои позиции. Постепенно утерял привлекательность образ романтического художника с ореолом бунтаря, трибуна, мечтателя, воспитателя общественных вкусов. Антиромантические настроения -- предвестие нового этапа в развитии художественной культуры, начало ее последующей дегуманизации. Обескураженные европейцы, разуверившись и в культе человеческого разума, и в культе человеческого чувства, все более склоняются к индивидуалистическим жизненным позициям. Провозвестником новых культурных веяний стало искусство импрессионизма.

В 1874 г. на вернисаже в Париже была выставлена картина Клода Моне под названием «Впечатление. Восход солнца» (написана в 1863 г.). По-французски впечатление -- impression, что дало повод едкому острослову критику Л. Леруа «обозвать» участников выставки «импрессионистами». Определение, данное в насмешку, утвердилось за новым художественным течением, подхваченным живописцами, поэтами, скульпторами, музыкантами разных стран мира. «Классический» импрессионизм возник во Франции. У его истоков стояли художники Мане и Дега. Эдуард Мане (1832--1883) происходил из богатой семьи, с детства познав радости беззаботной и безбедной жизни. Желая «идти в ногу со временем», он с энтузиазмом искал новое в искусстве, шокируя своего учителя Кутюра, который в конце концов отрекся от него. Уже в начале 60-х гг. Мане становится активным участником «Салона отверженных» -- выставки тех, кого не желали признавать официальные академические круги. Скандальные нападки прессы лишь усилили стремление художника к острым ощущениям и к борьбе с общественным мнением. «Завтрак на траве» -- так называлась его работа, где элегантно одетые люди соседствуют с обнаженными женщинами. «Бунт против правил» не остался незамеченным. Еще больший эпатаж вызвало его полотно «Олимпия» (1863), композиция которой восходит к работам старых мастеров. Однако сам образ, в котором поэт Бодлер увидел «смесь бесстыдства и сладострастия», напоминает скорее пародию на красоту классики. Картина наполнена сложными ассоциациями и полунамеками, цвет становится одним из главных средств выразительности.

моне импрессионизм композитор

Эдгар Дега (1834--1917) был сверстником Мане, но человеком иного склада. Тонкий вкус и ясность мысли сочетались у него с противоречивой готовностью все подвергать сомнению, чтобы затем вновь утверждать низвергнутое. Свое дарование Дега посвятил любимому им театру. В его работах нет позирующих персонажей, как нет места и характерному для романтиков стремлению проникнуть во «внутреннего человека». Мастера интересовало главным образом движение, сквозь магический кристалл которого он хотел запечатлеть мир. Дега любил заглядывать на балетную сцену из потаенных уголков, то из оркестровой ямы, то из директорской ложи, ловить неожиданные моменты репетиций, когда вместо легкости танца, феерии красок балетного действа предстают титанический труд, напряжение воли и тела.

Самым последовательным приверженцем нового направления по праву считается Клод Моне (1840--1926). Художник стремился запечатлеть окружающую действительность в ее подвижной изменчивости и мимолетных красочных ощущениях. Его влекли переменчивые солнечные блики, трепет света, многообразие оттенков неба, облаков, деревьев, цветов. Свои лучшие полотна художник написал на пленэре в местечке Аржентей под Парижем, где свежий воздух словно напоен колористическим богатством оттенков. Мазки его кисти, небрежно брошенные на холст, с безупречной точностью фиксируют лимонно-желтые рассветы, оранжевые закаты, отраженные в зелено-голубой глади реки. Моне запечатлел шумную суету просторных парижских бульваров -- текущую толпу, поток движущихся экипажей, увиденных сквозь голые ветки платанов. («Бульвар Капуцинок в Париже»). В сериях картин «Стога сена» и «Руанский собор» одни и те же образы предстают в оттенках изменчивого цвета разного времени суток. Истинным «героем» его полотен («Женщина с зонтиком, повернувшаяся вправо», «Белые кувшинки») становится свет, мерцание красочных полутонов. В одной из лучших работ художника «Поле маков» (находится в Эрмитаже) красно-розовые пятна цветов, голубая даль неба и золотистый искрящийся воздух, контрастирующий с синеватыми деревьями, сливаются в образ, воплощающий радость бытия. Кажется, что полотно источает чудные ароматы лета.

Исключительно в жанре пейзажа работал Камилл Писсарро (1830--1903). Под кистью художника Париж и его окрестности предстают в тумане серого утра или в лиловых сумерках. Синева зимнего дня мастерски передана в работе «Бульвар Монмартр» (1897). Картины природы Альфреда Сиcлея (1839--1899) более нежны и лиричны. Тонкость восприятия окружающего мира чувствуется в его известном полотне «Наводнение в Пор Марли» (1876).

Особое место среди импрессионистов занимает Огюст Ренуар (1841--1919), один из самых пленительных и одаренных французских художников второй половины XIX в. Ренуар творил по внутренней потребности, питая отвращение ко всякой систематике и академическому знанию. Быть может, поэтому многие его произведения кажутся легкой «игрой гениальности». На самом деле мастер, вдохновившись сюжетом, работал до самозабвения много. Картины Ренуара -- это мир чистых, радостных красок, где нет ни тени психологичности, а человек выглядит частью самой природы («Мадам Моне», «Девушка с веером»). При этом пейзажи не слишком волновали художника, и писал он в основном женские портреты и «ню» -- обнаженную натуру. В своих моделях Ренуар любил воспроизводить свежую матовую кожу, розовые щеки, блестящие влажные глаза. Очарованием и гармонией веет от портрета Жанны Самари (1879), изображающего знаменитую актрису в вечернем розовом платье в фойе театра. В числе лучших произведений мастера -- «Об-наженная (1876).

Эта работа считается программным творением Ренуара. Для полотна позировала известная в кругу парижских художников натурщица Анна (в следующем году ее писал Э. Мане -- картина «Нана»). Изображая красивую пышную женщину, сидящую нагой на кушетке, Ренуар старательно подчеркнул момент позирования: рядом валяется небрежно сброшенная одежда, которая оттеняет очарование тела, лишенного классических пропорций. Итак, импрессионисты создали на полотне иллюзию света, наблюдаемую в реальной воздушной среде. Для этого они разложили цвет на основные части спектра, стараясь не смешивать тона палитры и ориентируясь на «секрет« зрительного восприятия мазка, когда отдельные его блики на определенном расстоянии сливаются в единое целое. Но, растворив цвет в свете и воздухе, импрессионисты нарушили материальность предметов, подменили типичное случайным, скоропреходящим моментом жизни. Как писал Ренуар, импрессионисты использовали «сюжет ради живописного тона, а не ради сюжета». Декларативная новизна новой школы живописи принималась французским обществом с величайшим трудом, и мастерам требовалось немалое мужество, чтобы заниматься творчеством без малейшей надежды на понимание зрителей. Последняя выставка импрессионистов, восьмая по счету, состоялась в 1886 г. К тому времени умер Мане, и монолитная ранее группа единомышленников распалась. Некоторые мастера так и не дожили до успеха. Сислей умер в нищете, но уже через год его картины продавались по баснословным ценам. Мировая известность в полной мере выпала на долю Моне, но он пережил свою славу и был свидетелем того, как быстро устарели некогда скандальные новые идеи импрессионизма. Непрекращающееся противостояния старого и нового характерно не только для французской живописи, но и для музыки, где импрессионизм утверждался с некоторым запозданием. Первым и наиболее ярким его выразителем стал Клод Дебюсси (1862--1918). Молодость композитора протекала в обстановке открытой враждебности со стороны «официального Парижа» ко всему, что выходило из-под его пера. Дебюсси испытал и жестокую материальную нужду, и травлю прессы. Его музыка с трудом пробивала дорогу на эстраду, а нападки критиков не утихали даже тогда, когда публика с восторгом принимала новые сочинения композитора. Лишь с постановкой оперы «Пеллеас и Мели-занда» (1902)Дебюсси «встал на ноги» и обрел признание как глава молодого направления во французской музыке. Но даже будучи знаменитостью, композитор скромно ценил свои произведения и подписывал их: Клод Дебюсси, французский музыкант. Музыка Дебюсси тесно связана с национально-культурными традициями Франции. Однако очевиден и ярко новаторский характер его сочинений. Композитор был среди тех, кто смело ввел в современную европейскую музыку интонации средневековых ладов ренессансного мадригала, ритмы афро-американского джаза. Особая роль в формировании стиля композитора принадлежит русской классической музыке. Будучи весьма далек от духовно-философских идеалов русских композиторов, Дебюсси сумел оценить независимость, искренность и обаяние их сочинений, подсказывающих ему пути борьбы с доморощенной рутиной и формальным академизмом. Он писал: «Мне кажется, что в нашей печальной классной комнате, где учитель строг, "русские" открыли окно, выходящее на простор полей». А еще Дебюсси считал Мусоргского своим любимейшим композитором, прозорливо заметив: «Никто не обращался к лучшему, что в нас есть, с большей нежностью и большей глубиной». Дебюсси родился в предместье Парижа, местечке Сен-Жермен. Его родители были далеки от искусства, и мальчик начал обучаться игре на фортепиано лишь с девяти лет. Дарование его как композитора развилось необычайно быстро. Еще будучи студентом Парижской консерватории, Дебюсси пишет первые сочинения и совершает концертные турне, в том числе в Россию (по приглашению русской меценатки, близкого друга П.И. Чайковского, Н.Ф. фон Мекк). В 90-е гг. XIX в. в полной мере раскрылся симфонический дар Дебюсси. Он пишет выразительный прелюд для симфонического оркестра «Послеполуденный отдых фавна» (на основе поэмы С. Малларме) и три симфонические картины «Ноктюрны», объединенные образным содержанием: «Облака», «Празднества», «Сирены». Ноктюрн «Облака» -- это недвижный образ неба с тающими серыми тучками, которые, удаляясь, «гаснут, нежно оттененные белым светом» (так сказано в авторской ремарке к партитуре). Второй ноктюрн -- жанровая картинка, на фоне которой неожиданно появляются и тут же исчезают разнообразные мимолетные образы. «Сирены» близки по колориту первой части. Как сказано в литературном пояснении, в последнем ноктюрне звучит само море, его безгранично многообразный ритм, когда «среди осеребренных луной волн возникает, рассыпается смехом и удаляется таинственное пение сирен». В течение последних лет уходящего века Дебюсси упорно работал над оперой по драме бельгийского писателя-символиста Мориса Метер-линка «Пеллеас и Мелизанда». В опере мало действия, все внимание сосредоточено на передаче тончайших состояний героев, фатально обреченных, не верящих в счастье. Дебюсси удалось своей музыкой смягчить безнадежно-безвольный тонус драмы. Высший расцвет творчества композитора совпал с наступлением XX в. Его музыка наполняется ликующим чувством полноты жизни, яркими красочными эффектами. Среди симфонических сочинений этого времени выделяются трехчастная сюита «Море» («На море от зари до полудня », « Игра волн », « Разговор ветра с морем ») и сюита «Образы». Но особенно велики творческие достижения композитора в области фортепианной музыки. Цикл из 24 прелюдий, написанных Дебюсси в 1910--1913 гг., можно назвать «энциклопедией» импрессионистского фортепианного искусства. Каждая из пьес -- красочная картина, словно соперничающая с живописью. Однако к точности музыкального изображения Дебюсси не стремился. Для него красочность и колорит всегда были лишь средством передачи личных настроений и ощущений, рожденных под впечатлением того или иного образа. Поразительно разнообразны и неожиданны музыкальные ассоциации, подсказанные природой («Ароматы и звуки в вечернем воздухе реют», «Ветер на равнине», «Паруса»). Музыкальная «живопись» пейзажей соседствует с акварельно-нежны-ми «рисунками» («Девушка с волосами цвета льна», «Феи -- прелестные танцовщицы»). Сумеречной меланхолией, напоминающей поэзию символизма, веет от «Туманов», «Шагов на снегу», «Мертвых листьев» . Не обошел композитор и сферу юмористических, нередко шаржированных зарисовок («Прерванная серенада», «Генерал Лявин-эксцен-трик», «В знак уважения сэру Пиквику», «Танец Пека»). Среди прелюдий, написанных по мотивам литературного источника, выделяется «Затонувший собор». Пьеса родилась под впечатлением бретонской легенды о городе, поглощенном морем, но вырастающем на заре из пучины под перезвон колоколов. В этом древнем предании композитора привлекли не мистика и не романтика старины, а возможность «нарисовать» звуками живописную картину наступающего рассвета, в тиши которого вдруг разливается колокольный звон, доносящийся из глубин моря, откуда неожиданно всплывает громада города. Продолжателем традиций Дебюсси, крупнейшим композитором-импрессионистом был Морис Равель (1875--1937). Его музыку долгое время считали загадкой. Действительно, трудно было объяснить, почему композитор-новатор постоянно «оглядывается в прошлое», пишет в духе старины то менуэт, то токатту, то павану, то обращается к сонатной форме или античной теме. Сегодня же, по прошествии времени, стало очевидно: искусство Равеля -- это отражение того пути, которым шла европейская музыка «грани веков». В атмосфере надвигающихся мировых катаклизмов созерцательно-светлым краскам импрессионизма явно не было места, и Равель искал свой идеал в «вечных образах» культуры. Он оказался как бы на перекрестке различных новых течений, которыми ознаменовалось начало «атомной эры», оставаясь при этом сыном XIX в. Детские годы Равеля протекали в небольшом французском городке Сибур. Его отец, родом из Швейцарии, был крупным изобретателем, мать -- басконка. Наполовину испанское происхождение Равеля проявлялось во всем -- во внешности, в духовной сущности, позднее -- в тяготении ко всему «испанскому» в музыке. 1889 г., когда одаренный мальчик поступил в Парижскую консерваторию, был особым. Всемирная выставка, устроенная в столице Франции, стала подлинным культурным откровением и открытием новых художественных миров -- русского, китайского, японского, алжирского искусства. Очарование Востоком, не оставлявшее Равеля с момента рождения, получило дополнительные импульсы, чтобы затем в полный голос «заговорить» в его музыке. До Первой мировой войны композитор создал немало прекрасных произведений самых разных жанров -- оперу «Испанский час», балет «Дафнис и Хлоя», «Испанскую рапсодию» для симфонического оркестра. Одно из лучших сочинений этого времени -- фортепианная пьеса «Игра воды» (1901). В музыке слышны журчащие переливы и плеск струй, в которых отражается радужный свет. Навеянные звуками образы и ассоциации подтверждаются эпиграфом, который Равель предпослал пьесе: «Речной бог, смеющийся над водой, которая его щекочет». Совсем иные настроения воплощены в сюите «Ночной Гаспар» (1908), созданной по мотивам стихотворной прозы поэта-романтика Алоизиуса Бертрана. Сюита состоит из трех не связанных между собой пьес. Первая из них -- «Ундина» наполнена ночными пюрохами и видениями. Ее тема рождается из затуманенных вибрирующих звуков, создавая образ неуловимого фантастического существа. Пьеса «Виселица» -- отголосок Средневековья, картина освещенной факелами ночной площади, где инквизиция расправляется с осужденным. О содержании этой музыки композитор писал: «Это звон колокола,раздающийся за стенами города на горизонте, и остов повешенного, освещенный багровым светом заходящего солнца». Завершает цикл пьеса «Скарбо». Скарбо -- оборотень, кошмарное наваждение. Музыка рисует рождающуюся из ночных неясных звучаний навязчивую галлюцинацию. Скарбо гримасничает и паясничает, скачет и смеется. Но на рассвете кошмар неожиданно развеивается. Первая мировая война провела черту в жизни и творчестве Равеля. Он рвется добровольцем на фронт, но из-за маленького роста и веса в армию композитора не берут. Лишь в 1916 г. он попадает в зону боевых действий в качестве водителя, проработав в районе Вердена почти год. С 1918 г. начинается последний всплеск его творчества, когда были созданы балет «Дитя и волшебство», фортепианные концерты, сюита «Памяти Куперена» и знаменитое «Болеро». «Болеро» было написано в 1928 г. по заказу известной балерины Иды Рубинштейн. Однако жизнь сочинения как хореографического номера была очень недолгой. Ида Рубинштейн танцевала «Болеро» в костюме цыганки на столе, вызывая экстравагантностью номера восторг пресыщенной парижской публики. Было очевидно, что такая трактовка не соответствует масштабу гениальной музыки. Позднее «Болеро» обрело огромную популярность прежде всего как самостоятельное симфоническое произведение, насыщенное стихией танца, по-испански яркого, страстного, динамичного. «Болеро» -- редкий пример крупного музыкального замысла, воплощенного на основе одной «испанской» темы, сочиненной самим Равелем. Благодаря исключительной оркестровой изобразительности композитору удалось достичь колоссальной напряженности в развитии этого образа, устремленного к ликующей кульминации. После ужасов военного времени в европейской художественной культуре происходит интенсивная «переоценка ценностей». Однако Равель не спешил расставаться с прошлыми идеалами. Незадолго до тяжелой болезни, унесшей композитора в могилу, он писал: «Я не являюсь Композитором-«модернистом» в собственном смысле этого слова, ибо моя музыка, далекая от бунтарства, скорее отмечена эволюционным развитием... Музыка -- я настаиваю на этом, -- несмотря ни на что, должна быть прекрасной».

Размещено на Allbest.ru