Великие живописцы эпохи Возрождения

Размещено на http://www.allbest.ru/

2

Размещено на http://www.allbest.ru/

Тема № 24

Великие живописцы эпохи Возрождения

Содержание

живопись возрождение джотто боттичелли

1. Движение стилистики Ренессанса

1.1 Проторенессанс (творчество Джотто)

1.2 Раннее Возрождение (творчество Боттичелли)

1.3 Высокое Возрождение (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан, Джорджоне, Микеланджело)

2. Искусство Северного Возрождения (творчество Босха, Брейгеля)

Список литературы

1. Движение стилистики Ренессанса

В развитии мировой художественной культуры Возрождение является эпохой исключительного значения. Термин «Возрождение» (фр. renaissance) впервые употребил известный живописец, архитектор и историк искусства Дж. Вазари (1512-74 гг.) в своей книге «Жизнеописание наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Он имел в виду возрождение античности. В дальнейшем, в основном с XVIII в., эпоха итальянского Возрождения характеризовалась преимущественно как эпоха возрождения человека, как эпоха гуманизма. Однако истоки такого толкования культуры Италии XIV-XV вв. берут начало в самой этой эпохе. Как бы ни спорили ученые-историки о том, является ли Возрождение мировым феноменом или этот культурный процесс присущ только Италии, в любом случае уникальная и неповторимая культура итальянского Возрождения выступает своеобразным образцом, с которым сравниваются явления возрождения в культурах других стран.

Основными чертами культуры Возрождения являются: антропоцентризм, гуманизм, модификация средневековой христианской традиции, особое отношение к античности - возрождение античных памятников искусства и античной философии, новое отношение к миру. Названные черты тесно связаны друг с другом. Изучение одной в отрыве от других грозит потерей объективности в оценке этого интересного времени.

Ренессансная культура сложилась не во всех странах Европы. Она имела разный характер, и разные границы во времени. Классической страной Возрождения была Италия. Уже в конце XIII в. появились ростки нового мировоззрения и нового искусства (проторенессанс); яркое развитие эта культура получила в XV веке (Раннее Возрождение) и достигла вершины в начале XVI в. (Высокое Возрождение) - (1490-1530 гг.). Ренессанс изживает себя в Италии в 30-х гг. XVI в., но в Венеции он продолжается до конца столетия.

Изобразительное искусство воплощало ренессансное представление об идеале, мечту о прекрасном, гармоничном человеке, веру во всемогущество разума. Однако, делая по существу смыслом своего творчества человека и окружающий его мир, художники продолжали создавать произведения на традиционные религиозно-мифологические сюжеты. Утверждалась "богоподобность" реального человека.

По сравнению со средними веками искусство изменилось коренным образом во всех отношениях. Прежде всего, иным стал принцип изображения. Для средневековых икон и фресок этим принципом была условность: лица, фигуры, здания исполнялись плоскостно; ни объем, ни истинные пропорции фигур, ни глубинные пространства не передавались; использовалась обратная перспектива: более удаленные части и объекты были больше тех, что ближе. Изображение не соответствовало тому, что человек видит в реальности.

Для художников Возрождения, влюбленных в человека и земной мир, изобразительным принципом стало подражание природе, жизнеподобие: картина строилась как "окно в мир", как нечто реально увиденное. Преклонение перед красотой мира, и человека, соединялось с их изучением, искусство опиралось на достижения различных наук - да и сами художники нередко были учеными, инженерами (Брунелески, Альберти, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Дюрер).

Произведения создавались уже не только для храмов, но и для заказчиков (королей, купцов, ремесленников). Творчество стало персональным, художники пользовались известностью, о них писали книги: "Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих" Джорджо Вазари (1550 г.), "Книга о художниках" К. ван Манера (1604 г.). Сами художники стремились осмыслить и обосновать свою деятельность. Альберти пишет "Книгу о живописи" и "Десять книг об архитектуре", Леонардо - "Трактат о живописи" и другие, Дюрер - "Четыре трактата о пропорциях", Гиберти - "Комментарии", Пьеро делла Франческа "О живописной перспективе", "О правильных телах”; Виньола - "Правила пяти архитектурных ордеров", Палладио - "Четыре книги по архитектуре".

Изменилась и структура мира искусства. Рядом с монументальной живописью и скульптурой, которые были связаны с архитектурными сооружениями получает развитие станковое искусство. Ведущую роль уже играет не архитектура как в Средние века, а живопись.

Складывается система жанров:

* религиозно-мифологический;

* исторический;

* бытовой;

* пейзажный;

* портрет.

Появляется новый вид искусства - гравюра, и важную роль обретает рисунок. С одной и той же доски можно получить от нескольких десятков до несколько сотен оттисков, и все они будут оригинальными, авторскими произведениями. Первыми были гравюры на дереве. Гравюра на меди появилась в 1430 г.

Меняется взгляд на искусство. Художник сам теперь уподобляется Богу, творит в произведениях мир, где царят человек и красота. Средневековые произведения вызывали мистические ощущения, а ренессансные ценились как художественные явления и главное ощущение при их восприятии - наслаждение.

1.1 Проторенессанс (творчество Джотто)

Проторенессанс (от др.-греч. рс?фпт -- «первый» и фр. Renaissance -- «Возрождение») -- этап в истории итальянской культуры, предшествующий Ренессансу, приходящийся на дученто (1200-е) и треченто (1300-е). Считается переходным от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения. Термин был впервые введен швейцарским историком Я. Буркхардтом.

В итальянской культуре XIII--XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства -- будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом. Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой Италии проторенессансное искусство существовало только в Тоскане и Риме. В итальянской культуре переплетались черты старого и нового.

Для искусства Проторенессанса характерно появление тенденций к чувственному, наглядному отражению реальности, светскость (в отличие от искусства Средневековья), появление интереса к античному наследию (свойственного искусству эпохи Возрождения).

Социальными предпосылками в 1200-е (дученто) явились развитие ремесел и торговли, экономические реформы в свободных итальянских городах (особенно в Тоскане).

Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм.

Наиболее ярким представителем Проторенессанса является Джотто ди Бондоне (1266/76-1337). Этот флорентийский художник является основоположником европейской живописи и родоначальником реализма. Основные работы Джотто - фрески, самые знаменитые из них находятся в Капелле дель Арена в Падуе. Они написаны такими сияющими красками, что и сейчас, 700 лет спустя, капелла похожа на ларец, усыпанный драгоценными камнями. В капелле размещено 37 картин на библейские темы: «Поклонение волхвов», «Поцелуй Иуды», «Иоаким у пастухов» и другие. Джотто отвергает средневековый канон, требовавший выражения примата духа над телом, проявлением чего были бестелесные удлиненные фигуры, строгие большие глаза, ноги, лишь слегка касающиеся земли. У Джотто образы материальны: массивные приземистые фигуры, крупная голова, узкий разрез глаз. Переживания героев естественны, отсутствует театрализация. Отказавшись от плоского золотого фона, принятого в средневековой живописи, художник помещает фигуры в интерьер или пейзаж, часто вводя в него элементы архитектуры.

Не владея законами перспективы и допуская неточности в анатомии, Джотто умел передать ощущение пространства, придать фигурам объемность. Он был не только живописцем, но и выдающимся архитектором.

1.2 Раннее Возрождение (творчество Боттичелли)

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях. Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего столетия, не производя, впрочем, ничего особенно замечательного.

Творчество Сандро Боттичелли (Алессандро ди Мариано Филипепи, 1444 -1510 гг.) отвечает всем характерным чертам раннего Возрождения. Именно в это время осуществляются разработки в области линейной и воздушной перспективы, светотени, пропорциональности, симметрии, общей композиции, колорита, рельефности изображения. Это было связано с перестройкой всей системы художественного видения. По-новому ощущать мир значило по-новому его видеть. И Боттичелли видел его в русле нового времени, однако образы, созданные им, поражают необычайной интимностью внутренних переживаний. В творчестве Боттичелли пленяют нервность линий, порывистость движений, изящество и хрупкость образов, характерное изменение пропорций, выраженное в чрезмерной худощавости и вытянутости фигур, особым образом падающие волосы, характерные движения одежды. Иными словами, наряду с отчетливостью линий и рисунка, так чтимых художниками раннего Ренессанса, в творчестве Боттичелли присутствует, как ни у кого другого, глубочайший психологизм. Об этом безоговорочно свидетельствуют картины «Весна» (1477-78 гг.) и «Рождение Венеры», (ок. 1485 г.) - одна из самых знаменитых картин эпохи Возрождения.

В картине «Весна» художник изображает Венеру на фоне сказочного сада вместе с богиней плодородия Флорой, усыпанной цветами, тремя танцующими грациями и другими персонажами древней мифологии. В «Рождении Венеры» прекрасную нагую богиню любви, радости и брака, рожденную, по преданию, из морской пены, художник изображает подплывающей на морской раковине к берегу в сопровождении сплетающихся фигур влюбленных ветров. Прислужница-нимфа готовит Венере легкий покров. Поза богини, плывущей в раковине, - целомудренна: руками она прикрывает свою наготу. Вся она - воплощение женственности, грации, красоты.

Впоследствии увлеченный идеями Дж. Савонаролы С. Боттичелли отрекся от своего творчества, сжег оставшиеся у него картины и стал писать на религиозные темы. Умер он в изгнании, всеми забытый, переживший свою славу.

1.3 Высокое Возрождение (Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан, Джорджоне, Микеланджело)

Если Проторенессанс длился примерно полтора столетия, Раннее Возрождение около века, то период Высокого Возрождения - менее четырёх десятков лет (примерно 1490-гг. до 1530 г.). Его конец связан с двумя событиями: разгромом и разграблением Рима в 1527 г. войсками Карла V Габсбурга, императора Германии и короля Испании; падением последней Флорентийской республики в 1530 г. (несмотря на то, что творчество Микеланджело продолжалось до 1564 г.), а в Венеции до конца ХVI в. творили великие мастера: Тициан (1477 или 1485/90 - 1576 гг.), Веронезе (1528-88 гг.), Тинторетто (1519 -94 гг.).

В ХIV и ХV вв. Италия была самой передовой страной Западной Европы, а в ХVI переживала глубокий политический и экономический кризис. Она потеряла рынки на Востоке, превратилась в арену постоянных войн, была опустошена и разорена. После разгрома Рима Италия оказалась под властью габсбургской монархии. Но прежде чем свершились эти трагические события, страна пережила время общественного подъема, вызванного борьбой итальянских государств против порабощения и стремлением к объединению. В этот период и наступил высший расцвет искусства Возрождения в Италии - Высокий Ренессанс.

Искусство Высокого Возрождения стало выражением всей сложности и масштабности исторического бытия эпохи. На смену поискам, аналитическому исследованию натуры и окружающего мира пришло синтетическое обобщение, извлекающее из явлений самое их существо, а также уверенное владение всеми приемами и тайнами изображения. «Кватроченто - это анализ, поиски, находки, это свежее, сильное, но часто еще наивное, юношеское мироощущение. Чинквеченто - синтез, итог, умудренная зрелость, сосредоточенность на общем и главном, сменившая разбрасывающуюся любознательность Раннего Ренессанса»

В искусстве Высокого Возрождения центральное место безоговорочно занял Человек.

Леонардо да Винчи - самая необыкновенная фигура в истории мировой культуры. Это был Homo universale (человек универсальный): умел все и был во всем гениален, к тому же красив, силен, элегантен, обходителен, красноречив. В сфере искусства Леонардо был живописцем, скульптором, рисовальщиком, музыкантом, архитектором, сочинял басни, сонеты, написал "Книгу о живописи". До нас дошло около пятнадцати его картин. Он оставил рисунки машин и механизмов с прообразами экскаватора, токарного станка, самолета, вертолета... В Эрмитаже находятся две картины Леонардо да Винчи: "Мадонна с цветком" (Мадонна Бенуа, 1478) и "Мадонна с младенцем" (Мадонна Литта, 1470-90 гг.).

Особенности искусства мастеров кватроченто - интерес к психологическим решениям и пространственному построению, стремление к лаконичности и обобщению и, если художники ХV в. овладели перспективой, то Леонардо овладел пространством. Персонажи его картин уже располагались не на фоне далекой перспективы, а внутри пространства. Не было разрыва между передним и задним планами, персонажи не "наложены" один на другой, между ними чувствуется воздух. Мягкая, с переходами светотень - знаменитое леонардовское "сфумато".

Фреска "Тайная вечеря" - удивляет интеллектуальной силой художника, тем как продумана и разработана композиция произведения. Она написана на торцовой стене трапезной монастыря так, что иллюорное пространство фрески кажется продолжением реального пространства интерьера, Христос и его ученики как бы сидят в той же трапезной, но на возвышении. Центральное положение Христа подчеркнуто тем, что точка схода перспективы совпадает с его головой. Художник поместил Христа в светлом проеме окна, отдалив простенком от апостолов. Новое, не традиционное решение темы дает Леонардо да Винчи: он впервые изображает конфликт, сам процесс драматического события.

Самое знаменитое произведение художника и, пожалуй, во всей мировой живописи "Портрет Моны Лизы", супруги богатого флорентийца Франческо дель Джокондо. Портрет завораживает и восхищает тем, что в нем, при внешней неподвижности модели передана жизнь души, само ее течение, неуловимо сменяющиеся оттенки мыслей, чувств, ощущений. Леонардо говорил: "Хороший живописец должен писать две главные вещи - человека и представление его души". С "Джокондой" связано зарождение психологического портрета.

Рафаэль - гений иного склада. Он не был новатором. Его искусство - синтез достижений предшествующих художников. У Рафаэля человек совершенен, мир пребывает в гармонии. Образ Мадонны особенно близок искусству Рафаэля. Здесь наиболее полно он раскрывает представления свои о благородстве, совершенстве человека, о гармонии внешней и внутренней красоты: "Мадонна Конестабиле", "Мадонна в зелени", "Мадонна дель Грандука", "Мадонна с щегленком", "Мадонна садовница", "Мадонна Альба", "Мадонна в кресле", "Сикстинская Мадонна" (1513-14 гг.). Высокую религиозность художник соединил с высокой человечностью, создав, может быть, самое глубокое и прекрасное воплощение темы материнства. Одухотворенное лицо Мадонны, то, как она держит младенца, выражают и бесконечную любовь и провидение трагической судьбы сына, сознание ее неизбежности, и скорбную готовность принести его в жертву ради людей. Рафаэлю была поручена огромная работа - роспись четырех станц (комнат) в Ватикане (папский дворец).

Главные фрески станцы - "Диспуты " (апофеоз теологии), "Афинская школа" (апофеоз философии) и "Парнас" (апофеоз искусства) и "Мудрость, Мера и Сила" (олицетворение главных добродетелей правосудия). Рафаэль был прекрасным рисовальщиком, великолепным портретистом, архитектором, археологом, мечтал восстановить Рим в его прежнем величии. В Эрмитаже было выполнено точное повторение росписей лоджии двора Сан Дамазо (Ватиканский дворец) - Лоджии Рафаэля.

Ватиканские фрески Рафаэля, вместе с Тайной вечерей Леонардо да Винчи и Сикстинским потолком Микеланджело - вершина монументальной живописи Возрождения.

Величайшим художником Позднего Возрождения был Тициан Вечеллио (1476/77 или 1480-1576). В начале 20-х годов XVI в. Он становится самым знаменитым художником Венеции, и слава не покидает его до конца жизни. Кисти Тициана принадлежат творения на мифологические и христианские сюжеты, произведения в жанре портрета. Ему не было равных в композиционной изобретательности, феноменальным было его колористическое дарование.

Ранние произведения Тициана полны радости жизни («Любовь земная и небесная», «Вакх и Ариадна», «Празднество Венеры»). Одна из самых прославленных картин Тициана - «Лежащая Венера» (1538). В ней художник открывает свой тип красоты. Венера Тициана - прежде всего прекрасная земная женщина. Этой картиной начинается целый ряд полотен, изображающих красоту обнаженного женского тела. К их числу принадлежат четыре варианта «Данаи» (1545-1554). Воспроизводя античный идеал красоты, мастер создает образ, несущий в себе прекрасное земное начало, наполняет его человеческой плотью и радостью бытия.

На протяжении всего творческого пути Тициан работал в жанре парадного портрета и был одним из создателей этого жанра. Его портреты отличает высочайшее мастерство исполнения, благородство колорита, передача внутреннего мира человека, его индивидуальности («Портрет молодого человека с перчаткой», портреты Ипполито Риминальди, Пьетро Аретино, Карла V, папы Павла III).

Последние годы жизни Тициана проходят в условиях усиления католической реакции в Италии, в том числе и в Венеции. В творчестве художника появляются трагические мотивы как результат тревоги разочарований. Он все больше пишет на античные сюжеты («Венера и Адонис», «Юпитер и Антиопа», «Диана и Актеон»). Меняется характер его живописи: светлый, легкий колорит уступает место мощной, бурной живописи, композиция становится более динамичной. По своей одухотворенности, цветовой мощи поздние творения Тициана превосходят всё ранее созданное художником. Таковы «Венера перед зеркалом» (1553), «Кающаяся Мария Магдалина» (1565), «Св. Себастьян» (1570), «Пьета» (1576). Творчество Тициана оказало огромное влияние на живопись следующего столетия.

Джорджо Барбарелли да Кастельфранко -- его годы жизни 1476-1510. Это итальянский живописец, основоположник искусства Высокого Возрождения. До сих пор неизвестно точно, где родился Джорджоне, но многие ученые сходятся во мнениях, что близ Кастельфранко -- незаметного городка. Его единственное сокровище, которым этот городок выделяется, это задумчивая Мадонна кисти Джорджоне, которая и по сей день, украшает надгробие сына одного из известных людей города. Современники художника в его работах находили, какие-то цыганские черты. Джорджоне был первым, кто превратил простой фон в реальную среду, которая помогает зрителям проникнуться картиной. Появились новые персонажи, например: странники, пастухи, музыканты, которые населяют захватывающие пейзажи. Их спокойствие обманчиво, это очень похоже на притихший вулкан. Но самое удивительное в творчестве Джорджоне это его особенный женский тип. Он изображал их горделиво смиренными и сдержанно-страстными.

Рисование женских образов у Джорджоне уникально, женщины на его картинах никогда не обращают взор на зрителя, как будто боятся подавить их своими глубокими темными очами. Юдифь обольстительная и нежная, держит свой героический меч с немалыми усилиями, она напоминает библейскую воительницу, которая своей хитростью и уловками уничтожила полководца Олоферна. Ее основным оружием был не меч, а красота и грация.

С кошачьей грациозностью и гибкостью, властная, со своей загадочной полуулыбкой, которая называется «джокондовская». И отблеск ее улыбки падает на бледное лицо поверженного врага, на котором стояла ее соблазнительная ножка. Она будто дарит поверженному Олоферну свою улыбку, и даже смерть обращается небывалый и сладостный сон. Это было удивительное открытие художника, ведь именно он первый показал в полной мере всевластие чарующей женской слабости.

Джорджоне прекрасно пел и играл на лютне, это позволило ему приобщиться к избранному кругу богатых и знатных молодых патрициев, которые мечтали «всю землю превратить в сад веселья». Вращаясь среди них, Джорджоне полностью посвятил себя искусству, музицированию и любовным утехам. Как отмечал в своих работах исследователь Бернсок «иметь картину у себя дома стало для венецианцев такой же потребностью, как слушать музыку» и, благодаря своим разносторонним талантам и душевной щедрости, Большой Джорджо мог полностью удовлетворять обе эти потребности. В своем творчестве Джорджоне часто писал портреты своих друзей-музыкантов. Такой музицирующий персонаж стал появляться в работах его коллег-художников и даже получили название -- «джорджонески». Так, с легкой руки, или точнее кисти, художника -- лютиниста, музыка поселилась на полотнах художников венецианского Возрождения. К сожалению, до наших дней не дошли джорджоновские импровизации, скорее всего, они плавно вплелись в песни крестьян или венецианских гондольеров. По словам современников, эти мелодии были «просто божественны». Зато живописные мелодии его картин хорошо сохранились, и мы можем наслаждаться ими в полной мере.

Ярким примером такой нарисованной музыки является последняя дошедшая до нас картина Джорджоне «Сельский концерт». Воплощенная мечта художника -- счастливые люди на фоне прекрасной природы. Все полотно пронизано солнцем и музыкой, особый, поэтический, прекрасный мир. Слышится тихое журчание воды, льющейся из кувшина, который держит в руках молодая женщина, звон струн так любимого художником инструмента -- лютни, протяжные звуки свирели, легкий шелест деревьев. Джорджоне свойственна особая чуткость и тонкость восприятия звуков и мастерство, с которым он может изобразить всю эту полифонию звуков полифонией красок.

Прекрасный мужчина, его любили многие женщины Венеции, но не находя подходящей для себя, художник создает свою, воплощает свой идеал в картине «Спящую Венеру». Венера Джорджоне -- вся тайна и поэзия художника, он вложил все чувства в создание этой картины. Спящая, она всем своим существом связана с окружающей ее природой. Плавные и чистые линии ее тела похожи на невысокие окрестные холмы. За ее сомкнутыми веками затаился прекрасный и божественный мир. Певучее и идеальное тело Венеры, богини любви, исполнено царственной простоты.

Прикосновения Джорджоне к самой сущности женственности, сделало «Спящую Венеру» великолепным образом для всех поколений художников. Многие сердца покорила «страшная сила» красоты Венеры. Известнейшие поэты и романтики Европы, признали Джорджо из Кастельфранко своим предтечей. И как настоящий романтик, Джорджоне был бедой, он заразился чумой от своей возлюбленной, которую не решился оставлять из-за своей гордости и сильной любви к ней. Бросив вызов смерти, он сгорел, как позже погибли его наилучшие фрески при пожаре Немецкого подворья. От всех этих фресок остался один небольшой неясный фрагмент. Это был женский силуэт, который подобен нежной тени...

Микеланджело Буонарроти превыше всех искусств ставил скульптуру, хотел быть только скульптором, но волею судьбы стал и живописцем и архитектором, был также рисовальщиком, поэтом, инженером.

Прожил долгую (89 лет) и трагическую жизнь, боролся за независимость Флоренции, видел унижение Родины, разгром Рима. Человек свободолюбивый, дерзновенный, он вынужден был служить папам. Микеланджело в одной единственной фигуре был "способен воплотить все добро и все зло человечества". Он стремился показать человека таким, каким он должен быть. Таков его «Давид». Гигантская фигура олицетворяет безграничную мощь свободного человека. Вазари писал, что статуя Микеланджело «…отняла славу у всех статуй, современных и античных, греческих и римских». В 1505 г. папа Юлий II призвал Микеланджело в Рим, для создания своей гробницы. 40 лет жизни Микеланджело отдал этой работе, выполнив 3 статуи.

Роспись потолка (1508-12 гг.) и алтарной стены («Страшный суд», 1536-41 гг.) Сикстинской капеллы в Ватикане также возложил Юлий II на Микеланджело. Роспись потолка свыше 500 кв.м и включает 343 фигуры. Микеланджело изобразил картины сотворения мира и жизни первых людей на земле, эпизоды из Библии. На потолке капеллы он создал мир титанов. Его Бог - вдохновенный творец, создающий Вселенную и человека. Его люди могучи и прекрасны телом и духом; пророки и сивиллы отважны в своем прозрении будущего, обнаженные юноши раскрывают в многообразных проявлениях красоту и пластику человеческого тела.

Этот жизнеутверждающий пафос работы над росписью потолка капеллы сменяется трагической безысходностью, когда Микеланджело работает над фреской алтарной стены «Страшный суд». Площадь фрески «Страшного суда» 13,7 х 12,2 м. Суд, изображенный на фреске, действительно страшен: праведники, обступившие Христа, гневны, они требуют возмездия, и Христос властным жестом руки низвергает грешников в ад. В этом сюжете можно видеть крушение ренессансной гордыни - и шире - образ всечеловеческой катастрофы.

Последние скульптуры Микеланджело - три «Пьетты» (Пьетта - оплакивание) - несут образ сломленного страданием человека; от них веет бесконечной усталостью и глубокой скорбью. Им созвучны строки его сонета:

«Надежды нет, и все объемлет мрак,

И ложь царит, а правда прячет око».

В одном искусстве Микеланджело остался верен заветам своих героических лет - в архитектуре. Микеланджело - архитектор создал во Флоренции капеллу Медичи (1520-25 гг.), усыпальницу членов семьи Медичи, выполнил два надгробия - Лоренцо («Утро» и «Вечер») и Джулиано («День» и «Ночь»), интерьер библиотеки Лауренциана (первая публичная библиотека в Европе). В Риме разработал проект перестройки Капитолия и увенчал грандиозным куполом собор св. Петра, главную святыню христианского мира. Собор св. Петра строили около 150 лет (арх. Д.Браманте, Рафаэль, Бальдассаре Перуцци, Антонио да Сангалло Младший). Над собором Микеланджело работал до конца жизни. Собор святого Петра - венец архитектурного гения Микеланджело, где мастер развил идею центричности, автором которой был Д. Браманте. И все же главное творение Микеланджело-зодчего - грандиозный, вознесенный к небу купол над центральной частью храма. Купол Микеланджело царит над вечным городом, над бесчисленными архитектурными памятниками, которыми так богат Рим.

2. Искусство Северного Возрождения (творчество Босха, Брейгеля)

Северное Возрождение - это художественная культура ХV-ХVI вв. европейских стран севернее Италии - Нидерландов, Германии и Франции. Термин "Возрождение" здесь достаточно условен, так как формирование культуры опиралось не на античное наследие (его не было в этих странах), а на идеалы религиозного обновления. В Северной Европе центром художественного творчества становится человек с новым сознанием окружающего мира и себя. Гуманистическое начало составляет главнейшую особенность искусства Северного Возрождения. В северных странах гуманизм был устремлен к воскрешению демократической религии ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. И если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему.

В искусстве северных стран преобладает правдивое, непосредственное изображение того, что есть, даже если оно уродливо, - в противовес стремлениям итальянских художников к идеализации, к поискам во всем прекрасного, величавого, возвышенного.

Самобытный характер Северного Возрождения проявился, в первую очередь, в культуре Нидерландов и Германии. Городами, оказавшимися главными центрами этой культуры, были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле. Позднее лидером стал Амстердам. В формировании немецкого Возрождения немалую роль сыграл экономический фактор: развитие горного дела, книгопечатания, текстильной промышленности. Все более глубокое проникновение в жизнь товарно-денежных отношений, включенность в общеевропейские рыночные процессы касались больших масс людей и меняли их сознание.

Традиционный фактор влияния античной культуры для Северного Возрождения незначителен, он в ней воспринимается опосредованно. Поэтому у большинства его представителей легче обнаружить следы не до конца изжитой готики, чем найти античные мотивы. Судьбы лидеров Северного Возрождения тесно связаны с движением Реформации и Крестьянской войной. Век Северного Возрождения был недолог, но его влияние на европейскую культуру ощущается и сегодня. Нидерландами в XV в. называли земли у берегов Северного моря, где сейчас находятся Голландия и Бельгия. Нидерландские города были богатыми и прекрасными, вели обширную торговлю.

В творчестве Иеронимуса Босха (ван Акен, ок. 1450-1516 гг.) мир предстает как царство дьявола и греха. Для современников творчество Босха бесконечно сложно и во многом загадочно. А современникам Босха, видимо, аллегорический смысл образов был понятен, ибо его произведения пользовались широчайшей популярностью. Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий зло и пороки погрязшего в грехах мира. Свои картины на темы ада, рая, Страшного суда искушения святых художник населял легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части различных животных, растений, предметов, а иногда и человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими беспомощными фигурками людей, с птицами, рыбами, зверями, порождая ощущение низменного, суетного, лишенного разумной основы существования («Страшный суд», «Сад наслаждений», «Воз сена»).

Творчество Босха, подвластное его глубоко пессимистическому мировоззрению, обнажало наиболее страшные, трагические стороны человеческого существования. Но, как бы наперекор стремлениям художника, его произведения обладают и жизнеутверждающей силой, имеющие свои истоки в народной фантазии, устрашая - смешат, а юмор всегда несет элемент здоровья. Изумительный колорит, живописное мастерство придают картинам Босха, несмотря на их содержание, немеркнущую красоту. Питер Брейгель Старший (Мужицкий) (1525/30-69 гг.) - последний художник нидерландского Возрождения. Такой широты в изображении жизни народа, такой бесстрашной трезвости в подходе к ней искусство еще не знало. Брейгель находился под влиянием как народной культуры, так и Босха. В центре его внимания - жизнь народа в не показном, а деятельном и повседневном состоянии. Брейгель жил в тяжелое для его родины время. Маленькая, но богатая страна находилась под властью Габсбургов, которые её жестоко грабили. В Нидерландах, как дома, распоряжалась свирепая испанская инквизиция. Когда правил герцог Альба, установился режим кровавого террора. Источник силы и надежды художник видел в природе и трудовой жизни человека. Картина "Слепые" - самая трагическая картина Брейгеля. Возникновение культуры Возрождения запоздало в Германии, типичной средневековой раздробленной стране. Поворот наметился в 30-е гг. ХV в. Реформация в Германии и Великая крестьянская война вызвали в стране культурный подъем - возникновение гуманизма, развитие наук, обновление литературы и искусства. Главным для немецких художников было не овладение новыми, жизнеподобными формами изображения само по себе, а стремление с их помощью придать религиозному содержанию новую силу и близость к жизни, выразить мысли и чувства, тревожившие людей в это трудное и сложное время.

Список литературы

1. Борисов О.С., Свечникова Н.О. Культурология. Учебное пособие. Санкт-Петербург , 2008.

2. Гуковский М.А. Итальянское Возрождение. - Л.: Изд-во ЛГУ, 1990.

3. Кузнецов Б.Г. Идеи и образы Возрождения: Наука XIV - XVI веков в свете современной науки. - М.: Наука, 1979.

4. Маккай Л. Мир Ренессанса. - Будапешт: Прогресс, 1984.

5. Рутенбург В.И. Титаны Возрождения. - Л.: Наука, 1976.

6. Соколов М.Н. Вечный Ренессанс: лекции о морфологии культуры Возрождения. - М.: Прогресс-Традиция, 1999.

Размещено на Allbest