Натюрморт в различных техниках

Размещено на http://www.allbest.ru/

Размещено на http://www.allbest.ru/

Введение

натюрморт художник живописный

Данная работа посвящена Трипольской керамике. Трипомльская культура (укр. Трипільська культура, иначе культура Кукутемни рум. Cultura Cucuteni, укр. Кукутені культура или кукутень-трипольская культура англ. Cucuteni-Trypillian culture[1]) - энеолитическая археологическая культура, распространённая в VI-III тыс. до н.э. в Дунайско-Днепровском междуречье, наибольший её расцвет пришёлся на период между 5500 и 2750 гг. до н.э. На смену трипольцам пришли индоевропейские народы ямной культуры. [13,329]. Трипольская керамика была самой популярной в тогдашней Европе (посуду трипольской культуры находили даже в Италии), что подтверждает еще торговые таланты древней культуры. Интересно, что аналогов по росписи и орнаментам, трипольской посуде не было равных еще очень долгое время.

Натюрморт - является излюбленным жанром в искусстве современных художников. Необходимо погрузиться в натюрморт как в жанр искусства, попытаться создать художественный образ, в котором большое значение имеет тема натюрморта, составленная композиция, цветовое решение (музыкальный, художественный, театральный, исторический, русский, восточный и др). Когда говорят «тематический», то предполагают, что автор постановки знает, что делает, т.е. расставляя объекты на плоскости имеет какую-то важную задачу. Как правило это задача обучения чему-либо. Например, отличать стекло от керамики, а яблоко от апельсина, хлеб от синтетической губки. В таком натюрморте важно, чтобы поставленная задача тема не расплывалась, то есть была конкретной, ясной, понятной и по силам учащемуся или пишущему натюрморт.

Актуальность выбранной темы обусловлена тем что керамика является наиболее излюбленным жанром в искусстве многих современных художников.

Цель работы: Изучение искусствоведческой литературы по данной теме и описание техники выполнения особенностей создания тематического натюрморта.

Задачи:

1. проанализировать искусствоведческую литературу;

2. выполнить серию тематических натюрмортов в различных живописных материалах.

Объект исследования: процесс создания тематического натюрморта.

Предмет исследования: тематический натюрморт различными живописными материалами.

Область практического применения: Данная работа может использоваться в методике обучения изобразительного искусства.

Используемые методы: Написание натюрморта различными живописными материалами.

Структура курсовой работы: введение, первая глава, вторая глава, заключение, список литературы, приложение 1 и приложение 2.

Во введении была раскрыта актуальность исследуемой темы, цели, задачи, объект и предмет исследования.

В первой главе проработана искусствоведческая литература по теме курсовой работы.

Во второй главе описана технология написания тематического натюрморта различными живописными материалами.

В заключении сделаны выводы по проделанной работе, приведен анализ полученных знаний в процессе написания курсовой работы и создания серии тематических натюрмортов различными живописными материалами.

Приложение 1 представлен иллюстративный материал из искусствоведческой литературы по теме курсовой работы.

Приложение 2 серия тематических натюрмортов различными живописными материалами.

1. Жанр натюрморта в истории изобразительного искусства

1.1 Развитие натюрморта как жанра

Искусство натюрморта как жанр появилось в Голландии в начале XVII в. Художники изображали самые обычные вещи, но показывали их красоту и поэтичность. Одни любили натюрморты скромные, с небольшим количеством предметов, а другие писали на огромных холстах много дичи, рыбы, цветов (в Голландии П. Клас, В. Хеда, во Фландрии Ф. Снейдерс и др.).

Натюрморт - один из жанров изобразительного искусства, посвященный воспроизведению предметов обихода, фруктов, овощей, цветов и т.п. Задача художника, изображающего натюрморт, - передать колористическую красоту окружающих человека предметов, их объемную и материальную сущность, а также выразить свое отношение к изображаемым предметам.

Как самостоятельный жанр в искусстве натюрморт появился на рубеже XVI-XVII вв. в Голландии и Фландрии и с тех пор используется многими художниками для передачи непосредственной связи искусства с жизнью и бытом людей. Это время художников, прославивших себя в жанре натюрморта, П. Класа, В. Хеды, А. Бейерена и В. Кальфа, Снейдерса и др. Натюрморт - наиболее излюбленный жанр и в искусстве многих современных художников. Натюрморты пишут на пленэре, в интерьере, простые и сложные постановки, традиционные и остросовременные аранжированные наборы предметов из повседневного обихода человека.

Богат и значителен реалистический опыт, накопленный в жанре натюрморта, воздействующего на зрителя в результате ассоциативных чувств, представлений и мыслей, возникающих при восприятии правдиво изображенных предметов натуры. Достоверное изображение предметов, передача их красоты, неповторимых живописных качеств - основное условие создания полноценного художественного образа в этом жанре.

Искусство натюрморта имеет свою историю свои традиции. Оно знает периоды расцвета и периоды спада. Его развитие тесно связано с общим поступательным движением изобразительного искусства. Большое влияние на него оказывали крупнейшие мастера живописи. Это влияние шло по линии общего воздействия на характер и стилевые особенности натюрморта. Так, близкие творческие контакты с П. Рубенсом наложили яркую печать на все творчество Снейдерса, определив, вместе с тем, и его стилевые особенности - сочную, декоративно подчеркнутую живопись. Снейдерса часто называют «Рубенсом в натюрморте».

Искусство натюрморта как жанр возникло в Голландии в начале XVIII в. Знаменитые голландские натюрморты передают радость быта: рассматривая их, кажется, ощущаешь вкус реальных плодов, напитков. Художники изображали самые обычные вещи, но это было красиво и поэтично. Одни любили натюрморты скромные, другие писали на огромных холстах.

Наиболее распространенным и популярным натюрморт был в голландском искусстве на рубеже XVI-XVII в., где он достиг своего наивысшего расцвета в творчестве таких художников, как П. Клас, Г. Виллем, А. Бейерен, И. Фейт, произведения которых украшают многие крупнейшие музеи мира. Творчество этих мастеров развивалось под благотворительным влиянием искусства эпохи Возрождения.

Методы и приемы изображения, разрабатываемые в жанре сюжетно-тематической картины, портрета, переносились в область натюрморта. Именно здесь вырабатывается основной тип натюрморта с четким трехплановым членением пространства, с ясно выраженным композиционным центром.

По классической схеме построения центр композиции картины помещается на среднем плане; передний план заполняется дополнительными мелкими предметами, служащими вводом в изображение. Роль третьего плана выполняет фон, который надлежало писать в виде нейтрального пространства.

Разрабатываемые в голландском искусстве художественные принципы во многом предопредели дальнейшее развитие натюрморта. Его основными качествами были: реализм, тонкость наблюдения жизни, умение подметить и передать эстетическую ценность.

Для создания своих произведений художники избирали предметы, используемые в повседневном быту, однако составляли их с большим вкусом, стремясь достичь гармонии и изящества всей группы.

Излюбленными мотивами изображения у голландских мастеров были «завтраки» с небольшим набором предметов. С большим мастерством и изяществом передавался материал предметов - стекло, металл, керамика.

В проработке формы использовались приемы многослойной живописи - прописи, лессировки, позволяющие добиваться предметной убедительности изображения.

Другой важной особенностью голландского натюрморта следует считать то, что художники сумели наполнить его смысловым содержанием.

В любом натюрморте этих мастеров раскрывается неразрывная связь человека с окружающим миром. Во всем этом проявляется здоровое оптимистическое восприятие жизни, искреннее желание показать, как щедра природа, как трудолюбив и талантлив человек.

Наиболее полно это радостное ощущение жизни проявилось в творчестве Ф. Снейдерса. Он пишет большие монументальные полотна, предназначенные для парадных дворцовых помещений.

Строгая продуманность композиции в работах художника сочетается с декоративностью живописи, насыщенностью колорита. Это уже не скромные «завтраки», которые пишут А. Бейерен или П. Класс, а произведения, созданные воображением и фантазией художника. Так же, как и в других картинах голландских художников, в натюрмортах Снейдерса большое внимание уделено проработке рисунка и передаче материальности предмета. Однако при тщательности проработки формы он не утрачивает цельность художественного образа. До сих пор натюрморты Снейдерса радуют нас реалистичным изображением.

В XVII в. Складываются главные черты натюрмортного жанра. В нем работают такие видные мастера живописи, как Рембрант, Сурбаран, Переда. Всех их объединяет общее стремление - показать гармонию мира вещей, окружающих человека, красоту их форм и материала.

Сформулированные в практической деятельности художников задачи искусства натюрморта существовали и в дальнейшем, но решение их не повторяло прошлого опыта, а осуществлялось новыми средствами в соответствии с новыми требованиями времени.

Значительный вклад в развитие натюрморта внес французский художник XVII в Ж.-Б. Шарден, вошедший в историю мировой живописи как мастер бытовой жанровой картины. Жан-Батист Симеон Шарден (1699-1779) - французский художник, писавший натюрморты и жанровые сценки, в которых воспевал повседневную домашнюю жизнь горожан, передавая ее в спокойной, реалистической манере. Натюрморты мастера тесно связаны с человеком, ведь он - хозяин изображенных вещей, и его присутствие чувствуется в каждом предмете. Его знаменитая картина «натюрморт с атрибутами искусства» [Приложение 1.2.3.4] изображает стол художника, на котором разбросаны вещи - атрибуты искусства. В центре композиции - статуэтка бога Меркурия работы Жана-Батиста Пигаля, она символизирует скульптуру. Искусство живописи представлено палитрой и ящиком для красок, архитектура - свитками чертежей и готовальней. Орденский крест, монеты и медали - это награды, которых художник удостоился в результате своего творчества. Все предметы Шарден писал исключительно с натуры. Свои натюрморты он пишет с предметов скромного домашнего обихода, привнося в них большую одухотворенность и простоту композиции.

Натюрморт был любимым жанром Шардена. Своим творчеством художник утвердил его во французском искусстве как самостоятельный вид живописи. Обычно набор предметов в натюрмортах Шардена невелик, но художник глубоко продумывает их сочетание и расположение, тонко выявляет их связь с человеком, который ими пользуется.

Характерным для живописи Шардена является совершенство и разнообразие приемов, используемых для передачи материала предметов в их неразрывной связи с воздушной средой.

Менялись вкусы, эстетические представления, менялось и отношение к окружающей действительности. Художники стали подмечать в окружающей жизни иные качества материального мира. Важной проблемой становится среда, в которой находится предмет, передача света, воздуха, образа природы.

Начиная с середины XIX в. Сильное влияние на судьбы искусства стал оказывать импрессионизм. Старым академическим традициям, которые к этому времени выродились в крайне условные формы салонного искусства, импрессионисты противопоставили свое понимание живописи.

К. Моне, А. Сислей и другие художники обратились в своем творчестве непосредственно к работе над природными мотивами, ставили и решали проблему создания живописного изображения спектрально чистым красками. Их главной заботой было воспроизведение на картине быстро меняющегося состояния природы; сам же предмет изображения с его объективными свойствами утратил былое значение, как бы растворился в световоздушной среде.

Живописная система импрессионизма, получившая наиболее полное развитие в пейзаже, неизбежно затрагивала и область натюрморта. И здесь художники, увлеченные идеей цвета и света, стремились передать не сами свойства предмета, а мимолетную игру световых и цветовых пятен на его поверхности. Этим объясняется резкое снижение интереса к содержательной стороне искусства, к объективной оценке действительности.

Надо отметить, безусловно, положительную роль, которую сыграл импрессионизм в искусстве. За счет обогащения цветовой палитры художники значительно расширили свои живописные возможности, активно используя в создании художественного произведения цвет, его изобразительные и психологические свойства.

Однако развитие жанра натюрморта следует видеть не в русле общего движения импрессионизма, а скорее на пути преодоления его узких мест, связанных, в частности, с разрушением объемной формы. Известной реакцией на разрушение формы импрессионистами явилось искусство П. Сезанна, много работавшего как в области пейзажа, так и в области натюрморта.

Испытав в начале пути сильное влияние импрессионистов, Сезанн пришел к логическому отрицанию их метода. В создаваемых им многочисленных натюрмортах зрелого периода, он стремился найти пути и средства передачи объективных свойств предмета - объема, материала, цветовой устойчивости в его характеристике. Для решения поставленных задач художник использует в основном выразительные возможности цвета, главным образом закон цветовых контрастов.

П. Сезанн: «Не существует линий, не существует светотени, существуют лишь контрасты красок. Лепка предметов вытекает из верного соотношения тонов».

Метод Сезанна основан на точном определении планов. Составляющих конструкцию объема, где каждый цвет-мазок должен выражать изгиб, поворот формы в соответствии с количеством полученных световых лучей. В таком аналитическом подходе к изображению натуры состоит главная положительная особенность живописи художника. Несмотря на его рационализм в создании живописной формы, стремление к передаче пластики объема предмета, его материальной сущности остается главным мотивом в работе над натюрмортом. В лучших своих произведениях мастер обнаруживает глубокое понимание задач реалистического искусства, достигая вершин живописного мастерства.

Другую ветвь французского натюрморта, резко расходившуюся как с методом импрессионистов, так и с творческими устремлениями Сезанна представляет искусство А. Матисса. Основу его составляет декоративно-плоскостное видение художника. Натюрморт воспринимается им как система плоских цветовых пятен, где предметы как бы проецируясь на плоскость, обозначаются четко очерченными силуэтами. Если Сезанн использует цвет в целях построения объема на плоскости, то Матисс, напротив, решительно отказывается от изображения объема. Разрушение объема сопровождается нарочитой деформацией рисунка. Живописные интересы Матисса не шли дальше нарядно оформленной композиции.

В конце XIX в начале XX в. художественная культура Западной Европы, а вслед за ней и России сделала резкий крен в сторону субъективных поисков в области формальных средств живописи. Крайним выражением этих устремлений был такие направления как кубизм, фовизм, супрематизм.

К жанру натюрморта обращаются художники самых разных стилистических направлений. Они экспериментируют с формой, цветом и пространством, увлекаются поиском разнообразной фактуры. Натюрморт выполняется и в строгой реалистической манере, и в декоративной, и в манере кубизма.

Изображение прекрасного мира вещей увлекало многих художников. В русском искусстве П. Кончаловский, И. Машков, Р. Фальк, К. Петров - Водкин, Ю. Пименов и другие создали великолепные натюрморты, раскрывающие не только красоту вещей, но вместе с тем и мир человека, его мысли и чувства. Каждый художник нашел для решения этой сложной задачи свои выразительные средства. Порой человек незримо присутствует на картине, и, кажется, что он только что вышел и может вернуться в любой момент.

Например, на картине Ю. Пименова «Ожидание» [Приложение 1.5] изображен одиноко стоящий телефонный аппарат со снятой трубкой, а капли дождя на оконном стекле подчеркивают тоскливость ожидания.

В ином типе натюрморта вещи говорят, прежде всего о себе, предлагают полюбоваться красотой их форм, цвета, фактуры.

1.2 Тематический натюрморт в произведениях русских художников

Живописцы издавна населяют свои полотна вещами изображениями обстановки, в которой проходит жизнь человека. Вещи вечные спутники людей не только в жизни, но и в картинах. Каждая вещь несет на себе отпечаток как духовной, так и материальной деятельности человека. Интерес к живописи вещей кристаллизуется в особом жанре искусства в натюрморте.

Круг изображаемых вещей, натюрмортных мелодий бесконечно обогатился, и характер живописи, то, что определяет душу живописного произведения, стал чрезвычайно разнообразен. В русском искусстве подлинный расцвет натюрморта пришелся только на наш XX век; он утвердился в творчестве художников, которых сейчас причисляем к классикам советского искусства. Русская живопись не знала до этого времени такого подъема натюрморта. У наших живописцев были славные традиции в других жанрах искусства, хотя отдельные натюрморты известны русской живописи и в XVIII и в XIX веках. Однако можно с уверенностью сказать, что отечественный натюрморт возник, по-настоящему сложился и расцвел в страстном поиске образных форм, художественного языка в бурные годы начала XX столетия. Художники нашего времени пробуют свои силы в разных областях искусства, стараются использовать своеобразие возможностей, таящихся в различных жанрах, редко работают только в каком-либо одном из них.

Хотелось выделить работы Зинаиды Евгеньевны Серебряковой. Посмотрев еще несколько натюрмортов, можно заметить, что подобные эксперименты с нереальной перспективой, с пространством и ракурсами не редки. Хотя сами предметы, их форма и фактура всегда изображены точно и реалистично. Например, как в натюрмортах «Атрибуты искусства» [Приложение 1,6,7]

Тему тематического натюрморта затрагивает, и такой художник как ПЕТРОВ-ВОДКИН. Все мы знаем К. Петрова-Водкина как прежде всего художника революционного. Его «Купание красного коня», революционные мадонны, и даже натюрморт с селедкой голодных послереволюционных годов вполне укладываются в эту схему. О том, что этот художник, как и любой истинный творец, никогда не сводится к какой-то одной теме, краске лучше всего, мне кажется, напоминают нам его натюрморты - яркие, полные света, по-настоящему живописные. В конце 1900-х и первой половине 1910-х годов Н.Н. Сапунов, П.В. Кузнецов, М.С. Сарьян, Н.С. Гончарова, М.Ф. Ларионов, И.И. Машков, П.П. Кончаловский и некоторые другие художники привели русский натюрморт к невиданному до того в отечественном искусстве расцвету. В их живописи предстали самые разнообразные решения проблемы «мертвой природы». И все же, обращаясь к натюрмортам Петрова-Водкина, мы видим, что совершенно своеобразный строй художнического мышления и мироощущения придал этому жанру в его искусстве черты, несхожие с произведениями упомянутых мастеров. В некоторые натюрморты Петров-Водкин вводит изображение собственных рисунков и акварелей, заново интерпретируя их сообразно духу данного холста (так до него уже делал Матисс), или палитры - словом, своего рода атрибутов искусства, окунающих зрителя в атмосферу мастерской художника. Скрипка, прислоненная к окну, за которым виден покачнувшийся на пространственных осях пейзаж бесчисленных петербургских крыш и тесных дворов, своим изящно-артистичным силуэтом эстетизирует этот печальный мир и, в свою очередь, получает от него щемяще-минорную окраску. «Скрипка» [Приложение 1,8,9,10]



2. Технология создания тематического натюрморта

2.1 Особенности различных живописных материалов

Акварель - это водяные краски. Но акварелью также называют и технику живописи, и отдельное произведение, выполненное акварельными красками. Основное качество акварели - прозрачность и мягкость красочного слоя. Французский художник Эжен Делакруа писал: «То, что даёт тонкость и блеск живописи на белой бумаге, без сомнения, есть прозрачность, заключающаяся в существе белой бумаги. Свет, пронизывающий нанесённую на белую поверхность краску, - даже в самых густых тенях - создаёт блеск и особую светимость акварели. Прелесть этой живописи ещё и в мягкости, естественности переходов одного цвета в другой, безграничном разнообразии тончайших оттенков».

Гуашь - (фр. Gouache, итал. guazzo водная краска, плеск) вид клеевых водорастворимых красок, более плотных и матовых чем акварель.

Художественная гуашь - это растертые пигменты, с добавлением дистиллированной воды, белил и гуммиарабика. Эта гуашь обладает прекрасной кроющей способностью, матовостью, бархатистостью и прекрасно ложится на художественную поверхность. Для этого типа краски идеально, в качестве рабочей поверхности, подходят не мелованный картон, акварельная бумага, тонированная бумага. Первый слой краски впитывается в художественную поверхность, создавая что-то подобное грунту. Это позволяет краске лучше держатся на рабочей поверхности.

Плакатная гуашь представляет собой обычную гуашь, за тем лишь исключением, что вместо белил используется каолин. Это делает краску более яркой и плотной.

Гуашь для детского творчества содержит вместо дорогого гуммиарабика дешевый клей ПВА. Это делает краску менее пластичной, и она быстрее высыхает. Однако это делает ее более стойкой к осыпанию и истиранию. Такая краска подходит не только для бумаги, но и для фанеры, керамики и холста, который можно не грунтовать специальным грунтом (как в случае с художественной гуашью). ПВА в составе гуаши становится прекрасным закрепителем и с успехом заменяет специальный грунт. Детские рисунки гуашью радуют глаз и сердце родителей.

Некоторые производители, с появлением художественного акрила, стали выпускать акриловую гуашь. Такая гуашь подходит для росписи любой поверхности, а после полного высыхания не смывается водой. Первоначально термин «гуашь» возник в XVIII веке во Франции, хотя техника создания этой краски намного древнее, она использовалась в Европе еще в Средние века. Гуашью выполнялись книжные миниатюры. В эпоху Возрождения художники применяли технику гуаши для эскизов, набросков, подготовительных работ, портретных миниатюр. Расцвет техники гуаши приходится на конец XIX начало XX в.в.

В России художники объединения «Мир искусства» писали гуашью большие станковые произведения, эскизы театральных декораций, костюмов, плакатов, используя её декоративные качества.

Произведения искусства, выполненные гуашью, тоже носят название гуашь.

Гуашью пользовались знаменитые старые мастера - Рубенс, Ван Дейк, Дюрер. Позже к ней проявляли немалый интерес и Пикассо, Берн-Джонс, Эгон Шиле, Генри Мур.

Масляные краски - ряд лакокрасочных материалов, представляющих из себя суспензии неорганических пигментов и наполнителей в олифах (чаще всего комбинированной или синтетической либо на основе алкидных смол), иногда с добавкой вспомогательных веществ. Применяются для окраски деревянных, металлических и других поверхностей, в зависимости от вида краски. Художественные краски состоят из цветного порошка - пигмента и связующего, которое скрепляет между собой мельчайшие частицы. В живописи используют в основном неорганические красящие вещества, как более стойкие, реже - органические.

Существуют пигменты природного происхождения и приготовленные искусственным путем.

2.2 Этапы создания натюрморта на тему: «Творчества»

При рисовании натюрморта придерживаются общих правил, последовательного изображения рисунка - «от общего к частному» и «от частного к общему».

Рисование натюрморта можно условно разделить на четыре этапа: схематизацию, типизацию, индивидуализацию и обобщение.

На этапе схематизации предметы размещают на листе бумаги, рисуя их упрощенную схематическую форму.

На этапе типизации выявляют форму предметов. На этапе индивидуализации стирают все вспомогательные линии и штрихи и переходят к индивидуальной проработке формы предметов, их светлоты, фактуры, освещенности.

На этапе обобщения приводят весь рисунок к единому целому, работая «от частного к общему».

I этап.

Предполагает композиционное размещение изображения в листе бумаги. Вопросы композиции уже решались в процессе выполнения эскизов-вариантов. Найденную композицию необходимо сохранить и перенести ее в формат листа. Для этого определяется наибольшая ширина и наибольшая высота всей постановки. Ограничив, таким образом, поле, в котором будет находиться изображение основных частей натюрморта, можно несколькими легкими линиями наметить место каждого из предметов и плоскость, на которой они установлены. Когда определена точка зрения, границы натюрморта и форма листа (вертикаль или горизонталь), можно приступать к рисованию.

Задача состоит в том, чтобы в процессе рисования не нарушать замысла, который у вас сложился. Поэтому нельзя рисовать, начиная с отдельного предмета, постепенно пририсовывая к нему остальную часть изображения. В этом случае неизбежно будут нарушены сравнительные размеры предметов, рисунок может не уложиться в лист или оказаться значительно меньше, чем нужно.

Начинают с наброска всей группы - ее нужно закомпоновать в листе легкими беглыми линиями, очертить весь натюрморт, устанавливая на листе места, где располагаются предметы. В этой работе вы встретитесь с задачей установить правильные соотношения размеров предметов.

Предметы в натюрморты связаны между собой и освещением - одинаковыми условиями освещения для всех предметов: в натуре устанавливается определенное, вполне закономерное распределение света, тени, полутонов, освещенности отдельных частей натюрморта.

В моей работе освещение фронтально-боковое и верхнее. Поэтому падающие тени находятся под предметами и немного падают в бок.

Степень освещенности предмета, зависящая от силы источника освещения и от угла падения светового луча;

На освещенном предмете можно различить:

1. Самое освещенное место.

2. Самое темное

3. Плавный переход между ними

4. Тень от самого предмета

Свет - самое освещенное место на предмете, это на бокале и на маленьком чайничке. Если предмет имеет глянцевую блестящую поверхность, то источник света отражается на ней светлым пятном, называемым бликом.

На этих же предметах есть блик - самое освещенное пятно на поверхности предмета.

Присутствует тень - неосвещенное место. На рисунке тень находится на плоскости, на которой стоят предметы и на самих предметах. Все предметы имеют собственную (на нем) и падающую тень (на поверхности около предмета). Форма падающей тени зависит от направления и объема света. Собственная тень стремиться повторить контуры самого предмета.

Тень, лежащая позади предмета, называется падающей тенью. Она неоднородна по светлоте и темнее тени собственной. Тень собственная светлее тени падающей, так как тень собственная освещается отраженными от предмета лучами. Самым темным насыщенным местом на работе является фон.

Эффект тени, которую отбрасывает тело на плоскость или на прочие, соседние объекты, зависит от источника света и подчиняется принципам одномерной перспективы. На рисунке вам достаточно поставить точку на месте источника света и, проведя перпендикулярную земле линию, рассчитать местонахождение «основания» источника света на линии горизонта. детали и эффект удаления.

Обратите внимание, что приближенный план (передний) воспроизводится более четко и точно, в то время как детали удаленных планов «теряются» в глубине, а их контуры различаются с трудом.

Рассмотрим все по порядку.

I этап.

Чтобы нарисовать что-либо на листе бумаги вначале надо построить изображение. Этим закладывается своеобразный фундамент для всего рисунка. Когда натюрморт построен в основном, необходимо уточнить пропорции предметов, их расположение и связи в группе.

II этап.

Уточняется место каждого из предметов относительно друг друга, определяются их пропорциональные отношения, выявляется конструктивная основа формы. Решение этих вопросов требует серьезного, внимательного анализа натуры. Нужно учитывать в каком месте находится кувшин по отношению к бокалу и чайничку; на сколько ширина кувшина меньше его высоты; на каком расстоянии от переднего края драпировки стоит кувшин; на сколько кувшин больше, чем бокал; это позволит более внимательно анализировать натуру, а, следовательно, быстрее понять закономерности ее строения. Для облегчения процесса построения формы предметов рисовать их лучше, как бы прозрачными. Это, во-первых, даст возможность почувствовать пространственность формы, во-вторых, правильно изобразить ее на листе бумаги.

Все построение нужно выполнять легкими, без нажима линиями, тогда на последующих этапах их не потребуется стирать, они органично войдут в само изображение.

Объемность, рельефность формы мы воспринимаем только при наличии светотени. Поэтому, работая над рисунком, уже на втором этапе нужно определять большой свет и большую тень, в тенях сделать легкую прокладку тоном.

III этап.

Идет дальнейшее уточнение формы предметов, продолжается работа тоном. Изучив закономерности распределения светотени на геометрических телах различной формы, легко можно разобраться в светотональных градациях и на бытовых предметах. Сложность здесь только в том, что бытовые предметы в сравнении с гипсовыми геометрическими телами имеют еще и свой индивидуальный цвет, и тон.

Все предметы, так или иначе, различны по материалу, из которого они сделаны. Передний план желательно прорисовывать более подробно, чем второй и третий, намечать конкретные складки, очень внимательно и детально лепить форму. Дальний план более мягок, обобщен, нет конкретных четких переходов. Этот прием создает ощущение глубины в рисунке.

IV этап.

Заключительный. Он предполагает процесс завершения рисунка. На этом этапе нужно еще раз провести мысленный анализ своей работы. В чем же он заключается? Он состоит, прежде всего, в следующем:

1. Рисунок рассматривается с позиции: а) перспективного построения; б) объемности, рельефности форм; в) тонового решения; г) материальности.

2. Обобщение рисунка. В том случае, когда изображаемая деталь, а возможно, и предмет разрушают цельное восприятие рисунка, то этот предмет «смягчается», если он слишком темный, и, наоборот, «уплотняется», если слишком светлый.

3. Художественная выразительность, цельность рисунка.

Рассмотренные четыре этапа работы над рисунком натюрморта вовсе не являются отдельными друг от друга, самостоятельными звеньями. Они составляют единый и неделимый процесс, каждый этап которого является логическим продолжением предыдущего.

Без этапа компоновки, например, трудно начинать построение формы - рисунок может получиться либо большим, либо очень маленьким. Без этапа конструктивного построение формы трудно переходить к ее проработке с помощью светотени, поскольку форма в этом случае может получиться отличной от той, которая в натуре.

Система последовательно построения формы предметов плоскости позволяет избежать значительных ошибок в рисунках, облегчает, упрощает процесс изображения.

Задачи при рисовании:

а) подчеркнутость переднего плана или композиционно-смыслового центра;

б) постепенное ослабление степени освещенности, активности лепки формы и меры проработанности светотени, по мере удаления формы в глубину рисунка;

в) единство теней по тону и фактуре штриховки (тушевки);

г) проработанность поверхностей, несущих свет, и обобщенность затененных поверхностей; д) стилевое единство технических приемов изображения объемно-пространственных, светотеневых качеств, составляющих натюрмортную постановку;

е) выдержанность тонального масштаба изображения;

Последовательность построения:

1) Проводится анализ постановки и композиционного решения.

2) Выполняется передача взаиморасположения предметов и их пропорций.

С помощью горизонтальных и вертикальных связей определяется положение предметов, их высота и ширина. Сравнивают не только объемы предметов, но и пространство между ними.

3) Прорисовывается линейный каркас предметов, невидимые линии, оси фигур.

4) Выполняется графическое завершение рисунка: выявление объема условным штрихом или линией, уточнение линейных и тональных контрастов, ослабевающих к заднему плану. При этом проверяется цельность натюрморта.



Заключение

Изучив искусствоведческую часть, и проанализировав были сделаны выводы. Наблюдая окружающую действительность, художник обращает особое внимание на те предметы, которые привлекательны своей формой, цветом, то есть эстетическим содержанием. На особенностях зрительного восприятия основывается закон композиционной цельности.

Выразительность изображения неразрывно связана с проявлением закона контрастов, который, в свою очередь, основывается на закономерностях человеческого зрения и особенностях зрительного восприятия действительности.

Тоновое решение натюрморта обычно строится на контрасте темных предметов на светлой поверхности или, наоборот, на контрасте светлых предметов на темной поверхности. В большинстве школ обучение натюрморту в живописи начинается с упражнений в технике гризайль, в которой для изображения тоном используются кисть и только черная или коричневая краска.

Сверяя отношения между предметами, нужно добиваться верных светотеневых градаций, особенность которых заключается в том, что каждый предмет имеет свой, отличный от других тон. Не следует забывать также о контрастах. Чем ближе предмет к источнику света, тем ярче проступают на нем светотеневые контрасты. Курсовая работа дала мне возможность оценить свои способности, закрепить и обобщить знания, полученные в процессе обучения, развить и углубить свои творческие способности и пополнить запас теоретических и практических знаний

Таким образом, работа с натюрмортом требует хорошего художественного и эстетического вкуса, знаний законов композиции, контрастов, тоновых и светотеневых градаций.



Список используемой литературы

1. Беджанов Ю.К. Изобразительное и декоративно-прикладное искусства. 2. Термины и понятия: Учебное пособие. - Майкоп, 2008. - 178 с.

3. Василевская Л.А. Специальное рисование: Учеб. пособие для ПТУ.

4. Д.П. Псурцев. Активизация познавательной деятельности студентов в процессе учебного рисования натюрморта // Дис. М., 2009.

5. Дурасов А.П. Натюрморт. Интерьер: уч. пособие. - М.: Прест, 2011. - 152 с.

6. Ермолаева Л.П. Основы дизайнерского искусства: декоративная живопись, графика, рисунок фигуры человека: Учебное пособие для студентов-дизайнеров. - М.: «Изд-во Гном и Д», 2001. - 120 с.

7. Игнатьев С. Задачи учебного натюрморта: Уроки изобразительного искусства // Юный художник. -2011. - №12.

8. Из книги Я.А. Башилова «Как научиться рисовать», 2004

9. Беда Г.В. - Живопись - 2001

10. Информация с сайта: уроки рисования: Рисуем натюрморт.

11. Королева И.А., Проферансова М.Ф. Давай учиться рисовать / Под ред. Е.М. Золотарева М.: ЗНУИ, 2001. - 70 с.

12. Матисс А. Сборник статей о творчестве. - М.: Изд. Иностранной литературы, 2004. - 231 с.

13. Н.Г. Ли «Основы академического рисунка» Москва 2007

14. Орешников В. О композиции // Юный художник. - 2003. - №2.

15. Пучков А.С., Триселев А.В. Методика работы над натюрмортом: Учеб. пособ. для студентов худож. - граф. фак. пед. ин-тов. - М.: Просвещение, 2010. - 160 с.

16. Ракова М.М. Русский натюрморт конца XIX - начала XX века. - М., 2001. - 453.

17. Раушенбах Б.В. Пространственное построение в живописи. - М.: Наука, 2011. - 342 с.

18. Смирнов Г.Б., Унковский А.А. Акварель. - М., 2009. - 245 с.

19. Советы мастеров «Живопись, графика» Ленинград 2003

20. Тихонов С.В., Демьянов В.Г., Подрезков В.Б. Рисунок. - М., 2006.

21. Унковский А.А. Живопись: Вопросы колорита. - М., 2003. - 432 с.

22. Хосе М. Паррамон. Как писать натюрморт. - М., 2000. - 112 с.

23. Шорохов Е.В. Основы композиции: Учебное пособие для студентов. - М.: Просвещение.

24. Щеголь Г.М. Колорит в живописи: Заметки художника - М., 2002. - 341 с.

25. Яшухин А.П. Живопись. - М., 2001. - 274 с.

26. Рисунок и живопись. Кирцер Ю.М. 2003

Размещено на Allbest.ru