Сущность методики выполнения натюрморта в технике масляной живописи

Размещено на http://www.allbest.ru/

Содержание

Введение

Глава 1. История натюрморта

1.1 История масляной живописи

1.2 Натюрморт как жанр изобразительного искусства

Глава 2. Инструменты масляной живописи

2.1 Материалы для масляной живописи

2.2 Технические приемы написания натюрморта маслом

2.3 Поэтапный процесс написания натюрморта маслом

Заключение

Список использованной литературы



Введение

Масляная живопись достаточно долговечна и при бережном отношении может хранится века. Художники, выполняющие картины маслом, могут добиться на холсте максимальной глубины тона, насыщенности цвета.

Художественные приемы, применяемые в живописи маслом очень богаты и разнообразны. Современная живопись маслом дает возможность написать оригинальные картины и сделать творчество художника почти бессмертным.

Техника и последовательность письма масляными красками основаны на использовании широкой шкалы материалов и пособий, причем производство самих масляных красок не является особо сложным.

Актуальность выбранной темы обусловлена широким распространением в настоящее время выполнения натюрморта маслом.

Цель работы: выявить сущность методики выполнения натюрморта в технике масляной живописи по сухому в несколько сеансов.

Для достижения указанной цели были поставлены следующие задачи: осветить вопрос истории развития масляной живописи; дать характеристику натюрморта как жанра изобразительного искусства; описать поэтапный процесс выполнения натюрморта маслом, остановившись на анализе метода по сухому в несколько сеансов.

При выполнении работы был использован ряд учебной и научной литературы, такой как: учебное рисование «Специальное рисование» под редакцией Василевская Л.А., «Русский натюрморт конца XIX - начала XX века» под редакцией Раковой М.М., «Как писать натюрморт» под редакцией Хосе М. Паррамон и др.



Глава 1. История натюрморта

1.1 История масляной живописи

До настоящего времени не существует единого мнения о том, когда появилась масляная живопись в настоящем смысле слова. Вазари называет изобретателем масляной живописи нидерландского живописца Яна ван Эйка -- мастера первой половины XV века. Однако ряд ученых указывает, что масляные краски и лаки были известны раньше и в Европе, и в Азии (в Китае). В средние века для раскраски статуй пользовались масляными красками. Однако эти возражения не умаляют исторического значения Яна ван Эйка. До конца не известно сущности его нововведения: употреблял ли он льняное или ореховое масло, прибегая к соединению масла и темперы в прозрачных лессировках -- во всяком случае, именно только с ван Эйка масляная живопись становится самостоятельным методом, стилистической основой нового живописного мировосприятия.

Характерно, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками, но настоящее развитие масляная живопись получает в Италии только в конце XV века, когда Антонелло да Мессина привозит в Венецию рецепты нидерландского живописца. Полный перелом происходит в североитальянской живописи в творчестве Джованни Беллини, который использует уроки Антонелло и в сочетании масляных красок с темперой находит стимул для своего глубокого, горячего, насыщенного колорита. А в следующем поколении венецианских живописцев, в мастерских Джорджоне и Тициана, происходит окончательное освобождение масляной живописи от всяких традиций темперы и фрески, открывающее полный простор для колористической фантазии живописцев.

Еще один перелом -- историческая цезура проходит где-то во второй половине XIX века -- живопись старых мастеров отделяется от новейшей. Это радикальнейшее отличие -- техника старых мастеров и техника новейшей живописи, как будто принадлежит двум совершенно различным видам искусства. Вспомним о двух видах света, которые отражает поверхность картины. Чем глубже под поверхностью картины находится слой, отражающий свет, тем более красочная структура картины насыщена цветом, краски полны внутреннего горения и сверкания. Достигалось это у старых мастеров наслоением нескольких прозрачных слоев. Уже в XVIII веке живописцы стремятся к более непосредственному и динамическому методу, находя в индивидуальном мазке, в более свободной и густой живописи, в отказе от прозрачных лессировок выражение своей новой стилистической концепции. Исходя из различного понимания фактуры картины, контраст старого и нового методов можно было бы формулировать следующий образом. В основе техники старых мастеров мы находим в большинстве случаев трехслойную последовательность. [1, С.45]

Этой технической последовательности соответствовал внутренний процесс творчества живописца -- сначала рисунок, потом светотень, потом цвет. Иначе говоря, концепция старых мастеров переживала последовательные стадии развития, от композиции к форме и колориту. Принципы новейшей живописи иные: они влекут художника как бы смешать, слить воедино, одновременно разрешить эти технические и стилистические проблемы и процессы. Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка" и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие. [1, С.63]



1.2 Натюрморт как жанр изобразительного искусства

Натюрморт - один из жанров изобразительного искусства, посвященный воспроизведению предметов обихода, фруктов, овощей, цветов и т.п. Задача художника, изображающего натюрморт, -- передать колористическую красоту окружающих человека предметов, их объемную и материальную сущность, а также выразить свое отношение к изображаемым предметам.

Как самостоятельный жанр в искусстве натюрморт появился на рубеже XVI - XVII вв. в Голландии и Фландрии и с тех пор используется многими художниками для передачи непосредственной связи искусства с жизнью и бытом людей. Это время художников, прославивших себя в жанре натюрморта, П. Класа, В. Хеды, А. Бейерена и В. Кальфа, Снейдерса и др. Натюрморт - наиболее излюбленный жанр и в искусстве многих современных художников. Натюрморты пишут на пленэре, в интерьере, простые и сложные постановки, традиционные и остросовременно аранжированные наборы предметов из повседневного обихода человека.

В картине-натюрморте художники стремятся показывать мир вещей, красоту их форм, красок, пропорций, запечатлеть свое отношение к этим вещам. При этом в натюрмортах отражается человек, его интересы, культурный уровень и сама жизнь.

Составление натюрморта предполагает умение изображать форму различных предметов, используя светотень, перспективу, законы цвета.

Основной составления натюрморта является такой подбор предметов, при котором общее содержание и тема его выражены наиболее четко.

Существует несколько видов натюрмортов:

- сюжетно-тематический;

- учебный;

- учебно-творческий;

- творческий.

Натюрморты различают:

- по колориту (теплый, холодный);- по цвету (сближенные, контрастные);

- по освещенности (прямое освещение, боковое освещение, против света);

- по месту расположения (натюрморт в интерьере, в пейзаже);

- по времени исполнения (краткосрочный - «нашлепок» и долговременный - многочасовые постановки);- по постановке учебной задачи (реалистичный, декоративный и т.д.).

Натюрморт в пейзаже (на пленэре) может быть двух типов: один -- составленный в соответствии с избранной темой, другой - естественный, «случайный». Он может быть как самостоятельным, так и являться составной частью жанровой картины или пейзажа. Нередко пейзаж или жанровая сцена сами лишь дополняют натюрморт. [3, С.105]

Натюрморт в интерьере предполагает расположение предметов в окружении большого пространства, где объекты натюрморта находятся в сюжетном соподчинении с интерьером.

Сюжетно-тематический натюрморт подразумевает объединение предметов темой, сюжетом.

Учебный натюрморт. В нем, как в сюжетно-тематическом, необходимо согласовать предметы по размеру, тону, цвету и фактуре, раскрыть конструктивные особенности предметов, изучить пропорции и выявить закономерности пластики различных форм. Учебный натюрморт носит также название академический или, как говорили выше, постановочный. Учебный натюрморт отличается от творческого строгой постановкой цели: дать обучающимся основы изобразительной грамоты, способствовать активизации их познавательных способностей и приобщать к самостоятельной творческой работе.

В декоративном натюрморте основной задачей является выявление декоративных качеств натуры, создание общего впечатления нарядности «Декоративный натюрморт не есть точное изображение натуры, а размышление по поводу данной натуры: это отбор и запечатление самого характерного, отказ от всего случайного, подчинение строя натюрморта конкретной задаче художника».

Основной принцип решения декоративного натюрморта является превращение пространственной глубины изображения в условное плоскостное пространство. В тоже время, возможно использование нескольких планов, которые необходимо располагать в пределах небольшой глубины. Учебная задача, стоящая перед студентом в процессе работы над декоративным натюрмортом, состоит в том, чтобы «выявить характерное, наиболее выразительное качество и усилить в его декоративной переработке, в декоративном решении натюрморта вы должны постараться увидеть характерное в нем и на этом построить переработку». [6, С.78]
Декоративный натюрморт дает возможность развития у будущих дизайнеров архитектурной среды чувство цветовой гармонии, ритма, количественной и качественной соразмерности цветовых плоскостей в зависимости от их интенсивности, светлоты и фактурности, и в целом активизирует творческие силы студентов.

Важную роль в композиции постановки натюрморта играет освещение - искусственное или естественное. Свет может быть боковым, направленным или рассеянным (из окна или с общим освещением). При освещении натюрморта направленным светом спереди или сбоку у предметов появляется контрастная светотень, при этом для выделения первого (или главного) плана можно закрыть часть света, попадающего на задний план. При освещении натюрморта из окна (если предметы поставлены на подоконник) будет силуэтное решение темного на светлом, и часть цвета будет пропадать, если решать натюрморт в цвете. Тональная разница у предметов заметнее при рассеянном свете. [6, С.88]



Глава 2. Инструменты масляной живописи

2.1 Материалы для масляной живописи

Прежде чем, приступить к живописи натюрморта маслеными красками, необходимо познакомиться с материалами работы, изучить технологию живописи. Кроме того, необходимы практические умения и знания. Так, нужно знать, как делается подрамник, как составлять грунт, как грунтуется холст и картон. Необходимы и другие специальные знания, которые приобретаются в процессе практической работы.

К сожалению, не всегда отдается отчет в том, на сколько важно работать на хорошем материале. Широко распространенным недостатком является небрежно отношение к палитре и кистям.

Рассмотрим основные материалы масленой живописи.

Основой масленой живописи служат холст, картон, фанера. В последние годы используют различные современные материалы, например, оргалит.

Все перечисленные материалы для работы на них маслеными красками требуют специальных покрытий называемых грунтами. Грунт служит как бы посредником между краской и основой; он позволяет свободно положить краску на холст, препятствует проникновению в холст или картон масла. Масла, оказывающего разрушающее действие.

Наиболее распространенной основой является холст. Для масленой живописи используется льняная ткань с ровным плетением. Сорта: крупнозернистый (пастозная живопись), среднего зерна, мелкозернистый (тонкая живопись и этюды).

Холст натягивается на подрамник. Подрамник делается из сухого выдержанного дерева. Все четыре стороны его должны иметь скос во внутрь. Натяжка холста должна отвечать следующим требованиям: она должна быть достаточно сильной, расположение нити должно быть строго параллельна граням подрамника. Затем, начиная с середины одной из сторон, забивают несколько гвоздей, оттягивают холст в ту и другую сторону. Затем так же с других сторон. Завершающим этапом натяжки является подгибание холста на углах, где не допускаются складки.

Грунт бывает различных видов: клеевой, эмульсионный, масленый, полумасленый. Клеевой грунт является самым простым по изготовлению и не требует длительной сушки. Кисть должна ровно наносить грунт на поверхность холста параллельными движениями по направлению нитей основы. Грунтуют сначала в одном направлении, затем в противоположном. Поверхность шлифуется.

Разбавителями для масленой живописи являются различные лаки - капаловый, мастичный, кедровый, а также масло льняное, скипидары. Лучшим из них можно считать пинен, приготовленный из очищенной нефти. Хорошим разбавителем считается так называемый тройник, составленный из двух частей лака, одной части масла, трех частей растворителя.

При работе красками, художник пользуется кистями, палитрой, масленкой, мастихином.

Кисти в масленой живописи употребляются преимущественно щетинные (плоские и круглые) разных размеров. Для проработки мелких деталей пользуются колонковыми кистями, а также плоскими или круглыми средних и малых размеров. После каждого сеанса кисть надо тщательно мыть водой, а затем завертывать в бумагу.

Палитра всегда должна быть чистой. Краски на ней располагаются по краям в строго определенном порядке (от светлого к темному, по принципу теплых и холодных). После каждого сеанса следует чистить палитру мастихином, т.е. удалять ненужные смеси, а рабочее поле протирать тряпкой.

Масленка также требует чистки.

Следует помнить, что успех в живописи во многом зависит от состояния материалов.

Этюдник нужен художнику не только для того, чтобы размещать в нем материалы, он служит и своеобразным мольбертом. Для этой цели к нему приделаны выдвижные ножки подставки.

Работа над живописью маслеными красками требует строгой методической последовательности. Структурную основу изображения натюрморта маслом составляет рисунок, поэтому, после нахождения композиционного решения группы предметов в предварительных эскизах и исполнения этюда с натуры, следует сделать грамотный рисунок на холсте.

Рисунок под живопись маслом может быть выполнен разными материалами: углем, мягким графитом, кистью и разбавленной масленой краской. Окончательный рисунок можно обвести тушью. При достаточно уверенном владении рисунком можно рекомендовать делать его кистью, выбрав для этого прозрачную краску, а жидкой и цветной краской могут быть прописаны теневые части натюрморта, падающие тени, а также намеченные основные отношения между предметами, т.е. делается подмалевок.

Подмалевок делают обязательно с теневых и темных мест жидкой краской, это придает все работе энергичный насыщенный цвет, позволяющий также энергично и цветно писать полутон и освещенные части. На стадии подмалевка следует раскрыть основные цветовые отношения. Письмо должно быть свободным, энергичным с использованием широких кистей.

Построение живописного изображения может осуществляться различными техническими приемами. Старые мастера предпочитали пользоваться прописями. После жидкого подмалевка производилась энергичная, с использованием белил, пропись световых частей и полутона. Часто применялся тонированный грунт. Света писались корпусными маслами, четко строящими форму. Далее краски должны просохнуть. Затем работу завершали лессировками. В учебных условиях этот прием недостаточно удобен. Иногда рекомендуют пользоваться подчистками, т.е. перед сеансом соскабливать непросохшую краску мастихином.

Исполняя натюрморт, необходимо очень внимательно следить за поверхностью тоновых различий между отдельными частями: фоном, предметами, за изменением цвета по форме.

Метод сравнения является основой для поиска цветовых отношений. Писать надо раздельными мазками так, чтобы каждый мазок составлял гармоничный переход, соответствующих изгибу формы и освещению, должен быть крупным или мелким, пастозными или лессировочным.

Работа должна вестись во всех частях этюда равномерно, прокладывая свет в одном месте надо сразу же проложить свет в другом участке, сравнить их между собой. Чтобы добиться верного тона, следует изменить или более верно написать окружение. Выделение светлого пятна требует темного окружения. Проработка деталей - наиболее ответственный этап работы с натурой. натюрморт масло цветовой светотень

На завершающей стадии изображение приводится к целостному виду. Здесь уместны и лессировки, и пастозный мазок. В завершающей стадии необходимо сосредоточиваться на изображении, натура теперь нужна как справка, по которой проверяют верность цветового решения.

2.2 Технические приемы написания натюрморта маслом

Расстояние, на каком должна располагаться натура -- от 1,5 метра. С расстояния 4 метра предметы представляются единым пятном, и нужно подойти ближе, чтобы разглядеть отдельные детали формы, светотень и цвета. Максимальное расстояние: 2 метра. Как правило, рекомендуется смотреть на натуру под углом 45 градусов.

Когда все готово: предметы расставлены, краски на палитре, чистый холст «обороняет свою белизну», как говорил поэт Стефан Малларме, имея в виду трудность первого шага. Возникает вопрос, наметить ли рисунок карандашом или сразу начать писать. Эта проблема дебатируется уже несколько столетий. Еще в XVI веке флорентиец Вазари писал о своем посещении Тициана в Венеции: «Он писал сразу красками, без подготовительного рисунка и говорил, что так правильно». В то же время Микеланджело, который всегда начинал с рисунка, ехидно замечал, обращаясь к Вазари: «Как жаль, что они там в Венеции не хотят учиться правильно рисовать».

Существуют два разных подхода. Одних художников называют «колористами»: в их живописи мало теней, они используют прямое или рассеянное освещение, высвечивающее предмет как сочетание световых пятен. Такой стиль был характерен для Ван Тога, Матисса, Бернара и других. Они сразу начинали работать красками. Другие уделяют больше внимания светотени. Среди них можно назвать Шардена, Коро, Мане, Нонелля, Дали и других. Они всегда начинали картину с рисунка. Но не нужно всех художников делить на категории. Пикассо, например, начинал то с рисунка, то прямо с живописи. Сезанн говорил: «Писать или рисовать? Когда вы изображаете цвет во всем его богатстве, он дает вам и множество четких форм».

Закон контраста говорит нам, что цвет выглядит бледнее или темнее в зависимости от фона. Поэтому было бы ошибкой выписывать мелкие предметы или детали на белом холсте, потому что они станут светлее или темнее, когда появится фон. Поэтому первым делом заполняются большие пустые пространства. В натюрморте это обычно фон. [10, С.111]

Что касается, направление мазков, необходимо запомнить два правила:

1.Направление мазков должно отвечать «форме» изображаемого объекта.

2.В неясных случаях лучше писать диагональными мазками.

Первое правило вполне понятно: цилиндр надо изображать мазками, подчеркивающими его форму, траву -- вертикальными мазками, арбуз -- круговыми. Если же форма неясна или отсутствует, следует наносить краску по диагонали.

Способность к обобщению в рисунке и живописи -- это умение увидеть и изобразить самое существенное, отбрасывая детали и случайные черты. Такое умение дается нелегко и требует досконального знания техники живописи. Уметь писать обобщенно означает писать свободно, непринужденно, изящно, с пониманием сущности изображаемого и изобразительных средств. Классический пример -- творчество Веласкеса. Посмотрите, как написаны глаза персонажей знаменитой картины Менины (Музей Прадо, Мадрид): количество мазков можно сосчитать по пальцам.

От заглаживания мазков или раскраски жидко разведенной краской надо сразу отказаться. С первых шагов в живописи старайтесь находить такое направление мазков, которое помогало бы передать строение формы предметов. Все формы объемны, и поверхность их состоит из различно повернутых в пространстве участков. Часто мазки в этюде нужно направлять согласно поворотам участка формы, как бы граня и выстилая ее. Свойство масляных красок -- давать то густые, плотные, то прозрачные и топкие мазки. Оно широко используется для подчеркивания выпуклостей более плотной пропиской, для передачи прозрачности и воздушности теней тонкослойным письмом. Надо пробовать все эти приемы, снимая где нужно излишки краски мастихином или, наоборот, нанося корпусные, густые мазки.

Внимательно вглядевшись в структуру красочного слоя самой «гладкой» живописи, можно убедиться, что под слоем музейного лака чувствуются пусть легкие, но мазки, словно выстилающие Лорму. Художники словно ощупывают кистью рельеф формы, буквально лепят его.

Убедившись, что надо писать мазком, запомните, что каждый мазок должен быть целесообразным, отвечать изобразительной задаче этюда. Неправильно было бы думать, что в масляной живописи нет никакой системы. Наоборот, в поисках разнообразных приемов живописного выражения впечатлений, замыслов надо придерживаться той или иной системы письма, определенного порядка «раскрытия» холста. Масляными красками пишут в основном двумя способами: с подмалевком или без подмалевка. Первый способ требует многократного возвращения к натуре и сложной подготовки «ложа» для живописи (подмалевка), поэтому он применяется в основном для работы в мастерской, реже -- в длительных многосеансных этюдах на воздухе.

Шире применяется второй способ, которым можно выполнять и многосеансные этюды, и кратковременные «нашлепки». В процессе работы над этюдом без подмалевка можно делать и лессировки, т. е. наложения тонких слоев краски на уже прописанные участки для получения новых оттенков (лессировки «по сырому»). Но это требует большого умения и опыта. [4, С.45]

2.3 Поэтапный процесс написания натюрморта маслом

Очень часто используемый метод написания натюрмортов маслом -- метод работы по сухому.

Живопись по сухому означает работу масляными красками по сухой красочной поверхности - будь то фон или наложение ранее красочного слоя.

Нанеся слой краски, необходимо дождаться пока она высохнет. Кроме того даже с помощью сиккативов почти невозможно закончить работу в один сеанс.

Главное достоинство живописи по сухому в том, что краски никогда не загрязнят друг друга и не дадут при смешении нежелательных эффектов: высохший нижний слой не впитывает свежую краску верхнего. Более того, полутона можно создать на палитре, а не на холсте. В отличие от живописи по сырому, живопись по сухому сильно усложняет работу живописца, добавляя проработку деталей, и нанесение тончайших красочных слоев.

Бывает, что из-за спешки пользуются сиккативами. Но лучше не злоупотреблять ими, потому что поверхность может растрескаться, блеск красок уменьшиться, колорит станет тусклым, мрачным.

Живопись по сухому означает, что работа протекает в несколько сеансов. Если дать масляной краске высохнуть, художник может писать не загрязняя красок.

Работая по сухому, можно тратить на картину ровно столько времени, сколько потребуется, тщательно обдумывать сюжет и определить лучший путь конструирования композиции. Можно ввести более сложные цвета, добавить детали или завершить работу пастозными мазками - словом, все, что вам захочется.

Поэтапная живопись дает художнику спокойствие и подталкивает его обращать внимание на детали. [15, С.88]

На этом рисунке углем обозначены форма и положение каждого компонента (Рис.1).

Рис. 1 Изучение светотени

Рис. 2 Изучение светотени

На этом рисунке больше деталей, и общая структура натюрморта видна лучше. Местами проработан объем и продуман общий баланс света и тени. После окончания рисунок был зафиксирован аэрозолем. (Рис.2).



Рис. 3 Подмалевок

На данном рисунке показано, какой вид имеет натюрморт по окончании первого этапа работы, когда все компоненты обозначены цветом. (Рис. 3) Действия продолжаются в соответствии с первоначальным замыслом, без персика на заднем плане и с другим яблоком на переднем. Так как не преследуется цель точно изображать формы, можно вносить изменения. Например, роза сначала была бутоном, а в конце концов стала заменена распустившимся цветком. Также изменена форма листьев, положение гроздей винограда и фруктов на блюде. Форма фруктов будет изменена позже. Это не означает, что все, что сделано, -- временно. Многие детали уже готовы, например, фон, стул, картина за ним и, в основном, скатерть. Достижение окончательного варианта: смена яблока на переднем плане, добавление персика на заднем и замена двух персиков на блюде двумя яблоками. Цель состояла в том, чтобы разнообразить форму и особенно цвет. Некоторые детали картины уже закончены, например, персик на заднем плане, два яблока на блюде и до некоторой степени фрукты на переднем плане. Но гроздь винограда будет переписана, как изображено на рис.5. Главное, что нужно посоветовать на этой стадии, -- это двигаться вперед, не задерживаясь на отдельных деталях или цветовых пятнах; лучше быстро попробовать, а потом вернуться снова, заостряя тем временем свое творческое восприятие, интерпретацию и обобщенный взгляд. [15, С.92] (Рис.4)



Рис. 4 Ход работы над натюрмортом

Рис. 5 Проработка деталей.

Картина в основном закончена, но надо еще проверить и улучшить несколько мелких деталей: блики на винограде и других фруктах, цвет деревянного стола, несколько линий и рефлексов на скатерти. Окончательно картина принимает вид, показанный на рисунке 6. [15, С.88]

Рис. 6. Завершение работы.



Заключение

Техника масляной живописи обладает многими преимуществами сравнительно с другими. Прежде всего, техника масляной живописи основана на связывании пигментов различными сохнущими растительными маслами (льняное, маковое, ореховое и др.) и различными лаками. Эти связующие вещества позволяют применять различные технические приемы (в этом смысле можно сказать, что живопись масляными красками самая индивидуальная из всех живописных техник) и притом комбинировать приемы, которые в других техниках могут применяться только по отдельности, например применение корпусных красок и прозрачных красок и рядом, и одна на другую, и в смешении. Вместе с тем масляные краски долгое время не меняют вида, тона и блеска.

Наконец, масляная живопись дает художнику полную свободу в выборе темпа работы (медленный, детальный и широкий смелый-alla prima), а также в выборе рельефа -- от самой жидкой до сочной, пастозной, густой кладки. Таким образом, можно сказать, что в отличие от всех остальных техник масляная поощряет самоуверенность и творческую дерзость.

Очень часто используемый метод написания натюрмортов маслом -- метод работы по сухому. Живопись по сухому означает, что работа протекает в несколько сеансов. Поэтапная живопись раскрывает перед художником много возможностей и подталкивает его обращать внимание на детали.



Список использованной литературы

1. Беджанов Ю.К. Изобразительное и декоративно-прикладное искусства. Термины и понятия: Учебное пособие. - Майкоп, 2017. - 178 с.

2. Василевская Л.А. Специальное рисование: Учеб. пособие для ПТУ. - М.: Высш. шк., 2019. -- 127 с.

3. Ермолаева Л.П. Основы дизайнерского искусства: декоративная живопись, графика, рисунок фигуры человека: Учебное пособие для студентов-дизайнеров. - М.: «Изд-во Гном и Д», 2011. -- 120 с.

4. Королева И.А., Проферансова М.Ф. Давай учиться рисовать / Под ред. Е.М. Золотарева М.: ЗНУИ, 2018. -- 70 с.

5. Дурасов А.П. Натюрморт. Интерьер: уч. пособие. - М.: Прест, 1994. -- 152 с.

6. Игнатьев С. Задачи учебного натюрморта: Уроки изобразительного искусства // Юный художник. -- 2016. -- № 12.

7. Пучков А.С., Триселев А.В. Методика работы над натюрмортом: Учеб. пособ. для студентов худож. -- граф. фак. пед. ин-тов. - М.: Просвещение, 2012. - 160 с.

8. Орешников В. О композиции // Юный художник. -- 2018. -- № 2.

10. Матисс А. Сборник статей о творчестве. - М.: Изд. Иностранной литературы, 1958. -- 231 с.

11.Ракова М.М. Русский натюрморт конца XIX - начала XX века. - М., 2015. - 453 с.

12. Раушенбах Б.В. Пространственное построение в живописи. - М.: Наука, 2019. - 342 с.

13. Смирнов Г.Б., Унковский А. А. Акварель. - М., 2016. - 245 с.

14. Унковский А.А. Живопись: Вопросы колорита. - М., 2018.- 432 с.

15.Хосе М. Паррамон. Как писать натюрморт.- М., 2020. - 112 с.

16. Щеголь Г. М. Колорит: Заметки художника - М., 2017. - 341 с.

Размещено на Allbest.ru