Театральные зрелища и их роль в общественной жизни Древней Греции

Тема: Театральные зрелища и их роль в общественной жизни Древней Греции

Содержание

ВСТУПЛЕНИЕ.......................................................................

РАЗДЕЛ 1. ТЕАТР КЛАССИЧЕСКОЙ ЭПОХИ…………....

1.1. Происхождение древнегреческой драмы………………...

1.2. Театр демократических Афин. V век до нашей эры……

1.3. Архитектура древнегреческого театра……………..........

РАЗДЕЛ 2. ТЕАТР ЭЛЛИНИСТИЧЕСКОЙ ЭПОХИ…….

2.1. Особенности театра эллинистической эпохи....................

2.2. Менандр - крупнейший драматург эллинистической эпохи.......

2.3. Мимы и флиаки....................................................................

РАЗДЕЛ 3. РОЛЬ ТЕАТРА В ОБЩЕСТВЕННОЙ ЖИЗНИ ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ...................................

3.1. Философские взгляды Аристотеля на древнегреческую драматургию.........................................

3.2.Роль театра в древнегреческом обществе..........................

ВЫВОДЫ.....................................................................................................

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ..........

Вступление

Древняя Греция была колыбелью европейской цивилизации и культуры. Именно здесь были заложены те материальные, духовные, эстетические ценности, которые в той или иной мере нашли своё развитие почти у всех европейских народов.

Историю древней Греции принято делить на 5 периодов, которые являются одновременно и культурными эпохами:

1. Эгейский или критомикенский (III - II тыс. до н.э.),

2. Гомеровский (XI - IX вв. до н.э.),

3. Архаический (VIII - VI вв. до н.э.),

4. Классический (V - IV вв. до н.э.),

5. Эллинистический ( вторая половина IV - середина I вв. до н.э.).

В данной работе мы рассмотрим театр классической и эллинистической эпох, так как именно в это время культура древней Греции достигла наибольшего расцвета

Наследие оставленное нам античностью в области литературы и искусства, огромно. Основные роды поэзии - эпос, лирика и драма - возникли в Греции. Античная архитектура, скульптура, литература и театр были предметом изучения и подражания и в последующие века. Значение античного театра выходит далеко за хронологические рамки породившего его общества. Когда, например, в эпоху Возрождения стали создаваться первые литературные трагедии и комедии, образцами для них послужили пьесы античных авторов. Позже выдающиеся западноевропейские драматурги неоднократно обращались к богатому театральному наследию, оставленному античностью (Шекспир в Англии, Корнель и Расин во Франции, Шиллер и Гете в Германии, Альфьери в Италии и другие).

На протяжении XIX и XX вв. на европейских сценах шли античные драмы. Во Франции в 80-х годах XIX века ставили «Эдипа - царя» Софокла под открытым небом в Оранже, в театре, сохранившемся еще со времен Римской империи. Роль Эдипа исполнял знаменитый трагический актер Муне Сюлли. Московский художественный театр ставил в 1899 году «Антигону» Софокла. На сцене советских театров неоднократно шел «Эдип - царь». Впервые в советское время эта трагедия была поставлена в 1918 году в Петрограде Ю.М. Юрьевым в помещении цирка Чинизелли. Примечательна постановка «Медеи» Еврипида на сцене Театра имени Маяковского (режиссура Н.П. Охлопкова).

Драма родилась в Греции в VI в. до н.э., когда окончательно установился рабовладельческий строй. Рабовладение в древней Греции обладало той особенностью, что рабами тут были только иноплеменники; сами же греки (со времен законодательства Солона) являлись свободными людьми. Другой особенностью греческого рабства было то, что, помимо форм частного рабовладения, здесь существовали и формы общинного пользования рабским трудом. На первых порах, как пишет Энгельс, рабство играло прогрессивную роль в развитии общества: «Только рабство сделало возможным в более крупном масштабе разделение труда между земледелием и промышленностью и таким путем создало условия для расцвета культуры древнего мира - для греческой культуры. Без рабства не было бы греческого государства, греческого искусства и греческой науки…». Распад родового строя привел почти во всей Греции к созданию городов-государств (полисов), которые представляли собой общины свободных граждан, связанных племенным родством. Каждое такое государство состояло из небольшого города и примыкавших к нему деревень. Вся территория считалась собственностью государства, но земельные наделы могли получать только свободные члены общины.

В каждом полисе был свой уклад жизни, свои политические и этические нормы.

Были полисы аристократические (как Спарта), власть в которой принадлежала родовой знати (аристократии). Были полисы демократические (как Афины), где все государственные вопросы решались на народном собрании, где должны были соблюдаться равенство граждан перед законом, свобода слова, право быть избранным на государственные должности.

Развитие драмы происходит именно в демократических полисах. В Спарте никогда не было ни своих драматургов, ни своего театра. Зато Афины становятся центром культурной жизни всей Греции. Здесь, на аттической земле, расцветают науки и искусства.

Это происходит потому, что именно в демократическом полисе, несмотря на недостатки и противоречия афинской демократии, были возможности выявления способностей - каждый гражданин в пределах своего государства считал себя равноправным и полноправным членом общества. Он постоянно ощущал кровную связь с полисом и живо откликался на все вопросы политической и экономической жизни своего государства. Он стремился понять окружающий его мир, законы, управляющие развитием общества. Конечно, объяснение этих законов на первых порах еще очень примитивно, оно не выходит за рамки традиционной полисной религии, но положительным моментом является уже само стремление понять и познать окружающий мир, определить в нем место человека. Вопросы общественно-политической жизни широко обсуждались афинскими гражданами не только в народном собрании, но и в театре.

Почвой древнегреческого искусства считают мифологию. В ходе развития греческой трагедии в круг ее сюжетов, помимо мифов о Дионисе, вошли рассказы о судьбах героев древности - Эдипа, Агамемнона, Геракла, Фесея и других. Таким образом, и в начале своего развития, и в последующие времена греческая трагедия заимствовала свои сюжеты из мифологии, которая, по выражению Маркса «составляла не только арсенал греческого искусства, но и его почву».Это объясняется характером греческой мифологии - ее глубокой художественной выразительностью. Мифология греков выросла из стремления объяснить окружающий мир и была тесно связана с религией. В Греции не было могущественной замкнутой касты жрецов, которая препятствовала бы изображению богов в образе людей и мешала свободному созданию мифов. Поэтому мифы - религиозные сказания - были богаты жизненными мотивами.

Греческая трагедия целиком основывается на мифологии. Но сквозь мифологическую оболочку драматург отражал в трагедии современную ему общественную жизнь, высказывал свои политические, философские и этические воззрения. Использование мифологии делало трагедию необычайно доходчивой. В каждой пьесе зритель встречал уже знакомые ему лица и события и мог свободнее следить за тем, как эти мифы перерабатывала творческая фантазия драматурга. Роль трагических представлений в общественно-политическом и этическом воспитании граждан была огромна.

Раздел 1. Театр классической эпохи

1.1. Происхождение древнегреческой драмы

Происхождение древнегреческой драмы и театра. Появлению театра в Греции предшествовал длительный период, на протяжении которого главенствующее место занимали сначала эпос, а затем лирика. Все мы знаем богатый героический эпос - поэмы "Илиада" и "Одиссея", дидактический (поучительный) эпос - поэмы Гесиода(VII в. до н.э.); это произведения лирических поэтов VI в. до н.э. Рождение греческой драмы и театра связано с обрядовыми играми, которые посвящались богам-покровителям земледелия: Деметре, ее дочери Коре, Дионису. Такие обряды иногда превращались в культовую драму. Например, в городе Элевсине во время мистерий (таинств, на которых присутствовали лишь посвященные) устраивались игры, вовремя которых изображалось бракосочетание Зевса и Деметры, похищение Коры Плутоном, скитания Деметры в поисках дочери и возвращение Коры на землю. Дионис (или Вакх) считался богом творческих сил природы; позднее он стал богом виноделия, а потом богом поэзии и театра. Символами Диониса служили растения, особенно виноградная лоза. Его часто изображали в виде быка или козла.

На праздниках, посвященных Дионису, распевали не только торжественные, но и веселые карнавальные песни. Шумное веселье устраивали ряженые, составлявшие свиту Диониса. Участники праздничного шествия мазали лицо винной гущей, надевали маски и козлиные шкуры. Из обрядовых игр и песен в честь Диониса выросли три жанра древнегреческой драмы: трагедия, комедия и сатировская комедия (названная так по хору, состоявшему из сатиров). Трагедия отражала серьезную сторону дионисийского культа, комедия - карнавально-сатирическую. Сатировская драма представлялась средним жанром. Веселый игровой характер и счастливый конец определили ее место на праздниках в честь Диониса: сатировскую драму ставили как заключение к представлению трагедий.

Трагедия, по свидетельству Аристотеля, брала начало от запевал дифирамба, комедия - от запевал фаллических песен, т.е. песен, в которых прославлялись плодоносящие силы природы. К диалогу, который вели эти запевалы с хором, примешивались элементы актерской игры, и миф как бы оживал перед участниками праздника. Многое о происхождении греческой драмы могут сказать сами слова трагедия и комедия. Слово трагедия происходит от двух греческих слов: трагос - "козел" и одэ - "песнь", т.е. "песнь козлов". Это название вновь ведет нас к сатирам-спутникам Диониса, козлоногим существам, прославлявшим подвиги и страдания бога. Слово комедия происходит от слов комос и одэ. "Комос" - это шествие подвыпившей толпы ряженых, осыпавших друг друга шутками и насмешками, на сельских праздниках в честь Диониса. Следовательно, слово комедия обозначает "песнь комоса". Греческая трагедия, как правило, брала сюжеты из мифологии, которая хорошо была известна каждому греку. Интерес зрителей сосредоточивался не на фабуле, а на трактовке мифа автором, на той общественной и нравственной проблематике, которая разворачивалась вокруг всем известных эпизодов мифа. Используя мифологическую оболочку, драматург отражал в трагедии современную ему общественно-политическую жизнь, высказывал свои этические, философские, религиозные воззрения. Поэтому роль трагических представлений в общественно-политическом и этическом воспитании граждан была огромна.

Уже во второй половине VI в. до н.э. трагедия достигла значительного развития. Античная история передает, что первым афинским трагическим поэтом был Феспид (VI в. до н.э.).Первая постановка его трагедии (название ее неизвестно) состоялась весной 534 г. до н.э. на празднике Великих Дионисий. Этот год принято считать годом рождения мирового театра.

Феспиду приписывают усовершенствование масок и театральных костюмов. Но главным нововведением Феспида было выделение из хора одного исполнителя, актера. Этот актер, или, как его называли в Греции, гипокрит ("ответчик"),мог обращаться к хору с вопросами, отвечать на вопросы хора, изображать по ходу действия различных персонажей, покидать сценическую площадку и возвращаться на нее. Таким образом, ранняя греческая трагедия была своеобразным диалогом между актеров и хором и по форме напоминала скорее кантану. При этом, хотя количественно партия актера в первоначальной драме была невелика и главную роль играл хор, именно актер с самого своего появления стал носителем действенного, энергичного начала. В комедии гораздо шире, чем в трагедии, к мифологическим мотивам примешивались житейские, которые постепенно стали преобладающими или даже единственными, хотя в целом комедия по-прежнему считалась посвященной Дионису. Так, во время комоса стали разыгрываться небольшие сценки бытового и пародийно-сатирического содержания. Эти импровизированные сценки представляли собой элементарную форму народного балаганного театра и назывались мимами (в переводе значит "подражание", "воспроизведение"; исполнители этих сценок также назывались мимами). Героями мимов были традиционные маски народного театра: горе-воин, базарный воришка, ученый-шарлатан, простак, дурачащий всех, и т.д. Песни комоса и мимы - это главные истоки древней аттической комедии. Возникшая из аттического комоса комедия V в. до н.э. была политической по своему содержанию. Она постоянно затрагивала вопросы политического строя, внешней политики Афинского государства, вопросы воспитания молодежи, литературной борьбы и др.

Злободневность древней аттической комедии усугублялась тем, что в ней допускалась полная свобода в карикатурном изображении отдельных граждан, выводимых к тому же под своими подлинными именами (поэты Эсхил, Софокл, Еврипид, Агафон, вождь афинской демократии Клеон, философ Сократ и другие). При этом древняя аттическая комедия создает обычно образ не индивидуальный, а обобщенный, близкий к маске народного комедийного театра. Например, Сократ в "Облаках" Аристофана наделен не чертами реального лица, но всеми свойствами ученого-шарлатана, одной из любимых масок народных карнавалов. Такая комедия могла существовать только в условиях афинской рабовладельческой демократии.

1.2.Театр демократических Афин. V век до нашей эры

Своего наивысшего расцвета древнегреческое театральное искусство достигло в творчестве трех великих трагиков V в.до н.э. - Эсхила, Софокла, Еврипида и комедиографа Аристофана, деятельность которого захватывает и начало IV в. до н.э. Одновременно с ними писали и другие драматурги. Однако до нас дошли только небольшие отрывки их произведений, а иногда - лишь имена и скудные сведения.

Эсхил (525-456 до н.э.). Его творчество связано с эпохой становления Афинского демократического государства. Это государство формировалось в период греко-персидских войн, которые велись с небольшими перерывами с 500 до 449 г. до н.э. и носили для греческих государств-полисов освободительный характер. Эсхил происходил из знатного рода. Он родился в Элевсине, близ Афин. Известно, что Эсхил принимал участие в сражениях при Марафоне и Саламине. Битву при Саламине он описал как очевидец в трагедии "Персы".Незадолго до своей смерти Эсхил отправился на Сицилию, где и умер (в городе Геле). В надписи на его надгробии, сочиненной, по преданию, им самим, ничего не говорится о нем как о драматурге, но сказано, что он проявил себя мужественным воином в сражениях с персами. Эсхил написал около 80 трагедий и сатировских драм. До нас дошли полностью только семь трагедий; из других произведений сохранились небольшие отрывки. Трагедии Эсхила отражают основные тенденции его времени, те огромные сдвиги в социально-экономической и культурной жизни, которые были вызваны крушением родового строя и становлением афинской рабовладельческой демократии.

Мировоззрение Эсхила в основе своей было религиозно-мифологическим. Он верил, что существует извечный миропорядок, который подчиняется действию закона мировой справедливости. Человек, вольно или невольно нарушивший справедливый порядок, будет наказан богами, и тем самым равновесие восстановится. Идея неотвратимости возмездия и торжества справедливости проходит через все трагедии Эсхила.

Эсхил верит в судьбу - Мойру, верит, что ей повинуются даже боги. Однако к этому традиционному мировосприятию примешиваются и новые взгляды, порожденные развивающейся афинской демократией. Так, герои Эсхила - не безвольные существа, безоговорочно выполняющие волю божества: человек у него наделен свободным разумом, мыслит и действует вполне самостоятельно. Почти перед каждым героем Эсхила стоит проблема выбора линии поведения. Моральная ответственность человека за свои поступки - одна из основных тем трагедий драматурга.

Эсхил ввел в свои трагедии второго актера и тем открыл возможность более глубокой разработки трагического конфликта, усилил действенную сторону театрального представления. Это был настоящий переворот в театре: вместо старой трагедии, где партии единственного актера и хора заполняли всю пьесу, родилась новая трагедия, в которой персонажи сталкиваются на сцене друг с другом и сами непосредственно мотивировали свои действия. Внешняя структура трагедии Эсхила сохраняет следы близости к дифирамбу ,где партии запевалы перемежались с партиями хора.

Почти все дошедшие до нас трагедии начинаются с пролога, в котором содержится завязка действия. Затем следует парод - песня, которую исполняет хор, вступая на орхестру. Далее идет чередование писодиев (диалогических частей, исполняемых актерами, иногда при участии хора) и стасимов (песен хора). Заключительная часть трагедии называется эксодом; эксод - это песня, исполняя которую хор покидает сцену. В трагедиях встречаются также гипорхема (радостная песня хора, звучащая, как правило, в кульминационный момент, перед катастрофой), коммосы (совместные песни-плачи героев и хора), монологи героев.

Обычно трагедия состояла из 3-4 эписодиев и 3-4 стасимов. Стасимы разделяются на отдельные части-строфы и антистрофы, строго соответствующие по структуре одна другой. При исполнении строф и антистроф хор двигался по орхестре то в одну, то в другую сторону. Строфа и соответствующая ей антистрофа написаны всегда в одном и том же размере, а новые строфа и антистрофа - в другом. Таких пар в стасиме бывает несколько; их замыкает общий эпод (заключение). Песни хора обязательно исполнялись под аккомпанемент флейты. Кроме того, они нередко сопровождались танцами. Трагический танец назывался эммелейя. Из дошедших до нашего времени трагедий великого драматурга особо выделяются следующие: "Персы"(472 г. до н.э.), где прославляется победа греков над персами в морском сражении при острове Саламине (480 г. до н.э.); "Прометей Прикованный" - возможно, самая известная трагедия Эсхила, повествующая о подвиге титана Прометея, подарившего огонь людям и жестоко за это наказанного; трилогия "Орестея" (458 г. до н.э.),известная тем, что это единственный дошедший до нас полностью образец трилогии, в которой мастерство Эсхила достигло своего расцвета. Эсхил известен как лучший выразитель общественных устремлений своего времени. В своих трагедиях он показывает победу прогрессивных начал в развитии общества, в государственном устройстве, в морали. Творчество Эсхила оказало заметное влияние на развитие мировой поэзии и драматургии.

Софокл (496-406 до н.э.). Софокл происходил из зажиточной семьи владельца оружейной мастерской и получил хорошее образование. Его художественная одаренность проявилась уже в раннем возрасте: в шестнадцать лет он руководил хором юношей, прославлявшем саламинскую победу, а позже сам выступал как актер в собственных трагедиях, пользуясь большим успехом. В 486 г. Софокл одержал на конкурсе драматургов свою первую победу над самим Эсхилом. Вообще вся драматургическая деятельность Софокла сопровождалась неизменными успехами: он ни разу не получал третьей награды - занимал чаще всего первые и редко вторые места. Софокл принимал участие и в государственной жизни, занимая ответственные должности. Так, он был избран стратегом (военачальником) и вместе с Периклом участвовал в экспедиции против острова Самоса, решившего отделится от Афин. После смерти Софокла сограждане почитали его не только как великого поэта, но и одного из славных афинских героев. До нас дошло только семь трагедий Софокла, написал же он их свыше 120. Трагедии Софокла несут в себе новые черты. Если у Эсхила главными героями были боги, то у Софокла действуют люди, хотя и несколько оторванные от действительности. Поэтому о Софокле говорят, что он заставил трагедию спуститься с неба на землю. Основное внимание Софокл уделяет человеку, его душевным переживаниям. Конечно, в судьбах его героев ощущается влияние богов, даже если они и не появляются по ходу действия, и эти боги также могущественны, как и у Эсхила, они могут сокрушить человека. Но Софокл рисует прежде всего борьбу человека за осуществление своих целей, его чувства и мысли, показывает страдания, выпавшие на его долю.

У героев Софокла обычно такие же цельные характеры, как и у героев Эсхила. Сражаясь за свой идеал, они не знают душевных колебаний. Борьба ввергает героев в величайшие страдания, и иногда они гибнут. Но отказаться от борьбы герои Софокла не могут, потому что их ведет гражданский и нравственный долг. Благородные герои трагедий Софокла тесными узами связаны с коллективом граждан: это воплощение идеала гармонической личности, который был создан в годы расцвета Афин. Поэтому Софокла называют певцом афинской демократии. Однако творчество Софокла сложно и противоречиво. Его трагедии отразили не только расцвет, но и назревающий кризис полисной системы, закончившейся гибелью афинской демократии.

Греческая трагедия в творчестве Софокла достигает своего совершенства. Софокл ввел третьего актера, увеличил диалогические части комедии (эписодии) и уменьшил партии хора. Действие стало более живым и достоверным, так как на сцене могли одновременно выступать и давать мотивировку своим поступкам три персонажа. Однако хор у Софокла продолжает играть важную роль в трагедии, и число хоревтов было даже увеличено до 15 человек.

Интерес к переживаниям отдельной личности побудил Софокла отказаться от трилогий, где прослеживалась обычно судьба целого рода. По традиции он представлял на состязания три трагедии, но каждая из них была самостоятельным произведением. С именем Софокла также связано введение декорационной живописи. Наиболее известны трагедии Софокла из фиванского цикла мифов. Это "Антигона" (около 442 г. до н.э.), "Царь Эдип" (около 429 г. до н.э.) и "Эдип в Колоне" (поставлен в 441 г. до н.э., уже после смерти Софокла).

В основе этих трагедий, написанных и поставленных в разное время, лежит миф о фиванском царе Эдипе и о несчастьях, обрушившихся на его род. Сам того не зная, Эдип убивает своего отца и женится на своей матери. Через много лет, узнав ужасную правду, он выкалывает себе глаза и добровольно отправляется в изгнание. Эта часть мифа легла в основу трагедии "Царь Эдип". После долгих странствий, очищенный страданиями и прощенный богами, Эдип божественным образом умирает: его поглощает земля. Это происходит в пригороде Афин, Колоне, и могила страдальца становится святыней афинской земли. Об этом рассказывается в трагедии "Эдип в Колоне".

Трагедии Софокла явились художественным воплощением гражданских и нравственных идеалов античной рабовладельческой демократии периода ее расцвета (Софокл не дожил до страшного поражения афинян в Пелопоннесской войне 431-404 гг. до н.э.). Этими идеалами были политическое равенство и свобода всех полноправных граждан, беззаветное служение родине, уважение к богам, благородство стремлений и чувства сильных духом людей.

Еврипид (около 485-406 до н.э.). Социальный кризис афинской рабовладельческой демократии и обусловленная им ломка традиционных понятий и взглядов наиболее полно отразились в творчестве младшего современника Софокла - Еврипида. Родители Еврипида, по-видимому, были зажиточными людьми, и он получил хорошее образование. В противоположность Софоклу Еврипид не принимал непосредственного участия в политической жизни государства, однако он живо интересовался общественными событиями. Его трагедии полны разнообразных политических высказываний и намеков на современность. Большого успеха у современников Еврипид не имел: за всю свою жизнь он получил лишь 5 первых наград, причем последнюю - посмертно. Незадолго до смерти он покинул Афины и переехал ко двору македонского царя Архелая, где пользовался почетом. В Македонии он и умер (за несколько месяцев до смерти Софокла в Афинах).

От Еврипида дошло до нас полностью 18 драм (всего он написал от75 до 92) и большое количество отрывков. Драматург приблизил своих героев к действительности; он, по свидетельству Аристотеля, изображал людей такими, "каковы они есть". Персонажи его трагедий, оставаясь, как и у Эсхила и Софокла, героями мифов, наделялись мыслями, стремлениями, страстями современных поэту людей.

В ряде трагедий Еврипида звучит критика религиозных верований, и боги оказываются более коварными, жестокими и мстительными, чем люди.

По своим общественно-политическим взглядам был сторонником умеренной демократии, опорой которой он считал мелких землевладельцев. В некоторых его пьесах встречаются резкие выпады против политиков - демагогов: льстя народу, они добиваются власти, чтобы использовать ее в своих корыстных целях. В ряде трагедий Еврипид страстно изобличает тиранию: господство одного человека над другими людьми вопреки их воле ему представляется нарушением естественного гражданского порядка. Благородство, по Еврипиду, заключается в личных достоинствах и добродетели, а не в знатном происхождении и богатстве. Положительные персонажи Еврипида неоднократно высказывают мысль, что безудержное стремление к богатству может толкнуть человека на преступление.

Заслуживает внимание отношение Еврипида к рабам. Он считает, что рабство - это несправедливость и насилие, что природа у людей одна и раб, если у него благородная душа, ничуть не хуже свободного.

Еврипид часто откликается в своих трагедиях на события Пелопоннесской войны. Хотя он гордится военными успехами соотечественников, но в целом относится к войне отрицательно. Он показывает, какие страдания несет война людям, прежде всего женщинам и детям. Война может быть оправдана только в том случае, если люди защищают независимость своей родины.

Эти идеи выдвигают Еврипида в число самых прогрессивных мыслителей человечества.

Еврипид стал первым известным нам драматургом, в чьих произведениях характеры героев не только раскрывались, но и получали свое развитие. При этом он не боялся изображать низкие человеческие страсти, борьбу противоречивых стремлений у одного и того же человека. Аристотель назвал его трагичнейшим из всех греческих драматургов.

Слава пришла к Еврипиду после смерти. Уже в IV в. до н.э. его называли величайшим трагическим поэтом, и такое суждение о нем сохранилось на все последующие века.

Аристофан (.445 -- 385 гг. до н.э.) родился в Аттике в состоятельной семье. Филипп, отец Аристофана, владел участком земли на острове Эгина, что дало повод современникам считать, что Аристофан не афинского рода, хотя он был афинским гражданином. Первые свои пьесы не мог выставлять под собственным именем, так как был неизвестен и не имел возможности оплачивать хор. Под чужим именем была представлена первая комедия Аристофана «Пирующие» (427 г. до н.э.), судя по сохранившимся фрагментам -- сатира на софистическое воспитание и «модную» философию. В 426 году до н.э. на Великих Дионисиях поставил комедию «Вавилоняне», посвященную взаимоотношениям афинян и их союзников. За эту пьесу Аристофан был привлечен вождем афинского демоса, взяточником и демагогом Клеоном, высмеянным в комедии, к суду за оскорбление народа и его представителей перед союзниками. Подробности суда неизвестны, по-видимому, Аристофан достаточно легко отделался от обвинений.

Пьесы Аристофана отличаются смелостью фантазии, фривольным юмором, беспощадностью обличений, свободой политической критики. Объектами его сатиры были современные ему афинское общество, модная философия и литература, а также агрессивная политика Афин, тяготы Пелопоннесской войны, на которую пришлась большая часть жизни Аристофана. Его намеки и конкретные выпады, нюансы характеристик, подчас ускользающие от нас, были понятны современникам, находили у них живой отклик. Комедии Аристофана всегда актуальны и обладают почти публицистическим эффектом.

Теме «войны и мира» -- основной в дискуссиях политических партий в Афинах того времени -- посвящены пьесы Аристофана «Ахарняне» (425 г.до н.э.; поставлена от имени поэта и актера Каллистрата) и «Мир» (421 г. до н.э.). Сюжет комедии «Лисистрата» (411г. до н.э.), поставленной после катастрофического для Афин поражения Сицилийской экспедиции в 413 г. до н.э., исключителен во всей мировой литературе. Женщины Эллады, стремясь покончить с войной, под предводительством афинянки Лисистраты (греч. - Губящая войско) захватывают Акрополь в Афинах и дают клятву до прекращения войны отказывать мужчинам в любви. Война афинян со спартанцами, превратившаяся таким образом в войну женщин и мужчин, оканчивается союзом и всеобщим миром. Комедия полна юмора, фарса, грубых шуток, непристойных, но колоритных сцен.

В своих комедиях Аристофан высмеивает как выскочек, крикунов и неучей из низов, так и аристократов и «золотую» молодежь. Почти в каждой своей комедии Аристофан высмеивает вождя Афин Клеона, которого во «Всадниках» (424 г до н.э.; первая комедия Аристофана под его собственным именем) выводит крикуном и неучем, льстивым и хитрым рабом престарелого и тупого Демоса (Народа).

Главные действующие лица комедии «Осы» (422 г.до н.э.; поставленной от имени Филонида) получили имена, характеризующие их отношение к Клеону: Филоклеон (Клеонолюб) и Бдилеклеон (Клеононенавистник). Предмет высмеивания -- страсть афинян к сутяжничеству и, конкретно, закон о повышении платы судьям, продвинутый в народном собрании Клеоном. Хор в «Осах» -- старики-судьи, ищущие поживы и представленные в виде ос с жалами, которые набрасываются на противника судов, «врага демократии» и «сторонника тирании» Бдилеклеона.

Причины пороков общества Аристофан видит в войне и представителях новой философии и литературы, расшатывающих традиционные устои общества. В образе шарлатана, лжемудреца и наставника в пороках в «Облаках» (423 г до н.э.) он выводит Сократа. Облака -- хор из 24 девушек -- символ неясности и расплывчатости языка представителей новой философии.

На Великих Дионисиях 411 года до н.э. года Аристофан ставит «Женщин на празднике Фесмофорий», где высмеивает Еврипида и его младшего современника драматурга Агафона. Политических выпадов в комедии нет, в целом она представляет пародию на трагедии Еврипида «Елена» и «Андромеда». Хор состоит из женщин, собравшихся, чтобы осудить порочащего их Еврипида. Переодетый в женское платье друг последнего должен защищать его, но обман раскрыт, и герой, спасаясь у алтаря, пытается найти выход, и вспоминает для этого сюжетные ходы еврипидовских трагедий.

В 405 году до н.э. на Ленеях была поставлена комедия «Лягушки», которая не только получила первую награду, но даже была представлена дважды, что случалось крайне редко. Тема этой комедии, написанной после смерти в 406 Софокла и Еврипида, -- судьба трагической поэзии. Бог театра Дионис отправляется в подземное царство, чтобы вывести оттуда Еврипида, так как на земле перевелись трагические поэты. Однако после состязания Еврипида с Эсхилом, во время которого драматурги объясняют достоинства своих произведений и даже взвешивают фразы, Дионис забирает на землю Эсхила, герои которого благородны, а трагедии воспитывают доблесть и возвышенные гражданские чувства. Комический эффект путешествия Диониса по Аиду и состязания усиливается еще и тем, что хор в комедии представлен в виде лягушек.

К жанру утопии относятся комедии Аристофана «Птицы» (414 г. до н.э.), «Женщины в народном собрании» (392 г. до н.э.), «Богатство» («Плутос») (388г до г.э.). В «Птицах», написанных в форме сказки, наряду с людьми действуют и птицы (хор), которые между небом и землей создают свое царство, город Тучекукуевск; господство богов низвергнуто, миром правят пернатые.

В «Женщинах в народном собрании» афинянки под предводительством Праксагоры (она напоминает Лисистрату) начинают управлять государством, что приводит его к процветанию, мужчины бездельничают, жизнь полна пиров и наслаждений. Пьесы «Богатство» и «Женщины в народном собрании» сильно отличаются от написанных во время Пелопоннесской войны. Сатира в них смягчена, нападок на отдельных политических деятелей нет; сокращена роль хора, многие партии заменены музыкальными интермедиями.

Последние комедии Аристофана «Эолосикон» и «Кокал» были представлены уже после смерти драматурга его сыном Араром в 387 году до н.э.

1.3. Архитектура древнегреческого театра

Первоначально место для представлений устраивалось крайне просто: хор со своими песнопениями и плясками выступал на круглой утрамбованной площадке-орхестре (от глагола орхеомай - "танцую"), вокруг которой и собирались зрители. Но по мере того, как возрастало значение театрального искусства в общественной и культурной жизни Греции, и по мере усложнения драмы возникла необходимость в усовершенствованиях. Холмистый ландшафт Греции подсказал наиболее рациональное устройство сценической площадки и зрительских мест: орхестра стала располагаться у подножия холма, а зрители размещались по склону.

Все древнегреческие театры были открытыми и вмещали огромное количество зрителей. Афинский театр Диониса, например, вмещал до 17тысяч человек, театр в Эпидавре - до 10 тысяч.

В V веке до н.э. в Греции сложился устойчивый тип театрального сооружения, характерный для всей эпохи античности. Театр имел три главные части: орхестру, театрон (места для зрителей, от глагола теаомай -"смотрю") и скену (скенэ-"палатка", позже деревянное или каменное строение).

Размер театра определялся диаметром орхестры (от 11 до 30м). Скена располагалась по касательной к окружности орхестры. Передняя стена скены - Проскений, имевший обычно вид колоннады, изображал фасад храма или дворца. К скене примыкали два боковых строения, которые назывались параскениями. Параскении служили местом для хранения декораций и другого театрального имущества.

Между скеной и местами для зрителей, занимавшими несколько более половины круга, находились проходы-пароды, через которые в театр до начала спектакля входили зрители, а затем вступали на орхестру хор и актеры.

Сюжеты греческих драм требовали применения и театральных машин. Наиболее употребительными были эккиклема и эорема. Первая представляла собой выдвижную площадку на низких колесах. Она выдвигалась из центральной двери скены и показывала зрителям, что происходит или произошло внутри помещения (в трагедиях это обычно были сцены убийства). Эорема - приспособление позврлявшее героям пьес подниматься в воздух. Другое название для такого приспособления - механэ - т.е. машина.

Планировка греческого театра обеспечивала хорошую слышимость. Кроме того, в некоторых театрах для усиления звука среди зрительских мест размещались резонирующие сосуды. Занавеса в древнегреческом театре не было, хотя возможно, что в некоторых пьесах какие-то части проскения временно закрывались от зрителей.

Раздел 2. Театр эллинистической эпохи

2.1. Особенности театра эллинистической эпохи

В эпоху эллинизма (IV - I вв. до н.э.) греческий театр классической эпохи претерпел существенные изменения, касающиеся и драматургии, и актерского исполнения, и самого театрального здания. Эти изменения связаны с новыми историческими условиями.

В результате поражения в Пелопоннесской войне Афины потеряли свое главенствующее положение в Греции. После битвы при Херонее (338 г. до н.э.), в которой объединенные войска греческих полисов были разбиты македонским царем Филиппом, гегемоном Греции становится Македония.

К этому времени форма небольшого рабовладельческого полиса и связанного с ним мелкого хозяйства теряет свою жизнеспособность. Организация крупных экономических форм ведет к завоеванию новых территорий, требует огромного притока рабов. Стремление к этому выливается в походы Александра Македонского, покорившего в короткий срок почти весь известный тогда грекам мир.

Вскоре после смерти Александра (323 г. до н.э.) его обширная наспех сколоченная империя стала распадаться на отдельные эллинистические государства. Самыми крупными из них были монархии Селевкидов в Азии, Птолемеев в Египте и Антигонов в Македонии (от которой зависела Греция). Благодаря колонизации греками востока и расширению торговли с самыми отдаленными странами тогдашнего мира происходит распространение на востоке греческого языка, греческой культуры и образованности. Немалую роль сыграл в этом и греческий театр. Театральные здания в эпоху эллинизма строятся не только во вновь возникших крупных торговых и административных центрах - Александрии, Антиохи, но даже и в малых городах.

Однако театр эпохи эллинизма сильно отличается от театра демократических Афин. В эллинистических монархиях уже не могло быть той политической свободы, какая существовала в Греции V века до н.э., наоборот, в области политических отношений наблюдаются черты, свойственные восточным деспотиям. Законы, суд, войско, решение вопроса о войне и мире - все теперь находится в руках монарха. Литература и искусство, в частности театр, не могут уже критиковать общественных порядков своего времени или касаться священной особы монарха. В силу такого положения искусство эпохи эллинизма совершает крутой поворот от широкой общественно-политической тематики к узким вопросам семьи и быта.

В театре эллинистической эпохи ставили трагедии и комедии. Но от трагедии IV века до н.э. сохранились лишь скудные остатки, и по-видимому, художественные достоинства ее были невелики. Гораздо больше данных имеется для суждения о комедии, так как до нас дошла целиком одна пьеса и несколько отрывков из других пьес крупнейшего драматурга - Менандра.

Комедию эллинистической эпохи называют новоаттической комедией. В ней по-своему отразились изменения, происшедшие в общественно-политической жизни Греции к середине IV века до н.э. На смену представлению о божественном миропорядке и вере в конечное торжество справедливости приходит убеждение во всемогуществе случая. Жизнь человека, его личное счастье, общественное положение - все зависят от воли случая. Случай определяет возникновение и решение конфликтов новоаттической комедии. Она ставила своей задачей воспроизводить современную ей жизнь только в разрезе семейно-бытовых отношений. Большую роль в новой комедии играет мотив любви. При этом в ней встречаются постоянно одни и те же типы: молодые влюбленные, отцы (то щедрые и снисходительные, то скупые и ворчливые), хвастуны-офицеры, гетеры, параситы, ловкие и изворотливые рабы, помогающие своим молодым господам улаживать любовные дела.

В новой комедии заметно большое влияние Еврипида. Близость многих героев его трагедий к жизни, глубокое раскрытие их душевных переживаний - вот то, что новая комедия взяла у Еврипида. По своему строению новая комедия сильно отличалась от древней политической комедии. В ней не существовало хора, который был бы органически связан с развитием действия. Хор выступал только в антрактах. Вместе с хором соответственно исчезли парод и парабаза. Исчез также и агон.

В середине IV века до н.э. в Греции впервые появляются актеры-профессионалы, объединенные в театральные товарищества, так называемые «синоды технитов». Членами их могли быть только мужчины, притом свободнорожденные. В эпоху эллинизма актеры по-прежнему пользовались большим уважением в обществе. Для организации представлений они даже во время войны могли свободно выезжать в другие государства. «Дионисовы артисты» освобождались от воинской повинности.

Так как новая комедия стремилась к воспроизведению обыденной жизни, то игра актеров приобрела более жизненный характер, хотя женские роли по-прежнему исполнялись мужчинами и маска в театре сохранилась. Однако количество масок увеличилось, что показывает на желание ввести известное разнообразие среди твердо установленных типов масок.

Памятники изобразительного искусства (статуэтки, рисунки) свидетельствуют о стремлении художников к правдоподобному изображению с учетом их социального положения, профессии, возраста и т.д. Однако некоторые маски новой комедии (особенно маски рабов) носят подчеркнуто гротесковый характер. Это объясняется отчасти традицией, идущей от древней комедии, отчасти стремлением придать образу сатирический оттенок, подчеркивая особенно уродливые черты комических персонажей.

До нашего времени сохранились руины многих эллинистических театров, так как они сооружались уже из камня. Орхестра в этих театрах образует полный или почти полный круг. Перед нижним этажом сцены имеется каменная пристройка, называемая проскением. Действие новой комедии, в которой хор уже отсутствовал, происходило не на орхестре, а на плоской крыше проскения. Эту сценическую площадку называли логейоном. Глубина логейона 2,5 - 3,5 м. За логейоном возвышался второй этаж скены, представлявший собой стену с дверями, перед которой и разыгрывалось действие. Наиболее известен из эллинистических театров театр в Эпидавре (город Пелопоннеса), построенный около середины IV века до н.э. архитектором Поликлетом Младшим.

2.2. Менандр - крупнейший драматург эллинистической эпохи

В жанре новоаттической комедии работали многие драматурги. Наиболее известным был Менандр.

Менандр (343(2) - 292 гг. до н.э.) родился в Афинах. Он происходил из знатной, богатой семьи и получил прекрасное образование, особенно в области литературы и драматургии, а также риторики и философии.

Менандр написал больше 100 пьес, но одержал лишь 8 побед. Вероятно пьесы его не всегда нравились афинянам из-за своей психологической тонкости. Гораздо большим успехом пользовались грубоватые комедии его современника Филемона. Но вскоре после смерти Менандр был признан величайшим драматическим писателем. Его пьесы внимательно изучались критиками; типы, выведенные в его комедиях, сделались нарицательными. Менандр стал общепризнанным главой новой комедии. Известность его скоро вышла за пределы Греции. Ему подражали или переделывали его комедии римские драматурги Плавт и Теренций.

«Брюзга» - единственная дошедшая до нас полностью комедия Менандра. Текст этой комедии был найден только в 1956 г. В пьесе рисуется интересный образ нелюдима и брюзги, сторонящегося людей. Это - крестьянин Кнемон. Он не любит людей и хотел бы жить в одиночестве, ни с кем не общаясь. Однако, в конце концов, Кнемон убеждается в ложности своих взглядов. Он упал в колодец и погиб бы, если бы его не спасли люди; теперь он видит, что люди нуждаются друг в друге. Кнемон объясняет, почему он стал таким черствым: он вдоволь нагляделся в жизни на людскую низость и корыстолюбие. Пасынок Кнемона Горгий - полная противоположность своему отчиму: он воплощение дружелюбия и приветливости. К тому же он не по летам разумен. В пьесе развивается и любовная линия: у Кнемона есть дочь, в которую влюбляется, увидевши ее во время охоты, сын богатого земледельца; в конце пьесы нелюдим Кнемон дает согласие на их брак.

От второй пьесы Менандра «Третейский суд» сохранилось приблизительно 700 стихов, дающих достаточно полное представление о развитии действия. В основе пьесы лежит семейный сюжет - раздор молодых супругов из-за новорожденного ребенка, которого муж сначала не признает за своего, а затем, убедившись в истинности объяснения супруги, мирится с ней.

В деле раскрытия истины большую роль играет арфистка Габротонен. Драматург сумел показать в ее облике подлинно человеческие черты: она думает о том, как бы найти настоящую мать ребенка, и старается примирить между собой молодых супругов - Харисия и Памфилу.

Такие полные человечности образы постоянно встречаются в комедиях Менандра. Некоторые персонажи его несколько идеализированы, тогда как другие как будто прямо взяты из жизни. Таков например, Смикрин - отец Памфилы.

Менандра особенно интересовали характеры, нравы людей и формы их проявления. На это указывают уже названия комедий: «Брюзга», «Льстец», «Трус» и т.д. Как правило, именно характер является главной пружиной действия комедий. Устами одного из героев «Третейского суда», раба Онисима, Менандр говорит, что не боги управляют судьбой человека, а его собственный характер:

Наш постоянный страж,

Он губит тех, кто плохо с ним обходится,

Других же милует… Вот он и есть наш бог!

И счастья и несчастья он причиною!

Его и ублажай, отнюдь не делая,

Чтобы счастливым быть, ни зла, ни глупостей.

Тщательно разрабатывая характеры своих героев, Менандр часто нарушает условный тип маски новоаттической комедии и наделяет даже традиционно отрицательных персонажей рядом положительных черт. В каждом человеке Менандр хочет выявить благородство и порядочность. Целью своих комедий Менандр ставил смягчение нравов, установление добрых отношений между людьми, поэтому мы можем говорить о гуманистической и филантропической тенденциях в творчестве Менандра.

2.3. Мимы и флиаки

Новоаттическая комедия - последний драматический жанр, созданный в Греции. Она потеряла остроту проблематики, ей чужды вопросы большого общественно-политического звучания. Но в смысле разработки характеров и динамики действия новоаттическая комедия сделала определенный шаг вперед. Ее бытовые персонажи, ее сюжеты перешли в римский театр, а затем - в театр нового времени.

В Греции с давних пор наряду с трагедией и комедией, достигшими в V веке до н.э. высокого художественного развития, существовали формы низовых зрелищ. Это были представления, во время которых разыгрывались небольшие сценки бытового и пародийно-сатирического характера. Такие сценки, бывшие обычно импровизациями, назывались мимами. Греческое слово «мимос», обозначающее «подражание», «воспроизведение», относилось также и к исполнителям таких сценок. Содержание сценок было самым разнообразным. Некоторые мимы изображали, например, воровские эпизоды, другие пародировали мифы.

В эпоху эллинизма вместе с распространением на Востоке греческой культуры проникает туда и мим, привлекавший зрителей своей простотой и живым изображением повседневного быта. Тексты мимов этой эпохи до нас не дошли. Однако на основании некоторых свидетельств античных писателей можно составить представление о персонажах этих мимов. В них постоянно встречаются пастухи, земледельцы, рыбаки, матросы, сапожники, булочники, трактирщики, горожанки, рабы, повара, врачи, школьные учителя, солдаты, сборщики податей, сводники, сводницы, гетеры, воры. Но, кроме типов, взятых из жизни, в мимах действуют и мифологические персонажи, поданные в карикатурном плане. Мим одел богов и героев в житейские и даже дурацкие костюмы и в таком виде показал их народу. Среди мифологических героев в миме, например, появляется Геракл, представленный пьяницей и обжорой. Часто в мимах появляется тип «дурака», но этот дурак нередко оказывался очень умным.

Мимы разыгрывались на деревянных подмостках; наряду с мужчинами в представлениях принимали участие и женщины. Таким образом, именно в миме женщина впервые появилась на театральных подмостках. Кроме того, женщины-мимы выступали в качестве акробаток или танцовщиц.

В эллинистическую эпоху существовали уже бродячие труппы актеров мима. Реалистическое воспроизведение жизни требовало отказа от маски, и мимы не пользовались ею. Театральным костюмом мимов было повседневное платье, за исключением «дурака», который носил плащ, сшитый из множества разноцветных лоскутков.

Широкое распространение в эллинистическую эпоху получил также пантомим, т.е. мимический танец обычно на мифологический сюжет. Актеры пантомима не пользовались ни словами, ни пением, однако достигали большого мастерства в умении посредством одного только танца передавать сложные душевные переживания, причем один и тот же актер мог исполнять последовательно несколько ролей, меняя костюм и маску. Как правило, актер пантомима выступал один. Женские роли исполнялись главным образом мужчинами. Действие шло обычно под аккомпанемент флейты.

Актеры и актрисы мима занимали низкое общественное положение. Это объясняется прежде всего тем, что их искусство не связывалось с культом Диониса (как это было в трагедии и комедии). Материальное положение этих бродячих трупп было большей частью весьма плохим.

Заслуга мима заключалась в том, что он способствовал внедрению элементов реализма на античной сцене. Огромную популярность приобретает мим уже в Риме. В эпоху империи мим оттесняет на второй план другие театральные жанры.

Другим типом низовой комедийной игры были флиаки, распространенные в греческих колониях на юге Италии и Сицилии в IV в. до н.э. Это небольшие комические сценки, отличавшиеся от мима прежде всего обязательным употреблением маски. Флиаки пародировали большей частью мифы, но брали темы и из повседневной жизни. Актеры флиаков (исключительно мужчины) имели такой же костюм и такие же аксессуары, как и актеры древней комедии.

Сатира и буффонная манера игры, уйдя из литературной комедии, сохранились в выступлениях флиаков и мимов - и это подтверждает, что в своем сниженном виде традиции древнеаттической комедии, и в том числе аристофановской, в народе продолжали существовать.

Раздел 3.Роль театра в общественной жизни Древней Греции

3.1. Философские взгляды Аристотеля на древнегреческую драматургию

Из древности до нас дошла лишь одна работа, которая представляет собой теоретическое обобщение достижений древне-греческого искусства классического периода. Это - «Поэтика» Аристотеля (384 - 322 гг. до н.э.), Аристотель, философ-энциклопедист античности, писал трактаты по самым разным вопросам: по естественным наукам, философии, праву, истории, этике, медицине и т.д. Для истории литературы и театра наибольший интерес представляет его «Поэтика».

«Поэтика» сохранилась не полностью. Дошла только первая часть, в которой речь идет об эстетической значимости искусства, о сущности эстетического воспитания, о специфике отдельных видов искусства.

Концепция искусства у Аристотеля в основном материалистическая. Главное достоинство искусства, по Аристотелю, состоит в том, что оно правдиво отражает реальный мир. Именно поэтому искусство имеет познавательную ценность и доставляет эстетическое наслаждение. Однако искусство не только подражает действительности, но дает ее художественное осмысление.

Главное внимание в трактате уделено учению о трагедии, которую Аристотель считает основным жанром серьезной поэзии. По Аристотелю, «трагедия есть подражание действию важному и законченному, имеющему определенный объем, при помощи речи, в каждой из своих частей различно украшенной; посредством действия, а не рассказа, совершающее путем сострадания и страха очищение подобных аффектов».

Аристотель считает, что каждая трагедия должна состоять из шести частей. Это - фабула, характеры, мысли, сценическая обстановка, словесное выражение и музыкальная композиция. Значение этих частей неравноценно. На первое место Аристотель выдвигает фабулу - состав событий трагедии. Фабула должна быть законченной, целостной и иметь определенный объем. Говоря о фабуле трагедии, Аристотель выдвигает единства действия: действие трагедии должно быть сконцентрировано вокруг одного события или вокруг судьбы одного персонажа и освобождено от всего случайного и второстепенного.