Искусство Древней Греции. Искусство Древней Греции внесло значительный вклад в развитие всего мирового искусства. Среди основных характеристик греческого искусства: гармония, уравновешенность, упорядоченность и красота форм, четкость и пропорциональность. Оно рассматривает человека как меру всех вещей и носит идеалистический характер, так как представляет человека в его физическом и моральном совершенстве. Трехмерность, пластика, скульптурность греческого искусства была отражением чрезвычайно целостной и гармоничной модели мира древних греков.

Первый период в развитии собственно греческого искусства совпадает с последней стадией первобытнообщинного строя. Наиболее отражена эта эпоха в поэмах Гомера, именем которого ее и принято называть. До начала нашего века единственным источником для изучения истории Греции XI-IX вв. до н.э. были знаменитые творения Гомера “Илиада" и “Одиссея”, да немногие отрывочные сообщения значительно более поздних греческих авторов. Однако, археологические раскопки, которые, особенно на протяжении последних 4х десятилетий, почти непрерывно велись на территории Эллады, дали возможность накопить ряд важных данных. Новые открытия позволили значительно дополнить данные эпоса. Изобразительное и декоративно-прикладное искусство гомеровской эпохи носят достаточно примитивный характер. Среди них относительно большего развития достигает искусство керамики, подразделяемое на субмикенское (1я половина 11в. до н.э.), протогеометрическое (2я половина 11-10в. до н.э.) и геометрическая (9-8вв. до н.э.). Субмикенские гончары и вазописцы опирались на позднемикенскую традицию; при этом усилилась тенденция к геометризации орнамента: преобладают круги, волнистые линии, треугольники. Сосуды протогеометрического периода более стройны, более четко расчленены росписью. Состав орнамента сохраняется, но окружности наносятся циркулем. Сложнее и совершеннее вазы геометрического стиля. Ее поверхность целиком покрыта росписью, состоящей из полос лесандра, крестов, окружностей и т.д. На вазах развитого стиля (“дипилонские" вазы, т.е. найденные на Дипилонском некрополе в Афинах) появляется геометризованное изображение человека. Геометризмом форм отличается и мелкая пластика 9-8ии. До н.э.: вотивные (т.е. приносимые в святилище во исполнение обета или с какой-либо просьбой к божеству) фигурки животных, главным образом коней, бронзовая статуэтка воина с Акрополя, одна из многих подобных, многочисленные терракотовые статуэтки из Беотии. Монументальная скульптура геометрической эпохи не сохранилась. В древнейших храмах стояли деревянные, иногда обитые кованой бронзой статуи богов (“ксоаны”). Они были предельно обобщены, геометризированы. Так, статуя Аполонна в Амиплах, по словам греческого писателя 2в. н.э. Павсанием, напоминала медную колонну. К гомеровскому периоду относятся первые памятники греческого искусства резьбы по камню. Резные камни с углубленными изображениями (инталии) использовались как личные печати, амулеты, украшения. Они изготовлялись преимущественно из мягких пород камня (гематит, стеатит и др.). Изображения на камнях напоминают геометрические рисунки на вазах. В числе художественных изделий из металла сохранились украшенные рельефными изображениями посуда, вотивные треножники, предметы вооружения.

Дипилонская амфора.9 - 8 вв. до н.э. Афины. Национальный музей.

Конь. Геракл и кентавр. Бронзовые статуэтки из Олимпии.8 в. до н.э. Нью-Йорк. Метрополитен - музей

Коринфская ваза. Конец 7 - начало 6 в. до н.э. Парную. Лувр

Искусство Древнего Рима

Для древних греков главное значение имели нравственно-воспитательные задачи искусства, то для римлян на первый план выступали его утилитарные функции. Для римлянина в гораздо большей степени, чем для грека, искусство являлось одним из средств разумной организации жизни. Ведущую роль в Риме играла архитектура со свойственными ей инженерно-конструктивными поисками, основанными на ясных практических и рациональных строительных началах. Важное место занимали скульптурный портрет (бюст, статуя), полный пристального внимания к конкретной человеческой личности, и рельеф, посвященный, реальным историческим событиям, имеющим значение для римского государства. Античная мифология, составлявшая почву древнегреческого искусства, не сыграла такой же плодотворной роли в искусстве Рима. В древний период искусство на территории Рима развивалось в рамках средне-италийских археологических культур эпохи железа (культура Вилла-новы, 900-500 до н.э.: колодцеобразные могилы, керамические сосуды в виде усеченных конусов с геометрическим узором). Прикладное искусство достигло в Древнем Риме высокого развития: резные и чеканные золотые и серебряные чаши, сосуды из стекла, оправленного в золото, прекрасные ткани украшали интерьеры домов в Риме.

Капитолийская волчица. Бронза.6 в. до н.э. Рим. Палаццо Консерватори.

Декоративно-прикладное искусство стран Древнего Востока

Искусство Индии.

В результате раскопок, проведенных в Такшашиле и других поселениях северо-западной Индии, были обнаружены ювелирные изделия из драгоценных камней, искусно оправленных в золото по технике, аналогичной той, которую до сих пор используют индийские ювелиры. Ларец из Бимарана (II в. н.э.) и несколько других предметов из золота и серебра отличаются изяществом гравировки, так же как и хрустальные ковчеги, созданные в различных буддийских поселениях. Ограненные драгоценные камни северо-западных поселений в основном не имеют большой художественной ценности и почти все несут следы западных влияний.

Только незначительное количество изделий из слоновой кости сохранились до наших дней. Записи свидетельствуют о существовании корпораций резчиков по слоновой кости. Это была почетная профессия, пользовавшаяся покровительством правящих каст. Наиболее интересный образец скульптуры из слоновой кости - маленькая статуэтка богини, обнаруженная в Геркулануме и, без сомнения, попавшая туда, как и дорогие ткани и пряности, через Египет. Резные пластины из слоновой кости изумительного мастерства, изначально декорировавшие предметы мебели или крышки шкатулок, были обнаружены в Бергаме, приблизительно в восьмидесяти километрах к западу от Кабула; они датируются I-II вв. н.э. Темы, изображенные на этих пластинах, созданных в регионе, который был широко открыт западным влияниям, тем не менее типично индийские, так что они были либо просто ввезены сюда, либо выполнены художниками, обучавшимися у индийских мастеров. Здесь мастерски используются несколько техник: так, слоновая кость поочередно вырезается, вытачивается и разделяется на горельеф и барельеф, насекается и приобретает свето-теневую игру. Четкость линий, несмотря на изящность изделия, придает этим фигурам поразительную рельефность и ставит их в один ряд с другими шедеврами Древней Индии. В более поздний период (XV-XVII вв.) в мастерских южной Индии и на Цейлоне тоже были созданы замечательные с технической точки зрения изделия из слоновой кости, многие из которых были предметами повседневной жизни: статуэтки, элементы архитектурного и мебельного декора, футляров, шкатулок, расчесок и т.д. Уже в древности ювелирное искусство достигло высокой степени совершенства.

Статуэтка жреца из Мохенджо-Даро. Стеатит.3000-2000 гг. до н.э.

Львиная капитель из Сарнатха. Песчаник. Высота 2,13 м.3 в. до н.э. Сарнатх. Музей

Статуя Будды из Гандхары.2-3 вв. н.э. Лахор. Музей

Искусство Китая

Китай стал родоначальником многих привычных для нас вещей, которые были освоенными ими еще до нашей эры. Это относится к фарфору. Китайцы достигли совершенства в создании ваз из белого фарфора, украшенных росписью. Сначала рисунок делали в синих тонах, но позже вазы стали раскрашивать в разные цвета. Белый прочный, не пропускающий воду материал быстро завоевал расположение, позже продолжателями фаянсового ремесла стали голландцы. Расписные фарфоровые вазы из Китая, принадлежащие к временам различных династий, сейчас не редко можно встретить на аукционах антиквариата, где они ценятся очень дорого.

В Китае были впервые получены шелковые ткани. Из них делали одежду, знамена и зонтики, которые служили отличительным признаком различных сословий. Со временем китайцы научились делать рисунки на шелке, а еще высоко ценился вышитый шелк. Помимо шелковых тканей в Европе была известна китайская лаковая мебель. Черный лак был расписан красивыми рисунками, которые называются ксилографией, что означает особый вид гравюры по дереву. В искусстве ксилографии китайские мастера достигли больших высот. К ремеслам в Китае вообще было особое отношение, там некоторые работы мастера делали по нескольку лет, и в результате получались настоящие шедевры, поражающие воображение, например, искусно вырезанные из кости ажурные шары, расположенные один в другом.

Национальным видом искусства в Китае считается художественная резьба по нефриту. Для китайцев нефрит - это драгоценный камень, у них даже существует высказывание, что "человек питает нефрит, нефрит питает человека". С глубокой древности из нефрита в Китае делали украшения и ритуальные предметы, поскольку верили, что этот камень подавляет влияние злых сил и является символом благородства. Нефритовые талисманы позволяли оградить ребенка от болезней, а взрослые зачастую использовали нефритовые четки.

Терракотовая статуэтка девушки. Период Хань.3 в. до н.э. - 3 в. н.э.

Керамический сосуд типа ху. Период Хань.3 в. до н.э. - 3 в. н.э. Пекин. Исторический музей.

Конь с повозкой. Терракота. Период Хань.3 в. до н.э. - 3 в. н.э. Пекин. Исторический музей.

декоративное прикладное искусство древний

Искусство Японии

Книжная миниатюра. Книжная миниатюра Византии многокрасочна: встречаются образцы торжественного стиля и более реалистические, более красочные и более строгие, принадлежавшие к императорской и монастырской школам.

Византийская керамика еще мало изучена. Вначале изготовлялась поливная одноцветная посуда, с IX в. она имела формованный рельеф. Наибольший интерес представляют облицовочные плитки, выпуклые и вогнутые, украшенные декоративными мотивами. На плоских плитках изображались Богоматерь с младенцем или святые. Нередко композиция составлялась из многих изразцов. Позднее посуда стала полихромной С IX в. применяется техника сграффито, т. е процарапывание по глазури или удаление широких участков поливы. Наиболее примечательны витражи из настоящего стекла, покрытого цветными эмалями и вправленного в свинец, котеры" обнаружены в окнах апсиды монастыря Хора (Кахрие Джами в Константинополе), созданные не позднее 1120 г. На них изображены в человеческий рост Богоматерь, Христос, святые в богатых византийских одеждах, фон украшен медальонами, розетками, завитками. Цвета - синий, зеленый, багряный.

В ювелирных изделиях применялись чернь, жемчуг, драгоценные камни и в особенности эмали. Наибольшей славой византийские ювелиры пользовались благодаря великолепию палитры своих эмалей. Это перегородчатые эмали: кресты, оклады священных книг, короны. Иногда эмали сплошные, но чаще - на золотом фоне: византийцы считали, что этим металлом покрыто небо, и высоко ценили золото. Наиболее интересными являются изделия из лимбургского реликвария, венгерская корона. Они изготовлялись в царских мастерских, но серебряные изделия уступают золотым. Для изготовления дверей использовалась бронза (двери собора Святой Софии - с тонким орнаментальным рисунком, гравировкой). Византийцы получали множество заказов на храмовые двери из европейских стран, кроме того, изготавливали ажурные бронзовые лампадофоры, кресты, кадила, плакетки (пластинки), царские врата (алтарные двери).

В области камнерезного искусства византийцы оставили только образцы архитектурного декора, например, капители Святой Софии. Резьба очень тонкая, иногда напоминающая резьбу по слоновой кости. Скульптурный рельеф плоский, ажурный, с обильным растительным орнаментом.

Подлинность византийского происхождения тканей можно, определить преимущественно по орнаменту: излюбленный мотив - круг с фигурой животного (льва, слона, орла - символа власти). Сохранились шелка, вышитые золотой нитью. Из такого шелка выполнена далматика - просторная длинная одежда Карла Великого.

Императорский трон, Византия

Амфора (Византия)

Декоративно-прикладное искусство Древней Руси

Древнерусские мастера были искусными кузнецами и оружейниками, кожевенниками и гончарами, ювелирами и резчиками по дереву, каменщиками, стеклодувами.

В декоративно-прикладном искусстве древней Руси особенно оказались живучи образы языческой мифологии. Резные корабли, деревянная утварь, мебель, расшитые золотом ткани и ювелирные изделия пронизаны поэзией мифологических образов. Вещи, найденные в кладах, украшены изображениями животных, имевших символическое значение. Образцом русского декоративно-прикладного искусства с истоками, уходящим в глубину тысячелетий, является Турий рог из княжеского кургана Черная Могила в Чернигове. Турий рог у древних славян использовался в качестве священного обрядового сосуда.

Имели ритуальное значение или служили в качестве оберега женские украшения с символическими изображениями. Золотые цепи, звездчатые серебряные колты - височные подвески (Тверской клад XI-XII вв.), монисто из нарядных медальонов, цветных бус, подвесок, крестиков, усыпанных зернью с тончайшей сканью, широкие серебряные браслеты, драгоценные перстни - все это придавало праздничному женскому наряду многоцветность и богатство. Птицы, змеи, драконы, вплетенные в растительные узоры чеканного орнамента серебряного браслета XIII в. из Киева, головы льва и львицы на браслете из клада в Чернигове XII-XIII вв. также имели смысл заклинательной магии.

Одной из вершин декоративно-прикладное искусство Древней Руси достигло в цветных эмалях - перегородчатой и выемчатой. Эмалью украшались женские головные уборы, цепи, колты, переплеты книг, образки. Древнерусские мастера были искусны в ювелирной технике: в скани, зерни, черни. Высокохудожественного уровня достигло лицевое (изобразительное) шитье и мелкая пластика. Главными центрами создания этих изделий были монастыри и мастерские при великокняжеском дворе. Лицевое шитье выполнялось чаще всего гладью, разноцветными шелками. Золото и серебро применялось до XVI в. мало и только в качестве цвета, обогащающего ясные и чистые краски. Вышивальщицы создавали произведения, не уступающие живописным, их не привлекали ни приемы, ни цветовая гамма иноземных образцов. Византийские композиции творчески перерабатывались.

Чаша XVII века

Чарка (Корчик)

Декоративно-прикладное искусство эпохи Возрождения

Эпоха Возрождения была временем блестящего расцвета итальянского прикладного искусства. Его достижения были во многом подготовлены высоким уровнем художественных ремесел в передовых городах позднего средневековья. Уже в 14-15 столетиях "широкое развитие получают и те соприкасающиеся с искусством отрасли производства, которые питала светская и церковная роскошь позднего средневековья: труд золотых и серебряных дел мастеров, скульпторов и резчиков по дереву, граверов на меди и по дереву, оружейников.

В Италии эпохи Возрождения, где особый подъем переживали изобразительные искусства-живопись и скульптура, - прикладное искусство находилось под сильнейшим их воздействием. Изобразительные тенденции, варьирование реальных форм в разнообразнейших комбинациях и сочетаниях пронизывают прикладное искусство почти во всех его видах, освобождая его от типичной для средневековья прямой подчиненности архитектурным мотивам. Вместе с тем общая связь прикладного искусства с архитектурным интерьером отнюдь не была нарушена. Жизнерадостная праздничность утвари, мебели, одежды, широкое вторжение реалистических изобразительных мотивов в декор, частое обращение (особенно со второй половины 15 в.) к античным формам и изобразительным мотивам находились в гармоническом соответствии с общим характером культуры Ренессанса.

В интерьерах церквей, дворцов и домов простых горожан Италии всем видам прикладного искусства было отведено большое место. Мебель украшалась великолепной резьбой; стулья, столы, шкафы покрывались рельефом, ритмическая композиция и сами сюжеты которого отражали по-своему сюжетные и композиционные решения "больших искусств"-архитектуры и скульптуры.

Развитие деревянной резьбы в Италии 14-16 вв. прослеживается по украшениям специальных хозяйственных ларей - кассоне, которые были обязательной принадлежностью каждого зажиточного дома. На стенках кассоне искусные резчики располагали большие композиции, изображающие праздничные шествия, сцены битв; они покрывали их символическими фигурами, гербами хозяев дома, придавая им иногда сходство с античными саркофагами.

Самым распространенным видом прикладного искусства в Италии 14-16 вв. была керамика, точнее - майолика, потому что развивалась по преимуществу именно эта техника. Центрами производства майоликовой посуды были города Сицилии, а также Умбрии, Тосканы и Северной Италии: Фаэнца, Урбино, Губбио. Кастель Дюранте, Кафаджоло, Сиена. Небольшие фабрики возглавлялись художниками, потомственными керамистами, хранящими секреты производства и те сложившиеся приемы декорировки, по которым отличается продукция каждого из этих центров.

Различные керамические техники достигли высокого совершенства в Италии периода раннего и Высокого Возрождения, то производство фарфора переживает в этот период первые шаги своего развития.

Во Флоренции производству мягкого фарфора покровительствовал Франческо Медичи. В 1575 г. Андреа Гуссони, посол Венеции, писал, что "при великом герцоге Франческо был открыт наконец секрет индийского (то есть восточного) фарфора". Для работы на фабрике фарфора привлекались мастера майоликового дела.

Невысокий рельеф и сдержанность декора в изделиях 14-15 вв. сменяются в период Высокого и позднего Возрождения богатством пластики, обилием форм, динамичной сменой фигур и чисто орнаментальных мотивов. Чаши, дарохранительницы, канделябры и водолеи того времени отражают в своих конструкциях те поиски подвижной динамики и вместе с тем логической ясности переходов несущих и несомых частей, которыми отмечены поиски и архитекторов того времени. Не случайно многие изделия из металла, как отчасти изделия из дерева, напоминают фасады зданий того времени, включают в свой декор такие элементы, как колонна, портик, купол. Центрами художественной работы по металлу были Флоренция, Пиза, Сиена, Болонья, а также Венеция и Милан.

Литые бронзовые фонари и водолеи входили в декор зданий эпохи Возрождения, составляли тот своеобразный, отличный от средневекового синтез искусства, которым характеризовались лучшие ансамбли того времени.

Декоративные ткани в Италии производились в городах Сицилии, а также в Лукке, Венеции, Генуе. Итальянское шелкоткачество по качеству своей продукции считалось лучшим в Европе.

Есть одна область прикладного искусства, в которой Италия не только занимала ведущее место в течение всей эпохи Возрождения, но и создала непревзойденные образцы, - это стекло, точнее, венецианское стекло. Особенного расцвета производство художественного стекла достигает после 1530-х гг., в нем находит отражение утонченная роскошь быта верхушки венецианского общества позднего Возрождения, своеобразная пышность архитектурного декора интерьеров этого времени. Накопленный технический опыт позволял мастерам создавать прекраснейшие произведения, необычайно разнообразные по назначению и форме. В силуэтах предметов отразилось хорошее знание античных форм. Молочно-белое стекло, из которого делались тяжелые чаши и дорожные фляги, украшенные выполненными эмалевыми красками медальонами; изделия из стекла, подражающего по фактуре и цвету нефриту, сердолику, малахиту; тончайшее прозрачное стекло, в которое вводились непрозрачные нити; комбинация цветных стекол с бесцветными; возникновение в самой форме фантастических фигур, драконов, снова перетекающих затем в прозрачный объем бокала, - кажется, не было ничего недоступного венецианцам, - настолько понятна и близка была им сама природа их фантастического материала.

Заключение

Зародившееся еще при родовом строе желание людей украшать себя различными предметами в эпоху рабовладения получило новый толчок. Позднее появились предметы украшения одежды, а затем и жилища, например, ковры, напольные вазы и т.п.

Здесь уже на первом плане стояла красота. Подобные вещи еще сохраняли свою целесообразную прежнюю форму, но их смысл и ценность были именно в красоте. Это искусство в XVIII-XIX вв. назвали декоративным ("декор", "украшение").

Долгое время в Европе, в отличие от стран Дальнего Востока, бытовало мнение, что прикладное искусство не является искусством в полном смысле слова, а представляет собой ремесленную практическую деятельность, потому что мастера прикладного искусства создают новые предметы. Однако при более детальном изучении предметов прикладных видов творчества можно обнаружить много общих свойств с высокими видами искусства. В основе этого искусства лежит функциональность, а потом уже приходит красота. Вещи живут дольше людей и влияют на вкусы следующего поколения, остаются даже тогда, когда общие эстетические нормы в представлении уже становятся другими. Кроме того, бытовые изделия, утварь, одежда связаны обычно с определенной, устоявшейся технологией производства, традиционными техническими навыками и приемами. Стилистические изменения в искусстве, связанные с социально-политическими и общими культурно-историческими изменениями, происходят чаще всего постепенно, в определенный более или менее длительный промежуток времени. А в произведениях прикладного искусства эта смена стилей еще более запаздывает. Поэтому рядом с новыми стилистическими особенностями в прикладном искусстве, как правило, продолжают существовать и традиционные черты. При изучении стиля какого-либо определенного времени полезнее всего исходить от прикладных искусств, так как они развиваются в более тесной связи с повседневной жизнью человека и выражают стиль жизни, времени непосредственнее, чем свободно и независимо творящие высокие искусства.

Список используемых источников

1. http://library. by/shpargalka/belarus/art/001/art-006. htm

2. http://www.ref. by/refs/33/6395/1.html