Общая характеристика стиля рококо

Содержание

Введение

1. Общая характеристика стиля рококо

2. Французская живопись рококо. Ватто, Буше, Шарден, Фрагонар

3. Английская живопись XVIII в. У. Хогарт, Д. Рейнольдс, Т. Гейнсборо

Заключение

Список литературы

Введение

Искусство продуцирует свои ценности за счет художественной деятельности, художественного освоения действительности. Задача искусства сводится к познанию эстетического, к художественной интерпретации автором явлений окружающего мира. В художественном мышлении познавательная и оценочная деятельность не разделены и используются в единстве. Работает такое мышление с помощью системы образных средств и создает производную (вторичную) реальность - эстетические оценки. Искусство обогащает культуру духовными ценностями через художественное производство, через создание субъективных представлений о мире, через систему образов, символизирующих смыслы и идеалы определенного времени, определенной эпохи.

Искусство рефлексирует мир, воспроизводит его. Сама рефлексия может иметь три измерения: прошлое, настоящее и будущее. В соответствии с этим возможны различия в типах тех ценностей, которые создает искусство. Это ретроценности, которые ориентированы в прошлое, это реалистические ценности, которые «точно» ориентированы к настоящему, и, наконец, авангардные ценности, ориентированные на будущее. Отсюда - особенности их регулятивной роли. Однако общим для всех этих ценностей является то, что всегда они обращены к человеческому «Я». В этом содержатся как положительные, так и отрицательные моменты, то есть художественные ценности, преломляясь в сознании и подсознании человеческого «Я», могут порождать как рациональные так и иррациональные мотивы и стимулы к выбору в поведении человека.

Роль искусства в развитии культуры противоречива. Оно конструктивно и деструктивно, оно может воспитывать в духе возвышенных идеалов и наоборот. В целом же искусство, благодаря субъективации, способно поддерживать открытость системы ценностей, открытость поиска и выбора ориентации в культуре, что, в конечном счете, воспитывает духовную независимость человека, свободу духа. Для культуры это важный потенциал и фактор ее развития.

Культура Просвещения -- этап развития Западноевропейской культуры. Начало Просвещения -- «славная революция» 1688 г. в Англии; конституционализм, парламентаризм и религиозная терпимость становятся базовыми политическими ценностями буржуазии, всего третьего сословия. Конец Просвещения -- Великая французская революция 1789-- 1794 гг. Результат этих революций -- необратимость общеевропейского процесса становления техногенной цивилизации и буржуазных общественных отношений.

Для эпохи Просвещения характерно: 1) понимание природы, в том числе и природы человека как разумно устроенных; 2) деистическое миропонимание, исключающее вмешательство творца в развитие природы и общества, естественный характер законов природы и общества. Задача человека -- постижение этих законов, использование их в своих целях; 3) признание однолинейно-исторического развития, движущей силой которого является прогресс знаний; 4) борьба против суеверий позитивных религий, стремление заменить их универсальной религией Разума; 5) выработка основ естественной (понимаемой как рациональной) морали, естественного права; 6) популяризация идей; 7) замена типа рационализма (аристотелевский дедуктивный заменяется опытно-экспериментальным); 8) сотериологическая идея теряет религиозную форму. Цель и смысл человеческой истории в ней самой, а не за ее пределами.

Цель данной работы - рассмотреть стиль Рококо в изобразительном искусстве XVIII века.

Задачи:

- дать общую характеристику стиля рококо;

- рассмотреть французскую живопись в стиле рококо и основных художников XVIII века;

- изучить творчество английских художников XVIII века, писавших в стиле рококо.

1. Общая характеристика стиля рококо

Искусство XVIII в. находится в состоянии кризиса, когда величественная, воздвигавшаяся в течение тысячелетий грандиозная художественная система (как модель особой жизни) подверглась пересмотру. Постепенное разрушение сословно-иерархического принципа повлекло и трансформацию санкционированного религией искусства. В нем можно выделить несколько направлений, отличающихся друг от друга не столько по стилю, сколько мировоззренческой и идеологической направленностью.

Одним из таких направлений является стиль рококо; исследователи рассматривают его как выродившееся барокко (речь идет о стиле рококо второй четверти и середины XVIII в.). Такой взгляд вполне правомерен с точки зрения эволюции формы -- динамики, ритма, взаимоотношений целого и части. Действительно, мощную пространственную динамику, разительные контрасты и впечатляющую пластическую игру форм барокко сменяет стиль, который как бы переводит криволинейные построения барокко в новый регистр. Оставляя без внимания фасады, рококо разыгрывает на стенах и потолках интерьеров орнаментальные симфонии, сплетает кружевные узоры. При этом рококо достигает вершин виртуозности, изящества и блеска, но полностью утрачивает барочную монументальность, основательность и силу.

Другое направление -- классицизм XVIII в. -- тоже воспринимается как «облегченный» классицизм предшествующего века. Ведь в нем больше археологической точности, чем в предшественнике, больше изящества, выдумки и разнообразия, но также чувствуется недостаток весомости и силы. Возникает искушение считать «второй» классицизм переработанным изданием «первого», поскольку можно проследить, как один классицизм переходил в другой даже в творчестве архитекторов, например семьи Блонделей. Однако и рококо, и классицизм XVIII в. представляют собой нечто принципиально новое по отношению к своим прямым предшественникам, а также к ранее существовавшим стилям вообще Поликарпов В.С. Лекции по культурологии. -- М.: Гардарика, Экспертное бюро, 1997.- с.-331..

Это различие свидетельствует о том, что перелом между культурами XVII и XVIII вв. носил внутренний, скрытый характер. Историки искусства отмечают, что рококо -- первый безордерный стиль европейского искусства за многие века. Известно, что ордер ориентировал архитектуру на человека и одновременно героизировал его бытие. Архитекторы рококо (его собственная сфера -- убранство интерьера) обратились к реальному человеку с его реальными потребностями. Они начали заботиться о комфорте, окружать человека атмосферой удобства и изящества. Существенно то, что новый стиль стал стилем небогатых домов, в которые немногочисленными приемами внес тот же дух уюта и комфорта без подчеркнутой роскоши.

Для рококо в живописи, скульптуре и графике характерен уход в область «чистого искусства». Преобладают салонно-эротические, мифологические и пасторальные сюжеты. Для этого стиля характерна камерность и утонченная декоративность художественных решений. Живопись рококо - станковые картины, панно, росписи - отличается дробностью и ассиметричностью композиции. Обилием декоративных аксессуаров и деталей, изысканным сочетанием светлых красок и тонов.

Скульптура рококо представлена преимущественно декоративными рельефами и статуями, небольшими статуэтками бюстами. Отличается изящностью.

В целом для стиля рококо характерны отказ от прямых линий, ордерной системы, светлые тона, воздушная легкость, изысканность и причудливость форм. В архитектуре пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной строгостью внешнего облика здания.

Изобразительному искусству XVIII столетия в лучших произведениях свойственны анализ тончайших переживаний человека, воспроизведение нюансов чувств и настроений. Интимность, лиризм образов, но и аналитическая наблюдательность - характерные черты искусства XVIII в. как в жанре портрета, так и в бытовой живописи. Эти свойства художественного восприятия жизни являются вкладом XVIII столетия в развитие мировой художественной культуры, хотя следует признать, что это было достигнуто ценой утраты универсальной полноты в изображении духовной жизни, цельности в воплощении эстетических воззрений общества, свойственных живописи Рубенса, Веласкеса, Рембрандта, Пуссена.

Термин «рококо» возник во Франции в конце XVIII в., в эпоху расцвета классицизма, как презрительная кличка для всего манерного и вычурного искусства XVIII в.: изогнутая, капризная линия, напоминающая очертания раковины,-- его главный признак. Искусство рококо -- это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощренной утонченности, в нем нет места героизму и пафосу -- они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками. Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого -- возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо. Самой распространенной формой живописного произведения стало декоративное панно, большей частью овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы; в основе композиции и рисунка лежит мягко изгибающаяся линия, которая придает произведению обязательную для этого стиля вычурность и нарядность. В своих колористических исканиях рокайльные мастера шли от Рубенса, Веронезе и венецианцев, но предпочитали не их насыщенные, сочные цвета, но бледные полутона: красный становится розовым, синий -- голубым, появляются лимонно-желтые, блекло-голубые, розовые, сиреневые цвета, даже вымышленные -- вроде «цвета бедра испуганной нимфы» Скляренко В., Иовлева Т., Кустовская Ю., Скачко И. Сто знаменитых художников XIV--XVIII вв. -- Харьков: Фолио, 2002. .

Скульптура рококо менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего 18 века получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Ж. Б. Лемуан, Пигаль, Пажу, Фальконе, Клодион. Для архитектуры рококо характерно то, что главное внимание зодчего сосредоточивалось на интерьере. Во Франции в трактовке фасада продолжал господствовать классицизм 17 в. Только ряд незначительных изменений смягчал строгость архитектурного образа. Скульптурная деталь, применяемая для украшения фасада, делается более выпуклой, приобретает самодовлеющее значение, не подчиняясь больше основным архитектурным линиям. Плоские пилястры большого ордера заменяются выпуклыми полуколоннами, придающими стене более живописный вид. Планы зданий рококо большей частью асимметричны и строятся часто на круглых, овальных и восьмиугольных комнатах; резкий прямой угол избегается даже между стеной и потолком, а линия соединения маскируется рельефным орнаментом, неподвижная плоскость стены дробится, углубляется, комнаты тем самым получают еще более нарядную причудливую форму. Стены окрашиваются в светлые, воздушные тона и украшаются живописными панно, резными панелями, зеркалами в вычурных золоченых рамах. Крупнейшие французские зодчие рококо: Робер Декотт, Габриэль, Боффран, Оппенор, Дельмер, Мейссонье. Франция явилась законодательницей эстетики рококо; европейские страны были неравномерно захвачены этим веянием. Наибольшее распространение рококо получило в Германии, особенно в Пруссии при дворе Фридриха II. Архитектор Кнобельсдорф создал в Потсдаме один из наиболее прославленных рокайльных ансамблей (Сан-Суси). Крупнейшие представители рококо в Германии -- архитекторы Бальтасар Нейман и Кнобельсдорф, живописцы Цик, Маульберч, Дитрих, скульптор Доннер. В России рококо развивалось под непосредственным влиянием приезжих французских и немецких мастеров (Токке, Рослин, Фальконе); под сильным этим влиянием в России выдвинулись такие мастера, как Растрелли (в малых архитектурных формах), Ринальди (особенно его постройки в Ораниенбауме), Ухтомский, в большой степени Рокотов и Левицкий. Чрезвычайно характерен для эпохи рококо расцвет графики. Почти все большие живописцы 18 в. были также блестящими рисовальщиками (Ватто, Фрагонар), ряд крупных мастеров целиком посвятили себя графическому искусству (Сент-Обен, Кошен, Дебюкур во Франции, Ходовецкий в Германии). Оформление книги, мастерство переплета, мебель, бронза и т. п. достигли большой художественной высоты. Королевская мануфактура гобеленов в Париже выпускала серии замечательных шпалер. Фарфоровые заводы (Севр во Франции, Мейсен, Нимфенбург в Германии) производили художественную посуду, а также статуэтки из бисквита и фарфора.

2. Французская живопись рококо. Ватто, Буше, Шарден, Фрагонар

Предвестием этого направления в искусстве, но и явлением значительно более глубоким, не укладывающимся в рамки какого-то одного направления, был художник Жан Антуан Ватто, создавший в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества - аристократическое общество в парке, музицирующие, танцующие, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, - сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Все это увидено как бы со стороны тонким, чуть ироничным наблюдателем с налетом меланхолии и грусти.

Колорит Ватто - одно из сильнейших качеств его дарования - построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 году художник создал одно из самых больших произведений «Паломничество на остров Цитеру». В этой картине отражена тончайшая палитра чувств, которая, прежде всего, создана самим цветом. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Театральность характерна для всего искусства XVIII в., и для Ватто особенно. Он не скрывает театрального приема в композиции. Искусство театра не только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества, которое пишет художник Знаменитые живописцы. / Сост. Ладожин И.Ю. - Минск: Искусство, 2002. - с.-34..

Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не раз писал актеров итальянской и французской комедии. Делакруа называл технику Ватто изумительной, объединившей Фландрию и Венецию.

За «Паломничество на остров Киферу» Ватто был принят в члены Французской Академии. Эта живописная элегия Ватто строится не на коллизии, действии (неясно даже, отплытие или возвращение изображено на полотне), но лишь на едва уловимых оттенках настроения, общей поэтической и эмоциональной атмосфере. Композиция «Паломничества» лишена устойчивости -- герои то группами устремляются вглубь картины, то расходятся парами, то вдруг обращаются к зрителю жестами или взглядом. Персонажи словно подчиняются «видимой» музыке -- волнами подымающиеся и падающие линии, объединяющие все шествие, почти танцевальные движения пар, паузы, чередования цветовых пятен создают ощущение слышимой мелодии. Иконография «галантных празднеств» восходит к «садам любви», известным еще с эпохи средневековья. Однако в отличие от парковых идиллий рококо «сады любви» Ватто олицетворяют не просто праздник прекрасной природы, в красочно утонченных полотнах зыбкая поэзия чувств и размышлений о человеческом бытии на земле окрашена в проникновенно печальные лирические интонации.

В 1719-20 тяжело больной художник посетил Англию, где пользовался большим успехом; впоследствии искусство Ватто оказало значительное влияние на английскую живопись середины -- второй половины XVIII века. По возвращении в Париж для лавки «Великий монарх», принадлежащей Жерсену, у которого измученный болезнью Ватто попросил приюта, он написал одно из самых знаменитых своих произведений и единственное, которым он был доволен, «Вывеску лавки Жерсена». По словам самого Жерсена, «написана она была за неделю, да и то художник работал только по утрам; хрупкое здоровье не позволяло ему работать дольше». Бытовая сцена с изображением интерьера лавки полна метафор -- размышлений о своем времени: приказчики упаковывают в ящик портрет короля Людовика XIV -- возникают ассоциации и с названием лавки, и с забвением ушедшего века. Последние дни Ватто провел в Ножане недалеко от Парижа, куда перевез ворох театральных костюмов, реквизит для будущих картин, и где написал образ Христа для местной церкви. В манере Ватто, никогда не поднимаясь, однако, до высоты своего учителя, работали французские художники Патер и Ланкре.

Франсуа Буше был учеником Ф. Лемуана, затем гравера Ж. Ф. Кара: он занимался в его мастерской оформлением книг и изучал искусство гравюры. Получив в 1723 первую премию в Академии художеств, Буше едет в Италию, где остается до начала 1730-х годов. Пейзажи «Вид Тиволи» и «Вид садов Фарнезе» исполнены на основании итальянских впечатлений. Уже в них проявился незаурядный декоративный дар художника, умеющего строить композиции на сочетании ритмики целого и характерной детали. По возвращении из Италии Буше с конца 1730-х годов работает в театральной декорации и на мануфактуре Бове, где создает картоны для ковров. Написанные им в этот период пейзажи окрестностей Бове и Парижа словно перешли со шпалер или эскизов декораций, для которых они создавались, на станковые полотна. Эти красивые декоративные композиции могли быть использованы как фон в любой пасторальной сценке. Непосредственные жанровые наблюдения сочетаются в них с обобщенно и декоративно решенным общим построением композиции Искусство. / Под ред. М. Д. Аксенова. -- М.: Аванта Плюс, 2003. .

С темой сельских пейзажей связаны и пасторали Буше, тоже строящиеся по принципу театральной декорации: с площадкой для актеров, кулисами и уподобленным играющим на сцене молодым миловидным поселянам, занятым отдыхом или выяснением любовных. Декоративный талант и фантазия художника проявились в мифологических сценах. Они изображались на фоне воображаемых античных построек. Сцены эффектны по композиции, написаны в свободной живописной манере и яркой серебрящейся красочной гамме, в чем проявилось увлечение художника манерой Дж. Б. Тьеполо. Излюбленной темой Буше были сцены из истории Юпитера с изображением чувственных розовых тел нимф, наяд, амуров. Яркие краски приведены в них к единой сияющей золотистой гамме, напоминающей палитру венецианских мастеров.

В жанровых сценах в интерьере Буше с большим мастерством не только передает детали изображаемых будуаров, костюмы персонажей -- дам, занятых туалетом и беседой со служанками, расположившихся за столом матерей или гувернанток с детьми, -- но и умеет придать сцене занимательность, объединить всех общим настроением. В духе академической традиции художник пишет и библейские сцены; отсутствие внутреннего драматизма восполняется в них эмоциональной живописной манерой и ярким колоритом.

В позднем творчестве Буше начинает изменять чувство цвета. В его произведениях появляется сопоставление ярких локальных цветов, придающих «ковровость» его живописи. Он по-прежнему создает пейзажи, картины на библейские сюжеты, декоративные композиции в медальонах с пышно оформленными в стиле рококо обрамленьями. У него постепенно вырабатывается легкий, но эффектный штамп, так как от него требуют повторения работ. За это Буше подвергался критике Дидро, всегда, однако, высоко ценившего его дарование. Буше не был портретистом, но часто писал свою покровительницу, фаворитку Людовика XV мадам де Помпадур.

Прекрасный рисовальщик, Буше работал не только в технике пастели, но и гуаши; любил сочетать черный и белый мел с сангиной, т. е. исполнял рисунок «в три карандаша» по тонированной коричневым тоном бумаге, что создавало изысканные цветовые эффекты.

Буше была чужда проницательность, с которой Ватто наблюдал человека и природу. Однако именно поверхностность, внешняя утонченность - черты, делающие Буше доступным и популярным. Его искусство, далекое от социальной проблематики и лишенное эмоциональной углубленности, порождено теми попытками укрыться от жизни в веселом маскараде пасторалей и мифологических «триумфов», теми стремлениями, которые все более и более захватывали французские придворные круги в середине XVIII века.

Выдающийся декоративный и живописный дар Буше ценили современники. Его самый талантливый ученик Ж. О. Фрагонар унаследовал от него внешнее изящество, свободу композиции и смелость колорита, но он попытается соединить их с большей эмоциональной внутренней углубленностью в передаче образов и сюжетов.

Фрагонар непосредственно и последовательно примкнул к стилю своего учителя. Свидетельствует об этом целый ряд его произведений в стиле рококо, дошедших до нашего времени и рассеянных по частным коллекциям Европы и Америки. Фрагонар часто изображает юную поселянку в переднике и низком корсаже, с открытой грудью; она везет тачку с младенцем или наполненную цветами, или же льет жеманным жестом воду из лейки. Ее окружают цветы и младенцы, пухлые, как амуры у Буше. Складки ее блузы, передника, подобранной верхней юбки очерчены извилистой, игривой линией, напоминающей почерк учителя Фрагонара.

От рококо в любовных сценках Фрагонара сохраняется камерность масштаба и замысла, отсутствие психологизма, легкомыслие веселой шутки, прихотливость выдумки. Откровенно шаловлива и пикантна «Девушка в постели, заставляющая танцевать свою собачку». Изображена молодая особа, лежащая в постели, в короткой рубашке, с обнаженными бедрами, видимая в сильном ракурсе. Она держит на поднятых ногах лохматую белую собачонку, чувствующую себя довольно растерянно, в то время как ее госпожа от души веселится. Изгиб фигуры, рисунок складок отброшенного одеяла, игра света (контраст между тенью на лице женщины и ярко освещенной собачкой) - все здесь прихотливо, шутливо, капризно.

Жан-Батист-Симеон Шарден является во всех отношениях противоположностью Буше. Автор скромных жанровых сцен из жизни небогатых горожан, нескольких портретов и большого количества необычайно разнообразных натюрмортов, он, прежде всего искатель истины и тонкий колорист. Он держался как скромный ремесленник, а между тем все более и более углублялся в познание тайн видимого мира, где все одинаково важно и достойно изучения. Колоритные картины при всей обыденности изображенного притягивают зрителя оригинальностью красочных сочетаний и вместе с тем открывают перед живописью новые перспективы и возможности, которые полностью осуществятся лишь в конце XIX века Живопись. Классики и современники. / Под ред. Власова Л.Г. - СПб.: ЛИТА, 2003..

3. Английская живопись XVIII в. У. Хогарт, Д. Рейнольдс, Т. Гейнсборо

Дух рационализма и прагматизма затруднял в Англии развитие изобразительного искусства. Даже в самом рациональном виде искусства - архитектуре - англичане заимствовали элементы европейской Готики, французского и итальянского Классицизма, голландского и фламандского барокко, перерабатывая все на свой практический вкус.

В XVIII в. в лице У. Хогарта английская живопись обрела свой голос, хотя и довольно странный. «Литературная» живопись Хогарта находилась вне европейской художественной традиции, но его теоретический трактат «Анализ красоты» (1753) опередил свое время. Более «живописные» художники, Дж. Рейнолдс и Дж. Ромни, продолжили заложенную Хогартом сентиментальную традицию в портретной живописи, но она быстро привела к помпезному «большому статуарному стилю» - воплощению самого поверхностного, декларативного академизма. Англия знаменита своими граверами. Но классик «чисто английской» техники пунктира - Ф. Бартолоцци, с 1764 г. работавший в Лондоне, по национальности итальянец, и все его достижения - в области воспроизведения живописных оригиналов, картин других художников. Еще одно английское изобретение - техника меццотинто, «английская манера» мастеров-виртуозов В. Грина, Дж. Дина, Дж. Уокера, Дж. Уотсона, Дж. Смита, Т. Фрая, У.Дикинсона, Р. Ирлома также была поставлена на службу репродукции. С середины XVIII в. сентиментальная линия английского изобразительного искусства начинает оказывать решающее влияние на европейское художественное развитие.

Англия - родина преромантизма, романтического движения, вылившегося в стиль Неоготики, лишь позднее распространившегося во Франции, а затем в Германии и России. В жанре портрета и пейзажа английская живопись остается национальной даже в непосильной, подчас, конкуренции с французским искусством. Именно англичане: Т. Гейнсборо, Дж. Констэбл, У. Тёрнер, Р.Бонингтон - их называют преимпрессионистами -- предвосхитили открытия французских барбизонцев и импрессионистов в области пленэрной живописи. Английский стиль «пикчуреск» (живописный), в рисунках У. Гилпина и акварелях П. Сэндби, породил моду на «пейзажный стиль», в том числе и в садово-парковом искусстве, и с тех пор живописные «пейзажные» сады свободной планировки стали называться английскими в противопоставление регулярным французским. Но не только в искусстве, во многих проявлениях жизни прочно вошло в обиход выражение «английский стиль». Оно подразумевает умеренный консерватизм, уважение к традициям, рациональность мышления, сдержанность, чувство меры, строгость и элегантность формы Большой энциклопедический словарь изобразительного искусства. - СПб.: ЛИТА, 2000..

Уильям Хогарт родился в Лондоне в 1697 г. в семье сельского учителя. В 1720-е гг. юный гравер выполнил книжные иллюстрации к нескольким художественным произведениям. В свободное время Хогарт изучает живопись -- сначала в академии Св. Мартина, а затем берет уроки у Джеймса Торнхилла, представителя барокко в Англии.

Одним из лучших ранних произведений Хогарта стала картина «Опера нищих». Полотно изображает сцену из одноименной, весьма популярной тогда комедии Джона Гея. Позднее об этой картине художник вспоминал: «Я старался разрабатывать свои сюжеты, как драматург. Моя картина была для меня сценой, мужчины и женщины -- моими актерами, которые с помощью определенных жестов и поз разыгрывают пантомиму».

В начале 1730-х гг. Хогарт начинает разрабатывать тематику совершенно новую не только для искусства Англии, но и для всей европейской живописи. Свою творческую программу, изложенную в книге «Анализ красоты», мастер сформулировал так: «…изображение на картинах и гравюрах сюжетов о современных нравах», которые «будут способствовать развлечению и совершенствованию ума», а также «послужат общественной пользе» Цит. по: Популярная художественная энциклопедия. - М.: Советская энциклопедия, 1986..

Для Хогарта художник -- прежде всего наблюдатель жизни, внимательно исследующий подробности бытового существования человека. Его цель -- проповедовать, исправлять нравы общества посредством живописи и тиражной графики. Работы художника, изобилующие комическими подробностями, близки литературным шедеврам его времени. Для наглядности, читаемости сюжета художник объединял работы в серии. Первая такая серия -- «Карьера проститутки» -- появилась в 1732 г. Цикл из шести картин рассказывает о печальной судьбе деревенской девушки, которая, приехав в Лондон, попадает в руки циничной сводницы и становится проституткой, а в скором времени попадает в тюрьму и умирает. Выход «Карьеры проститутки» стал сенсацией и снискал автору славу «самого полезного художника».

Еще ярче талант Хогарта-сатирика проявился в следующей серии -- «Карьера мота», в которой рассказывается о молодом человеке, по имени Том Рейквелл, который после смерти отца получил хорошее наследство, но не воспользовался им разумно, а промотал в кутежах и распутстве и после пребывания в долговой тюрьме окончил свой путь в сумасшедшем доме Апель К.О. Великие английские художники.-- М.: ОЛМА-ПРЕСС Образование, 2005..

Хогарт много работал в жанре обычного портрета, показывая прекрасную технику и тонкое понимание психологии моделей. Создав в течение нескольких лет целую портретную галерею, мастер достиг в этой области высочайшего мастерства.

Замечательна неоконченная композиция «Девушка с креветками». Многие исследователи сравнивают эту картину с полотнами французских импрессионистов. Здесь Хогарт словно остановил на мгновение время (а именно к этому в XIX столетии и стремились импрессионисты). Видимо, в последние годы жизни художник пытался изобразить человека, забывшего о своей роли в бесконечной «комедии жизни», и показать, как прекрасен он без грима и условностей, с которыми так редко расстается.

Так называемый «исторический» жанр (т.е. религиозные и мифологические картины) вообще не характерен для искусства Англии. Тем не менее, Хогарт написал несколько полотен на библейские сюжеты.

Джошуа Рейнольдс рано выказал склонность и способности к живописи. Еще ребенком он копировал литографии и гравюры, делал рисунки, читал книги по искусству. Под влиянием картин Рубенса, Рембрандта, Корреджо, Тициана и других живописцев венецианской школы Рейнольдс вырабатывает свою собственную живописную систему, во многом связанную с традициями барочного парадного аристократического портрета («Портрет Сюзанны Бекфорд», «Портрет капитана Р. Орма», «Портрет леди Анструтер»). Зрелый стиль Рейнольдса - портретиста сформировался в 1760-е гг. Одно из лучших произведений этих лет -- «Портрет Нелли О'Брайен» Мировая художественная культура. / Под ред. Желткова А.М. - М.: Искусство, 2004..

Благодаря своему таланту, способному в равной мере удовлетворить требованиям как аристократических, так и буржуазных кругов, Рейнольдс был популярен в самых разных слоях английского общества. В течение полувека художнику заказывали портреты известнейшие люди Англии -- ученые, артисты, художники, литераторы, политики, военачальники, представители английской знати. Эта блестящая портретная галерея насчитывает свыше двух тысяч произведений.

Портреты Рейнольдса отличаются необыкновенным сходством с моделью, выразительностью и глубиной психологической характеристики, умелой расстановкой фигур, тщательным подбором аксессуаров, смелой, сочной манерой письма. Нередко художник придает своим портретам аллегорический характер, изображая модель в виде мифологического персонажа, либо сочетая реальных людей с мифологическими героями.

Помимо портретов, Рейнольдс создал целый ряд исторических и мифологических композиций.

Широко образованный человек, Рейнольдс играл заметную роль в культурной жизни Англии. В его доме собиралось блестящее общество. Всем им, как свидетельствуют историки, Рейнольдс оказывал любезный прием -- за исключением Т. Гейнсборо и Дж. Ромни, в которых видел своих соперников.

По инициативе Рейнольдса в Лондоне стали проводиться первые публичные художественные выставки. В 1763 г. вместе с Перси, Голдсмитом и др. Рейнольдс основал Лондонский литературный клуб. Рейнольдс был одним из главных членов-учредителей Королевской академии художеств, основанной в 1768 г. Он же стал ее первым президентом. Огромную известность получили так называемые «Речи» Рейнольдса, которые он произносил каждые два года на церемонии вручения наград Академии. Впоследствии они были изданы на многих языках мира. Помимо упомянутых «Речей», свои теоретические взгляды на искусство Рейнольдс изложил в лекциях, которые читал в Академии.

За заслуги в создании Лондонского литературного клуба и Королевской академии художеств король Георг III пожаловал Рейнольдсу рыцарское звание, а в 1784 г. назначил своим придворным живописцем.

Из-за экспериментов с техникой многие произведения Рейнольдса потеряли первоначальный блеск красок и потрескались

Томас Гейнсборо, английский живописец, рисовальщик и гравер. Родился в 1727 в Садбери (Суффолк). В 1740-е годы был подмастерьем Юбера Гравло, французского рисовальщика и гравера, работавшего в Лондоне. Ранние пейзажи художника близки произведениям голландских мастеров XVII в. Например, в картине Корнардский лес композиция и большинство деталей, мягкий серебристый свет и ощущение влажности воздуха восходят к голландским прототипам Хогарт Уильям. Анализ красоты. - М.: Просвещение, 1989. .

Первые портреты Гейнсборо написаны довольно жестко и выглядят статичными. Однако художник обладал исключительным даром передачи сходства и настроения моделей, сочетая это качество со свежестью и живостью живописной манеры. Он продолжал писать пейзажи, к которым всегда испытывал особое пристрастие. Многие из них, очевидно, задумывались как декоративные панно для деревянного резного украшения над камином (две такие картины были заказаны герцогом Бедфордом в 1755). В это же время начал складываться новый стиль его портретной живописи, близкий к рококо. В конце 1760-х - начале 1770-х годов он написал серию больших пейзажных композиций, навеянных живописью Рубенса. Одна из самых известных - «Телега с урожаем». Гейнсборо участвовал в ежегодных выставках Общества художников, а в 1768 стал членом-учредителем Королевской Академии искусств.

Поздние портреты живописца наполнены возвышенно-романтическим духом, их отличает утонченная и свободная манера исполнения; фон, с лесными зарослями на заднем плане, прописан широкими, непринужденными движениями кисти. Пожалуй, самый удачный из них - портрет молодой супружеской пары, получивший название Утренняя прогулка. Со временем мастер стал все больше обращаться к искусственным, «сочиненным» композициям, сооружая на столе небольшой макет, с которого потом писалась картина. В серии горных пейзажей отразился присущий его эпохе вкус к «возвышенному», а в картинах с деревенскими домиками и крестьянами - его сентиментальное отношение к сельской жизни. Гейнсборо, всегда проявлявший большой интерес к эффектам освещения, придумал «волшебный фонарь», в котором за прозрачными пластинами с живописными изображениями помещал горящие свечи. В рисунках Гейнсборо постоянно экспериментировал с новыми техниками; он достиг удивительной свободы и беглости стиля, передавая форму несколькими штрихами и работая пастелью со стремительностью и неистовством, достойными Ван Гога.

Портретная живопись Гейнсборо оказала удивительно слабое влияние на искусство других художников, главным образом из-за того, что созданный им стиль был очень индивидуален и субъективен. Однако пейзажи и рисунки художника многократно копировались.

Заключение

Рококо (или рокайль - от названия орнаментального мотива) - стилистическое направление европейского искусства первой половины и середины XVIII века, получившее распространение во Франции, Германии, Австрии и других странах. Развивалось главным образом в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве и отчасти в изобразительном искусстве. Впервые проявился во Франции, получил свое название от характерного для данного стиля орнамента рокайль.

Рокайль (от фр. rok - скала, утес) - главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины. Появился во Франции в начале XVIII века, при украшении парковых павильонов - гротов деталями, имитирующими природные элементы - морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение название «рокайль». В последствии этот термин стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину, камень.

Утонченное аристократичное искусство рококо возникло во Франции в период кризиса абсолютизма. Характерные для художественной культуры XVII века монументальные формы барокко в искусстве рококо утрачивают свой масштаб, трансформируясь в манерную, вычурную декоративность, носящую причудливый, поверхностно-орнаментальный характер.

Одним из основоположников стиля «рококо» был талантливый Антуан Ватто, давший наиболее совершенное воплощение принципам этого стиля. Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают характерам образов Ватто особую утонченность, которой уже не достигают непосредственные последователи мастера, превратившие его мотивы и манеру в изысканную и поверхностную моду (Ланкре, Патер, Кийар). Крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства стал ученик Франсуа Лемуана Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик. Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Натуар, братья Ванло, Антуан Куапель и др.) и это влияние продержалось во Франции вплоть до Революции 1789. Среди значительных мастеров рококо были художники самого разного дарования, обращавшиеся к самым разным жанрам живописи: Ж. М. Наттье, Друэ, Токке, Луи-Мишель Ванло, Латур, Перроно. Последним крупным живописцем рококо был Жан Оноре Фрагонар, тонкий портретист и пейзажист, как и Ватто, не вписывающийся в рамки просто модного стиля.

Франсуа Буше представляет собой центральную фигуру французского рококо. Трудно спорить с тем, что полвека искусство Франции - живопись, скульптура, декоративное, прикладное искусство развивалось под знаком этого изысканного и сугубо камерного стиля. Его своеобразный строй - прихотливость, капризная грация и праздничная нарядность - яснее всего выразился в прикладном искусстве. Хрупкие формы, игривые изгибы очертаний, воздушный орнамент, тонкая разработка деталей отличают и маленький изящный комодик, инкрустированный драгоценными сортами дерева, и фарфоровый ароматник, расписанный яркими, звонкими красками. Рафинированность, изощренность вкуса приводят к капризному пренебрежению здравым смыслом - это ощущается постоянно в прихотливых формах рококо. При всем том в них есть своя закономерность и ритмическая целостность. Рококо - камерный, интимный, легковесный вариант барокко - приобретает особую пикантную привлекательность для высших придворных кругов во Франции и всех тех, кто за ними тянется. Этот стиль выражал определенную общественную позицию и был вовсе не так аполитичен, как думали его почитатели и даже творцы.

Классическим направлением в английской живописи XVIII века является творчество Рейнольдса - мастера парадного портрета. Сентиментальное направление в английской живописи представлено в произведениях Т.Гейнсборо, пример поэтического, тонкого, одухотворенного лиризма - картина «Дама в голубом».

Просветительский реализм в английском изобразительном искусстве представлен творчеством Уильяма Хогарта. В его произведениях мы находим сатиру, воспитательные задачи творчества, обращение к широкому зрителю. Нравоучительные серии гравюр Хогарта «Выборы в парламент», «Карьера падшей женщины», «Карьера мота», «Модный брак» позволили художнику рассказать о язвах современного ему общества. На его картинах разворачивается английская действительность.

Список литературы

1. Апель К.О. Великие английские художники.-- М.: ОЛМА-ПРЕСС Образование, 2005.

2. Большой энциклопедический словарь изобразительного искусства. - СПб.: ЛИТА, 2000.

3. Живопись. Классики и современники. / Под ред. Власова Л.Г. - СПб.: ЛИТА, 2003.

4. Знаменитые живописцы. / Сост. Ладожин И.Ю. - Минск: Искусство, 2002.

5. Искусство. / Под ред. М. Д. Аксенова. -- М.: Аванта Плюс, 2003.

6. Мировая художественная культура. / Под ред. Желткова А.М. - М.: Искусство, 2004.

7. Поликарпов В.С. Лекции по культурологии. -- М.: Гардарика, Экспертное бюро, 1997.

8. Популярная художественная энциклопедия. - М.: Советская энциклопедия, 1986.

9. Скляренко В., Иовлева Т., Кустовская Ю., Скачко И. Сто знаменитых художников XIV--XVIII вв. -- Харьков: Фолио, 2002.

10. Хогарт Уильям. Анализ красоты. - М.: Просвещение, 1989.