Поп-дизайн 60-х годов

Размещено на http://www.allbest.ru/

В 60-е годы теория функционализма подверглась критике. Прошел всеобщий восторг от массового производства и рационализма в формообразовании. Дизайнеры не хотели видеть себя "продолжением рук индустрии". Появились первые теории, ставившие в центр культурные, психологические и семантические аспекты, тем самым передвосхитившие постмодернизм. В это же время происходили радикальные изменения во всех областях жизни людей, включая смену ценностей и ориентиров. Кроме того массовые волнения против войны во Вьетнаме в конце 60-х, Пражская весна 68-го и студенческие волнения в крупных европейских городах не оставили равнодушным и дизайн. Задачи дизайна в обществе начала 70-х уже представляли по-новому: «вопрос о функциях предмета в чисто техническом аспекте перерос в символический и социальный». Теория функционализма уже не могла дать ответы на происходящие перемены в обществе. Эстетические образцы искали уже в собственных областях дизайна . Инициативы в основном прибыли из молодежных культур. В США появились первые теории, которые ставили в центр культурные и психологические аспекты.

Поп-арт

В конце 50-х в обстановке процветающего американского «общества потребления» возникает поп-арт. Считается что первое произведение в стиле поп-арт принадлежит кисти художника Ричарда Гамельтона «Что же делает наш дом таким привлекательным?» Оно было показано на выставке «This is tomorrow» в небольшой лондонской галерее « Уаэтчепл» в 1965 году. В нем мелькнуло слово «поп»(англ.- сухо звук хлопка, удару, вылетевшей из бутылки пробки), давшее имя будущему художественному течению. Хотя большинство критиков считают, что идет речь о словосочетании «популярное искусство». Гамельтон считал, что поп-арт обращен к массовой культуре, преимущественно к молодежной публике и что ему присущи эфемерность и быстротечность, виртуозное мастерство превращения. Сторонники поп-арта стремились создать антиисикусство, выведя на сцену цивилизацию потребления, ординатные предметы, которые фабрикуются миллионы. Они черпали вдохновения из так называемого «низменного искусства». Тщательно изучая рекламу, средства массовой информации, они вдохновлялись комиксами, представляли в своих работах машины, электронику, консервные банки, страницы журналов, фотографии, банковские билеты. Взятые отдельно или вмонтированные в коллажи и в ассабляжи, эти предметы словно насмехались над зрителем, сбивали его с толку порой своими чудовищными размерами, производя впечатление отстраненности, анонимности, свойственной новой городской культуре.

Самые известные представители поп-арт были Роберт Рашенберг, Джеймс Розенквист, Джаспер Джонс и Рой Лихтенштейн. Последний был ярким представителем американского поп-арта. Лихтенштейн родился в Нью-Йорке, учился в Лиге студенческого искусства в Нью-Йорке, затем в университете Огайо (1940-1943). После периода абстрактного эсприсеонизма, Рой нашел тот стиль искусства, который стал характерным для его творчества в целом. В 1960 году он начал преподавать в Рутгерском университете, где попал под значительное влияние Аллана Капрова. Это способствовало увеличению его интереса к образам поп-арта. В 1961 год Лихтенштейн сделал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологии, пришедшие из промышленной печати.

Первый успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики. Художник выбирал понравившуюся ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя трафаретную печать и шелкографию. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма. Его работы не просто воспроизведение: « Я делаю форму -вот что я делаю»,а мощное увеличение и упрощение мотивов изображений давало эффект демистификации, которое побуждало зрителя изменить свое видение.

Но бесспорно отцом поп-арта являлся Энди Уорхол со своей шелкографией. После окончания в 1949 году художественного факультета Технологического института Карнеги,он переезжает в Нью-Йорк, где работает художником-иллюстратором в журналах Vogue, Harper's Bazaar и других менее популярных изданиях. Помимо этого занимается оформлением витрин и плакатов. Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании. В 1956 году он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов». Мало, кто знает, что свою карьеру Энди Уорхол начал с того, что работал в рекламе. Он регулярно оформлял витрины, рисовал рекламные плакаты и работал над дизайном бутылок Coca-Cola. Затем Энди стал популярным рекламистом, в середине 50-х годов он зарабатывал 100 тысяч долларов в год, что по тем времена было фантастически солидным капиталам для рекламщика и художника. Уорхола стали называть гением рекламы и начали сравнивать его с другим эпатажным гением Сальвадором Дали.

В 1962 году Энди создаёт картины «Зелёные бутылки кока-колы» и «Банки супа „Кэмпбелл“», которые можно в какой то степени отнести к графическому дизайну. Начиная с этого периода, Уорхол, как фотограф и художник сотрудничает со звёздами кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джимом Моррисоном и Элвисом Пресли. После ухода Монро из жизни он создает свой знаменитый «Диптих Мэрилин», ставший аллегорией жизни и смерти актрисы.

Поп-дизайн - культура для молодых

Несмотря на то, что в поп-культуре мастера отталкивались от т.н. «неизменного искусства», это совсем не означало, что «поп» был стилем товаров повседневного потребления. В отличии от приверженцев «хорошего дизайна» дизайнеры стиля «поп» искали менее серьезный смысл в своих произведениях. Стиль «поп» был стилем для молодых. К 60-м годам идея производства качественных добротных товаров уходит на второй план, уступая место лозунгу «сегодня купил - завтра выбросил». Это был настоящий прорыв в философии промышленности и дизайна.

Например, пятнистый детский стул из гофрокартона Петера Мурдока, который он придумал его еще тогда когда учился в Королевском колледже искусств. Низкая стоимость и сравнительная не долговечность определило объект, как идеально изделие массового производства 60-х гг. В 1967 году Мурдок спроектировал аналогичную группу Thoese Things состоящию из стола, стула и табуретки. За этот комплект он был отмечен Британским консульством промышленного дизайна.

Де Пас, Д Урбино и П. Ломази создали свою собственную студию в 1966 году в Милане, где они работали над архитектурными проектами и промышленным дизайном. Тогда же они начали работать над дизайном надувной мебели из поливинилхлорида, первом их объектом было цветное пневматическое кресло (1967)- мебель массового производства, икона поп-дизайна, или кресло Джо (1970), в виде огромной бейсбольной перчатки в честь легендарного бейсболиста Джо Ди Маджио. "Мы были молоды, полны жизни, и мы хотели порвать с традицией буржуазии", сказал П.Ломази, когда шла речь об их началах. В 70-х гг студия выставляла свои дизайн-проэкты, в итальянском павильоне на Всемирной выставке в Осаке, и на выставке "Италия: Новый внутренний пейзаж" , а так же в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1972 году. Сегодня они по-прежнему продолжают свою работу, но, к сожалению без де Пасса (умер в 1991), их деятельность распространяется в области архитектуры, промышленного дизайна, выставок, дизайна интерьеров и городского пейзажа.

Энзо Мари - один из мастеров итальянского мебельного и промышленного дизайна, художник, теоретик, один из самых мыслящих и интеллектуальных дизайнеров 20 века - мог бы предъявить права более, чем на 1700 проектов, созданных им совместно с итальянскими и иностранными производителями на протяжении своей плодотворной творческой жизни.

Родившись в Новара (Novara) в Италии, Энзо Мари с 1952 по 1956 год изучал классическое искусство и литературу в Академии Изящных искусств (Academia di Brera) в Милане. Во время учебы заинтересовался дизайном. Однако интерес Мари к дизайну был прежде всего теоретическим. Его больше интересовали проблемы роли дизайна в современном искусстве или взаимоотношения дизайнера и покупателя, чем практика. Большую часть 50-х годов Мари посвятил изучению социологии видения и методологии дизайна. И лишь к концу 50-х он сосредоточился на дизайне как таковом. Одним из первых его проектов была образовательная игрушка - детские пазлы, состоявшие из группы деревянных зверюшек (1957, компания Danese). Эта игрушка ознаменовала начало плодотворного сотрудничества Энзо Мари и компании Данезе. В 1959 году Мари начал экспериментировать с пластмассами. Эти эксперименты привели к многочисленным высококачественным изделиям, которые также были выполнены для компании Данезе. Среди них: цилиндрическая подставка для зонтов (1962) из ПВХ, и пластиковая ваза Паго-Паго, модульная система доля выставочного оборудования (1965) и вазы Tortiglione (1969). Мари стремился создавать продукты для массового производства, при этом, не идя на компромисс со своим убеждением в том, что продукт должен быть привлекательным на вид не в ущерб возлагаемых на него функций. К концу 60-х дизайнер достиг такого мастерства в работе с пластмассой, что в его руках она получала почти скульптурную плавность. В1963 году вступил в радикально общество Nouve Tendenze . Как ведущий дизайнер- теоретик , был председателем ассоциации дизайнеров промышленности в период с 1976-1979 гг. Также преподавал в Риме, Милане, Парме. Девизом Энзо Мари был: «хороший, доступный дизайн для всех». Обладатель более сорока наград за архитектуру и дизайн (также трех «Золотых цыркулей»). Энзо говорил: «Я работаю для фабрик, а не для бутиков.» И по сей день он остается востребованным дизайнером.

Джордж Нельсон (George Nelson) - великий американский дизайнер XX века. Джордж Гарольд Нельсон родился в 1908 году в Хартфорде, штат Коннектикут, и в 1928 году окончил Йельский университет, где он изучал архитектуру, с дипломом бакалавра искусств. В 1931 году он получил диплом бакалавра изящных искусств в Йельской школе изящных искусств. Его работы известны всему миру. Мебель, осветительные приборы, выставочный дизайн, часы - в каждой категории он был одним из лучших. Наибольшее внимание привлекли часы выполненные в стиле поп- дизайн. Поистине оригинальные, они украшают самые лучшие дома по всему миру. Часы Джорджа Нельсона представлены в великом множестве вариаций. Впервые они были изобретены абсолютно случайно. Так, Джордж Нельсон с друзьями дурачились и рисовали каракули, подшучивая над тем, что таким образом можно придумать часы. А наутро среди множества зарисовок был замечен один эскиз, который лег в основу часов Ball, пожалуй самых популярных из всей серии дизайнерских творений Джорджа Нельсона.

Радикальная дизайнерская группа “Strum” (бренчание) основана в 1963 году в Турине Жоржио Жиретти (Giorgio Geretti), Петро Деросси (Pietro Derossi), Карла Жиамарко (Carla Giammarco), Риккардо Росси (Riccardo Rosso), Маурицио Воглиацо (Maurizio Vogliazzo). которые использовали свои произведения для высказывания политических и социальных протестов начала 1970-х

Одна из самых известных работ группы - экзотическая “мебель” для сидения и лежания из полиуретана “ объект Pratone сиденье ("Газон")в 1968 г., Pratone был их эмблемой движения хиппи против " общества потребления". «Штрум» сочетали в своем дизайне оригинальную форму, свойственную поп-арту, и комфорт.

Инго Маурера, вдохновленный течениями поп-арт культуры, эмигрировал в США и в 1966 г. и создал легендарный светильник «Bulb». За ним последовали многочисленные инновационные световые дизайнерские решения, которые принесли Инго Мауреру всемирную популярность. Инго испытывал невероятное чувство восторга от «магических и мистических» свойств света, как он их называет сам. Он создает световые атмосферы, которые играют с привычными представлениями о цвете, яркости и тени. Начиная с 1966 г. на счету Инго Маурера более чем 150 разнообразных осветительных приборов и световых систем и множество международных проектов по световому оформлению общественных мест, показов модных коллекций, фасадов общественных зданий и памятников, не говоря уже о частных заказах.

Роберт Индиана родился в Нью Касле, Индиана, позднее переехал в Индианаполис, где закончил Arsenal Technical High School. В 1954 он переехал в Нью-Йорк, где присоединился к поп-арт движению. Роберт Индиана обратился к образам коммерческой графики, смешивая их с экзистенциализмом, что привело к тому, что сам художник назвал «скульптурные стихи».В 1958 он изменил свою фамилию (Кларк) на Индиана. В 1961 начал серию картин, изобразительный ряд которых близок к графическому дизайну и американской рекламе. Порой затрагивая потребительские тенденции или политические эксцессы в американской культуре, образы Индианы сочетают текст, числа и цветовые поля с четкими контурами. Первая персональная выставка Роберта Индианы в Нью-Йорке прошла в 1962 в галерее Stable Gallery. Его популярный знак «Love» был впервые реализован как живопись в 1966, а позднее повторен в различных медиа, включая скульптуру и почтовые марки, став настоящей поп-иконой 1960-х. С 1978 Индиана живет и работает в Vinalhaven.

Ээро Аарнио (родился 21 июля 1932 г.) знаменитый финский дизайнер интерьера, известный своими инновационными проектами мебели, в частности, его пластиковые и из стекловолокна стулья в стиле поп- дизайна.

Аарнио учился в институте промышленного искусства в Хельсинки, затем основал свое собственное бюро в 1962 году. В следующем году он представил свой «Bubble Chair», большой шар из прозрачного оргстекла на подставке, с отверстием с одной стороны, которое позволяло человеку сидеть внутри. Позднее появился аналогичный «Bubble Chair??» с приспособлением, для того чтобы было можно повесить его за цепь, создавалось впечатление будто этот шар парит в воздухе. Другие его инновационные проекты включали в себя ,не менее известный, плавающий«Pastil Chair» и «Tomato Chair» (более устойчивый с сиденьем из трех сфер). «Screw Table», его форма вполне соответствует названию, а со стороны создавалось впечатление, как будто огромный пластиковый винт вкрутили в землю. Он был удостоен награды «American Industrial Design» в 1968 году.

Конструкции Аарнио были очень популярны, и так же являлись яркими представителями стиля поп-дизайн 1960-х гг. Так же его мебель часто использовали для съемок фантастических фильмов о будущем. Действительно, это простая , но в тоже время интересная, форма давала ощущение инопланетного происхождение мебели. И поэтому его конструкции были идеальны для декораций съемок таких фильмов.

Аарнио, в более поздней работе, решил заменить опасное в использовании стекловолокно (особенно для тех, кто непосредственно участвует в его производстве). И стал работать с более безопасными видами пластика. И по сей день он продолжает создавать новые проекты, в том числе игрушек и мебели для детей.

Вернер Пантон (родился 13 февраля 1926 года, умер 5 сентября 1998 года) -- датский дизайнер и архитектор.

Вернер Пантон родился 13 февраля 1926 года в городе Гамтофт, Дания. После окончания Королевской датской академии изящных искусств работал в архитектурном бюро Арне Якобсона. Там он начал заниматься дизайном мебели, а после открыл собственную студию в 1955 году.

Вернер Пантон считается революционером в области дизайна мебели. Он экспериментировал с такими материалами, как стекло, пластик, сталь и полипропилен и одним из первых стал рассматривать отдельные элементы интерьера как связанные общим пространством.

Пантон много экспериментировал и утверждал, что мебель не обязательно должна иметь традиционную форму. Его знаменитые проекты стульев -- Tivoli, Bachelor и Cone -- считались в своё время самыми необычными стульями в мире. Вернер считал, что стулья должны быть не только удобны, но и интересны. Самый знаменитый стул дизайнера -- Panton Chair был сделан из единого куска формованного пластика[1]. Дизайн стула был настолько необычен, что производство началось только в 1967 году немецкой фирмой «Herman Miller&Fehibaum» и до сих пор производится фирмой «Vitra». Кроме стульев, дизайнер придумал более 25 различных форм для ламп.

Также Пантон занимался дизайном текстиля и интерьеров, создав интерьеры для издательских домов «Spiegel» и «Gruner & Jahr» в Гамбурге, а также для отеля «Astoria» в Тронхейме.

Стиль Пантона стал прототипом психоделического дизайна 1970-х годов и производили впечатление скульптур, а не мебели. В своих работал Пантон использовал яркие, ясные цвета. В 1980-х он начал экспериментировать с геометрическими формами, черпая вдохновение в возможностях новых материалов. Не имея чёткой структуры, пластик мог принимать любые формы и цвета, что было невозможно при использовании классических материалов как стекло, дерево и металл. Знакомство с Паулем Хеннингсеном, художником по свету, известным за свои смелые, чёткие эстетические принципы, позволило Пантону начать эксперименты с проектированием мебели. (В 1950 году Пантон женился на дочери Хеннингсена - Туве Кемп, но вскоре развёлся). Также он дружит с дизайнером-ремесленником Хансом Вегнером, известным из-за модернизации классических датских стульев из тика. Благодаря ему Пантон проявил страсть к экспериментам с пластиком и антропогенными материалами для создания динамичного цветового решения в геометрических формах поп-арта. дизайнером ламп, Shell Lamp, была создана в 1964 году и состояла из огромного количества кружков, вырезанных из ракушек. Это редкий пример использования Пантоном натуральных материалов. В большинстве же его светильников главная роль отводилась металлу, пластику, цвету и округлым формам.

Не менее важным было обучение и сотрудничество Вернера Пантона с Арне Якобсеном с 1950 по 1952 годы. В студии Пантон был не на самом лучшем счету, так как большую часть времени уделял собственным проектам.

Мечтой Пантона было полное слияние функций различной мебели. Мысль о том, что глядя на вещь можно с первого раза определить её функцию, лишала его воображения и желания творить. Кроме того, он мечтал нарушить традиционное деление на пол, стены и потолок, сместив их функции. Его легендарные наброски можно расценивать как зенит его карьеры.

В отличии от других датских дизайнеров у него был революционный, а не эволюционный взгляд на вещи и за свою жизнь он создал множество инновативных, рискованных и игривых вещей. Для их создания потребовались самые современные технологии, что отображало его жизненный оптимизм.

Аллен Джонс родился в Саутгемптоне в 1937 году. Учился в hornsey college of art в Лондоне (1955-59) и Королевский колледж искусств (1959-60) и затем вернулся в hornsey, чтобы пройти курс подготовки на преподователя(1960-61).

В начале 1960-х в Королевский колледж искусств стал свидетелями зарождения британского поп-арта (поп-арт появился в америке в 1960). Аллен Джонс был одним из группы студентов, которых исключели( дерек boshier , дэвид хокни , рб kitaj и питер филлипс ), Они коренным образом изменили лицо британского искусства, с их преждевременными, нетрадиционными и непочтительными работами, которые были основаны на популярных вещах, их творения из новых форм и из новых материалов производили неоднозначное впечатление у публики. Свое предпочтение Джонс отдал гламуру и его стилю. Он сосредоточелся на красивых женщин и воплощении эротических и стереотипных образов в жизнь. Свое вдохновения он брал в глянцевых журналах, рекламе и в комиксах. Он сочетал с большим мастерством цвета и эффектную технику живописи, работы Джонса колеблется между живописью и скульптурой. Самые известные его работы, это мебель, за основную форму которй, была взята женская фигура. Он использует цвет для описания формы, иногда с графической точностью, или, наоборот, с энергией и свободой жест, который находится недалеко от прямого выражения. аналогичные изменения очевидны в его печатной графики.

Пройдя долгую и успешную карьеру в качестве художника, , Джонс остался ярким представителе британского поп-искусства. Его работы можно увидеть во многих общественных местах, включая самые модные рестораны. Он выполнял заказы для лондонского сити (1987), британский органом аэропортов ,аэропорт хитроу (1991), челси и вестминстер больницы (1992-93) taikoo место , гонконге (1997), chatsworth, дербишир (2000), glaxosmithkline международная штаб-квартира в лондоне (2001) и taikoo место , гонконг (2002 - 3).

Клас Олденбург (швед. Claes Oldenburg; 28 января 1929, Стокгольм) -- американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта.

Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США (а в 1953 г. получил американское гражданство). Он жил, главным образом, в Нью-Йорке и Чикаго, в 1946--1950 гг. учился в Йельском университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго.

В 1960-е гг. Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Позднее он стал более привержен объектному искусству. Наиболее характерный приём Олденбурга -- скульптурное изображение достаточно небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигантском масштабе, а зачастую также причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве. Изначально носившие провокативный характер, произведения Олденбурга сегодня прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж, -- поэтому со временем работы Олденбурга активнее задействуются в качестве визуального решения городской среды. Так, вход в рекламное агентство «Chiat\Day» в Лос-Анджелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой (на противоположной стороне площади имеется другой конец нитки, с узелком).

В 1989 г. Олденбургу была присуждена Премия Вольфа в области искусства, в 1995 г. -- Премия Рольфа Шока.

В сверкающих глянцем обложек журналах рекламировались оригинальные одноразовые платья из бумаги. Принтом для таких платьев служили комиксы, картины Энди Уорхола, упаковки, комиксы, реклама и портреты поп-героев и героинь. В 1966 году Компания Scott Paper Company изобрела бумажное платье, предназначенное как маркетинговый инструмент в рекламе. За один доллар женщины могли купить платье и также получить купоны со скидками на продукты компании.

Основные черты стиля поп-дизайн:

? Использование различных видов пластика, оргстекла, ПВХ

? Недолгосрочная эксплуатация предметов

? Низкая цена

? Посредственное качество

? Использование ярких радужных цветов

? Оригинальная, забавная форма

Неспроста среди дизайнеров «поп» особой популярностью пользовался материал пластик. В 60-х годах было создано много видов пластика и освоены процессы их производства. При этом самым большим преимуществом была низкая стоимость. Яркие радужные цвета и необычные смелые формы стиля «поп» вытеснили последние остатки послевоенного аскетизма и дали новый стимул шагающему по миру оптимизму, который поддерживался беспрециндентным экономическим благосостоянием населения.

В связи с тем, что поп-дизайн в основном ориентировался на молодежный рынок, товары были дешевыми, и как следствие, часто посредственного качества. Этика недолговечности товаров была частью их стоимости, поскольку являлась противоположностью вневременной классики современности.

Поп-дизайн развивал свои собственные принципы и закономерности формообразования, противоположные идеологии «современного движения», но при этом не находился с ним в противоречии. «Поп» означало быть современным, быть молодым и в высшей степени соответствовать времени.

Поп-дизайн был неотъемлемо связан с американской мечтой абсолютно потребительского мировоззрения неприкрытого материализма, который в начале 60-х овладел всем западным миром. Аппетит к «попу» был ненасытным и всеобъемлющим. Даже объекты «современного мышления» становились воплощением «поп-мечты». Ричард Хамильтон включал электроприборы Браун в свои произведения, повышая их до поп-символов.

Поп-культура не только творилась из бесчисленных источников, но и создавала собственные галереи из моментально возникших героев и героинь. Оформленная Петером Белеком в 1967 году обложка Битлз «Клуб одиноких сердец сержанта Пеперсона» похожа на своеобразный иконостас поп-героев и героинь.

Художники 60-х видели свою главную задачу своей работы в том, чтобы публика принимала участие в их искусстве. Они стремились сократить дистанцию между своим произведением и зрителем, втянув последнего, как активного участника, в своё произведение.

Поп-дизайн вместе с другими течениями анти-дизайнерской направленности противостоял "современному движению" (функцианализму, модернизму), заявлявшему "меньше - значит лучше" и привел к радикальному дизайну 70-х. Средства массовой информации способствовали популяризации поп-дизайна. Многие считают, что до сих пор трудно дать точное определение сущности поп-арта и очертить его границы, но никто не сомневается, что поп-арт стал символом признания и одобрения новой "популярной культуры".Черпая вдохновение в самых разных течениях, от ар-нуво и ар-деко до футуризма, сюрреализма, китча, психоделического и космического стилей, сторонники поп-арта оказали огромное влияние на мир искусства и дизайна. Однако сам поп-ар просуществовал не долго: в связи с нефтяным кризисом начала 1970-х гг. возникла необходимость в более рациональном подходе к дизайну, и поп-арт уступил место возрождению ремесел.

поп арт дизайн эсприсеонизм

Список литературы

1.«Основы дизайна», Л.М.Михайлов

2. «История дизайна», том 2, Л.М.Михайлов

3. Sixties Design (Architecture & Design) P. Garner

4. www.Wikipedia.com

Размещено на Allbest.ru