Экскурсия по Государственному музею изобразительных искусств имени А.С. Пушкина

Здравствуйте, я ваш экскурсовод Елена Анатольевна.

Мы находимся в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Прежде чем начать знакомство с экспозицией, я немного расскажу вам о его истории.

Церемония закладки Музея состоялась 17августа 1898 года. Этому знаменательному событию предшествовали долгие годы огромной и созидательной работы. Ко времени торжественного акта закладки Музея, совершенного в присутствии императора Николая II и членов его семьи, Московской Городской думой для строительства здания была безвозмездно передана территория бывшего Колымажного двора вблизи Кремля. Было принято Положение о Комитете по устройству Музея. Официально было утверждено его название -- Музей изящных искусств имени императора Александра III. Был организован архитектурный конкурс на здание Музея. Строительные работы начались за месяц до закладки, и, что важно, к этому времени Комитет по устройству Музея уже располагал значительной частью коллекций.

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина - это одно из крупнейших в России художественных собраний зарубежного искусства с древнейших времен до наших дней.

В современной экспозиции представлены обширная учебная коллекция тонированных гипсовых слепков с произведений античности, Средних веков и эпохи Возрождения и собрание подлинных произведений живописи, скульптуры, графики и декоративно-прикладного искусства.

В настоящее время собрание ГМИИ им. А.С. Пушкина насчитывает свыше 560 тысяч произведений живописи и скульптуры, графических работ, произведений прикладного искусства, памятников археологии и нумизматики, художественной фотографии.

В рукописном фонде хранятся документы по истории музея, научное и эпистолярное наследие его основателя, других музейных деятелей, крупных искусствоведов и художников, архивы некоторых музеев, чьи коллекции поступили в ГМИИ.

А теперь я предлагаю пройти в зал, где представлены работы из коллекции голландской живописи ХVII века. Прежде чем ознакомиться с ними, я хотела бы рассказать о внутреннем мире голландской живописи, об основах создания этих шедевров.

Главное достижение голландского искусства XVII века - в станковой живописи. Объектами наблюдения и изображения голландских художников были человек и природа. В картинах, изображающих голландский быт, нашли отражение трудолюбие, усердие, любовь к порядку и чистоте. Бытовая живопись становится одним из ведущих жанров.

Картины голландской школы XVII столетия составляют один из самых многочисленных и привлекательных разделов экспозиции ГМИИ. Живопись голландских мастеров обладает своей неповторимой спецификой. Ей присущ обострённый интерес к образу человека и материального мира в целом, изображение которых становилось персонификацией духовных понятий и идей. В условиях жесткой зависимости от рыночной конкуренции голландские художники сосредоточили внимание на одном или нескольких жанрах, где они чувствовали себя наиболее уверенно. Голландцы хотели видеть в картинах весь многообразный мир. Отсюда широкий диапазон живописи этого столетия, «узкая специализация» по отдельным видам тематики: портрет и пейзаж, натюрморт и анималистический жанр. Также представлена живопись на евангельские и библейские сюжеты, но далеко не в таком объеме, как в других странах, равно как и античная мифология. Но в каком бы жанре ни работали голландские мастера, везде они находят поэтическую красоту в обыденном, умеют одухотворить и возвысить мир материальных вещей. Голландская живопись ХVII века отличается от живописи любой другой страны прежде всего последовательным реализмом и жизнеутверждающим оптимизмом, ведущее место в ней заняли так называемые "низшие" жанры - портрет, бытовая живопись, пейзаж и натюрморт.

Свое полное воплощение голландская нация нашла в личности и творчестве величайшего из представителей ее искусства - Рембрандта Харменса Ван Рейна. Его творчество - одна из вершин мировой реалистической живописи. Рембрандт писал картины на исторические, библейские, мифологические и бытовые темы, портреты и пейзажи. Он был крупнейшим в Европе мастером рисунка и офорта. Для его творчества характерно стремление к философскому осмыслению жизни, честность к себе и людям, интерес к духовному миру человека. Нравственная оценка событий и человека - основной нерв искусства мастера. Одухотворенность модели и драматизм события художник великолепно передавал через эффекты светотени, когда пространство словно тонет в тени, в золотистых сумерках, а луч света выделяет отдельные фигуры людей, их лица, жесты и движения. В этом методе живописного построения картины Рембрандту не было и нет равных.

Прошу обратить внимание на его работу «АРТАКСЕРКС, АМАН И ЭСФИРЬ».

Картина принадлежит к самым значительным созданиям позднего периода творчества Рембрандта. Ее сюжет -- эпизод библейской легенды о царице Эсфири, обличившей перед своим супругом, персидским царем Артаксерксом, коварные замыслы его приближенного Амана, грозившие уничтожением целому народу. Скупые, но красноречивые жесты и позы персонажей раскрывают драматический конфликт между ними. В картине царит напряженная атмосфера ожидания. Фигура Эсфири озарена сиянием, ее одежда с длинным шлейфом сверкает, как если бы она была покрыта драгоценными камнями. В глубокую тьму погружен Аман. Рембрандт достигает удивительной глубины в передаче внутренней жизни своих героев, их духовной энергии.

Творчество Рембрандта оказало огромное влияние на целый ряд других голландских художников, которых по праву можно считать его учениками.

Впервые в качестве самостоятельного раздела показаны шесть картин Рембрандта, а также работы его учеников и последователей: Якоба Баккера, Филипса Конинка, Яна Ливенса, Карела Фабрициуса, Гербрандта ван ден Экхаута, Фердинанда Бола и Николауса Кнюпфера. Созданные в разные периоды и в разных жанрах, они хорошо показывают органичное взаимодействие творчества гениального голландского мастера и его современников.

Несомненной особенностью экспозиции данного зала является показ на примере отдельных выдающихся памятников не только художественного своеобразия и эволюции творчества Рембрандта, но и интереса к нему представителей различных слоёв русского общества на протяжении более двух веков, перемены их вкусовых пристрастий. Весьма симптоматично, что единственная в России картина раннего, лейденского периода творчества Рембрандта «Изгнание торгующих из храма» происходит не из императорского или княжеского собрания, но из коллекции московского фабриканта Г.А. Брокара. В экспозиции также нашёл отражение качественной рост науки об искусстве, совершенствование методологии современных исследований. Ведь многие выдающиеся произведения, которые были приобретены русскими собирателями как оригинальные творения Рембрандта, современная наука справедливо считает образцами творчества его учеников и последователей. При этом меняется не столько представление о памятнике, образно-художественное содержание которого объективно остаётся неизменным, сколько о масштабе дарования и круге творческих интересов его действительного создателя (что хорошо видно на примере атрибуции Карелу Фабрициусу - несомненно, самому талантливому и оригинальному среди учеников Рембрандта - картины «Гера, скрывающаяся у Океана и Тефии», а также определения авторства молодого Абрахама ван Дейка в работе «Молитва перед обедом»).

Наряду с обширным кругом мастеров, каждый из которых представлял какой-либо один из разделов пейзажной живописи, Голландия выдвинула художника, синтезировавшего в своем творчестве практически весь репертуар и главную проблематику этого жанра. Речь идет о Якобе ван Рейсдале

Здесь мы видим его работу «ВИД НА ЭГМОНД-АН-ЗЕЕ»

Якоб Рейсдал -- самый крупный голландский пейзажист и один из величайших мастеров этого жанра в истории живописи. Подобно своим современникам, он писал пейзажи, сохраняя верность непосредственному наблюдению натуры, тонко выявляя своеобразие голландской природы. Каждая картина Рейсдала -- это не только вид определенной местности, но глубокий, величественный образ, воплощающий раздумья о жизни, в которой художник обнаруживает близкие ему романтические и героические черты. Живопись Рейсдала отличают особая материальность фактуры, весомость мазка, пластическая законченность.

"Вид на Эгмонд" изображает местность, неоднократно встречающуюся и в других полотнах Рейсдала. В этой картине художник воплотил глубоко драматическое настроение. Крутой поворот дороги энергично уводит взгляд в глубину картины, где почти в центре, над группой небольших домиков возвышается четырехгранная колокольня. Ее силуэт рисуется на фоне неба, покрытого густыми плотными облаками. В их форме и движении есть что-то грозное и напряженное, возвещающее грядущую бурю. Глубина и насыщенность переживания, чувство тревоги и ожидание внезапных перемен выражены всем композиционным строем картины.

Многогранность Рейсдаля - пример универсального восприятия мира природы, типичного для голландской школы живописи в целом, но в данном случае воплотившегося в одной творческой личности.

В творчестве Якоба ван Рейсдаля голландская пейзажная живопись достигает вершин реалистического мастерства. Значение Рейсдаля для художественной культуры заключается в том, что он обогатил изобразительное искусство пейзажем, в котором нашли выход чувства и мысли, возникающие у человека при общении с природой, - пейзажем драматическим, философским и романтически взволнованным.

В отличие от большинства голландских живописцев, изображавших пронизанные светом равнинные или дюнные ландшафты с величественными спокойными водами и мирными поселками по берегам, Рейсдаль предпочитает лес, с его глубокими контрастами света и тени, бурные водопады, древние развалины на вершинах холмов, запустение кладбищ. В своих картинах художник размышляет о бесконечном беге времени, об увядании и возрождении природы, о быстротечности человеческой жизни.

Создателями более демократического жанра живописи - натюрмортов были живописцы В. К. Хеда и П. Клас. "Действующими лицами" их работ стали немногочисленные и, как правило, очень скромные по своему внешнему виду предметы повседневного домашнего быта. Художники сумели увидеть за вещью человека, разглядеть в предмете общественно-историческое содержание. Опрокинутый бокал, скомканная скатерть, небрежно поставленная тарелка - эти проявления незримого присутствия хозяина отражают его индивидуальный вкус, его образ жизни.

Питер Клас был первым мастером, сосредоточившим все свое внимание на изображении предметов, окружающих человека в его повседневной жизни. "Трубки и жаровня"- лучший тому пример.

Глиняный кувшин и стакан с пивом, жаровня, в которой тлеет торф, две глиняные трубки из Гауды, известного центра их производства, табак на оловянной тарелке и табакерка - что может быть обычнее? Художник так располагает предметы в пространстве и на плоскости, что образуется диагональ, объединяющая их и подчеркивающая направление светового потока. Приглушенная колористическая гамма позволяет все же оценить и серо-голубой цвет кувшина, и розовый - грелки, и красно-коричневый - стакана с пивом.

Значительно тоньше сгармонирован по цвету "Завтрак с ветчиной".

В небольших по размерам полотнах Класа перед нами предстают предметы повседневного обихода, часто скромные и непритязательные. Мастерски передано ощущение внутренней жизни этих вещей, их тесная связь с атмосферой реального быта. Излюбленный мотив Класа -"завтрак", стол, на котором расположены лимон, хлебец, серебряная посуда, стеклянный бокал. Каждый предмет наделен своим характером, в каждом подчеркнута его структура, его материальная природа. Смятая белая салфетка, румяная корочка хлебца, блеск стекла и серебра -- в передаче всех этих мотивов художник достигает большой убедительности. Локальные цвета предметов подчинены нежному серебристому тону, прозрачная светотень мягко лепит объемы, очень сдержанно выявляя фактурное разнообразие вещей.

Жанр натюрморта получил большое распространение в Голландии в XVII веке. Виллем Клас Хеда - второй ведущий мастер жанра "монохромных завтраков". Колорит его произведений в большей степени, чем у Класа, подчинен тоновому началу, и его натюрморты состоят из предметов, почти лишенных ярких локальных цветов: цинковые кувшины, оловянные тарелки, прозрачное или зеленоватое стекло, серебряный или иногда, позолоченный кубок. Эти оттенки серебристо-серой гаммы тонко соотнесены с серым "воздушным" фоном и белой или оливково-зеленой скатертью.

Композиция натюрмортов Хеды строго продумана и всегда крепко построена. За кажущей случайностью расположения вещей скрывается тонкий расчет на контраст различных материальных качеств предметов и настойчивое желание полнее рассказать о каждом из них. Этим же целям служит льющийся спокойным потоком свет, посредством многочисленных рефлексов обобщающий все предметы.

Одна из его работ «ВЕТЧИНА И СЕРЕБРЯНАЯ ПОСУДА» -- собранное на краю стола небольшое количество обыденных вещей, изображение которых имеет скрытый аллегорический смысл: погасшая свеча, символ окончившейся жизни, дает ключ к его прочтению. Серебряная посуда означает земное богатство, ветчина -- чувственные радости, лимон -- внешнюю красоту, внутри которой скрывается горечь. В картине заключено размышление о бренности существования человека на Земле, призыв позаботиться не о теле, а о душе.

Одним из самых проникновенных певцов голландской семьи был Питер де Хох. Сюжеты его картин просты; чаще всего он изображает женщину-мать и хозяйку, погруженную в заботы о доме, о детях. Это трудовые будни, в которых отсутствует всякая парадность. Вместе с тем интерьеры Питера де Хоха, являющиеся местом действий его персонажей, -- это всегда эмоционально насыщенная среда. Она полна уюта и домашнего тепла, все выдержано в размеренных мягких ритмах.

«Больное дитя» -- одна из двух картин Питера де Хоха в собрании музея. Мирным покоем дышит атмосфера комнаты с зажженным камином, радостным блеском делфтского фаянса на стене. Неторопливы жесты служанки и матери у колыбели. Только вспышка яркого света, падающего из окна на стену, вносит тревожную ноту в этот ясный и спокойный мир.

Всего 20 лет -- половина моисеева срока -- понадобилось для того, чтобы из единого монолита позднего искусства Возрождения Нидерландов появились две совершенно отличные друг от друга ветви: по-рубенсовски пышные фламандцы и малые голландцы, противопоставление которых стало избитым приемом любой популярной истории искусств. Выставка показывает, насколько политические события (разделившие в конце XVI века Нидерланды на два государства и переместившие их в новый и для этих стран уже буржуазный век) обостряют способность к художественной мимикрии. Один и тот же художник (например, представленный работой фламандского периода Александр Кейрингс), переезжая из Антверпена в Амстердам, полностью менял свою манеру.

С уверенностью скажем, что в Пушкинском музее каждый найдет шедевры по своему вкусу. Чтобы экскурсия была понятной и интересной, мы предложим услуги экскурсоводов и переводчиков, которые помогут более детально ознакомиться с экспозицией. Знакомство с сокровищницей мировой живописи может быть организовано в любое удобное для ваших гостей время.

Это всё, что я хотела рассказать. Надеюсь, вам понравилось, и вы посоветуете вашим близким и друзьям побывать в нашем удивительном музее.