Стиль рококо во французской живописи

Размещено на http://allbest.ru

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РФ

ФЕДЕРАЛЬНОЕ ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ ПЕНЗЕНСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ

Факультет заочного обучения

Кафедра «Коммуникационный менеджмент»

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине «История искусств»

на тему: «Стиль рококо во французской живописи»

Автор: ст. гр. 13зюр51 Герасимова И.Ю.

Дата 04.12.2013г. Подпись ______________

Руководитель: к.и.н., доцент Милаева О.В.

Пенза, 2013г.

Содержание

Введение

Глава 1. Век под лозунгом «искусство как наслаждение»

Глава 2. Новаторство стиля рококо и его распространение

Глава 3. Ведущие представители живописи рококо

Заключение

Список использованной литературы

Введение

Актуальность темы: данная тема была выбрана, поскольку любой стиль, возникавший в ту или иную эпоху, вызывал явный интерес общества во все времена.

Стиль рококо до сегодняшнего дня является, пожалуй, одним из наиболее дискуссионных явлений в искусствознании, оцениваемым крайне неоднозначно.

Долгое время вообще ставилось под сомнение рассмотрение рококо в качестве самостоятельного стиля, его определяли либо как заключительную, «упадочную» фазу барочного искусства, либо как период барочного влияния внутри французского классицизма.

Рококо - одно из интереснейших стилевых направлений в искусстве, которое следует изучать, так как для времени своего господства он проявил только ему присущие особенности в архитектуре, скульптуре и, конечно же, в живописи.

Живопись рококо является наиболее интереснейшей частью художественной культуры.

Эта сфера включает в себя идеи, основа которых лежит в прошлом, но неразрывно связана с настоящим.

И эта связь является существенным историческим звеном, заложившим основы изучения данного вида искусства.

Объект работы: живопись рококо.

Предмет работы: французское рококо начала 18 века.

Задачи:

- описать периоды возникновения стиля рококо живописи рококо;

- показать особенности и принципы живописи в стиле рококо;

- проанализировать семантику определённых мотивов в изображениях;

- рассмотреть синкретизм всех сфер стиля рококо;

- ознакомиться с представителями живописи рококо.

Методы исследования:

В ходе проводимого исследования используются следующие методы:

- анализ литературы по данной теме; - изучение иллюстраций картин, архитектурных памятников, предметов интерьера;

- сравнение произведений барокко и рококо, принадлежащих к разным видам искусств.

Глава 1. Век под лозунгом «искусство как наслаждение»

XVIII век во Франции знаменуется очевидным обозначением процесса разложения французской абсолютной монархии. Смерть в 1715 году «короля - солнца» была просто завершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготовили приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве. Новый век приносит и новый стиль в искусство. Во Франции появление стиля «рококо» ассоциируется с эпохой Людовика XV (1715 - 1755 гг.), с которой он практически совпадает по временным рамкам. Данный период и будем считать хронологическим этапом и рамками, так как именно в эпоху царствования этого короля данный стиль зародился и получил свое развитие. Немалый вклад в развитие стиля рококо внесла и история. Ведь в это время многое меняется: король перестает быть главным заказчиком произведений искусства, а двор - единственным коллекционером.

Для более полного восприятия индивидуальности и особенностей стиля рококо, необходимо рассмотреть исторический период его зарождения и развития, так как особенности каждой эпохи накладывают свой отпечаток и на искусство.

Смерть Людовика XIV -- самого блистательного представителя абсолютной монархии, который более других государей принимал непосредственное участие во всей художественной жизни великой нации, воспринимается всеми как падение досадного препятствия, как наступившее, наконец, начало нового века. «Король так долго царствовавший умер», - без всякой тени удивления и сострадания пишет своему другу один из героев «Персидских писем» Монтескье. Именно так, равнодушно и почти пренебрежительно, встретила вся Франция первого сентября 1715 года - день смерти Людовика XIV. Престарелый «Король - солнце» пережил самого себя. Он оставил своему правнуку нищую страну, истощенную войнами и налогами. Помпезно и педантично построенное им здание абсолютизма уже давало угрожающие трещины, - никто не сомневался, что Франция стоит на пороге неизбежных перемен.

Смерть столь блистательного монарха дала мощный толчок к перевороту во всех сферах жизни Франции, который с того времени начинает сказываться в дикой разнузданности и в полном изменении нравов внутри государства и общества, находит отражение и в искусстве, приводя к новому направлению, которое вначале, во время регентства за несовершеннолетнего наследника, принимает своеобразный отпечаток (стиль Регентства), но уже через десятилетие перерабатывается в стиль Людовика XV. Стиль Регентства мы помянем лишь как менее выраженный переходный стиль.

Стремления, которым следовали мастера эпохи Регентства, достигают своей полной зрелости в 1725 году, и с этого момента начинается во Франции стиль Людовика XV, стиль рококо в собственном смысле. Во Франции стиль рококо развивался ярче и последовательнее, чем где либо.

Рококо складывается как стиль в результате смешения и синтеза новых эстетических тенденций, новых вкусов, которые постепенно кристаллизовались в качестве нового стиля, подчиняющем себе все французское искусство, и в последующие десятилетия бурно развивается, достигая высшего подъема в середине столетия. Но стоит вспомнить и о том стиле, который предшествовал стилю рококо. Этим стилем был барокко. Нужно особо отметить, что рококо и барокко довольно - таки похожи и имеют огромное количество сходств, как в истории происхождения, так и в характере орнамента и стиля.

В эпоху барокко произведения искусства активно стремятся соединиться с другими, т. е. мастер эпохи барокко мыслит и как скульптор, и как архитектор, и как декоратор одновременно. В изобразительном искусстве барокко преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированность общественного положения человека. Идеализация образов сочетается в них с бурной динамикой, неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность -- с фантазией, религиозная аффектация -- с подчёркнутой чувственностью, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью. Кроме вышеперечисленных особенностей типичными также являются:

1. Усиление религиозной тематики, особенно тем, связанных с мученичеством, чудесами, видениями;

2. Повышенная эмоциональность;

3. Большое значение иррациональных эффектов, элементов;

4. Яркая контрастность, эмоциональность образов;

5. Тяготение к обобщающим и связывающим формам: поиск единства в противоречиях жизни - в архитектуре - овал в линии здания, архитектурные ансамбли; скульптура подчинена общему декоративному оформлению; в живописи - отказ от прямолинейной перспективы, подчеркивание «бесконечности» пространства; в музыке - создание циклических форм (соната, концерт), многочастных произведений (опера).

6. Сложность и избыточность, излишество (в частности, композиционных решений в архитектуре, музыке).

В отличие от других католических стран, во Франции барокко ярче всего выразило себя на службе монархии, а не церкви. Людовик XIV понимал важность искусства как средства прославления королевской власти. Его советником в этой области был Шарль Лебрен, который руководил художниками и декораторами, работавшими во дворце Людовика в Версале.

Стоит отметить и то, что во всех видах искусств барокко слилось с более легковесным стилем рококо. Это слияние было весьма плодотворным в Центральной Европе, особенно во Франции.

Подобно тому, как барокко часто называют последней стадией Возрождения, рококо нередко считают заключительным этапом барокко - длительным периодом восхитительных, но все же упаднических сумерек, прерванным эпохой Просвещения и неоклассицизмом. Во Франции рококо ассоциируется с эпохой Людовика XV (1715--1765), с которой оно почти совпадает хронологически. Однако, его не следует отождествлять с абсолютистским государством или с Церковью в большей степени, чем барокко,-- даже при том, что они продолжали быть основными покровителями искусств. Более того, основные характеристики стиля рококо сложились до рождения короля - его первые признаки появились на пятьдесят лет раньше, во время длительного переходного периода, составлявшего позднее барокко.

Действительно, Рококо хронологически следует за Барокко. Но и внутренняя суть, и внешние проявления этих стилей различны.

На смену силе эмоций, накалу страстей, помпезности и величественности Барокко пришел изящный и камерный стиль дамских будуаров и аристократических гостиных - Рококо. Стиль людей, ценящих утонченность обстановки, повседневные радости жизни и удобство быта. Идейная и эмоциональная основа Рококо - индивидуализм и гедонизм. Ж. Л. Давид называл его «эротическим маньеризмом». Девизом эпохи Рококо можно считать ценность «счастливого мига», для мироощущения человека этой эпохи была характерна любовь к жизни, умение наслаждаться её радостями, вкус к красивым вещам и новизне форм и в то же время настроения пессимизма, тоски, предчувствие конца. Современники называли Рококо «королевским стилем», он сформировался во время правления короля Людовика XV, достиг своего расцвета и, затем, его сменил художественный антипод - строгий, гармоничный и рациональный неоклассицизм.

Рококо получил свое название от характерного для данного стиля орнамента рокайль.

Рокайль (от фр. rok - скала, утес) - главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины. Появился во Франции в начале XVIII века, при украшении парковых павильонов - гротов деталями, имитирующими природные элементы - морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение название “рокайль”. Впоследствии этот термин стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину, камень. В ходе своего развития данный стиль получил свое отражение не только в живописи, но и в других видах искусства, таких как архитектура, скульптура, оформление интерьера, даже в литературе и т. д.

Заключение по главе:

Таким образом, рассмотрев основные этапы развития стиля рококо с момента его возникновения во французской культуре можно сделать заключение, что рококо является целостная стилевая система, основанная на определенных мировоззренческих, эстетических и философских установках, не только не тождественных барокко, но часто прямо ему противоположных.

Глава 2. Новаторство стиля рококо и его распространение

Рококо - стилевое направление в европейском искусстве 1-й половины 18 века.

Для рококо характерны гедонистические настроения, уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальной и чувственно-эротической сюжетике.

Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры сказалось главным образом в характере декора, приобретшего подчеркнуто изящные, утонченно-усложненные формы; распространяясь в зодчестве других стран Европы (постройки Георга Кнобельсдорфа, Бальтазара Нёймана, отчасти Маттеуса Даниеля Пёппельмана), рококо часто выступало как местный вариант позднего барокко. Преимущественно декоративный характер имела богатая тонкими переливами цвета и одновременно несколько блеклая по колориту живопись рококо (картины и росписи Франсуа Буше, Джованни Антонио Гварди, Никола Ланкре, Джованни Пеллегрини, Жана Оноре Фрагонара). Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах.

В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт), в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя. Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера.

Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков.

Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж. Одним из основоположников стиля рококо был талантливый живописец Антуан Ватто, давший наиболее совершенное воплощение принципам этого стиля. Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают характерам персонажей картин Ватто особую утонченность.

Непосредственными последователями мастера, которые по большей части превратили манеру Ватто в изысканную и поверхностную моду, являлись художники Никола Ланкре, Жан Батист Патер, Кийар и другие живописцы. Крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства стал ученик художника исторического жанра Лемуана Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик. Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Шарль-Жозеф Натуар, братья Ванлоо, Антуан Куапель, отчасти Элизабет Виже-Лебрен, и другие) и это влияние продержалось вплоть до Великой Французской революции 1789 года. Среди значительных мастеров рококо были художники самого разного дарования, обращавшиеся к самым разным жанрам живописи: Франсуа-Гюбер Друэ, Луи Токе, Луи-Мишель Ванлоо, Морис Кантен де Латур, Жан-Марк Наттье, Жан Батист Перроно. Последним крупным живописцем рококо был Жан Оноре Фрагонар, тонкий портретист и пейзажист, как и Ватто, не вписывающийся в рамки просто модного стиля.

Скульптура рококо во Франции менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего 18 столетия получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни.

Крупнейшие скульпторы рококо: Жан Батист Лемуан, Этьен Морис Фальконе, Огюстен Пажу, Клод Мишель Клодион. В скульптуре рококо других европейских стран также преобладали предназначенные для украшения интерьеров рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты и фарфора (изделия немецкого скульптора, мастера фарфоровой пластики Иоганна Иоахима Кендлера). Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.

Идейно-художественное содержание оформления дворцового интерьера во многом определялось произведениями декоративной и станковой живописи. Они украшали не только королевские замки и магнатские дворцы, но широко привлекались и в отделку интерьеров шляхетских усадеб. Живопись, как и скульптура, ценилась обитателями дворцов и усадеб лишь в той мере, в какой она способствовала украшению их интерьеров, поэтому носила преимущественно декоративный, оформительский характер. Декоративная живопись использовалась главным образом в росписях потолков и стен, супрапортов и десюдепортов, панелей и филенок.

Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт), в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя.

Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера. Надо отметить, что художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков. Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направлении; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж.

Самой распространенной формой живописного произведения стало декоративное панно, большей частью овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы; в основе композиции и рисунка лежит мягко изгибающаяся линия, которая придает произведению обязательную для этого стиля вычурность и нарядность.

А своих колористических исканиях рокайльные мастера шли от Рубенса, Веронезе и венецианцев, но предпочитали не их насыщенные, сочные цвета, а бледные полутона: красный становится розовым, синий - голубым, появляются лимонно-желтые, блекло-голубые, розовые, сиреневые цвета, даже вымышленные - вроде «цвета бедра испуганной нимфы».

Тематика живописных произведений в интерьере была навеяна театром, легковесными по содержанию и весёлыми по настроению сельскими пастушьими или светскими любовными мизансценами, чаще всего сентиментальными и эротическими. Внимание придворных художников концентрируется вокруг достаточно банальных жанровых идиллических сцен с дамами, кавалерами, комедиантами, играющими пути. Привлекательность этих картин - в их тонкой художественной исполнительности, в нежном, утонченном письме, сказочном феерическом антураже. Практически не затрагивается душевная и духовная стороны изображаемой личности, а лишь её импозантность. В композициях полотен господствует тема любви или её неразделённости, моменты её проявления в ревности, легкой влюблённости, капризном кокетстве.

Еще В.В. Стасов отмечал, что для европейской живописи середины XVIII века были чужды реализм и правда, присущие картинам голландской школы . Художественной программой эпохи становится отражение условной красоты, декоративно изысканной жизни, безмятежного быта аристократических салонов. Дворянские пасторали разыгрываются среди роз и цветов, полуфантастических архитектурных пейзажей. Природный антураж в этих картинах, как и в орнаментике стиля, далёк от натуры. Художника не заботит глубокое проникновенное изображение ландшафта, так же как и исследование искреннего чувства. Природа в рокайльных картинах абстрактна, искусственно напыщенна, необычайно приукрашена и романтизирована.

Для живописи рококо характерно использование системы лессировок - многократных накладок прозрачных слоев краски друг на друга, создающих ощущение фарфорового свечения тонов. Пастельная цветовая гамма, светлый колорит, преобладание серебристых, розовых и голубых тонов, сияющих красноватых, золотисто-жёлтых оттенков, поэзия полутонов, воздушность фактуры, плавность контуров были призваны вызывать впечатление нежного изящества и благородства, камерной и хрупкой декоративности. Формы моделируются посредством мягких неуловимых преходов света и тени, отсутствием контрастных цветосочетаний. Цветовая гамма обладает белёсостью и прозрачностью, напоминающей нанесённые на фарфоровую посуду эмалевые краски, роспись по шелку.

Наступившее в живописи господство светской тематики обусловило отказ от присутствия в интерьере иконописи. Даже предметы культовой обрядности трактуются и роскошно украшаются без особого намёка на религиозность. В качестве образца подобной трактовки бытовой культовой утвари можно привести миниатюрный складень-триптих на экспозиции Брестского областного краеведческого музея. Эмалевые створки, расписанные на чисто светский житейский сюжет любовного характера, обрамлены узким бордюром вогнуто-выпуклой формы. Здесь явно проявилась рокайльная страсть художника к вычурной элегантности, изяществу. Створки триптиха населены умилительно лирическими фигурками влюблённых. Вместо культовой семантики торжествует высокомерно-презрительный атеизм, оправдывающий господствующую в ту эпоху философию наслаждений. Вместо разума и мысли - повышенная, экзальтированная эмоциональность, отсутствие ощутимой границы между реальным и воображаемым, возможным и фантастическим. Жесты и движения персонажей сохраняют театральную, и ставшую уже банальной наивно-влюблённую щепетильность. В изображаемых персонажах акцентируются удлинённость фигур и конечностей, миловидность черт. Сюжетные оценки окружены утонченным и изящным, сияющим белизной пейзажным антуражем. Это произведение миниатюрной живописи, может быть, и не очень глубокое по содержанию, остается привлекательным и выразительным, изысканным и простодушным.

Рокайльная тематика проникает в декоративную живопись России, отразившую парадную нарядность екатерининского и елизаветинского времени. В пасторалях картины реальной действительности подменялись изображениями беззаботной жизни, искусственно возвышенных, экзальтированных чувств.

Художник был призван радовать глаз и не тревожить ум и сознание, умилять гармонией форм и красок. В живописные полотна пришла грация настроений, чувственность, беспечная лёгкость, порой тёплый юмор, ощущение жизни как постоянного праздника. В станковой живописи этого времени создаются лучшие детские портреты, очевидно, потому что маленьких персонажей не было необходимостью наделять глубоким душевным содержанием.

Станковым картинам начинают предпочитать эмалевые миниатюры-талисманы. Желание иметь небольшие по формату портреты в медальонах или на табакерках входит в моду. Становится потребностью почти всех завсегдатаев великосветских салонов. Мода на них в России была сильна в то время благодаря работам французских мастеров портретной миниатюрной живописи.

Искусство сближалось с бытом, его эталоном становится не героическая исключительность, а обычная жизненная человеческая норма. При частичном сохранении торжественности и официальности изображаемого парадного типажа, характер личности становится мягче и нежнее, поза персонажа непринужденнее.

Светская живопись, как и скульптура эпохи рококо, отказалась от обращения к драматическим сюжетам, а вместе с тем и от развёрнутого познания и отражения реальной жизни. В произведениях живописцев отсутствует действие, в них господствуют отвлечённое элегическое настроение, глубоко интимный подтекст, пристальное внимание к оттенкам настроения. Откровенно чувственно-поэтический, подчас изящно-жеманный характер живописных полотен сочетается с неглубоким идейным содержанием. При этом полотна рокайльных живописцев очаровательны и привлекательны.

К середине XVIII века живопись рококо окончательно выродилась в беспечно-поверхностное искусство, отражающее вкусы и настроения феодальной верхушки общества. Картины включали в свои рамы море шёлка и кружев, солнечные парковые лужайки и куртины, фонтаны и павильоны, дам и кавалеров в пышных костюмах, ангелочков и амуров, играющих, пьющих вино из кубков, лакомящихся, обнимающихся, рассыпающих вокруг себя цветы. Нередко среди роз и кустарников предстает умилительно, лукаво натягивающий лук купидон, грозящий поразить стрелою любви всякого, кто попадёт в поле его внимания. Из барочных мифологических персонажей популярными остаются Вакх, Сатир и нимфы, из сюжетов - сцены из жизни Амура и Психеи, история любви Аполлона и Клитни, гедонические и любовные мотивы из античной мифологии. Наш век особенно остро ощущает душевную изломанность и опустошенность этих персонажей, видит не только забавность, но и порой непристойность разыгрываемых ими сцен. Вместе с тем нельзя согласиться с характеристикой И.Э.Грабаря, который объявил художников XVIII века авантюристами. Они выполняли, как и во все времена, социальный заказ, объективно отражали мировоззрение господствующего класса, ту красоту естественных чувств, которая, по выражению того же И.Э.Грабаря, “правее логики и всегда покоряет”. Нельзя категорично отрицать, что художники этой эпохи не вкладывали в свои произведения душу, поэтическое восприятие мира.

Рокайльным антуражем картин рококо становится сказочная природа с куртинами, россыпями цветов. Пейзажи отличаются декоративностью, уподобляются театральным кулисам: передний план трактуется как авансцена, а фон напоминает театральный задник.

В рокайльной живописи получил развитие жанр натюрморта. Путём тщательной световой проработки появляется ощущение иллюзорной натуральности, реального присутствия изображаемых предметов (так называемые картины-обманки).

Увлечение разбелённой мягкой и высветленной цветовой гаммой воскресило в искусстве XVIII века забытую в XV века живописную технику пастели. рококо искусство шинуазри живопись

Пастельная живопись с её бархатисто-матовой фактурой и тонкими “затёртыми” градациями мягких завуалированных тональных переходов создавала впечатляющий художественный эффект светоносности всецело в духе стиля. Естественно, что строгий классицизм отверг пастельную технику живописи как слишком нежную, бледноватую и лишённую героической монументальной решительности.

С 1760-х годов классицизм повсеместно вытесняет стиль рококо. Тенденции рококо в России, особенно выраженные в середине XVIII века, проявились в основном в отделке интерьеров дворцов, лепном декоре зданий, а также в ряде направлений декоративно-прикладного искусства (резьба по дереву, мебель, ювелирное искусство, художественное серебро и фарфор).

Европа также не избежала восточного влияния. В XVII-XVIII веках ее охватил настоящий бум на все китайское. Появилось целое направление в декоративном и изобразительном искусстве, получившее название шинуазри (от французского chinoiserie). Для предметов в этом стиле характерно использование мотивов китайского искусства, изображение китайцев, китайской архитектуры и пейзажей, имитация китайских лаков.

В эпоху Романтизма конца XVIII - начала XIX вв. и неостилей второй половины XIXв. в модном «китайском стиле» оформлялись загородные дворцы, интерьеры, парковые павильоны и беседки. В XVIII веке увлечение китайским стилем при французском дворе привело к его распространению по всей Европе: от Палермо до Санкт-Петербурга. В Англии, питавшей не меньшее пристрастие ко всему китайскому, также с удовольствием украшали дома и парки изделиями в стиле шинуазри, изготовленными в английской манере (см. Приложение 3).

«Китайский стиль», или, по-французски, шинуазри, получил своё развитие, как «ветвь» стиля рококо. Художники, работавшие в этом направлении, создавали изящные и несерьёзные пасторальные картины. Персонажами подобных «китайских» сюжетов были императоры, их наложницы, танцоры и воины.

Художники рококо не преследовали цель показать жизнь в её реальном воплощении: их мир был достаточно иллюзорен и имел с действительностью мало общего. Китай на полотнах Франсуа Буше, скорее, похож на Версаль Людовика XV -- главного заказчика подобных картин.

Спонсором фарфорового производства во Франции была фаворитка Людовика XV --маркиза де Помпадур. Она же была большой поклонницей шинуазри в живописи: по её заказу Франсуа Буше создал серию картин на «китайскую тему».

Заключение по главе:

Искусство рококо отразило своё время, явилось порождением эпохи торжествующего в своей предсмертной агонии феодального абсолютизма, зерцалом его эмоционального мира. Представители рокайльного художественно-стилевого направления в совершенстве проиллюстрировали эстетический идеал эпохи, кредо которого заключалось в отказе от прозы реальной жизни и признании лишь одного мира - мира искусства. При всей узкоклассовой сущности и элитарной природе этого искусства необходимо учитывать тот факт, что своей практической реализацией оно было обязано широкому кругу резчиков и скульпторов, архитекторов и художников - талантливых выходцев из народа.

Глава 3. Ведущие представители живописи рококо

Рококо имеет право на существование как стиль уже и потому, что оно дало новые грани, новое развитие выразительным средствам искусства. К представлению жизни как красочной феерии стремятся художники первой половины - середины XVIII века (сноска). Идеалы рококо наиболее полно воплотились в полотнах западноевропейских мастеров “галантных праздненств” Жана Антуана Ватто, Франсуа Буше, истинных представителей чувственного и галантного XVIII века Жан Оноре Фрагонара, Николы Ланкре, Помпео Джироламо Батони, Ш Ж Натуара. Художники эпохи рококо уводящие своих персонажей от реальной действительности и проблематики в мир интимных отношений, пикантных ситуаций, как нельзя лучше отразили кризис феодализма с его нарядными и пышными празднествами.

Жан Антуан Ватто

Начало XVIII в. отмечено творчеством Антуана Ватто (1684--1721) -- создателя галантного жанра, интимной живописи настроения, певца тонких душевных движений и чувств. Именно этот художник является основоположником рококо в живописи.

Ватто начал с подражания фламандцам: маленькие по формату, остро схваченные сцены военных бивуаков, народные типы вроде написанного уже в годы расцвета «Савояра» -- мальчика с Савойских гор, идущего на заработки. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества -- аристократическое общество в парке, музицирующее, танцующее, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, -- сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Все это увидено как бы со стороны тонким, чуть ироничным наблюдателем («Капризница») с налетом меланхолии и грусти («Праздник любви», «Общество в парке», «Затруднительное предложение»).

В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все оттенки тонов, так и в изображении Ватто даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 г. художник создал одно из самых больших своих произведений «Паломничество на остров Цитеру» (Киферу) , одна версия которой находится в Лувре, а другая - в Берлине, в замке Шарлоттенбург. Сюжет картины заимствован из пьесы 18 в. и представлен как галантное празднество, происходящее в саду перед статуей Венеры, с золотой ладьей и резвящимися амурами на заднем плане, что свидетельствует о приготовлениях к путешествию на остров богини любви. Чувственная сторона сюжета приглушена и смягчена.

В высочайшем художественном мастерстве передачи фактуры тканей Ватто является наследником живописных традиций Рубенса и Веронезе, однако мазок у него более тонкий и текучий. Легкие и изящные фигурки персонажей Ватто кажутся почти бестелесными. Эта тончайшая палитра чувств прежде всего создана самим цветом: колеблющимся, мерцающим, переливающимся один в другой, гаммой золотистых оттенков, сквозь которые проступает основной серебристо-голубоватый тон, что в целом напоминает колорит венецианцев; светом, разбивающимся на блики. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Театральность характерна для всего искусства XVIII в., и для Ватто особенно. Он не скрывает театрального приема в композиции: действие разыгрывается на переднем плане, который выглядит как площадка сцены; он всегда пишет кулисы -- обрамление этой главной сцены; как в театре, располагает группы фигур, освещая их искусственным светом рампы. Искусство театра не только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества, которое пишет художник.

«Капризница» (La boudeuse) ( Ок. 1718. Санк-Петербург. Государственный Эрмитаж) --маленький шедевр, изящная и драгоценная по живописи картина, относящаяся к периоду расцвета его творчества - к 1718г.

На фоне легкого, прозрачного, «перламутрового» пейзажа » светлого неба выделяются выразительные силуэты двух фигур: дама в темном блестящем шелке, присевшая на каменную-скамью, подбирая платье, отворачивается с недовольным и рассеянным видом от своего кавалера; он в непринужденной позе прилег, облокачиваясь на скамью и заглядывая сбоку ей в лицо; весь его вид выражает спокойствие и уверенность: ее неудовольствие -- поверхностное, ее холодность -- напускная, ею руководит только кокетство и каприз. Об этом говорит и ее личико с мелкими чертами (знакомое нам и по другим картинам Ватто) и выразительный своенравный поворот головки. Темное платье ее блестит мелкими, яркими бликами, живыми тонами переливается одежда и свешивающийся плащ кавалера. Это яркие, сочные пятна, с которыми контрастируют легкие и тонкие узоры древесной листвы и фигурки гуляющего в отдалении общества.

В самом конце жизни Ватто создал свою последнюю работу -- это вывеска антикварной лавки, которая так и называется «Лавка Жерсена». В правой части беседуют интересующиеся живописью дамы и кавалеры, в левой укладывают в ящики произведения искусства, среди них портрет Людовика XIV. Не хотел ли этим Ватто сказать, как быстротечна «слава мира», как коротка власть и сама жизнь, а вечно лишь одно искусство?

Франсуа Буше

Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше, ибо в его искусстве гедонизм рококо, доходящий до фривольности, пренебрежение к конструктивному, рациональному, разумному, как и вся утонченная культура "рокайльного языка", выразилось в полной мере.

Франсуа Буше (1703-1770), французский живописец, рисовальщик, гравер и декоратор. Родился 29 сентября 1703 в Париже, где и прожил всю жизнь. Художник и парижанин в третьем поколении, Буше был учеником блистательного Франсуа Лемуана, учителем своим почитал и Антуана Ватто, сотни рисунков которого он в юности копировал, привнося нечто свое, а позднее делал с них гравюры. Двадцатилетним получил престижнейшую премию «Приз Рима», а потом и работал в Вечном городе более трех лет, освоив технику итальянского барокко и погрузившись в глубины исторической живописи, мастером которой и профессором которой во французской академии художеств он стал. Ему было едва за тридцать. Ну, а потом...

Потом были замечательные иллюстрации к книгам Мольера, роспись и отделка интерьеров парижских домов и дворцов, в том числе королевских, обретение собственной неповторимой манеры письма и всеевропейская слава. Ему удавалось все: религиозные, мифологические, исторические, жанровые картины, пейзажи и чудесные портреты, особенно, женские, в чем убеждают нас мастерские рисунки, собранные сейчас в музее Фрик-коллекшн из музеев и частных коллекций многих стран - Англии, Канады, Швеции, Франции, Италии, Голландии, России, Австрии, Испании и, конечно же, Америки. Так что ощущаешь себя так, будто объездил полмира.

Нужно вам сказать, что живопись Буше бескрайне эротична. «Страстей, обжигавших сильнее огня наших сердец гранит», в его сюжетах предостаточно. Естественно и в графике тоже, в рисунках, необычайно грациозных, поэтичных, поражающих легкостью и пластикой линии. На счету у Буше более 10 тысяч рисунков: это и бесчисленные эскизы к картинам с бытовыми, но чаще мифологическими или аллегорическими сюжетами, к пасторальным сценкам, к картонам для шпалер (он был основным поставщиком картонов для мастерских Бувье и Гобелена), рисунки и эскизы моделей севрского фарфора, книжные иллюстрации и обложки, изящнейшие виньетки. Был он и превосходным гравером. Многообразию творчества, яркости индивидуальности Буше могли бы позавидовать многие именитые художники. Вождь французского классицизма, великий Жан Луи Давид, считавший Буше своим учителем, бросил как-то фразу: «Никто не может стать таким, как Буше». Таким оригинальным, самобытным, таким чарующим. -

Буше - самый знаменитый и удачливый мастер, работавший в стиле рококо. Он получал заказы на создание декоративных картин для резиденций короля и мадам де Помпадур, а также частных особняков в Париже. Буше делал декорации для опер и спектаклей и картоны для гобеленов мануфактуры Бове; две серии картонов - Итальянские деревенские праздники (1736) и Благородная пастораль (1755) - находятся в коллекции Хантингтон в Сан-Марино (Калифорния).

Достойны внимания многочисленные серии гравюр Буше, среди которых иллюстрации к произведениям Мольера и других авторов, а также серия Крики Парижа с изображениями уличных сценок. Художник выполнял также эскизы для изделий из фарфора Венсенской и Севрской мануфактур.

Спектр сюжетов картин Буше охватывает всю тематику, характерную для стиля рококо. Он обращался к литературным, аллегорическим и мифологическим сюжетам (особенно связанным с Венерой), изображал деревенские ярмарки, фешенебельную парижскую жизнь, игривые экзотические «китайские» сценки и пасторали, писал пейзажи и портреты, а иногда и картины на религиозные темы. У Буше во всем чувствуется свойственное рококо сочетание острой наблюдательности и декоративной утонченности, чувственной непосредственности и игривого притворства. Среди его лучших произведений - картина "Туалет Венеры", Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж и Портрет маркизы де Помпадур. Ныне он находится в Старой Пинакотеке Мюнхена.

С годами у Буше вырабатывается легкий, но эффектный штамп, так как от него требовали частого повторения работ. К концу жизни ему несколько изменяет и чувство цвета. Однако и в 1760-е годы он продолжал работать в живописи и рисунке, где воплощает свой колористический дар в пастелях, гуашах, технике рисунка «в три карандаша» (сангина, белый и черный мел по тонированной бумаге). Живописный талант Буше, его рафинированный вкус высоко ценили ученики и современники.

Жан Оноре Фрагонар

Жан Оноре Фрагонар (фр. Jean-Honorй Fragonard; 1732, Грасс -- 1806, Париж) -- знаменитый французский художник, живописец и график, яркий представитель стиля рококо. Один из крупнейших живописцев Франции второй половины XVIII в. В своём творчестве продолжая и развивая традиции художественного стиля рококо, создавал картины с галантными сценами, игриво-эротическими мотивами.

После Ватто и Шардена Фрагонар -- самый крупный французский художник XVIII столетия. Творчество Фрагонара -- утонченный и яркий цветок искусства рококо и всей французской культуры второй половины века. Фрагонар родился на юге Франции, в Грассе. Его отец был перчаточником, в 40-х годах переселившимся в поисках заработка в Париж. Здесь семнадцатилетний Жан-Оноре Фрагонар попытался поступить в обучение Франсуа Буше, но был отослан мэтром в мастерскую Жана Батиста Шардена. Время, проведенное у великого живописца, не прошло для Фрагонара даром -- но это скажется позднее; пока ему не пришлись по вкусу ни прозаические сюжеты Шардена, ни его кропотливые штудии натуры. Через полгода начинающий художник снова отправился к Буше, который проявил на этот раз большую благосклонность. За сравнительно короткий срок Фрагонар перенял стилевые приемы своего учителя и в 1752 году был удостоен Римской премии за картину на библейский сюжет. После трехлетней стажировки в Париже у академического живописца Ванлоо Фрагонар уезжает в Рим в качестве стипендиата учрежденной там еще в XVII веке французской Академии. В годы, проведенные в Италии (1756--1761), происходит превращение из бескрылого эпигона Буше и академиков в неповторимо самобытного мастера. Этой метаморфозе способствовала встреча с искусством и природой Италии. Фрагонар создает в этот период серию замечательных графических пейзажей, дополненную во время вторичного посещения Италии в 1773--1776 годах.

Это по преимуществу виды прославленных вилл, расположенных в Риме и его окрестностях. На этих рисунках, выполненных бистром или сангиной, изображены тенистые аллеи, напоминающие своды соборов, величавые зонты пиний, целые каскады зелени, гроты, ступенчатые террасы с балюстрадами и статуями. Все это отличается архитектурной стройностью композиции и проникнуто почти космическим чувством природы, роднящим Фрагонара с мастерами XVII века. Собственно «фрагонаровское»-- в сочетании величия с невиданной прежде интимной теплотой, мягкостью и утонченностью восприятия мира. Его кисть и карандаш передают бесчисленное множество оттенков черного и белого, градаций размытых и четких форм. Но, пожалуй, главное очарование фрагонаровской графики -- в ее светоносности. Свет в его пейзажах то мерцает, то струится широким потоком, вспыхивает в листве, таинственно озаряет дали...

В 1670-е годы широкое распространение просветительских идей, призывы Руссо и Дидро к естественности, простоте и нравственности, а также изменения в личной жизни Фрагонара (он женится и становится отцом семейства) приводят к переменам в его искусстве. Теперь в его живописи преобладают идиллические семейные сцены. Особенно удавались ему сцены с детьми, написанные с необыкновенной нежностью и юмором.

Его произведения, исполненные трепетной эмоциональности, чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной декоративностью колорита, легкостью живописной манеры, плавными композиционными ритмами - “Качели”, 1766, собрание Уоллес, Лондон, “Праздник в Сен-Клу”, 1775, Французский банк, Париж; “Поцелуй украдкой”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Тонкие светотеневые эффекты характерны для офортов и многочисленных рисунков Фрагонара. Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных и вместе с тем иронических ситуациях ("Свидание", "Погоня"). Художник стремился передать интенсивную красочность реального мира, любил теплую золотистую гамму, игру света. Стиль и манера Фрагонара разнообразны, они менялись, эволюционировали от декоративного решения то к классическому, с характерным для него точным, упругим рисунком и локальным сдержанным цветом, данным в границах формы («Задвижка!», 1778г.), то к романтическому, с типичной для него экспрессивностью мазка, живописностью (серия портретов 1760-х гг.), тонкостью свето - воздушных эффектов. Он мастер мимолетного наброска с натуры.

В портретах Фрагонар стремился запечатлеть творческую импульсивность, душевную взволнованность, страстность переживаний, которые должны неизбежно перейти в действие, вывести за пределы обыденности, из интимной сферы жизни. Художник смело разрушал каноны аристократического портрета 18 в. В «Портрете Дидро» (Париж, частное собрание) он запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с устремленным вдаль вдохновенным взглядом. Экспрессивная роль света, динамика композиционного и живописного решения рождают впечатление изменчивости натуры. За пределы портретного жанра несколько выходит образ «Вдохновения» (1769, Париж, Лувр), подчиненный одной страсти -- патетическому взлету мысли, мечты. В интимно-лирических портретах Фрагонара наметились тенденции, ставшие характерными для романтизма 19-го века.

Позднее творчество Фрагонара мало изучено. Художник постепенно теряет былую популярность, а революция наносит ему окончательный удар: его довольно значительное состояние сильно уменьшилось, а богатая клиентура оказалась разоренной или вовсе была изгнана из страны. Однако Фрагонар избежал нищеты благодаря своему бывшему ученику Давиду, а также благодаря своим познаниям эксперта: в 1794 гг. он был избран членом Музейной комиссии -- организации, занимавшейся формированием национальных музейных коллекций, в первую очередь -- Лувра. В поздний период творчества Фрагонар редко обращался к своей излюбленной теме галантных сцен и игривой эротики, однако именно в это время было создано одно из лучших его произведений -- «Поцелуй украдкой» Конец 1870г.г.Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

К этому же времени относится большая серия аллегорических картин («Фонтан любви»1785г.), Собрание Уоллеса, Лондон. В 1795 г. художник выполнил серию иллюстраций к «Сказкам» Лафонтена. В конце XVIII в. Фрагонар был забыт современниками. Он умер в 1806 г. в безвестности и нищете. Былая слава вернулась к нему лишь в середине XIX столетия.

Никола Ланкре

Никола Ланкре ( 1690 - 1743 ), французский живописец, представитель искусства рококо.

Большая часть картин Ланкре принадлежит к жанру светской пасторали, типичному в 2030-е годы XVIII века, отвечавшему вкусам и потребностям времени. Ланкре не сразу овладел этим жанром. Сына честных буржуа как написал о нем биограф (отец Ланкре был кучером, мать дочерью сапожника), его в юности отдали в обучение дяде-граверу. Но юношу привлекала живопись, и он ушел в Академию, где несколько лет учился у исторического живописца Пьера Дюлена. Провал на конкурсе на академическую премию в 1711 году убедил Ланкре в том, что историческая живопись не его амплуа. Он решил заниматься малым жанром и в 1712 году поступил в мастерскую живописца комических сцен и театрального декоратора Клода Жилло. Здесь и познакомился с Ватто.

Общение с Ватто оказало на Ланкре решающее влияние. Ланкре так хорошо усвоил советы и рецепты своего молодого наставника, что две его картины на традиционной Выставке молодежи на площади Дофина были приняты публикой за работы Ватто. Обидчивый Ватто почувствовал себя оскорбленным, и отношения между художниками прекратились. В 1721 году Антуан Ватто умер, а несколько раньше, в 1719 году Ланкре был зачислен в Академию как живописец галантных празднеств. С тех пор и до самой своей смерти в 1743 году он неизменно пользовался признанием и уважением.

Ланкре писал в духе рококо “галантные сцены” (“Галантная беседа”, собрание Уоллес, Лондон), пейзажи, жанровые и театральные композиции (“Кухарка”, собрание Уоллес; “Концерт в парке”, ГМИИ, Москва), портреты (“Танцовщица Камарго”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Из всех советов Ватто лучше всего Ланкре воспринял один: руководствоваться учителем всех учителей -- природой. Следуя его урокам, он делал зарисовки с натуры. На основе предварительного рисунка выполнен хранящийся в Эрмитаже портрет знаменитой в 30-е годы танцовщицы мадемуазель Марии Анны Кюпи де Камарго. Картина была написана около 1730 года в пору расцвета его таланта. Ланкре довольно точно переносит в живопись зафиксированные в рисунке натурные наблюдения черты лица, расположение фигуры, только колорит условен и декоративен.

Отсюда конкретность, достоверность изображения. На картине можно узнать ту самую танцовщицу, которую знал и любил Париж и часто изображали художники. Современный зритель, как и люди XVIII века, проникается ее артистизмом, отточенностью движений, воздушной грацией. Быть может, трудно поверить, что это была одна из умнейших и образованнейших женщин своего времени, и которую считали даже основоположницей современного балета. «Танцовщица Камарго» Ланкре - не столько тип актрисы, сколько образ эпохи, запечатленный художником поэтично и убедительным, несколько блеклым колоритом, декоративной, мягкой живописной манерой Ланкре.

Сюжеты картин Ланкре нередко повторяются, их можно объединить в несколько групп. Чаще всего у него встречаются сюжеты типа "Компания в парке", "Пастораль", "Купание", "Ловцы птиц". Он обращается также к изображению театральных сцен, взятых из пьес и постановок драматургов XVIII века, таких как Данкур или Мариво. Ланкре мог прямо ввести в картину то, что наблюдал на театральных подмостках.

Наконец Ланкре создает серии картин, изображающие "Времена года", олицетворения различных стихий, возрастов человека, разнообразные игры и развлечения. Ланкре - своеобразный и тонкий живописец. Он прекрасно владел искусством строить группу фигур и объединять несколько групп в единое гармоническое целое.

Причем группы в его полотнах объединены скорее по декоративному, нежели по смысловому сюжетному принципу. Роль Ланкре в развитии жанра "галантного празднества" велика. Он пережил своих учителей и соперников, поэтому влияние его было более длительным. Кроме того, Ланкре много сделал для распространения французского вкуса в Европе.

В XVIII веке этот французский живописец и рисовальщик был очень известен. Его картины охотно покупали и заказывали знатоки-коллекционеры и коронованные особы, среди них король Франции Людовик XV, прусский король Фридрих II, русская императрица Екатерина. Да и простые парижане с удовольствием приобретали, правда, не картины Ланкре они были дороги, а гравюры с них: имя Ланкре нередко встречается в объявлениях о продаже гравюр в газете Французский Меркурий. Все любили и чтили талант господина Ланкре, писал друг художника адвокат Сильвен Балло де Саво, оставивший его подробную биографию.

Картины Ланкре до сих пор сохраняют свое хрупкое очарование, напоминая нам об одном из самых блистательных художников Франции XVIII века.

Заключение по главе:

Почти все крупные живописцы XVIII в. были блестящими рисовальщиками (Ватто, Фрагонар), многие мастера полностью посвятили себя графическому искусству (Сент-Обен, Кошен, Дебюкур во Франции, Ходовецкий в Германии). Оформление книги, мастерство переплёта, мебель, бронза и т. п. достигли в этот период небывалой художественной высоты.

Среди значительных мастеров рококо были художники самого различного дарования, которые обращались к самым разным жанрам живописи: Луи-Мишель Ванло, Токке, Ж.М. Наттье, Латур, Друэ, Перроно. Жан Оноре Фрагонар был последним крупным живописцем рококо, тонкий пейзажист и портретист, как и Ватто, который не вписывался в рамки просто модного стиля.

Заключение

Стиль рококо оставил свои неповторимые, оригинальные и индивидуальные черты во всех этих видах искусства и в целом в искусстве Франции. Рококо принес с собой нечто новое, чего не было в стилях барокко и Регентства - это и изящество, и ассиметрия, и легкость, и игривость. Таким образом, искусство рококо -- это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощренной утонченности, в нем нет места героизму и пафосу -- они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками. Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого -- возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо.

Крупнейшими мастерами живописи рокайльного искусства были А. Ватто, Франсуа Лемуан Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик.

Скульптура рококо не менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего XVIII века получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров. Крупнейшие скульпторы рококо: Ж. Б. Лемуан, Пигаль, Пажу, Фальконе, Клодион.