Эпоха Возрождения в европейской культуре

Началом ренессансной живописи считают эпоху Дученто, т.е. конец XIII века. Проторенессанс еще тесно связан со средневековыми романскими. готическими и византийскими традициями. Художники конца XIII - начала XIV вв. еще далеки от научного изучения окружающей действительности. Они выражают свои представления о ней, еще используя условные образы византийской изобразительной системы - скалистые горки, символические деревья, условные башенки. Но иногда облик архитектурных сооружений так точно воспроизведен, что это указывает на существование зарисовок с натуры. Традиционные религиозные персонажи начинают изображаться в мире, наделенном свойствами реальности - объемом, пространственной глубиной, материальной вещественностью. Начинается поиск приемов передачи на плоскости объема и трехмерного пространства. Мастера этого времени возрождают известный античности принцип светотеневой моделировки форм. Благодаря ей фигуры и здания приобретают плотность и объем.

По-видимому, первым, кто применил античную перспективу, был флорентиец Ченни ди Пепо (сведения с 1272 по 1302), прозванный Чимабуэ. К сожалению, самая его значительная работа - серия росписей на темы из Апокалипсиса, жизни Марии и апостола Петра в церкви Сан Франческо в Ассизи дошла до нас почти в разрушенном состоянии. Лучше сохранились его алтарные композиции, которые находятся во Флоренции и в музее Лувра. Они тоже восходят к византийским прототипам, но в них отчетливо проступают черты нового подхода к религиозной живописи. Чимабуэ возвращается от итальянской живописи XIII века, усвоившей византийские традиции, к их непосредственным истокам. Он почувствовал в них то, что осталось недоступным его современникам, - гармоническое начало и возвышенную эллинскую красоту образов.

Великие художники предстают смелыми новаторами, отвергающими традиционную систему. Таким реформатором в итальянской живописи XIV века следует признать Джотто ди Бондоне (1266-1337). Он создатель новой живописной системы, великий преобразователь всей европейской живописи, истинный родоначальник нового искусства. Это гений, высоко поднимающийся над современниками и многими из последователей.

Флорентиец по рождению, он работал во многих городах Италии: от Падуи и Милана на севере до Неаполя на юге. Самая знаменитая из дошедших до нас работ Джотто - цикл росписей в капелле дель Арена в Падуе, посвященный евангельским сказаниям о жизни Христа. Этот уникальный живописный ансамбль - одно из этапных произведений в истории европейского искусства. Вместо разобщенных отдельных сцен и фигур, свойственных средневековой живописи, Джотто создал единый эпический цикл.38 сцен из жизни Христа и Марии ("Встреча Марии и Елизаветы", "Поцелуй Иуды", "Оплакивание" и др.) языком живописи связаны в единое повествование. Вместо привычного золотого византийского фона Джотто вводит пейзажный фон. Фигуры уже не парят в пространстве, а обретают твердую почву под ногами. И хотя они еще малоподвижны, в них видно стремление передать анатомию человеческого тела и естественность движения.

Реформа, произведенная Джотто в живописи, произвела глубокое впечатление на всех его современников. Единодушные отзывы о нем как о великом живописце, обилие заказчиков и покровителей, почетные поручения во многих городах Италии - все это говорит о том, что современники прекрасно понимали значение его искусства. Но ближайшие поколения подражали Джотто как робкие ученики, заимствуя у него частности.

Влияние Джотто приобрело свою силу и плодотворность только через столетие. Художники Кватроченто осуществили те задачи, которые были поставлены Джотто.

Слава основоположника живописи Кватроченто принадлежит флорентийскому художнику Мазаччо, умершему совсем молодым (1401-1428). Он первым решил главные проблемы живописи Возрождения - линейной и воздушной перспективы. На его фресках в капелле Бранкаччи флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине фигуры, написанные по законам анатомии, связаны между собой и с пейзажем.

Церковь Санта Мария дель Кармине стала своего рода академией, где учились поколения художников, испытавших влияние Мазаччо: Паоло Учелло, Андрей Кастаньо, Доменико Венициано и многие другие вплоть до Микеланджело.

Флорентийская школа долгое время оставалась ведущей в искусстве Италии. В нем существовало и более консервативное течение. Некоторые художники этого направления были монахами, поэтому в истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был фра (т.е. брат - обращение монахов друг к другу) Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (1387-1455). Его образы библейских персонажей написаны в духе средневековых традиций, они полны лиризма, спокойного достоинства и созерцательности. Его пейзажные фоны пронизаны чувством жизнерадостности, характерным для эпохи Возрождения.

Один из самых выдающихся художников Кватроченто - Сандро Боттичелли (1445-1510) - выразитель эстетических идеалов двора знаменитого тирана, политика, мецената, поэта и философа Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Двор этого некоронованного государя был центром художественной культуры, объединившим знаменитых философов, ученых, художников.

Ранний Ренессанс длился около столетия. Его завершает период Высокого Ренессанса, на который приходится всего около 30 лет. Главным центром художественной жизни в это время становится Рим.

К рубежу XV-XVI вв. относится начало длительной иностранной интервенции в Италию, раздробление и порабощение страны, утрата независимости свободных городов, усиление феодально-католической реакции. Но в итальянском народе росло патриотическое чувство, способствующее политической активности и росту национального самосознания, стремление к национальному объединению. Этот подъем народного самосознания создал широкую народную основу культуры Высокого Ренессанса.

Окончание Чинквеченто связывают с 1530 г., когда итальянские государства утратили свободу, став добычей могущественных европейских монархий. Социально-политический и экономический кризис Италии, опирающейся не на промышленный переворот, а на международную торговлю, подготавливался уже давно. Открытие Америки и новых торговых путей лишало итальянские города преимуществ в международной торговле. Но, как известно, в истории культуры периоды расцвета искусства не совпадают с общим социально-экономическим развитием общества. И в период экономического упадка и политического порабощения, в трудные для Италии времена наступает недолгий век итальянского Возрождения - Высокий Ренессанс. Именно в это время гуманистическая культура Италии стала всемирным достоянием, перестала быть местным явлением. Итальянские художники стали пользоваться всеевропейской популярностью, которую действительно заслуживали.

Если искусство Кватроченто - это анализ, поиски, находки, свежесть юношеского мироощущения, то искусство Высокого Ренессанса - это итог, синтез, мудрая зрелость. Поиски художественного идеала в период Кватроченто привели искусство к обобщению, к раскрытию общих закономерностей. Главное отличие искусства Высокого Ренессанса в том, что оно отрешается от частностей, деталей, подробностей во имя обобщенного образа. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у великих мастеров Чинквеченто в грандиозном обобщении.

Реалистический метод художников Высокого Возрождения своеобразен. Они убеждены, что значительное может существовать только в прекрасной оболочке. Поэтому они стремятся видеть лишь исключительные явления, возвышающиеся над повседневностью. Итальянские художники создавали образы героических личностей, прекрасных и сильных духом людей.

Это была эра титанов Возрождения, подарившая мировой культуре творчество Леонардо, Рафаэля, Микеланджело. В истории мировой культуры эти три гения, несмотря на всю их несхожесть, творческую индивидуальность, олицетворяют главную ценность итальянского Возрождения - гармонию красоты, мощи и интеллекта. Судьбы этих художников (чья мощная человеческая и художественная индивидуальность заставляла выступать их как соперников, неприязненно относиться друг к другу) имели много общего. Все трое сформировались во флорентийской школе, а потом работали при дворах меценатов, главным образом римских пап. Их жизнь - свидетельство того изменения отношения общества к творческой личности художника, которое характерно для эпохи Возрождения. Мастера искусств стали заметными и ценными фигурами в обществе, они справедливо считались образованнейшими людьми своего времени.

Эта характеристика, может быть, больше, чем к другим деятелям Возрождения, подходит к Леонардо да Винчи (1452-1519). Он объединил в себе художественный и научный гений. Леонардо был ученым, изучающим природу не ради искусства, а ради науки. Поэтому до нас дошло так мало законченных произведений Леонардо. Он начинал картины и бросал их, как только проблема казалась ему ясно сформулированной. Многие его наблюдения предвосхищают развитие европейской науки и живописи на целые столетия. Современные научные открытия подогревают интерес к его научно-фантастическим инженерным рисункам. Теоретические размышления Леонардо о красках, которые он изложил в своем "Трактате о живописи", предвосхищают главные предпосылки импрессионизма XIX в. Леонардо писал о чистоте звучания красок только на световой стороне предмета, о взаимном воздействии красок, о необходимости живописи на открытом воздухе. Эти наблюдения Леонардо совершенно не использованы в его живописи. Он был больше теоретиком чем практиком. Только в XX веке началось активное собирание воедино и обработка его огромного рукописного наследия (около 7000 страниц). Его изучение, несомненно, приведет к новым открытиям и объяснениям загадок легендарного творчества этого титана Возрождения.

Новым этапом в искусстве была роспись стены трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие на сюжет "Тайной вечери", который писали многие художники Кватроченто. "Тайная вечеря" - краеугольный камень классического искусства, в ней осуществлена программа Высокого Возрождения. Она воздействует абсолютной продуманностью, согласованностью частей и целого, силой своей духовной концентрации.

Леонардо работал над этим произведением 16 лет.

Одной из самых знаменитых картин в мире стала работа Леонардо "Джоконда". Этот портрет жены купца дель Джокондо приковывал внимание на протяжении столетий, о нем написаны сотни страниц комментариев, его похищали, подделывали, копировали, ему приписывали колдовскую силу. Неуловимое выражение лица Джоконды не поддается точному описанию и воспроизведению. Самое малейшее изменение оттенков (которое может зависеть просто от освещения портрета) в уголках губ, в переходах от подбородка к щеке меняет характер лица. На разных репродукциях Джоконда выглядит несколько по-иному, то чуть-чуть мягче, то ироничнее, то задумчивее. Неуловимость в самом облике Моны Лизы, в ее проницательном взгляде, будто неотрывно следящем за зрителем, в ее полуулыбке. Этот портрет стал шедевром ренессансного искусства. Впервые в истории мирового искусства портретный жанр встал на один уровень с композициями на религиозную тему.

Идеи монументального искусства Возрождения нашли яркое выражение в творчестве Рафаэля Санти (1483-1520). Леонардо создал классический стиль, Рафаэль его утвердил и популяризовал. Искусство Рафаэля часто определяют как "золотую середину". Его композиция превосходит все, что было создано в европейской живописи, своей абсолютной гармонией пропорций. Искусство Рафаэля на протяжении пяти веков воспринимается как высший ориентир в духовной жизни человечества, как один из образцов эстетического совершенства. Творчество Рафаэля отличают качества классики - ясность, благородная простота, гармония. Всей своей сутью оно связано с духовной культурой Ренессанса.

Самые выдающиеся из монументальных работ Рафаэля - это росписи ватиканских апартаментов папы. Многофигурные крупномасштабные композиции покрывают все стены трех залов. В росписи Рафаэлю помогали ученики. Лучшие фрески, как, например, "Афинская школа", он исполнял собственноручно. Сюжеты росписи включали фрески-аллегории основных сфер духовной деятельности человека: философии, поэзии, богословия и правосудия. В картинах и фресках Рафаэля - идеально-возвышенное изображение христианских образов, античных мифов и человеческой истории. Он умел соединять ценности земного бытия и идеальные представления как никто другой из мастеров Возрождения. Историческая заслуга его искусства в том, что он связал в одно целое два мира - мир христианский и мир языческий. С этого времени новый художественный идеал надолго утвердился в религиозном искусстве Западной Европы.

Светлый гений Рафаэля был далек от психологической углубленности во внутренний мир человека, как у Леонардо, но еще более он чужд трагическому мироощущению Микеланджело. В творчестве Микеланджело обозначилось крушение стиля Ренессанса и наметились ростки нового художественного миропонимания. Микельанджело Буонарроти (1475-1564) прожил долгую, трудную и героическую жизнь. Его гений проявился в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре. Он воспринимал мир пластически, во всех областях искусства он прежде всего скульптор. Тело человека кажется ему самым достойным предметом изображения. Но это человек особой, могучей, героической породы. Искусство Микеланджело посвящено прославлению человека-борца, его героической деятельности и страданиям. Его искусству свойственны гигантомания, титаническое начало. Это искусство площадей, общественных сооружений, а не дворцовых залов, искусство для народа, а не для придворных аристократов.

Самым грандиозным из его трудов стала роспись свода Сикстинской капеллы. Микеланджело совершил поистине титанический труд - в течение четырех лет он один расписал площадь около 600 кв. метров. Изо дня в день он писал на высоте 18 метров, стоя на лесах и запрокидывая голову. После окончания росписи его здоровье было совершенно подорвано, а тело обезображено (впала грудь, выгнулся корпус, вырос зоб; долгое время художник не мог смотреть прямо перед собой и читал, поднимая книгу над головой). Грандиозная роспись посвящена сценам священной истории, начиная от сотворения мира. Микеланджело написал на плафоне около 200 фигур и фигурных композиций. Никогда и нигде не было ничего, подобного замыслу Микеланджело по размаху и цельности. На своде Сикстинской капеллы он создал гимн во славу героического человечества. Его герои - живые люди, в них нет ничего сверхъестественного, но вместе с тем, это прекрасные могучие, титанические личности. Мастера Кватроченто задолго до Микеланджело иллюстрировали на стенах капеллы различные эпизоды церковного предания, Микеланджело на своде хотел представить судьбы человечества до искупления.

Всякая мысль о том, что картина есть плоскость, исчезает. Фигуры свободно движутся в пространстве. Фрески Микеланджело прорывают плоскость стены. Эта иллюзия пространства и движения стала огромным достижением европейского искусства. Открытие Микеланджело того, что декорация может выдвинуть вперед или заставить отступить назад стену и потолок, позднее использует декоративное искусство барокко.

Искусство, верное традициям Ренессанса, продолжает жить в XVI веке в Венеции - городе, дольше всех сохранившем свою независимость. В этой богатой патрицианско-купеческой республике, издавна поддерживающей торговые связи с Византией, с арабским Востоком, по-своему перерабатывались восточные вкусы и традиции. Главное воздействие венецианской живописи - в ее необычайном, колорите. Любовь к цвету постепенно приводила художников венецианской школы к новому живописному принципу. Объемность, материальность изображения достигаются не светотеневой моделировкой, а искусством цветовой лепки.

5. Архитектура и скульптура эпохи возрождения