Постмодернизм

Размещено на http://www.allbest.ru/

постмодернизм архитектура искусство

ПОСТМОДЕРНИЗМ

ПОСТМОДЕРНИЗМ (англ.) - направление в АРХИТЕКТУРЕ и иск-ве развитых капиталистических стран второй пол. 70-х-нач. 80-х гг. XX в. Единого определения постмодернизма в нашей и зарубежной науке нет. Наиболее приемлемо определение постмодернизма, как направления, противопоставившего себя модернизму и претендующего на его замену, что отличает П. от существующего одновременно с ним неоавангардизма или позднего модернизма, последовательно развивающего модернистские концепции; термин впервые использовал в 1975 г. Ч. Дженкс, подразумевая противопоставление модернизму «новой» архитектуры.

Постмодернизм - это международный стиль в архитектуре. Первые проекты появились в 1950 году. Постмодернизм продолжает оказывать свое влияние на архитектуру и сегодня. Постмодернизм в архитектуре рассматривают как возврат к «остроумию, орнаменту и знаку». Это - ответ на формализм международного стиля. Наиболее часто провозглашаемые идеи движения постмодернизма можно проследить и в архитектуре. Функциональные и формообразующие пространства модернизма заменены эстетическим разнообразием: стили сталкиваются, форма ради формы, и новые взгляды на привычные стили и пространства вокруг.

Классическими примерами модернистской архитектуры являются: Ливер Хаус Гордона Буншафта или Сигрем билдинг Мис ван де Ройе, а также, здания Лё Корбюзье или проекты представителей движения Баухаус. Переходные примеры архитектуры постмодерна - Портленд Билдинг Майкла Грейвса в Портленде (штат Орегон) и Сони билдинг Филиппа Джонсона (первоначально AT&T билдинг) в Нью Йорке, которое позаимствовало элементы и знаки из прошлого, и снова добавило цвета и символизма в архитектуру. Вдохновением для постмодернистской архитектуры стал Лас Вегас Стрип. Роберт Вентури и Дениз Скотт Браун изучили архитектуру этого района, и в своей книге «Уроки, извлеченные в Лас Вегасе», опубликовали результаты своих исследований, где они отметили обычность и всеобщность архитектуры.

Постмодернистскую архитектуру также называют нео-эклектикой, где орнамент вернулся на фасады, заменив агрессивный без украшений модернизм. Эта эклектика часто комбинируется с использованием непрямых углов и необычных поверхностей; наиболее известные здания, построенные в этом стиле - государственная галерея Штутгарта (Новое здание государственной галереи) и Пьяцца Д'Италия Чарльза Виларда Мура, а также - Шотландский парламент в Эдинбурге.

Модернистские архитекторы считали постмодернистские здания вульгарными и беспорядочно украшенными безделушками. Постмодернистские архитекторы называли модернистские строения бездушными и безвкусными. Цель модернизма в минимальном и натуральном использовании материала, отсутствии орнамента, в то время как у постмодернизма - это отказ от строгих правил, установленных первыми модернистами, изобилие в использовании технологий строительства, углов и стилистических знаков.

В последней четверти 20 века появились новые направления, т.к. архитекторы стали уходить от функционализма, который был довольно скучным, некоторые его считали даже неприятным. Эти архитекторы обращались к прошлому, используя старые приёмы дизайна зданий, сочетали их вместе (даже иногда довольно негармонично) для того, чтобы создать новые приёмы для проектирования зданий. Постмодернизм не просто возвращал колонны и другие элементы пре-модернистского дизайна, как было сделано в неоклассической архитектуре, а адаптируя классические греческие и романские элементы. В модернизме колонна, как элемент дизайна, была заменена консолью, или полностью замаскирована навесными светопрозрачными фасадными конструкциями. Возрождение колонны состоялось больше из эстетических соображений, чем вызвано технологической необходимостью. Модернистские многоэтажные здания стали по большей части монолитными с набором различных элементов дизайна от фундамента до крыши, а в большинстве случаев - это была отдельно стоящая металлическая штамповка, вырастающая прямо из земли, без визуальных горизонтальных элементов. Например - дизайн зданий Всемирного торгового центра Минору Йамасаки.

Древний символ, украшающий здание небоскреба Тайбей 101 (Тайвань). Возврат к «остроумию, орнаменту и знаку» мы видим в старых зданиях с терракотовыми декоративными фасадами, бронзовыми или стальными декоративными элементами периода боз-ар и ар деко. В постмодернистских конструкциях - противоречивое сочетание элементов различных стилей в большом количестве.

Контекстуализм - направление в философии конца 20 века, оказавшее большое влияние на идеологию постмодернизма в целом. Контекстуализм утверждает, что любое знание восприимчиво к контексту. Эту мысль развивали дальше - знание не может быть осознано без учёта контекста. Эти принципы и повлияли на постмодернистскую архитектуру.

Здание мэрии в Миссиссауга, Канада. Построено в постмодернистском стиле, раскрывает концепцию «футуристической фермы».

Постмодернистское движение началось в Америке в период 1960-1970х и затем распространилось по Европе и по всему остальному миру. Постмодернизм или, как его ещё называют «поздний модернизм» появился как реакция на модернизм. Иногда постмодернизм пытается цитировать старые архитектурные стили, часто много и сразу. В отличие от модернизма постмодернизм создаёт здания, учитывая контекст в окружении которого они строятся.

Постмодернизм появился в результате неудач модернистской архитектуры. Её увлечение функционализмом и экономичными зданиями повлекло за собой отказ от элементов украшения, и, следовательно, здания были абсолютно голыми. Постмодернисты понимали, что здания не отвечают нуждам людей в комфорте как реально, так и визуально. Модернизм не принимал во внимание стремление людей к красоте. Проблема назрела, когда несколько однообразных жилых районов просто превратились в трущобы. И постмодернизм искал средство, чтобы вылечиться от этого, используя орнамент и украшения. Форму уже определяют не только её функциональные требования, но и пожелания архитектора.

Роберт Вентури находился у истоков этого движения. Его книга «Сложности и противоречия в архитектуре» (опубликованная в 1966) была пособием для постмодернистского движения в архитектуре, в ней была серьёзная критика доминирующего на тот момент функционального модернизма. Известный афоризм Мис ван де Ройе «Лучше меньше да лучше» Вентури переиначил: «Если меньше, то тоскливее». Вместе с постмодернистами он искал возможность вернуть декор в дизайн здания. Он объяснял это и свою критику модернизма в своей работе «Сложности и противоречия»: Архитекторы могут оплакивать или пытаться игнорировать их (имеются в виду элементы украшения на здании) или даже пытаться упразднить их, но они не исчезнут. Они не уйдут надолго, потому что архитекторам нечем заменить их.

Роберт Вентури был в авангарде сопротивления модернистской архитектуре. Две его книги «Сложности и противоречия в архитектуре» (1966) и «Уроки Лас Вегаса» (1972) прекрасно продемонстрировали цели постмодернизма. Над последней книгой он работал в соавторстве со своей женой Дениз Скотт Браун и Стивеном Айзенуром.

Автор книги «Уроки Лас Вегаса» утверждает, что элементы украшения «приспосабливались к существующим требованиям разнообразия и общения», Вентури отмечает важность того, чтобы здание отвечало требованиям людей (в том, числе и нефункциональные элементы здания). Плюрализм в архитектуре должен отражать подобную природу современного общества. Плюрализм эхом отзывается в творчестве постмодернистских архитекторов, которые стремятся к разнообразию в своих проектах. Вентури предается воспоминаниям в своём эссе «Вид с Кампидолио»: Когда я был молодым, выдающихся архитекторов выделяли логичность и оригинальность их работ… сегодня это не так. Там, где модернисты сильны в логичности, мы сильны - в разнообразии.

Постмодернизм с его разнообразием чувствителен к контексту здания и истории, а также, к требованиям клиента. Постмодернисты-архитекторы учитывают общие требования к городским зданиям и их окружению в работе над проектом. Например, дом на пляже в Венеции Френка Гери, окружающие дома имеют такой же яркий цвет. Такая чувствительность четко прослеживается в зданиях постмодернизма.

Цели и характеристики. Цели постмодернизма, включая решение проблем модернизма, связь значения с двусмысленностью и восприимчивостью к контексту здания, удивительно унифицированы для группы зданий, спроектированных архитекторами, которые никогда не сотрудничали друг с другом. Целью, однако, является - создание места для различных воплощений, как было проиллюстрировано многочисленными зданиями, построенных в этом стиле.

Характеристики постмодернизма выражаются по-разному. Они включают использование скульптурных форм, орнаментов, антропоморфизма и материалов, которые создают обман зрения. Эти физические характеристики сочетаются с концептуальными характеристиками значения. Эти характеристики значения включают: плюрализм, двойное кодирование, воздушные подпорки и высокие потолки, ирония и парадокс, контекстуализм.

Музей Абтайберг. Скульптурные формы, не обязательно органичные, создавались с большой страстью. Это можно увидеть на примере музея Абтайберга, архитектора Ханса Холляйна (1972-1982). Это комплекс зданий, совершенно разных. Форма каждого здания не имеет ничего общего с жесткими формами модернизма. Эти формы скульптурны, иногда даже игривы. Эти формы не сокращены до минимума, они построены и созданы ради самой формы. Элементы здания очень органично сочетаются друг с другом, что только усиливает эффект.

Универсальный магазин Робинсона, Фешн айленд (Вильям Перейра, 1967), пример испанского постмодернизма.

После многих лет забвения декор вновь вернулся в дизайн зданий. Дом Френка Гери в Венеции (1986) украшен большим количеством различных элементов, которые в модернизме считались бы излишними и ненужными. Бревна, в основном, используются для декора. Бревна наверху не для того, чтобы поддерживать окно. Однако тот факт, что они могли бы быть заменены практически невидимыми глазу гвоздями, делает их наличие ещё более декоративным.

Декор здания общественной приёмной в Портленде (1980) Майкла Грейвса ещё более рельефен. Две выступающие треугольные формы очень красивы, они существуют для эстетики.

Постмодернизм с его трепетным отношением к контексту здания учитывает требования человека к зданию. Как пример - кладбище Брион-Вега (1970-72) Карло Скарпа. Требования к такому зданию - это торжественная и серьезная атмосфера, но не угнетающая ни в коем случае. Проект Скарпа добивается торжественности посредством серого цвета стен, четко очерченных форм, а ярко зеленая трава не дает окружающей атмосфере выглядеть мрачно.

В дизайне постмодернистских зданий иногда используются приёмы trompe d'oeil, создающие иллюзию формы или глубины, не существующей в реальности, как это делали художники ещё в период Ренессанса. У здания общественной приёмной в Портленде есть колонны с боковой части здания, которых на самом деле не существует.

Художественный музей Худ (1981-1983) имеет симметричный фасад типичный для всех зданий постмодернизма.

Дом Ванны Вентури (матери архитектора) (1962-64) архитектора Роберта Вентури демонстрирует один из принципов постмодернизма: сочетание значения и характеристики символизма. Фасад, по мнению Вентури, это символическая картина дома. Это частично достигается посредством использования симметрии и арки над входом.

Возможно один из лучших примеров иронии в зданиях постмодернизма (1978, фото: Walt Lockley («GNU Free Documentation License»)

Мур повторяет элементы итальянского ренессанса и античности. Однако делает это очень интересно. Ирония состоит в том, что колонны покрыты стальными листами. Это также парадоксально ещё и потому, что он цитирует итальянскую античность в Новом Орлеане, очень далеко от Италии.

Двойное кодирование означает, что здания скрывают в своем дизайне несколько значений одновременно. Сони билдинг в Нью Йорке, например. В дизайне небоскреба использованы современные технологии. А вершина противоречит дизайну остальной части здания. Верхняя часть Сони билдинг скрывает элементы классической античности. Это двойное кодирование - отличительная черта постмодернизма.

Выдающиеся архитекторы постмодернизма

- Ricardo Bofill Рикардо Бофил

- John Burgee Джон Берджи

- Terry Farrell Терри Фаррел

- Michael Graves Майкл Грейвс

- Helmut Jahn Хельмут Ян

- Jon Jerde Джон Джерд

- Philip Johnson Филипп Джонсон

- Ricardo Legorreta Рикардо Легоретта

- Charles Willard Moore Чарльз Виллард Мур

- William Pereira Вильям Перейра

- Cesar Pelli Чезар Пелли

- Antoine Predock Антуан Предо

- Robert A.M. Stern Роберт Штерн

- James Stirling Джеймс Стерлинг

- Robert Venturi Роберт Вентури

- Peter Eisenman Петер Айзенман

В интервью Майкл Грейвс признался, что проектирует абстрактно, вне контекста, как художник...

Здания американского архитектора Майкла Грейвса стоят особняком в сравнении со всем, что проектируется и строится сегодня. Впрочем, сегодняшняя архитектура - быстротечна и больше не ориентируется на вечность. Многие из возведенных на наших глазах зданий исчезнут уже через 20 или 50 лет. Что же тогда, кроме картинок в интернете, будет напоминать о динамичной и экспрессивной архитектуре начала 21-го века? Здания же Грейвса будут стоять. Они удобны, практичны, фигуративны и стоят прочно, не качаются, не взлетают и не дематериализуются в иллюзорные фантасмагории. Им трудно отказать в монументальности, неповторимом своеобразии и способности выражать видение одного зодчего.

По эскизам Грейвса построены более 300 зданий в очень многих странах мира и созданы более полутора тысяч образцов товаров для таких фирм как Target и Alessi: настенные и наручные часы, тостеры, миксеры, телефоны, шахматы, метлы, салатницы... Одних только чайников-свистков распродано уже более двух миллионов, так что не будет преувеличением предположить, что причудливая эстетика Грейвса вошла почти в каждый американский дом.

Среди самых известных проектов архитектора - Административное здание в Портланде, окрещенное маяком постмодернизма; Humana Building в Луисвилле - проект, вернувший в архитектуру экстравагантные формы и краски; диснеевские отели «Лебедь» и «Дельфин» в Орландо с подыгрывающими детскому воображению гигантскими лебедями и дельфинами на крышах; леса в виде обелиска, окружающие в течение трехлетней реставрации вашингтонский Монумент и Центральная библиотека в Денвере - странное нагромождение форм, которые, казалось бы, мог составить из разных конструкторов только ребенок.

Проекты Грейвса отмечены сотнями наград. В 1999 году президент Бил Клинтон вручил Грейвсу Национальную медаль искусств, а в 2001 году Американский институт архитекторов наградил его своей самой престижной наградой - Золотой медалью.

Во время моего недавнего визита в Принстон я посетил мастерскую и резиденцию Грейвса. Его офисы занимают три коттеджа в престижном жилом районе на территории Принстонского университета. В творческий процесс здесь вовлечены около сотни архитекторов и дизайнеров. Рядом - магазинчик с последними дизайнерскими новинками, а в пяти минутах ходьбы отсюда, на окраине небольшого парка, в тени вековых деревьев расположена резиденция мэтра, напоминающая уединенную виллу в Тоскане, - с благоухающими садами и аллеей со стройными кипарисами. А по обе стороны аллеи чинно стоит пара односемейных домов, которые Грейвс сдает внаем.

Анфилада внутренних комнат просторного дома хозяина навевает ощущения давно ушедшей эпохи. У входа - наполненный прохладной водой саркофаг. Прихожую венчает купол с круглым отверстием, как в Пантеоне. По углам задумчиво молчат бронзовые Сократ, Платон, Аристотель и Пифагор. На стенах гостиной - герои древних легенд и мифов, а на поверхностях многочисленных столов, буфетов и секретеров в стиле «бидермейер» на обозрение выставлены уникальные коллекции старинных табакерок, глиняных сосудов, чернильниц из чугуна, луп с ручками из слоновой кости и прочих предметов, привезенных Грейвсом из западной Европы, Греции и Египта. Особое уважение вызывает двухэтажная библиотека со старинными книгами и атласами, а на одной из полок собраны фотографии Грейвса: в Белом доме c президентами - от Рейгана до Буша младшего, с известными игроками в любимый гольф и, конечно же, в окружении детей и внуков.

Любовь к истории напрямую повлияла на архитектурные пристрастия Грейвса. В его необычных зданиях прослеживаются отголоски египетских пирамид, греческих храмов, римских терм и сводов грандиозных христианских соборов. Критики ассоциируют имя Грейвса с постмодернизмом - движением, интерпретирующим исторические архитектурные стили, особенно популярным в 80-е годы прошлого века.

Согласно высказыванию известного критика и историка Чарльза Дженкса, «постмодернизм определяется двойной кодировкой: комбинированием современных технологий и чего-то еще (обычно традиционных зданий) для достижения диалога архитектуры с массами и озабоченным меньшинством, т.е. архитекторами...»

Другими словами, постмодернизм - это сочетание новых методов строительства и материалов с привычными историческими одеждами и узорами. Излюбленные приемы постмодернистов: парадоксальность, ирония, аллегория и пародия. Проекты Грейвса нельзя спутать ни с какими другими. Его интерпретации исторических стилей выделяются присущими только ему формами, одновременно знакомыми и новыми, окрашенными в характерные насыщенные цвета и оттенки.

Архитектура Грейвса экспериментальна и неистощима в своем многообразии. Она гуманистическая, а не механическая, с акцентом на метафору человека, а не машины. Грейвс - архитектор-мечтатель в традиционном понимании. Он пришелец из другого времени, не из прошлого, а... параллельного, более уравновешенного и идеалистического.

В своих пейзажах архитектор исследует архаичные формы, навеянные его воспоминаниями о посещении старинных городов и весей Италии. Его композиции напоминают сюрреалистические пейзажи Де Кирико, коллажи кубистов, поэтичные формы Ле Корбюзье и фантазии Ледью. Грейвс признается, что создает их фронтально и часто абстрактно, вне контекста, как художник.

Первый вопрос, который я задал мэтру - не архитектурный, но насущный для Грейвса. Я поинтересовался о состоянии его здоровья. Он был парализован ниже пояса в феврале 2003 года в результате странной инфекции, которую до сих пор не удалось определить.

Майкл Грейвс: - Почти год я провел в госпитале и в реабилитационном центре. Теперь я вновь в Принстоне и счастлив, что могу работать в своем офисе почти ежедневно. Я даже начал немного путешествовать, но пока только в пределах США. С начала болезни мои партнеры и весь дизайнерский коллектив постоянно информируют меня о состоянии нашей практики. Мои шесть партнеров работают со мной в среднем по 20 и больше лет. Поэтому в нашей работе не произошло особых перемен. Наш офис разбит на отдельные студии и очень хорошо организован.

Как вы открыли для себя архитектуру и дизайн?

М.Г.: - Я с детства хорошо рисовал, и моя мать всячески способствовала, чтобы я приобрел профессию, где мне бы пригодилось рисование. Я начинал свое образование в Университете Цинциннати, затем окончил Гарвард и потом еще два года занимался в Американской академии в Риме. Оглядываясь назад, я могу сказать, что мой интерес к дизайну в любом масштабе формировался опытом, полученным во всех этих местах, но в особенности на меня повлиял Рим.

Кто повлиял на вас больше других, как на архитектора?

М.Г.: - Я не могу назвать одно конкретное имя. Я мог бы перечислить несколько архитекторов и дизайнеров, но всех - по разным причинам. Моими героями были Чарльз Имс, Ле Корбюзье, Мис Ван дер Роэ, Эро Сааринен и Джордж Нельсон. Сам факт, что все эти архитекторы работали над дизайном мебели и другими домашними предметами, убедил меня, что архитекторы способны работать в разных областях дизайна. Я также очень почитаю таких великих архитекторов, как Джозеф Хоффманн, сэр Джон Соан, Карл Фридрих Шинкель, Джозеф Плечник, Эрик Гуннар Асплунд и еще многих других. Я изучаю работы разных архитекторов постоянно и мне всегда очень приятно открывать новые проекты, о которых я раньше не знал.

Насколько важен для вас Ле Корбюзье?

М.Г.: - Гарвард был очень подвержен влиянию Корбюзье. Когда я занимался там в конце 50-х годов, мы все прекрасно знали его проекты. Мне кажется сегодня очень важным, чтобы архитекторы читали классический труд Корбюзье - «К новой архитектуре», потому что в нем заложены ростки модернизма в его понимании. Что бы кто не думал о формальных характеристиках модернизма, я считаю, что самое интересное в работах Корбюзье это их способность поведать какую нибудь историю. Он всегда находил связь архитектуры с чем-то еще, представляя свои проекты в более широком контексте. Это то, что я пытаюсь привнести в мою собственную практику.

Критики называют вашу архитектуру постмодернистской или классицизмом в свободном стиле. Таким образом вы выражаете ваш протест против модернизма?

М.Г.: - Я бы сказал, что моя архитектура развивалась частично, как реакция на различные аспекты модернизма. Мне кажется, что метафоры машины, провозглашенные лидерами модернизма, а также геометрические абстракции и их формальные композиции слишком чуждые, дезинформирующие и запутывающие. Классический же подход базируется на метафорах человека, пейзажа и фигуральных традициях. Это совсем не означает, что моя архитектура историческая или классическая стилистически, что проповедует движение постмодернизма. Поэтому я не

причисляю себя к постмодернистам. Модернисты пытались полностью избавиться от традиций, а постмодернисты пытались обратиться к формальным мотивам, узнаваемым в исторической архитектуре. Вместо этого, я думаю, что современная композиция - это часть исторического продолжения, уходящего в глубь веков. Поэтому я обращаюсь и к модернизму, и к традиционной стилистике в архитектуре, как части богатого опыта, который мы используем в планировании наших зданий.

Вы пришли к своей стилистике самостоятельно или на вас оказали влияние современные архитекторы?

М.Г.: - В большей степени на меня повлияло мое исследование архитектуры прошлого. Среди современных архитекторов на меня серьезно повлиял Альдо Росси. До его безвременной кончины наши карьеры развивались параллельно. Например, мы оба сделали множество дизайнов для Alessi и у нас был похожий подход в построении архитектурных композиций.

Что подтолкнуло вас к необходимости заняться возрождением исторических форм после многих лет тесного сотрудничества с группой модернистских архитекторов New York Five, в составе которой вы получили всемирную известность?

М.Г.: - Меня поразило замечание одного из критиков о том, что моя архитектура слишком абстрактна и что мои композиции требовали слишком детального и длительного разъяснения. Это мне напомнило одно известное высказывание поэта Уоллеса Стивенса, который заметил, что любая композиция должна быть достаточно фигуративной, чтобы самостоятельно указывать на значение, и достаточно абстрактной, чтобы притягивать к себе внимание. Конечно, замечание Стивенса имело отношение к поэзии, но мне показалось, что оно может быть применимо и к архитектуре. Мои проекты, опубликованные в книге «Пять архитекторов», были очень абстрактны и мне захотелось сделать их более знакомыми. Я принялся изучать архитектурную стилистику и то, как люди ассоциируют знакомые им формы. Я не думаю, что то, чем я занимаюсь можно назвать возрождением исторических форм, что я понимаю, как следование определенному стилю. Тем не менее, мне было интересно исследовать традиционную архитектурную стилистику, сопряженную с уроками современной композиции.

В настоящее время многие современные архитекторы экспериментируют с очень сложными динамичными формами и новыми материалами. Вы же продолжаете возрождать архитектуру давно ушедших времен, пользуясь полным репертуаром молдингов, замковых камней, капителей, карнизов и правилами симметрии. Почему?

М.Г.: - Я вовсе не возрождаю никакую архитектуру и никогда не следую какому-то конкретному стилю. С другой стороны, я не стремлюсь создавать что-то новое лишь ради самой новизны. Все новое, когда-нибудь устаревает. Мне кажется, что модернизм и его эволюция способствует продолжению архитектурной культуры в такой же степени, как и исторические стили. Я не исключаю одного за счет другого.

Какое задание вы любите давать вашим студентам?

М.Г.: - Я преподавал в Принстоне сорок лет и всегда получал огромное наслаждение от преподавания. Я часто начинал семестр с небольшой задачки - спроектировать пристройку к вилле Эрика Гуннара Асплунда. Такая задача подталкивает на исследование контекста, характера и взаимодействия между зданием и ландшафтом.

В настоящее время официальная Москва пропагандирует так называемую постмодернистскую архитектуру. Что бы вы посоветовали молодым русским архитекторам?

М.Г.: - Советую всем молодым архитекторам внимательно изучать архитектуру - из первых рук или по книгам, на столько широко, на сколько это возможно. Нужно стремиться находить свой собственный архитектурный язык, а не просто следовать какому-нибудь стилю.

Над чем вы сейчас работаете?

М.Г.: - Недавно мы завершили реставрацию исторического здания в Шанхае. Оно включает в себя деликатесные рестораны, арт-галереи, бутики и джазовый клуб. Нам удалось создать динамичные и современные интерьеры внутри одного из самых известных исторических зданий, фасад которого был скрупулезно отреставрирован. Мы мало что знали о том, как выглядели эти интерьеры в оригинале, так как они слишком часто перестраивались. Но мне кажется, у нас получился великолепный результат. Также наш офис продолжает работать над музеями в Миннеаполисе и Детройте, зданиями для судов в Вашингтоне и Нэшвилле, федеральным банком в Хьюстоне, посольством США в Сеуле и туристическим комплексом в Египте. Во всех этих проектах мы стремимся найти удачное выражение конкретного типа здания и его контекста.

Каким бы вы хотели запомниться людям?

М.Г.: - Как человек, которому удалось что-то изменить в том, как люди относятся к значению дизайна в быту. Как учитель нескольких поколений архитекторов, многие из которых стали важными теоретиками и практиками.

К эстетике Грейвса можно относиться по-разному. Однако главная его заслуга в поиске своего собственного голоса в зодчестве. Не оглядываясь на веяния модных течений в архитектуре, семидесятилетний Грейвс прокладывает свою собственную тропу во времени - параллельно нашему, из прошлого в будущее

Филипп Старк (Philippe Starck) наиболее известен эротическими формами своих творений и причудливыми, часто лицемерными общественными заявлениями. Его проекты безошибочны - бесформенный минимализм и дерзкие изгибы.

Старк любит повторять, что вещи в современном мире утрачивают свои функциональные свойства и становятся лишь средством для создания уникального дизайна, радующего глаз. Он ратует за доступность оригинальных дизайнерских решений, поэтому эксклюзивные предметы интерьера от Филиппа Старка часто запускаются в массовое производство и поступают в продажу по вполне доступной «простым смертным» цене. Главный реверанс мастера в сторону доступности - использование практичного и дешёвого пластика в создании мебели. Сумев создать из этого лёгкого материала интересные и оригинальные вещи, Старк сказал по истине новое слово в дизайне. Прозрачные пластиковые стулья и столы - неотъемлемая деталь убранства многочисленных кафе и частных интерьеров.

Мир знает только одного Филиппа Старка. Будучи одним из наиболее знаменитых и престижных дизайнеров, этот плодовитый француз известен своим инновационным подходом к дизайну и способностью преобразовывать объекты из ежедневного обихода в воплощение стиля. Индивидуальность Старка, признанного супермена в мире дизайна, - довольно необычная комбинация скандального «плохого мальчика» и традиционного французского «je ne sais quoi».

Сын проектировщика самолётов, Андре Старка, Филипп Патрик Старк родился в Париже 18-го января 1949 года. Его интерес к дизайну был очевиден даже в раннем возрасте, когда он, вдохновлённый работой отца, создавал визуально интересные художественные оформления. Старк провёл детство рядом с чертёжными досками, часами распиливая, разрезая, склеивая и разбирая любые предметы, которые попадались ему под руку.

В 1968 году он создаёт свою первую компанию, производящую надувные объекты.

В 1970-е Старк занимался проектированием интерьеров парижских ночных клубов, в числе которых был знаменитый Bleue La (1976 год), и три года спустя основал Starck Product company. Будучи иконой современного стиля и воображения, Старк произвёл на свет тысячи исключительных проектов - от зубных щёток до солнцезащитных очков, и от туалетных принадлежностей до мебели.

Французский дизайн привлёк международное внимание в 1980-х, когда старковская смесь элегантности и минимализма нашла применение в восстановлении частных квартир во Дворце Elysйe для французского Президента Франсуа Миттерана в 1982 году и в интерьере Cafй Costes в 1984-м.

Стул из дерева и металла, спроектированный для кафе, пользовался таким огромным успехом, что количество изготовленных копий к 1990 году превысило четыреста тысяч. В 1985 он спроектировал Cafй Manin в Токио, а три года спустя Старк разработал концепцию для гостиницы Royalton в Нью-Йорке.

Необычайно интересно наблюдать, как скромные начала Старка постепенно получали международное признание. Он упорно смешивает традиции и культуры главных городов по всему земному шару, превращая объекты своей работы в места красоты, удовольствий и незабываемых встреч.

Хотя Старк не является квалифицированным архитектором, он много работал над гостиницами, павильонами и домами в Европе, Азии и Штатах и снискал славу как, индустриальный дизайнер, изобретатель, знаменитость и философ. Старк полагает, что все продукты, которые он создаёт, должны быть не быстро устаревающими одноразовыми «фишками», а простыми, практичными и прочными объектами с великолепным дизайном.

Среди самых известных его творений - бутылки минеральной воды Glacier, кухонные принадлежности Alessi, багажные сумки для компаний Louis Vuitton и Samsonite, а также компьютерные мыши для компании Microsoft. Именно этой выдающейся способности приспосабливать свои навыки под разнообразные потребности широкого диапазона клиентов Старк обязан многочисленными призами и наградами во Франции, Италии и США, такими как титул Проектировщика Года, Гран-при за Промышленный Дизайн и Оскар за Лучший Проект.

Старк вкладывает душу в свою работу, и поэтому его творения находят отклик в сердцах поклонников. Большинство предметов, которые он проектировал, есть в собраниях ведущих музеев мира, таких как Бруклинский Музей в Нью-Йорке, Le Musйe des Arts Dйcoratifs в Париже, Музей Дизайна в Лондоне и других выдающихся выставочных залах в Мюнхене, Киото, Чикаго и Барселоне.

Среди наиболее примечательных работ Старка - коллекция мужских и женских часов FOSSIL.

В своём умении выявлять целевую аудиторию и понимать потребности потенциальных клиентов он превосходит самые смелые наши ожидания, мечты и потребности, поскольку создаёт вещи, столь же привлекательные, сколь и примечательные.

Теперь в расцвете своей жизни и в разгаре карьеры Старк продолжает удивлять нас новыми идеями и изобретениями.

В отличие от большинства современных дизайнеров, Старк не стремится создавать провокационные и дорогие объекты. Вместо этого он придумывает практичные бытовые предметы, которые сам же помогает запускать в массовое производство. Его творения часто стилизованы, просты и органичны. Он использует необычные комбинации материалов (стекло и камень, пластмасса и алюминий, плюшевая ткань и хромированный металл и т.д.) Классика от Старка - это стильные зубные щётки 1989 года и культовая соковыжималка Juicy Salif 1990 года.

Часто повторяющийся мотив в дизайнерском словаре Старка - обтекаемая, удлинённая форма рога, нашедшая воплощение, например, в знаменитой модели «W.W.» stool, разработанный в 1990 как часть обстановки офиса для режиссёра Вима Вендерса, был запущен в производство компанией Vitra в 1992. Техника литья в песчаную форму позволяет передать текучесть материала.

«W.W.» stool больше походит на скульптуру, чем на табурет. Технически это барный табурет, у которого подставка для ног выглядит как «шип». Он выполнен из литого алюминия и отделан бледно-зелёной эмалью.

Старк умеет смотреть на привычные предметы под новым углом. Почему бы не сделать хрусталь чёрным? И кто сказал, что у плюшевого медвежонка должна быть одна голова? А враждебные и вредоносные автоматы могут нести свет, если использовать их в качестве подставок для ламп. Именно такую линейку осветительных приборов создал для компании FLOS знаменитый провокатор от дизайна. Так, напольные торшеры были поставлены на знаменитые M16, настольные лампы - на автомат Калашникова AK47, а для совсем маленьких ночников был выбран пистолет Beretta («Collection guns» for FLOS, 2005).

Кстати, эти светильники нашли своё место в совсем недавно открывшемся в Москве ресторане Bon, который является авторским проектом Старка. Оплавленные свечи в золотых подсвечниках, золотые металлические табуреты с проступающими на них чертами человеческого лица, хулиганские и дерзкие надписи на стенах, обращающиеся к тёмной стороне души… похоже, у дизайнера нет никаких проблем во взаимоотношениях с потусторонним миром. Провокационный интерьер, эксклюзивные вещи и нетрадиционные решения, подкреплённые «звёздным» именем автора, должны стать залогом неминуемого успеха ресторана у столичной светской публики.

Старк не работает ради денег и никогда не занимается тем, что ему неинтересно, он творит по велению души. И созданные им вещи хранят отпечаток его яркой индивидуальности. Провокатор и шутник, едва ли умеющий говорить серьёзно, Филипп является не только гуру дизайна, но и признанным авторитетом в вопросах, связанных с разработкой и распространением функциональной красоты. По его собственным словам, не имеющий собственного стиля дизайнер, тем не менее, каждый день создаёт всё новые и новые воплощения хорошего вкуса, никогда не позволяя себе цитат из себя самого, но каждый день, стремясь превзойти собственные шедевры и удивлять своих почитателей по истине неисчерпаемой фантазией и великолепным чутьём.

Борек Чипек (Borek Sipek, 1949 г.) Известный чешский и нидерландский дизайнер. Родился в Праге. Учился в школе прикладного искусства мебельному дизайну в Праге (до 1968 г.), затем изучал архитектуру в высшей школе искусств в Гамбурге, философию - в Штудгардском университете. Продолжил свое архитектурное образование в высшей технической школе в Делфте. 1977-1979 гг. - технический ассистент в институте промышленного дизайна при Гановерском университете. Последующие 4 года читает лекции по теории дизайна в Эссенском университете. Затем переезжает в Нидерланды и организуетдизайн-бюро «Альтерэго» в Амстердаме. В 80-е гг. стал известным благодаря своему мебельному дизайну со странными формами и необычными комбинациями материалов, а также модерновыми изделиями из стекла, которые были произведены в Чехии. В своих проектах Чипек пытается достичь поэтически-экспрессивного выражения чувств и эмоций. Его гениальность в том, что при всей своей экставагантности, его изделия эргономичный прекрасно функционируют. Чипек работает в стиле «постмодерн», придерживаясь рационалистического индустриального направления.

Размещено на Allbest.ru