История мировой живописи

Размещено на http://www.allbest.ru

Рассматривая мировую живопись, стиль классицизм заставляет взгляд остановиться - он не похож на прочие фантасмагорические, выдуманные, яркие и слащавые мотивы. В нем все понятно, можно даже сказать, примитивно, но удивительно приятно для созерцания.

Классические сюжеты создавались путем комбинирования и игры со светом и тенью, базисная деталь, посредством какой и формировалась картина - это линия. Наиболее ярко это проявилось в последних годах классицизма, когда появлялись и одноцветные работы, а графические сюжеты складывались фактически из одних ровных линий. Изображаемые объекты четко очерчены, даже пейзажи, кажется, обладают явными границами.

Для классицизма так же характерно обобщение, как в литературных образах, так и в живописи и в скульптуре. Так, например, знаменитый фонтан «Самсон, разрывающий пасть льву» - не что иное, как явно собирательный образ, соответствующий практически всем принципам классицизма. Самсон выступает, в качестве олицетворения славного русского воинства под командованием Петра Великого, лев символизирует шведов. Таким образом, мы видим целую историю, рассказанную всего двумя персонажами скульптурной группы. Именно в этой лаконичности, прочности идеалов, преобладании Разума в сочетании и преклонение перед тем, что истинно красиво и состоит феномен эпохи классицизма.

Живопись, благодаря Пуссену, Давиду, Энгру, обращается к пропорциям и сюжетам античности, мотивируя это тем, что перенося зрителя из привычного окружения в другой мир, можно достичь наилучших результатов восприятия и понимания. Но даже картины, написанные на современные художникам сюжеты, как «Смерть Марата» Давида, так же не отходят от идеалов античности, и прежде всего, от идеалов героизма и патриотизма.

Именно с Николя Пуссена началась живопись классицизма. В его картинах безраздельно властвуют порядок и рационализм, герои - люди высоких идеалов и самоотречения. В основном, темы полотен Пуссена сводятся к историческим и мифологическим сюжетам, позднее он обращается к пейзажам.

Все работы этого художника были, как бы, противопоставлены времени. Все полотна источают радость и умиротворение, гармонию человека и природы, разума и стихии (в подчинении разуму, естественно).

Что касается Пуссеновских пейзажей, то это совершенно особое явление: в них человек (зачастую в образе мифологического существа) и природа - едины. Но природа эта не стихийно-дикая, а «улучшенная», т.е. подвергшаяся влиянию разумного и рационального, и только в этом виде имеющая право на существование в полотнах художника. Природа замирает, внимая человеку, как в «Пейзаже с Полифемом». Легендарный циклоп будто слился с камнем в потоке своей музыки, и в ожидании этих волшебных нот замерло все остальное - люди, дриады, Галатея, сами скалы.

В одном из лучших произведений на античную тему «Царство Флоры» (1631 г.) художник собрал персонажей эпоса Овидия «Метаморфозы», которые после смерти превратились в цветы (Нарцисс, Гиацинт и др.). Танцующая Флора находится в центре, а остальные фигуры расположены по кругу, их позы и жесты подчинены единому ритму -- благодаря этому вся композиция пронизана круговым движением. Мягкий по колориту и нежный по настроению пейзаж написан довольно условно и больше похож на театральную декорацию. Связь живописи с театральным искусством была закономерной для художника XVII в. -- столетия расцвета театра. Картина раскрывает важную для мастера мысль: герои, страдавшие и безвременно погибшие на земле, старели покои и радость в волшебном саду Флоры.

Пуссен увлекался учением античных философов-стоиков, призывавших к мужеству и сохранению достоинства перед лицом смерти. Размышления о смерти занимали важное место в его творчестве, с ними связан сюжет картины «Аркадские пастухи» (50-е гг. XVII в.). Жители Аркадии, где царят радость и покой, обнаруживают надгробие с надписью: «И я в Аркадии». Это сама Смерть обращается к героям и разрушает их безмятежное настроение, заставляя задуматься о неизбежных грядущих страданиях. Одна из женщин кладёт руку на плечо своего соседа, она словно пытается помочь ему примириться с мыслью о неизбежном конце. Однако, несмотря на трагическое содержание, художник повествует о столкновении жизни и смерти спокойно. Композиция картины проста и логична: персонажи сгруппированы возле надгробия и связаны движениями рук. Фигуры написаны с помощью мягкой и выразительной светотени, они чем-то напоминают античные скульптуры.

Важное место в творчестве Пуссена занимал пейзаж. Он всегда населён мифологическими героями. Это отражено даже в названиях произведений: «Пейзаж с Полифемом» (1649 г.), «Пейзаж с Геркулесом» (1649 г.). Но их фигуры малы и почти незаметны среди огромных гор, облаков и деревьев. Персонажи античной мифологии выступают здесь как символ одухотворённости мира. Туже идею выражает и композиция пейзажа -- простая, логичная, упорядоченная. В картинах чётко отделены пространственные планы: первый план -- равнина, второй -- гигантские деревья, третий -- горы, небо или морская гладь. Разделение на планы подчёркивалось и цветом. Так появилась система, названная позднее «пейзажной трёхцветкой»: в живописи первого плана преобладают жёлтый и коричневый цвета, на втором -- тёплые и зелёный, на третьем -- холодные, и прежде всего голубой. Но художник был убеждён, что цвет -- это лишь средство для создания объёма и глубокого пространства, он не должен отвлекать глаз зрителя от ювелирно точного рисунка и гармонично организованной композиции. В результате рождался образ идеального мира, устроенного согласно высшим законам разума.

У Никола Пуссена было немного учеников, но он фактически создал современную ему школу живописи. Творчество этого мастера стало вершиной французского классицизма и оказало влияние на многих художников последующих столетий.

Биография Жак Луи Давид

В написанных им по возвращении картинах "Портрет графа Потоцкого" и "Велизарий" появилась какая-то торжественность, величественность, исчезли декоративность, вычурность, характерные для стиля рококо и ранних произведений художника. Обе работы заинтересовали критику. О картине "Велизарий" доброжелательно отозвался Дидро. В 1783 году полотно Давида "Андромаха, оплакивающая Гектора" было с восторгом встречено в Салоне, это подтолкнуло к избранию художника в члены Академии живописи.

В 1785 году полотно Давида "Клятва Горациев" (1784) стало настоящей сенсацией Салона. Эта картина не только демонстрировала весь опыт художника-неоклассициста, но, что гораздо важнее, очень точно отражала настроения в обществе. В те годы все громче и отчетливее проявлялось недовольство французов правлением короля, потому с таким восторгом была встречена "Клятва Горациев", воспринятая как символ борьбы за правое дело, как призыв к оружию.

Трудно сказать, действительно ли художник собирался призывать своих сограждан к оружию. Но совершенно очевидно, что он решил немедленно укрепить свой успех и написал еще две картины, в которых угадывались республиканские идеи: "Смерть Сократа" (1787) и "Ликторы приносят Бруту тела его казненных сыновей" (1789). Обе они - о самопожертвовании ради высшей цели. К тому времени, когда вторая работа была выставлена в Салоне, в стране началась Великая французская революция.

Давид начал служить Бонапарту с такой же маниакальной страстью, с которой еще совсем недавно служил революции. Закончив набросок головы Наполеона, художник восторженно говорил своим коллегам: "Какая великолепная голова! Это античная красота! В древности таким людям, как Наполеон, воздвигали храмы. Да, друзья мои, Бонапарт - мой герой, мой кумир, и я не стыжусь признаться в этом!"

Со своей стороны Наполеон поддержал энтузиазм Давида, хотя и не был слишком высокого мнения о его картинах. Как писал один из приближенных к императору, "Наполеон никогда не придавал большого значения искусству; если он и проявлял внешний интерес к нему, то только в политических целях". Давид был самым известным французским художником того времени, именно поэтому Наполеон доверил ему запечатлеть на полотне "для вечности" свои славные дела. Увы, должность придворного художника не обрадовала Давида. Но от такого предложения не отказываются, и он начал работу с большого конного портрета Наполеона. За ним последовали два полотна - "Коронация" и "Раздача орлов".

Согласно теории классицизма, такой сюжет можно было найти только в истории, мифологии или библейских текстах. Основными художественными ценностями признавались рисунок и композиция, не допускались резкие цветовые контрасты. Требовалось, чтобы сюжет картины содержал серьёзную духовно-нравственную идею, способную благотворно воздействовать на зрителя. Композиция картины делилась на чёткие планы. Во всём, особенно в выборе объёма и пропорций фигур, художнику необходимо было ориентироваться на античных мастеров, прежде всего на древнегреческих скульпторов. Образование художника должно было проходить в стенах академии. Затем он обязательно совершал поездку в Италию, где изучал античность и произведениях Рафаэля.

Таким образом, творческие методы превратились в жёсткую систему правил, а процесс работы над картиной -- в подражание. Не удивительно, что мастерство живописцев классицизма начало падать, и во второй половине XVII столетия во Франции не было уже ни одного значительного художника.

Скульптура

живопись скульптура классицизм

Как и в живописи, в скульптуре классицизма царило стремление к подражанию античности. Кажется, ничто не может нарушить покой и сдержанность скульптурных композиций, украшающих Версаль, Веймар, Петербург. Все подчинено рациональности: застывшие движения, идея скульптуры и даже ее расположение в парке или дворце.

Скульптуры классицизма, словно трехмерное воплощение мифов, рассказывают нам о могучей силе человеческой мысли, о единении народа в достижении общих целей. Просто удивительно, как классицисты сумели рассказать целую эпоху в жизни той или иной нации при помощи не масштабных композиций!

Стремясь к рациональному применению пространства, занимаемого скульптурой, мастера тем самым следовали еще одному принципу классицизма - отходу от частного. В одном единственном персонаже, чаще всего взятом из мифологии, воплощался дух целого народа. А герои настоящего с той же легкостью изображались в античном окружении, что лишь подчеркивало их историческую роль.

Антонио Канова (Antonio Canova) (1757-1822), итальянский скульптор, мастер европейского классицизма. Канова переосмыслил искусство античности и стал одним из самых ярких мастеров классицизма и основоположником европейского академизма XIX в. Одно из наиболее удачных произведений раннего периода творчества мастера - мраморная скульптурная группа Дедал и Икар, выполненная в модном тогда стиле рококо.. В зрелых работах мастера, к числу которых относится композиция "Венера и Марс", ориентация на античность сочеталась с любованием красотой природы и идеальных форм, что акцентировалось несколько холодноватой трактовкой и тщательной обработкой (полировкой) мрамора. Это ощущение отстраненности присутствует даже в самых чувственных по своему сюжету произведениях скульптора, таких, как Амур и Психея (1783-1793, Лувр). Канова создавал композиции на мифологические сюжеты, портреты и надгробия. Среди его произведений: статуя Персей (1801, Ватикан, музей Пио-Клементино).

Размещено на Allbest.ru