Истоки экспрессионизма

Размещено на http://www.allbest.ru/

Размещено на http://www.allbest.ru/

авангардистский искусство экспрессионизм мунк

Истоки экспрессионизма

Выполнила:

Ученица 11 класса «А»

средней общеобразовательной школы № 20 Лобосова Юлия Витальевна

Проверила:

Емельянова Татьяна Валентиновна

Экспрессионимзм (от лат. expressio, «выражение») -- авангардистское течение в европейском искусстве, получившее развитие в конце XIX -- начале XX века, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника. Экспрессионизм представлен во множестве художественных форм, включая живопись, литературу, театр, кинематограф, архитектуру и музыку.

Считается, что экспрессионизм зародился в Германии, и важную роль в его становлении сыграл немецкий философ Фридрих Ницше, привлекший внимание к незаслуженно забытым ранее течениям в античном искусстве.

В книге «Рождение трагедии или Эллинство и пессимизм» (1871) Ницше излагает свою теорию дуализма, постоянной борьбы между двумя типами эстетического переживания, двумя началами в древнегреческом искусстве, которые он называет аполлоническим и дионисийским.

Аполлоническое начало являет собой порядок, гармонию, спокойный артистизм и порождает пластические искусства (архитектура, скульптура, танец, поэзия), дионисийское начало -- это опьянение, забвение, хаос, рождающее непластическое искусство (прежде всего музыка). Аполлоническое начало противостоит дионисийскому как искусственное противостоит естественному, осуждая все чрезмерное, непропорциональное. Тем не менее, эти два начала неотделимы друг от друга, всегда действуют вместе. Они борются, по мнению Ницше, в художнике, и всегда оба присутствуют в любом художественном произведении.

Под влиянием идей Ницше немецкие (а вслед за ними и другие) художники и литераторы обращаются к хаосу чувств, к тому, что Ницше называет "дионисийским началом". В наиболее общем виде термин «экспрессионизм» относится к произведениям, в которых художественными способами выражены сильные эмоции, и само это выражение эмоций, общение посредством эмоций становится основной целью создания произведения.

Полагают, что сам термин «экспрессионизм» был введен чешским историком искусств Антонином Матешеком в 1910 году в противоположность термину «импрессионизм»: «Экспрессионист желает, превыше всего, выразить себя … Впечатления и умственные образы проходят через человеческую душу как через фильтр, который освобождает их от всего наносного, чтобы открыть их чистую сущность…».

Одним из ярких представителей австрийского экспрессионизма стал Омскар Кокошка (1886-1980) -- австрийский художник и писатель чешского происхождения (Приложение 1).

По отцу он принадлежал к роду известных пражских ювелиров. Он учился в венской Школе прикладного искусства (1905--1909), одновременно работал в "Венской мастерской" (объединение художников-прикладников) как график. Архитектор А. Лоос убедил молодого художника заняться живописью, ввел его в круги венских интеллектуалов. Ранние портреты Оскара Кокошки отличаются острым психологизмом. Колыхание тонких красочных слоев, нервная дрожь контуров, возбужденное мерцание бликов создают эмоционально насыщенную атмосферу, в которой маячат лица, трепещут жесты длиннопалых ладоней.

В 1910 году Кокошка жил в Берлине, сотрудничал с журналом Дер Штурм, в котором публиковались его графические произведения, а также драма «Убийца, надежда женщин».

Вернувшись в 1911 году в Вену, художник обратился к евангельской тематике (картины «Бегство в Египет», 1911--1912, «Благовещение», 1911). В этих композициях традиционная иконография трансформируется, насыщается реалиями современности и особой символикой, выражающей личное мироощущение автора. Живописная ткань утрачивает былую прозрачность, плотные красочные мазки образуют подобие кристаллической решетки или ложатся крутыми изгибами, передающими бурление неукротимых стихий («Автопортрет с Альмой Малер», 1912--1913, «Буря, или Невеста ветра», 1914).

В 1914 году Кокошка отправился добровольцем на фронт, где получил тяжелое ранение. Пережитые потрясения, разрыв с любимой женщиной Альмой Малер отразились в трагических тональностях живописи 1916--1918 («Эмигранты», 1916--1917; «Влюбленные с кошкой», 1917; «Автопортрет», 1917; «Сила музыки», 1918--1919). Смятение, эмоциональная подавленность выразились в сумрачном колорите и особом фактурном строе картин: полотна, покрытые змеящимися, петляющими, скручивающимися в жгуты мазками, создают ощущение безысходного кружения в замкнутом пространстве. В 1917 году Кокошка переселился в Дрезден, где стал профессором Академии художеств (1919--1924).

В 1924--1933 годах художник странствовал по Европе, Северной Африке и Малой Азии. В его творчестве этого периода преобладают пейзажи (Приложение 2). Панорамные ландшафты, виды городов, портов, написанные с эпической широтой и импрессионистической трепетностью, напоминают ранние психологические портреты («Венеция, лодки на таможне», 1924; «Марсель, порт», 1925; «Побережье близ Довера», 1926).

В 1933 году Кокошка вернулся в Вену, а в следующем году переехал в Прагу. В ответ на начатую нацистскими властями кампанию против "дегенеративного" искусства он создал автопортрет, в котором с вызовом объявил себя "вырожденцем" (Портрет "художника-вырожденца", 1937). В 1938 году он эмигрировал в Лондон. Здесь, включившись в политику, выступал со страстной критикой тоталитарных режимов и агрессивного милитаризма.

После войны художник вновь много путешествовал по Европе. В пейзажах этого времени мастерски переданы меняющееся освещение, игра солнечных лучей, пробивающихся сквозь облака («Пейзаж в Монтане», 1947; «Вид Зальцбурга», 1950). Он продолжал писать психологические портреты в ранее выработанной манере («Теодор Хейс», 1950). В 1950-х годах он обратился к античной тематике, создав два монументальных триптиха: «Сага о Прометее» (1950) и «Фермопилы» (1954). Преподавал в Зальцбурге, в летней Академии художеств, где вел по собственному методу "Школу видения". С 1953 года жил в Вильнёве, на Женевском озере.

В 1955, 1959 и 1964 годах его работы были представлены на кассельской выставке «Документа». В 1960-е годы выступал также как сценограф («Волшебная флейта Моцарта», 1964), работал художником-оформителем на телевидении («Росмерхольм», по драме Ибсена, 1961).

В 1981 году большие ретроспективные выставки работ Кокошки прошли в Лондоне и Нью-Йорке, в 1986 -- в нью-йоркском Музее Соломона Гуггенхайма.

Одним из ярчайших представителей экспрессионизма стал норвежский художник Эдвард Мунк (Приложение 3).

Художник родился 12 декабря 1863 года в Лётене и умер 23 января 1944 года в Экели, близ Осло. Он вырос в норвежской столице, Кристиании (ныне Осло). Его отец, Кристиан Мунк - брат известного историка П. А. Мунка - служил военным врачом, зарабатывая небольшие деньги. Он был очень религиозным человеком. Его жена, которая была моложе своего мужа на 20 лет, умерла от туберкулеза, когда Эдварду было пять лет. Сестра будущего живописца, Софи, также скончалась от этой болезни в 15 лет. Сам Мунк, был болезненным ребенком. Впоследствии, в своем творчестве Мунк снова и снова возвращался к воспоминаниям о болезнях, смерти, печали.

Эдвард Мунк не оставил после себя учеников, его искусство слишком лично, субъективно для того, чтобы могла возникнуть школа. Трудно определить стилистическую эволюцию творчества художника. Трудно отнести его искусство к какому-то определенному направлению. С одинаковой силой в его творчестве проявились черты символизма, экспрессионизма и реализма.

Думается, что не имеет смысла искать точных определений, примет того или иного стиля. Все явления жизни художник «пропускал» через себя, очень индивидуально воспринимая их. Эти явления, в образах и идеях существовавшие в его воображении, находили свое очень точное воплощение.

Создав множество картин на тему болезни, смерти и самоубийства, Мунк повторил трагическую судьбу многих своих героев. В его жизни были запои, тяжелейшие нервные срывы, увлечение наркотиками и частичная потеря памяти. Важным этапом для него стало попадание в психиатрическую больницу, где он познакомился с врачом-психиатром доктором Линде. Этот талантливый психиатр отнесся к пациенту с огромным вниманием. Находясь в клинике, Мунк мог рисовать, к тому же он увлекся фотоискусством и начал делать пейзажные снимки и автопортреты (Приложение 3). Доктор Линде с огромным интересом наблюдал, как пациент фотографирует сам себя, словно смотрит на себя со стороны. Дружба между врачом-психиатром и пациентом-художником, вошла не только в историю изобразительного искусства, но и в историю психиатрии. С этой дружбы началась история арт-терапии - исцеления искусством. Благодаря лечению в клинике Мунк собрался с силами и за несколько лет до смерти разобрал личный архив и обобщил свое литературное наследие. Несмотря на частичное излечение от душевных недугов Мунк скончался во время немецкой оккупации Норвегии, 23 января 1944 года.

Эдвард Мунк сложился как художник к концу 1880-х годов. Все то неповторимое, индивидуальное, что мы называем искусством Мунка, впервые прозвучало именно в это время -- 1880-1890-е годы. К этому времени относятся знаменитые картины Мунка: «Больная девочка», «Смерть в комнате больного», «Крик», «Танец жизни». Все они основаны на личных переживаниях. Эти сюжеты, почти ничего не меняя, Мунк пишет по многу раз, на протяжении всей жизни. Он упорно добивался какого-то очень точного ощущения в картине, придирчиво и беспощадно отклоняя несколько вариантов. Но раз найденное удачное воплощение идеального образа, существующего в нем, Мунк повторяет много раз, не боясь упреков в однообразии. Так, известно несколько вариантов «Больной девочки» с 1886 до 1930-х годов. Как и эта, большинство работ этого периода являются реакцией на впечатления детства, которые были настолько сильны, что на протяжении всей жизни Мунка были для него и источником вдохновения, и своего рода навязчивой идеей.

Стремление к внутренней свободе толкнуло молодого художника в среду богемной интеллигенции Осло. Довольно долгое время она привлекала Мунка. Он был типичным представителем богемы конца века в смысле противопоставления буржуазному образу жизни, эпатажа буржуазных условностей, буржуазной морали. Но в нем не было ничего от «артиста», никакого самолюбования. В среде богемы, где считалось необходимым привлекать к себе внимание любыми способами, Мунк стоял особняком. При этом, моделью, к которой он вновь и вновь возвращался с неизменным интересом, был он сам. Бесчисленны оставленные им автопортреты. Свою внешность он ненавидел как проявление своей физической оболочки. И хотя он очень часто писал автопортреты, он рассматривал и изучал себя с любопытством постороннего, «не узнавая». Мунк пишет себя абсолютно честно, без всякой позы, рисовки. В большей степени «автопортретны» пейзажи и портреты других лиц. То, что он рисовал, не должно было быть похоже на натуру, а должно было соответствовать сложившемуся у него в сознании образу, идее. Поэтому эти пейзажи и портреты в большей степени духовные портреты Эдварда Мунка, чем портреты его современников и пейзажи Норвегии.

Ранние работы Мунка были основаны на французском реализме. В 1885 году, получив стипендию, Мунк уезжает в Париж, где впервые знакомится с французским искусством. Это было для него открытием, до поездки во Францию он был знаком только с немецким реалистическим искусством середины XIX века и то через его норвежских последователей. Реакцией на новые впечатления стали картины «Больной ребенок», «На следующий день», «Переходный возраст» (известные во многих повторениях). В 1889 году Мунк снова уехал в Париж и на этот раз пробыл за границей около двадцати лет. Но хотя он преимущественно жил во Франции, в Германии, он никогда не терял связи с родиной. Большинство работ этого времени написаны им во время приездов в Норвегию. Именно Норвегия давала его искусству те импульсы, которыми оно питалось.

Осенью 1892 года Мунк был приглашен с выставкой в Берлин. Он сам привез картины, сам вешал их, придавая этой выставке большое значение. Выставка вызвала скандал, и ее пришлось закрыть. Но имя Мунка с этого момента стало известным в среде интеллигенции, художников, и художник остался в Германии, где прожил до 1909 года. В Германии Мунк сошелся с кружком прогрессивной интеллигенции, в основном состоявшим из таких же, как он, иностранцев.

Именно в Берлине у Мунка родилась идея «Фриза жизни». Более тридцати лет художник работал над этой «симфонией» (по собственному его выражению).

О количестве и точном составе «Фриза» исследователи творчества Мунка спорят до сих пор. Но, несомненно, в эту работу входили «Звездная ночь», «Голос», «Вампир», «Мадонна», «Крик», «Страх», «Смерть в комнате больного», «Пепел», «Ревность» и некоторые другие (Приложение 4). Эти картины в основном были написаны в 1890-е годы, в периоды летних поездок в Норвегию. Во «Фриз жизни» Мунк включил картины, написанные до того, как он задумал «Фриз». Это «Поцелуй», «Меланхолия».

Состав цикла не был постоянным. Да и название это родилось не сразу. «Название картины, это последнее, о чем я думаю, когда пишу», -- говорил Мунк. Только на выставке 1918 года впервые прозвучало это название -- «Фриз жизни». В этом цикле Мунк синтезирует, собирает все важнейшие элементы человеческого бытия, превращая их в мистерии. Любовь, Ненависть, Рождение, Смерть, Юность, Старость, борьба с силами Природы предстают в их первобытном, очищенном от наслоений, которые принесла цивилизация, смысле. Так, женщина в картинах «Фриза» -- это первая Женщина, это -- Ева. Она влечет и пугает одновременно, ее любовь заманчива и опасна, она -- средоточие зла, темного начала, воплощение греха, плоти. Низкий лоб, грива распущенных волос, сладострастно прикрытые тяжелыми веками глаза; -- такой перед нами предстает женщина в картинах «Мадонна», «Вампир», «Пепел».

Пейзаж в полотнах «Фриза жизни» -- это и конкретное место, и Вселенная, образ мира, как его представлял себе Мунк. Его море -- это всегда тот же узнаваемый нами морской пейзаж, это -- образ Моря; его лес -- это тот самый первобытный лес, впервые увиденный лес, каким его видят и запоминают дети. То есть явления жизни, природы в творчестве Эдварда Мунка освобождаются от наслоений, возвращаясь к началу начал, превращаясь в мистерии космического масштаба.

Человек обречен на поражение, на страдание в неравной борьбе с силами Природы. Образ человека -- это лишенный защитной оболочки, обнаженный нерв, отзывающийся болью на малейшее прикосновение. В картине «Крик» (Приложение 4) фигуру человека, застывшего в немом крике, с белыми от ужаса глазами, окружает со всех сторон непонятное, невидимое, враждебное «нечто». Присутствие этого ужаса чувствует только он (на втором плане художник пишет фигуры двух людей, безмятежно и мирно беседующих друг с другом). Сопоставляя, сталкивая человека и природу, почти всегда ему враждебную или чужую, Мунк раскрывает перед нами внутренний мир человека, глубоко запрятанные в подсознании инстинкты.

Традиционные методы не могли помочь художнику выразить эти ощущения, образы. И Мунк беспощадно отбрасывает эти методы, смело используя цвет, деформируя форму. Так он пишет зеленым лицо мужчины в картине «Ревность», деформирует фигуру человека в картине «Крик», которая считается первой экспрессионистической картиной в европейском искусстве. Интересно, что пейзажный фон в этой картине и в картине «Страх» 1894 года -- совершенно одинаков. Те же кораблики, застывшие в вязкой, как разлитое масло, свинцовой воде; так же плотно прижато красное низкое небо к темно-лиловой земле, не пропуская и глотка воздуха. И фактура, и цвет, и линии подчеркивают ощущение отсутствия воздушной среды. Очевидно, в памяти Мунка существовал образ того места, где он пережил что-то похожее.

«Европейский» период в творчестве Мунка окончился в 1909 году, когда он навсегда поселился в Норвегии. В уединенном месте, в маленьком городке Крагере он купил дом для своих картин и для себя. Здесь он прожил около семи лет (1909--1915), написал несколько зимних пейзажей и получил возможность заниматься росписью актового зала ("Аула") столичного университета. В Крагерё он создал художественную студию, где несколько лет работал над дизайном для Аулы. После некоторых колебаний и противоречий, проект Мунка был принят и осуществлен в 1916г. Согласно замыслу автора, роспись Аулы символизирует неисчерпаемые силы жизни. На заднем плане изображен рассвет над фьордом - такой, каким его видел Мунк у себя, в Крагерё. Палитра ярких цветов подразумевает символ безграничного животворящего света. В Ауле также находятся два больших холста: "История" и "Альма Матер". На одном из них изображен старик, сидящий под большим дубом, на фоне грубого и некрасивого пейзажа. На второй картине пейзаж наоборот, - элегантен. Здесь нарисована женщина, сидящая на берегу моря и кормящая грудью ребенка, в то время как дети постарше исследуют близлежащие окрестности. Эти картины показывают две противоположности - мужчину и женщину. Данная тема оставалась одной из главных на протяжении всей жизни Эдварда Мунка.

В 1916 году он купил дом в Экелю. Ландшафт, люди в гармонии с природой, жизнь в деревне - вот мотивы, которые теперь изображает Мунк, использую четкие и яркие краски (Приложение 5). Художник все больше удаляется от людей, прячась в своем доме, оставаясь наедине со своими картинами. Лишь немногие избранные допускаются сюда. И это как раз тогда, когда его роль как ведущего художника Норвегии, одного из самых крупных художников Европы всеми была признана. Он мог бы стать лидером художественного направления, вокруг него могли бы собраться единомышленники, но его это не интересовало. Из-под его кисти здесь выходило много картин, значительная часть которых экспонировалась на международных выставках. В поздние годы, Мунк нарисовал несколько картин с использованием моделей. Он также продолжил работу над графикой, включая литографические портреты. Перед смертью, Мунк завещал свою обширную коллекцию картин, биографических и литературных заметок столице Норвегии. Впоследствии, созданный в 1963 году Музей Мунка, вместил в себя уникальную коллекцию картин и других материалов, отображающих различные периоды творчества знаменитого норвежца. В Национальной Галерее в Осло можно также увидеть изящные полотна, преимущественно ранних лет художника. Много картин находится в Бергене.

Искусство было для него не только формой самовыражения, но единственно возможной для него формой существования; оно было тем единственным, что примиряло его с необходимостью жить. В творчестве и в самой личности Эдварда Мунка удивительно ярко воплотились черты времени, переходного, рубежного, когда в недрах старого искусства зарождалось и крепло новое искусство, искусство XX века.

Литература

1. Жан Сельц. Эдвард Мунк. Москва, издательство «Слово», 1995.

2. Большая Российская энциклопедия, 2001.

3. Р. Стенерсен. Эдвард Мунк. Москва, 1972.

4. Интернет, Википедия.

Размещено на Allbest.ru