Искусство Франции XVIII века

Размещено на http://www.allbest.ru/

Новосибирский Государственный Аграрный Университет

Биолого-технический факультет

Кафедра истории, политологии и культурологи

РЕФЕРАТ

« Искусство Франции XVIII века»

Выполнил:

Суетина А.Д. 2105гр

Проверил:

Подзюбан Е.В.

Новосибирск 2011г

Содержание

Введение.

1. Архитектура

2. Архитектура рококо.

3. Жак Анж Габриель и архитектура неоклассицизма.

4. «Говорящая архитектура».

5. Скульптура.

6. Живопись.

7. Декоративно-прикладное искусство.

Литература.

Введение

XVIII в. расстановка сил в художественной жизни Европы изменилась. Италия, хранительница культурных традиций прошедших веков, превратилась в своеобразный музей великих памятников прошлого. Однако в XVIII столетии равных им уже не создавалось. Итальянские государства беднели, мастера не получали крупных заказов и были вынуждены искать их за границей. И все же в это время здесь работали выдающиеся художники. В первой половине XVIII столетия в Италии и странах, находившихся под ее влиянием, (в Центральной Европе, Германии), наступил новый расцвет искусства барокко.

Во Франции, которая в XVII в. стала родиной классицизма, барокко не получило широкого распространения. В начале XVIII в. здесь появился новый стиль -- рококо (от франц. rocaille -- «раковина»). Название раскрывает самую характерную его черту -- пристрастие к сложным, изысканным формам, причудливым линиям, напоминающим прихотливый силуэт раковины. Искусство рококо обращено к миру человеческих чувств, неуловимых, тонких оттенков настроения. Этот стиль просуществовал недолго -- примерно до 40-х гг., однако его влияние на европейскую культуру ощущалось до конца столетия.

С середины XVIII в. европейское искусство вновь обратилось к античности, что объясняется несколькими причинами. Одна из них -- достижения археологии. Начавшиеся в 40-х гг. раскопки Помпей -- древнего города в Италии, засыпанного пеплом при извержении Везувия в 79 г. н.э., -- открыли удивительные по красоте и богатству памятники искусства и вызвали огромный интерес к античной культуре. Однако более важная причина кроется в распространении идей Просвещения. Просветители, размышляя о совершенствовании личности и путях переустройства общества, приходили к поискам идеала, который они видели в истории и культуре Древней Греции и Древнего Рима. Сложившийся на этой почве стиль получил название «неоклассицизм» (т.е. новый классицизм).

Далеко не во всех странах неоклассицизм сменил стиль рококо. Так было во Франции, в Италии (где рококо существовало наряду с барокко) и отчасти в Германии. В искусстве других стран, например в России, черты рококо и неоклассицизма оригинальным образом переплелись.

В XVIII в. резко уменьшилась зависимость художников от частных заказчиков. Главным судией произведений искусства стало общественное мнение. Появилась художественная критика, задача которой заключалась в оценке произведений искусства с точки зрения всего общества. Первые критики -- выдающиеся философы Просвещения Дени Дидро, Жан Жак Руссо и другие -- писали о театре, музыке, живописи.

Во Франции, где новые формы искусства возникали особенно быстро, важным событием художественной жизни стали публичные выставки -- Салоны, которые ежегодно (начиная с 1667 г.) организовывала парижская Королевская академия живописи и скульптуры при поддержке двора. Успех в Салоне означал для живописца или скульптора настоящее признание, однако добиться этого успеха было непросто. Произведения для Салонов отбирала особая комиссия академии. Участвовать в этих выставках стремились не только французы, но и мастера из других стран. Постепенно Париж превратился в общеевропейский художественный центр.

1. Архитектура

Архитектура XVIII столетия во Франции традиционно разделяется на два периода, которым соответствуют два архитектурных стиля: в первой половине XVIII в. господствующее положение занимает рококо, во второй -- неоклассицизм. Два этих стиля во всем диаметрально противоположны друг другу, поэтому переход от рококо к неоклассицизму часто называют «бунтом». Стиль рококо отошел от строгих правил классицизма XVII в., его мастеров больше привлекали чувственные, свободные формы. Архитектура рококо еще сильнее, чем барокко, стремилась сделать очертания сооружений более динамичными, а их убранство -- более декоративным, однако она отвергла торжественность барокко и его тесную связь с католической церковью.

Самого слова «неоклассицизм» в XVIII в. еще не существовало. Критики и художники пользовались другими определениями -- «истинный стиль», «возрождение искусств». Интерес к античности в XVIII в. приобрел научный характер: археологи начали методические раскопки древних памятников, архитекторы стали делать точные обмеры и чертежи сохранившихся фрагментов и руин. Для неоклассицистов архитектура была способом переустройства мира. Появились утопические проекты, в которых воплощались идеалы эпохи Просвещения; позднее они получили название «говорящая архитектура».

2. Архитектура рококо

Рококо возникло в последние годы правления короля Людовика XIV (1643--1715), но в отличие от всех предшествовавших ему стилей французской архитектуры не было придворным искусством. Большинство построек рококо -- это частные дома французской аристократии: богатые городские особняки (во Франции их называли «отелями») и загородные дворцы.

Как правило, высокая ограда отделяла особняк от города, скрывая частную жизнь владельцев дома. Комнаты отелей часто имели криволинейные очертания; они не располагались анфиладой, как было принято в особняках XVII века, а образовывали весьма изящные асимметричные композиции. В центре обычно помещался парадный зал -- так называемый салон. Комнаты были гораздо меньше, чем залы дворцов эпохи классицизма, и с более низкими потолками. Окна же, напротив, были очень большими, почти от самого пола. Интерьеры построек рококо оформлялись скульптурными и резными украшениями, живописью на фантастические темы и множеством зеркал. Отель Субиз в Париже был построен для принца де Субиза в 1705--09 гг. по проекту Пьера Алексиса Деламера (1675--1745). Как и другие особняки, он отгорожен от прилегающих к нему улиц высокой стеной с роскошными въездными воротами. В интерьере отеля Субиз особенно интересен Овальный салон (1735-38), созданный в стиле рококо архитектором, скульптором и декоратором Жерменом Боффраном (1667--1754). Здесь все углы закруглены, нет ни одной прямой линии, даже переход от стен к потолку замаскирован картинами, помещенными в рамы криволинейных очертаний. Все стены украшены резными панелями, позолоченными орнаментами и зеркалами, которые словно расширяют пространство, придавая ему неопределенность.

Боффран Жермен. Овальный салон . 1735--38

В эпоху рококо был создан также один из самых красивых городских ансамблей Франции -- ансамбль трех площадей в городе Нанси в Лотарингии, построенный в 1752--55 гг. по заказу Станислава I, герцога Лотарингского. Автором этого проекта был ученик Боффрана Эмманюэль Эре де Корни (1705--1763). Королевская площадь перед Дворцом правительства представляет собой как бы огромный парадный двор, почти овальной формы. По всему периметру площади тянется колоннада, включающая в себя также и портик Дворца. С портика открывается вид на узкую и длинную, засаженную деревьями площадь Карьер, которая завершается триумфальной аркой. Последняя представляет собой вход на главную площадь ансамбля -- Площадь Станислава, имеющую форму прямоугольника. Угловые въезды на площадь оформлены коваными решетками и воротами с изящным позолоченным узором. В центре площади возвышается конный монумент герцога Станислава I. Ансамбль в Нанси хронологически завершает эпоху рококо.

3. Жак Анж Габриель и архитектура неоклассицизма

Жак Анж Габриель (1698--1782) происходил из семьи известных французских архитекторов. Его отец, Жак Габриель Пятый (1667--1742), был придворным архитектором короля. В 1741 г. его место занял сын. Жак Анж Габриель был также президентом Академии архитектуры. Он работал только по королевским заказам, в силу этого его можно считать выразителем официальных вкусов во французской архитектуре середины XVIII столетия. Творчество Габриеля не принадлежит неоклассицизму в полной мере, хотя, безусловно, в нем нашли отражение новые веяния.

Габриель Жак Анж (1698--1782)

Площадь Людовика XV (Площадь Согласия) в Париже . 1753--75

Самые знаменитые проекты Габриеля созданы в 50--70-е гг. Среди них здание Военной школы в Париже (1751--75), замыкающее собою Марсово поле -- площадь на левом берегу Сены, где во второй половине XVIII в. проходили учения и парады воспитанников Военной школы. В Версале, резиденции французских королей, Габриель создал целый ряд великолепных зданий: роскошное и богато украшенное помещение Оперы (1748--70), Французский павильон (1749--50), а также Малый Трианон, по праву считающийся шедевром архитектуры XVIII века. Наиболее значительным произведением Габриеля в Париже стала Площадь Людовика XV (ныне площадь Согласия) -- блестящий образец городского ансамбля XVIII в. История ее создания такова: купеческая гильдия Парижа заказала скульптору Эдму Бушардону конную статую короля Людовика XV , и требовалось соответствующее место для ее установки. Был объявлен конкурс, в котором участвовали самые именитые архитекторы. Победил проект Жака Анжа Габриеля, который предложил совершенно новое и необычное градостроительное решение. В отличие от замкнутых парижских площадей XVII в., окруженных зданиями, площадь Людовика XV открыта городу. С запада и востока к ней примыкают аллеи проспекта Елисейские Поля и парка Тюильри, а с юга -- набережная Сены. Лишь с северной стороны Габриель возвел на площади два величественных дворца (1775), между которых начинается ведущая вглубь города коротенькая улица Рояль. В конце улицы располагается церковь Мадлен, возведенная несколько позднее (1806--42). На другом берегу Сены, строго напротив церкви Мадлен, находится Бурбонский дворец (1722--27, портик 1804--07). Фасады этих двух строений выдержаны в едином стиле и кажутся зеркальным отражением друг друга. Все эти здания вместе с площадью составляют единый архитектурный ансамбль.

Суфло Жак Жермен (1713--1780)

Церковь Св. Женевьевы (Пантеон) в Париже . 1757--90

Работы Жака Анжа Габриеля знаменовали наступление новой эпохи в истории архитектуры. Творчество этого выдающегося мастера повлияло на все последующее развитие французского неоклассицизма.

Начало эпохе неоклассицизма положил новый проект фасада церкви Сен-Сюльпис в Париже, предложенный архитектором Джованни Никколо Сервандони (1695--1766). В этом проекте впервые в XVIII веке появляются строгие колоннады и арки. К античности, классической древности вскоре обратились и другие архитекторы. Вот что писал о фасаде церкви Сен-Сюльпис Жак Франсуа Блондель, выдающийся архитектор, теоретик и педагог той эпохи: «Он полон античной красоты, он утвердил греческий стиль, в то время как в Париже тех лет появлялись одни лишь химеры».

Центром неоклассицизма во Франции был Париж. Здесь работали все крупнейшие мастера того времени, создавшие свои лучшие постройки. Самой значительной среди них была церковь Св. Женевьевы, возведенная Жаком Жерменом Суфло. Здесь же в 1739 г. Франсуа Блондель основал архитектурную школу, в которой учились многие выдающиеся мастера той эпохи.

Одним из учеников Блонделя был Шарль де Вайи (1729--98), самое известное сооружение которого -- парижский театр Одеон (1779--82) -- был создан в соавторстве с Мари Жозефом Пейром (1730--85). Здание Одеона в Париже первоначально предназначалось для театра «Комедии Франсез» (французской комедии), позднее здесь устраивались не только спектакли, но также и концерты и балы. Полукруглый зал помещен в почти кубическую коробку здания с аркадами. Венчает театр пирамидальная крыша. Украшением главного фасада служит мощный портик с восемью колоннами.

В Париже построено множество прекрасных зданий в стиле неоклассицизма: Рынок зерна (1763--67, арх. Никола Лекамю де Мезьер), купол которого по величине почти равен куполу древнеримского Пантеона; поражающий своими размерами Монетный двор (1768--75, арх. Жак Дени Антуан), чей фасад растянулся вдоль набережной Сены более чем на триста метров; отель Сальм (1782--85, арх. Пьер Руссо), ныне дворец Почетного Легиона, и др. Но самым знаменитым сооружением Парижа конца XVIII в. после церкви Св. Женевьевы стала Школа хирургии, построенная архитектором Жаком Гондуэном (1737--1818). В здании Школы хирургии особенно интересен анатомический театр (помещение, где препарируют трупы). Это сооружение имеет форму античного амфитеатра (овальной арены, к которой уступами спускаются зрительские ряды), увенчанного полукруглым куполом, в верхней части которого имеется полукруглое окно. Обращенный к улице фасад здания представляет собой триумфальную арку с расходящимися от нее в обе стороны колоннами. Рельеф на фасаде изображает Людовика XV, отдающего приказ о строительстве Школы хирургии. Короля окружают больные и древнеримская богиня Минерва (покровительница искусств и ремесел), а Гений архитектуры представляет ему проект. Противоположный фасад выполнен в виде гигантского портика.

4. «Говорящая архитектура»

Опираясь на идеи французских просветителей, некоторые архитекторы XVIII в. увлеклись идеей о том, что всякое произведение зодчества должно выражать те или иные идеи, иными словами, что архитектура, как и любой другой вид искусства, должна быть «говорящей». Чаще всего эти идеи были связаны с назначением здания. Так, мощные колонны у входа в банк могли говорить о его солидности и надежности. Более яркий пример -- проект коровника в виде гигантской коровы архитектора Жана Жака Лекё (не осуществлен). Иногда использовались более трудные для понимания формы -- например, куб как символ правосудия или шар как символ общественной морали.

Кенотаф Ньютона в Париже. Арх. Э.Л. Булле . 1784

Большинство проектов «говорящей архитектуры» были утопическими, они так и остались на бумаге в виде планов, чертежей и схем; в силу этого их иногда называют «бумажной архитектурой». Среди тех, кто создавал подобные проекты, особое положение занимают два мастера -- Этьен Луи Булле и Клод Никола Леду.

Карьера Этьена Луи Булле (1728--99) как практикующего архитектора была скорее неудачной: он исполнил всего лишь ряд интерьеров и построил несколько особняков в Париже. В 80-е гг. Булле целиком посвятил себя «бумажной архитектуре», создав более ста проектов. Свои здания он называл «архитектурными телами». Булле использовал самые простые, геометрически правильные формы: сферу, конус, куб. Все они должны были освещаться таинственным светом и отбрасывать сильные тени. Излюбленным жанром архитектора были погребальные сооружения, самое знаменитое из которых -- Кенотаф Ньютона. Кенотаф (ложная, пустая могила) имеет форму сферы, что напоминает, с одной стороны, о земном шаре, с другой -- о яблоке, упавшем ученому на голову, благодаря чему он и открыл закон всемирного тяготения. Кенотаф Ньютона не был построен, как и прочие проекты Булле, которые были абсолютно непрактичными; в XVIII в. его бесконечные гигантские колоннады просто невозможно было возвести. Крохотные человеческие фигурки, изображенные на рисунках Булле, лишь подчеркивают грандиозность замыслов архитектора, предназначенных «для вечности».

Леду Клод Никола (1736--1806)

Застава Ла Виллет в Париже . 1785--89

В отличие от Булле Клод Никола Леду (1736--1806) осуществил многие свои проекты на практике. К «говорящей архитектуре» Леду обратился в 80-е гг. В 1785 г. архитектор приступил к строительству так называемого Пояса застав Парижа -- он задумал обнести весь город трехметровой стеной протяженностью двадцать три километра. На въездах в Париж Леду планировал расположить таможенные заставы. Стена не была построена, и до наших дней сохранились только четыре заставы (Застава Ла Виллет). Все они имеют простые геометрические формы, некоторые украшены колоннами или фронтонами, очень необычными по своим пропорциям. Для Леду заставы были лишь предлогом, чтобы возвести монументальные триумфальные сооружения на въездах в столицу. Однако многие современники отнеслись критически к этому проекту. Критики сравнивали Пояс застав Парижа с тюремными стенами и кладбищенскими оградами; говорили также, что храмовые формы не подобают «прозаическим» сооружениям.

Однако больше всего Леду прославился своим проектом идеального города будущего -- Шо. Проект был опубликован в 1804 г. в его книге «Архитектура, рассмотренная с точки зрения искусства, нравов и законодательства». Город Шо в плане представлял эллипс, в центре которого располагался Дом директора, по своим формам напоминавший храм с колонным портиком и фронтоном. Леду проектировал в городе как частные дома (например, дома для рабочих), так и общественные здания (рынок, оружейный завод, биржу). Кроме того, в Шо был целый ряд довольно странных сооружений: мост через реку Лу (где роль опор играли галеры), Дом директора источника реки Лу (цилиндр, сквозь который проходило русло реки), Дом лесоруба (пирамида, сложенная из бревен) и другие, в которых принципы «говорящей архитектуры» воплотились наиболее полно. Современники иронизировали, что если бы Леду решил построить Дом пьяницы, то, наверное, сделал бы его в форме бутылки. Город Шо отражал социальную модель будущего общества. Так, в нем не было ни тюрьмы, ни больницы, т.к., по мнению архитектора, в будущем преступления и болезни должны были исчезнуть. Вместо тюрьмы Леду хотел построить храм Мира и Дом образования, а вместо больницы -- общественные бани. Леду спроектировал также храм Добродетели и церковь, но не обычную, а предназначенную для различных семейных обрядов (рождений, свадеб, похорон). Эти обряды должны были создавать в городе веселое или грустное настроение, влияя тем самым на развитие общественной морали. Своим проектом города будущего зодчий пытался доказать, что архитектура должна воспитывать и просвещать людей. Леду не только обустраивал мир как архитектор, но и создавал его идеальную модель как философ.

5. Скульптура

Почти все скульпторы XVIII в. работали одновременно в нескольких жанрах -- историческом, мифологическом, портретном. Отношение скульпторов к господствующим стилям -- рококо и неоклассицизму -- также было весьма свободным. Один и тот же мастер с легкостью переходил от изящных статуэток в стиле рококо к монументальным неоклассицистическим композициям.

В начале XVIII столетия традиции классицизма развивал Эдм Бушардон (1698--1762). Самые известные его работы -- фонтан на улице Гренель и статуя Людовика XV на одноименной площади в Париже (ныне площадь Согласия). Однако наибольшее число произведений он создал в жанре портрета, преимущественно женского. Для этого рода произведений Бушардона характерны утонченность, изящество и аристократизм.

Бушардон Эдм. Конная статуя Людовика XV. Модель . 1748--58

Наиболее известным мастером рококо был Жан Батист Лемуан Младший (1704--1778), выполнивший скульптурные украшения для отеля Субиз в Париже (Астрономия). Грациозность поз, тонкий лиризм, необычная асимметричность композиций отличают его статуи, которые гармонично дополняют убранство залов в стиле рококо. Лемуан обладал и незаурядными педагогическими способностями: из его мастерской вышли два выдающихся скульптора середины века -- Пигаль и Фальконе.

Жан Батист Пигаль (1714--85), работая в стиле, переходном от рококо к неоклассицизму, выполнил ряд статуй и групп на мифологические и аллегорические темы («Меркурий, завязывающий сандалию»). Особенности дарования Пигаля, сочетающего гражданский пафос с тяготением к острой, порой натуралистической правдивости, наиболее ярко проявились в надгробиях и памятниках (надгробие маршала Морица Саксонского, 1753--76, церковь Сен-Тома, Страсбург), статуе Вольтера, представленного «героически обнажённым», острых по характеристике портретах («Автопортрет»).

Пигаль Жан Батист (1714--1785)

Обнаженный Вольтер . 1776

Другой ученик Лемуана, Этьен Морис Фальконе (1716--91), виртуозно владевший техникой ваяния, отличался блестящей эрудицией: прекрасно знал античную скульптуру, древние языки и литературу (а ведь он, придя в восемнадцать лет в мастерскую Лемуана, почти не умел читать и писать). Более десяти лет Фальконе руководил фарфоровой мануфактурой в Севре (близ Парижа). Его маленькие композиции в стиле рококо на античные сюжеты -- «Грозящий Амур», «Пигмалион и Галатея», «Аполлон и Дафна» и другие -- тонко передают оттенки настроения, а фарфор словно обработан ювелиром. И все же скульптор больше тяготел к монументальным и драматичным образам.

Очень выразительна его ранняя композиция «Милон Кротонский» (существует в двух вариантах: 1744 и 1754 гг.). Античный герой Милон бросил вызов богам, заявив, что сумеет руками расщепить дерево. Но рука тщеславного героя застряла в трещине ствола, и Милона, «прикованного» к дереву, растерзал лев. В сложной позе героя, в его искаженном ужасом лице есть некоторая доля театральности, однако чувствуется и подлинное эмоциональное напряжение. Вершиной творчества Фальконе стал «памятник Петру I» в Санкт-Петербурге (так называемый «Медный всадник»). Самым удивительным было то, что скульптор приступил к работе, не зная техники бронзового литья, и освоил ее в пятьдесят восемь лет.

Жан Антуан Гудон (1741--1828)

Жан Антуан Гудон прошел серьезную художественную школу: он обучался в академии и стажировался в Риме. Мастер отдал дань традиционным для классицизма античным сюжетам (наиболее известна композиция «Диана», существующая в двух вариантах: 1776 и 1780), но по-настоящему нашел себя в жанре портрета.

Гудон Жан Антуан (1741--1828)

Диана . Около 1776

Гудон создал галерею жизненно ярких портретов видных представителей эпохи Просвещения и Великой французской революции, подчеркнув в их характерах общественно-деятельное начало, их незаурядность. Гудону позировали Ж. Ж. Руссо, О. Г. Мирабо, Дени Дидро, Бенджамин Франклин, Дж. Вашингтон, Т. Джефферсон, Людовик XVI, Р. Фултон, Наполеон Бонапарт. Портретам Гудона присущи острота и многогранность психологической характеристики, непосредственная обращенность к публике, усиленная выразительным взглядом портретируемого. В портрете Кристофа Виллибальда Глюка (1775) Гудон удивительным образом передал движение души композитора -- в порыве вдохновения его изуродованное оспой лицо преображается, становится прекрасным. Более лиричные детские и женские образы («Мадам Гудон») отличаются простотой и естественностью. Особое место в творчестве Гудона занимают портреты Вольтера. Скульптор создал несколько портретов знаменитого французского мыслителя, а также две «статуи», почти одинаковые (одна из них была заказана русской императрицей Екатериной II). Вольтер сидит в кресле. Черты его лица переданы с предельной точностью. Легкий наклон тела вперед, острый взгляд, саркастическая усмешка, застывшая на тонких губах, создают впечатление живого контакта модели со зрителем.

Одеяние, которое трудно отнести к какой-либо определенной эпохе, естественно в изображении философа и заставляет задуматься об истинном масштабе его личности. Вольтер стал для мастера воплощением главных духовных ценностей своего времени. Портрет конкретного человека превратился у Гудона в некий идеальный образ мыслителя -- мудреца, вобравшего в себя и знание современной жизни, и опыт древности.

6. Живопись

В живописи характерные традиции искусства XVIII века определились в произведениях Антуана Ватто, открывшего особую сферу тончайших эмоциональных оттенков, созвучных лирике пейзажа и музыкальности композиционных ритмов и колорита. Декоративная изысканность его произведений отчасти послужила основой для рококо как стилевого направления. С развитием стиля рококо связано творчество Франсуа Буше, для произведений которого характерны тонкие изысканные формы, лирически нежный колорит и очаровательная грациозность, кокетливость, порой доходящая до жеманности. Демократические взгляды французского искусства воплотились в творчестве «живописца третьего сословия» Жана Батиста Симеона Шардена, аналитически точных портретах Мориса Кантена де Латура. Своеобразный сплав «галантной» живописи и бытового жанра отличает творчество Жана Оноре Фрагонара, ученика Ф. Буше и Ж.Б.С.Шардена. В середине XVIII века выдвинутое просветителями требование общественной активности искусства как средства воспитания нравов привело не только к коренному видоизменению классицистических идеалов, но и к появлению сентиментально-нравоучительного направления (Жан Батист Грёз). Возросший интерес к природе стимулировал развитие пейзажной живописи. Весьма характерную для неоклассицизма разновидность пейзажа -- так называемую «архитектурную фантазию» -- создал в своих произведениях Юбер Робер. Идеи неоклассицизма нашли яркое выражение в творчестве Жака Луи Давида -- наиболее последовательного представителя этого направления и чуткого летописца своего бурного времени.

7. Декоративно-прикладное искусство

В декоративно-прикладном искусстве Франции XVIII века наиболее интересно оформление интерьера.

Внутреннее убранство помещения в стиле рококо делало пространство легким и хрупким. Стены казались тонкими, прямые углы тщательно маскировались, особую популярность приобрели овальные формы. Важную роль играли ширмы и передвижные плоские стенки, зрительно изменяющие пространство. Стены оформлялись инкрустацией и маленькими живописными панно с пейзажами. В цветовой гамме обоев и обивки мебели преобладали бледные тона -- голубой, нежно-розовый, серовато-жемчужный. Именно таковы интерьеры отеля Субиз в Париже (Овальный салон) и замка в городке Шан (середина XVIII в., мастер Кристоф Гюе). Здесь представлена характерная для рококо мебель: маленькие изящные кресла, столики и кушетки с изогнутыми ножками, золоченые бра и подсвечники с тонкими причудливыми очертаниями.

Поднос для чашек . Около 1763

Фарфор.

Малый Трианон, Версаль

искусство франция архитектура живопись

Большой популярностью в этот период пользовались декоративные композиции, выполненные в стиле шинуазри (франц. chinoiserie -- «китайщина»). Мода на китайские ширмы, фарфор и лаковую живопись получила отражение в гобеленах с изображениями цветов, птиц, пагод, мужчин и женщин в китайских одеждах. Они органично дополняли экзотическую картину, создаваемую в интерьерах рококо подлинными китайскими изделиями. В середине 60-х гг. XVIII в., с развитием неоклассицизма, убранство помещений стало простым и изысканно строгим. Яркий пример нового стиля -- интерьеры покоев Людовика XV в Версале, выполненные Жаком Анжем Габриелем в 1735--74 гг. Предметов мебели здесь немного, но все они устойчивы и просты. На смену изогнутым формам рококо пришли строгие прямые линии. Вместо прихотливых по форме часов и подсвечников, сложной по рисунку лепнины появились беломраморные медальоны с античными профилями, строгие пилястры и полуколонны.

Изменились и представления о пространстве. В эпоху рококо даже большое по площади помещение должно было производить впечатление будуара. Декораторы неоклассицизма стремились к обратному эффекту -- они создавали иллюзию большого, масштабного пространства независимо от реальных размеров комнат и залов.

Кубок . Около 1795

Фарфор.

Музей истории Парижа

С конца XVII столетия во Франции изготовлялись фарфоровые изделия. Расцвет этого ремесла пришелся на середину XVIII в. и прежде всего был связан с королевской мануфактурой в городе Севре (Поднос для чашек; Кубок). В 1757--67 гг. мануфактуру возглавлял Этьен Морис Фальконе. Он наладил производство изделий из бисквита -- особо приготовленного фарфора с матовой поверхностью, который в отличие от обычного не имел блестящего стекловидного покрытия -- глазури.

Небольшие статуэтки из бисквита кроме Фальконе создавали Жан Батист Пигаль и другие известные скульпторы. Нередко в их сюжетах воспроизводились композиции Франсуа Буше. Матовая поверхность придавала статуэтке особую изысканность и лирическую теплоту, а миниатюрные размеры -- удивительную грациозность и легкость.

С началом нового, XVIII столетия совершенно очевидно обозначился процесс разложения французской абсолютной монархии. Смерть в 1715 г. «короля-солнца», последнее десятилетие лишь формально сохранявшего могущество, была просто завершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготавливали приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве.

Начало регентства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика XV, было ознаменовано сменой строгого придворного этикета совершенно противоположной атмосферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений, роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору, и жизненного распорядка не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, торопливом желании успеть насладиться была и доля бравады, тревоги, предчувствие краткости мгновения, неизбежности расплаты за бездумье, надвигающихся грозных бедствий.

Многое меняется и в искусстве. Король перестает быть единственным заказчиком произведений искусства, а двор -- единственным коллекционером. Появляются частные коллекции, салоны. На долгие десятилетия Франция превращается в центр художественной жизни Западной Европы, в законодательницу всех художественных нововведений, она становится во главе всей духовной жизни Европы.

Литература:

1. Бунин А. В., Саваренская Т. Ф. История градостроительного искусства в двух томах. - М.: Стройиздат, 1979.

2. Всеобщая история архитектуры в 12 томах, т.т. 6, 7. - М.: Стройизат, 1968,1972.

3. Иконников А. В. Тысяча лет русской архитектуры. - М.: Искусство, 1990

4. Вельфлин Г. Основные понятия истории искусств. М., Л., 1930. СПб., 1994.

5. Калитина Н. Н. Французское изобразительное искусство конца XVIII--XX века. Л., 1990.

6. Кожина Е. Ф. Искусство Франции XVIII века. Л., 1971.

Размещено на Allbest.ru