Музеи Франции как объекты туризма

Когда после долгих переговоров, переписок и встреч Леонарди доставил картину в Галерею Уффици во Флоренции, он сказал: «Это хорошее, святое дело! Лувр битком набит сокровищами, которые принадлежат Италии по праву. Я не был бы итальянцем, если бы смотрел на это с безразличием!»

К счастью, два года и три месяца, которые «Мона Лиза» провела в плену, не отразились на картине. Под охраной полиции «Джоконда» выставлялась в Риме, Флоренции, Милане, а потом после торжественной церемонии прощания отбыла в Париж.

Следствие по делу Перуджи (такова настоящая фамилия похитителя) шло несколько месяцев. Арестованный ничего не скрывал и рассказал, что периодически работал в Лувре стекольщиком. За это время он изучил залы картинной галереи и познакомился со многими музейными служащими. Он откровенно заявил, что давно уже решил украсть «Джоконду».

Перуджи плохо знал историю живописи. Он искренне и наивно считал, что «Джоконду» увезли из Италии во времена Наполеона. А между тем Леонардо да Винчи сам привёз её во Францию, выкупив её у прежнего владельца за счёт французского короля. Картина была королевской собственностью до революции 1789 года, а потом стала достоянием нации.

Однако «патриотические» убеждения обвиняемого сразу померкли, когда выяснилось, что в прошлом он уже привлекался полицией за попытку воровства. Да вдобавок за свою «любовь к Италии» требовал полмиллиона франков. И всё же приговор суда был довольно мягкий: один год и пятнадцать дней тюрьмы с уплатой судебных издержек.

Следующая, из наиболее известных картин Леонардо - это «Тайная вечеря». В этой картине уродливое, антигуманистическое, отрицательное начало в образе Иуды впервые включается в большую многофигурную композицию, построенную по законам гармонии и красоты, взрывает мир этически прекрасных образов апостольского братства; оно оказывается беспомощным перед злодеянием предательства. Сила драматического столкновения, глубина психологической характеристики, совершенство композиции и пластической выразительности делают леонардовскую «Тайную вечерю» одним из самых великих произведений мирового искусства.

А в «Святой Анне с Марией и Младенцем Христом» художник возвратился к пирамидальной композиции, в которую вписал фигуры пленительно-загадочных персонажей, окружив их условным пейзажем. Художник вложил в них немало труда, добиваясь идеальной гармонии и цельности. В результате появился синтез личных переживаний и красоты. Леонардо увязал с мотивом преемственности поколений даже ритм композиции и чисто формальную последовательность расположения трёх фигур. Интерпретация в духе теологического символизма (Святая Анна - олицетворение победоносной Церкви и надежды на спасение - удерживает порыв Мадонны, стремящейся уберечь Младенца от предназначенных ему страстей) далеко не исчерпывает эстетический и образный потенциал картины. Зигмунд Фрейд предложил её психоаналитическую интерпретацию, основанную на детском сне Леонардо (будущему художнику приснилось, что гриф хлещет его по губам хвостом), который будто бы бессознательно воплотился в композиции (и действительно, синий плащ Богоматери напоминает силуэт грифа).

2.2 Музей импрессионизма

Весной 1874 года семеро малоизвестных тогда художников, чьи картины отвергались официальным художественным Салоном, устроили в центре Парижа собственную выставку. Очень разные, они были объединены идеей искать свою правду в искусстве, невзирая ни на какие трудности. За плечами у них лежали долгие годы упорного труда и борьбы в одиночку, годы лишений и невзгод. Большинство из них были настолько бедны, что часто нуждались в обыкновенном куске хлеба. Они не имели даже денег, чтобы снять помещение для своей выставки. На помощь пришёл фотограф Надар -- один из немногих их парижских друзей, он предоставил им для экспозиции свою мастерскую.

Публика ходила на эту выставку лишь для того, чтобы посмеяться. «Чрезвычайно комическая выставка!», «Сумасбродство!», «Страшная мазня!» -- такими выражениями пестрели статьи в газетах и журналах.

Сейчас их имена знает весь мир. Это были Клод Моне, Огюст Ренуар, Камилл Писарро, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Поль Сезанн, Берта Моризо -- те, кого мы называем импрессионистами.

...Музей импрессионизма разместился в скромном двухэтажном здании в самом центре Парижа -- на террасе парка Тюильри. Шумный город живёт в двух шагах отсюда, а здесь всегда царят тишина и какое-то особое благоговение. Вековые деревья берегут покой невзрачного с виду домика, который в соседстве с роскошными дворцами кажется ещё невзрачнее. Да и название у него такое старинное и старомодное -- «Зал для игры в мяч». Здание это было построено в период Второй империи. В те годы среди французской буржуазии были широко распространены аристократические обычаи, в число которых входила и старинная игра в мяч. Однако в конце XIX века игра эта была вытеснена теннисом, а здание стали использовать для устройства временных выставок.

Кроме того, «Зал для игры в мяч» прочно связан и с французской историей. В 1789 году в этом зале собрались депутаты Генеральных штатов, чтобы объявить себя Национальным собранием и дать клятву не расходиться до тех пор, пока не будет выработана Конституция.

В годы Второй мировой войны здесь разместилась контора нацистов, в которую со всех районов оккупированной Франции поступали захваченные немцами произведения искусства. После окончания войны в этом здании разместилась служба по возвращению похищенных сокровищ.

Музей импрессионизма был открыт только в 1947 году, а в 50-е годы он был отреставрирован и переоборудован. На первом этаже Музея разместилась коллекция произведений Эдуарда Мане, среди которых находятся и две его прославленные работы -- «Завтрак на траве» и «Олимпия». Именно они вызвали в своё время целую бурю негодования среди парижских мещан и обывателей.

Но сначала была написана картина «Лола из Валенсии». В то время в Париже выступала балетная труппа Мадридского королевского театра, и особенным успехом пользовалась прима-балерина Лола. Поэты посвящали ей стихи, писатель и композитор Захария Астрюк написал в её честь романс. Для обложки его Эдуард Мане сделал рисунок, который и послужил основой для будущей картины.

«Лола из Валенсии» была необычным портретом. Художник изображает балерину не на сцене, не в момент выступления, а за кулисами на фоне декораций. Уже одним этим он даёт понять, насколько мало занимает его внешняя парадность: Человек -- вот что ищет он прежде всего. Человеческое лицо, глаза, улыбка -- вот чему была посвящена его страстная, свежая живопись. Краски его картин были чисты, благородны и свежи.

«Лолу из Валенсии» французский поэт Шарль Бодлер назвал «сокровищем в розово-чёрном мерцании». Действительно, цвет играет огромную роль в портретах Э. Мане, именно цветом привлекает он внимание к испанской танцовщице. Белое марево кружев, сквозь которое просвечивают чёрные волосы, голубой платок и розовые рукава кофты, пышная юбка с разбросанными по чёрному фону красными и жёлтыми цветами и зелёными листьями, серо-розовые чулки и балетные туфли... Весь этот наряд кажется на удивление красивым, а официальная критика назвала подобную живопись «пестрятиной». Вот тогда Э. Мане и решил написать картину «Завтрак на траве», как пощёчину буржуазному вкусу.

Сюжетом картины, которая сначала значилась в каталоге выставки под названием «Купание», Мане выбирает мотив эпохи Возрождения. Фигуры людей на ней были написаны строго и сдержанно, в живопись врывались воздух, солнце и чистый цвет. Но критики всю свою ярость сосредоточили на «неприличии» сюжета и не захотели заметить то новое, что содержалось в живописи Э. Мане.

Скандал с «Завтраком на траве» нисколько не поколебал художника. Вскоре он написал картину, которая тоже стала предметом самых яростных нападок. Это была «Олимпия», композиция которой напоминала тициановскую Венеру. Перед картиной толпились возмущённые зрители, назвавшие её «батиньольской прачкой», а газеты называли её нелепой пародией.

Во все века Венера почиталась как идеал женской красоты, в Лувре и других музеях мира есть много картин с обнажёнными женскими фигурами, а Мане призывал искать красоту не только в далёком прошлом, но и в современной жизни. Вот с этим-то никак и не хотели примириться просвещённые мещане. «Олимпия», лежащая на белых покрывалах, обнажённая натурщица, -- это не Венера прошлых веков. Это современная девушка, которую, по выражению Эмиля Золя, художник «бросил на полотно во всей её юной... красоте».

Кажется, что ещё ни одна картина не вызывала такой ненависти и насмешек, всеобщий скандал вокруг неё достиг здесь своей вершины. На художника ополчились все газеты, от него отворачивались знакомые...

Более ста лет назад Эмиль Золя писал в газете «Эвенмен»: «Судьба уготовила в Лувре место для «Олимпии» и «Завтрака на траве», но понадобилось много лет, чтобы его пророческие слова сбылись. Теперь в Музее импрессионизма зрители стоят перед этими полотнами благоговейно и почтительно.

На первом этаже Музея выставлены и полотна «живописца радости» Огюста Ренуара. «Он любит солнце, которое может всё озарить, и его художественное сердце -- само такое солнце. У него нет глаз для скорбного и уродливого: он видит цветы, лучи солнца, детей, прелестных женщин -- и всё это играет, просто радуясь жизни и воздуху», -- писал А.В. Луначарский о творчестве О. Ренуара.

Действительно, пишет ли художник природу («Дорога в траве»), обнажённую натуру («Натурщица на солнце»), жанровые сценки на открытом воздухе -- везде он остаётся солнечным художником, «окунающим» натуру в лучезарные потоки света. Молоденькие модистки, собравшиеся повеселиться в саду монмартрского кабачка «Муленде ла Галетт», под кистью Ренуара превращаются в прелестные создания -- женственные и непосредственные. Картины его насквозь пронизаны солнцем, его свет играет на розовых и голубых женских платьях, на тёмных костюмах и соломенных шляпах мужчин, переливается на стаканах, синими и жёлтыми бликами ложится на песочную площадку.

Полотна Огюста Ренуара переходят и на второй этаж Музея импрессионизма. Кроме них, здесь выставлены картины Клода Моне, К. Писарро, П. Сезанна, Винсента Ван Гога, Поля Гогена и других художников. И одним из шедевров является картина К. Моне «Впечатление», давшая название всему направлению импрессионизма (по-французски «impression» -- впечатление).

За два года до той знаменитой выставки Клод Моне написал из окон гостиницы, в которой тогда жил, картину Гаврского порта. Лес корабельных мачт, стушёванные контуры портовых кранов, зыбкий туман, чернеющие лодки... Поднявшийся над горизонтом чётко очерченный багровый шар солнца висит в молочной дымке и отбрасывает на воду алые отсветы. Чтобы сохранить свежесть впечатления, надо было работать на едином дыхании, очень быстро -- смелой рукой и без колебаний. Эдмон Ренуар, брат художника, к названию «Впечатление» прибавил ещё два слова: «Восход солнца». Таким это название и осталось.

Клод Моне с наибольшей последовательностью разрабатывал принципы импрессионистской манеры живописи: писал отдельными мазками чистого цвета, пытался передать освещение, изменчивое в разное время дня и года. Эти его поиски отражены в серии «Руанский собор», хотя в самом Музее импрессионизма находится лишь пять из 25 композиций.

Клод Моне пишет портал знаменитого Руанского собора, и свет играет на каменном кружеве и скульптурах собора, отбрасывает тень и растворяет очертания здания в светло-воздушном мареве. Этюды ни один не повторяют друг друга: на одном собор изображён в серых тонах (характерных для пасмурного дня), на других собор кажется нежно-розовым в лучах восходящего солнца, на третьих он переливается золотом, особенно ярко выделяющимся на фоне голубого неба.

Выставленные в Музее импрессионизма картины Клода Моне не имеют привычных рам, они просто «вставлены» в стену. Такой принцип размещения экспозиции поначалу поражает посетителей, но ведь художник и хотел «поймать мгновение», вызвать у зрителей иллюзию быстрой смены освещения, изменяющего видимый мир.

Эдгар Дега, на первый взгляд, казался человеком странным и противоречивым. Его настоящая фамилия де Га, но он еще смолоду отказался от аристократической приставки. Его готовили к блестящей карьере, но он бросил юридическую школу ради Школы изящных искусств. Он был склонен к молчаливому одиночеству, не терпел шума, презирал рекламу и славу. С годами его замкнутость стала легендой. И вместе с тем темы для своих картин он черпал в самой гуще городской жизни.

Пейзажей он почти не писал, он всегда влюблённо наблюдал и писал человека. Свои картины он не рисовал на месте, поставив своим принципом «Наблюдать, не рисуя, и рисовать, не наблюдая».

Он был первым из европейских художников, кто совершенно по-новому увидел балет. В «Танцевальном классе» и «Голубых танцовщицах» изображены балерины -- но не сцене, а за кулисами во время репетиции. На их лицах застыло то ли напряжённое внимание, то ли утомление, парадные улыбки и традиционное изящество исчезли. Повороты фигур зачастую попросту некрасивы, а движения -- у балерин! -- угловаты. Взгляд зрителя скользит по худым спинам, острым локтям, жилистым шеям...

И вместе с тем полотно, созданное Дега, прекрасно той истинной красотой, которая присуща только настоящему искусству. В «Голубых танцовщицах» само радужное мерцание чистых красок вызывает мелодию танца. Светятся и переливаются газовые юбки, сверкают на корсажах и в волосах балерин зелёные, голубые и красные ленты, легко касаются пола ноги в розовых балетных туфлях.

Дега был блестящим рисовальщиком. В отличие от других импрессионистов, превыше всего ставивших цвет, он по-настоящему понимал выразительность линий. А критики упрекали его в том, что он «срезает» предметы и людей, что он просто не умеет разместить желаемое на полотне и уложиться в размеры картины.

Кроме живописи, Эдгар Дега увлекался и скульптурой. В специальной витрине Музея импрессионизма выставлены небольшие фигурки его прачек, танцовщиц, обнажённых натурщиц и лошадей.

Одновременно с импрессионистами выступил и Поль Сезанн, сын мелкого банкира из Экса. Но вскоре Сезанн отошёл от них. Он хотел передать на своих полотнах не световые эффекты или изменчивость воздуха, а, наоборот, -- устойчивость и определённость окружающего мира. Взяв живописную технику импрессионистов, он хотел ввести её в пределы строго продуманной формы. Поэтому на его холсты ложились плотные, уверенные мазки, изображённые на картинах фигуры и предметы приобретали весомость и материальные черты.

Сам Сезанн говорил: «Глаз и ум должны дополнять друг друга. Надо усиленно работать над их взаимным развитием». И он был тружеником из тружеников. До последнего дня жизни работа была его единственной страстью. Посылая свои работы в Салон, он даже не рассчитывал, что их там примут. Художник писал Камиллу Писарро, что испытывает наслаждение оттого, что его работы заставляют Академию «краснеть от ярости и отчаяния».

Полотен Поля Сезанна в Музее сравнительно немного, и все они относятся к 70--80-м годам его творчества. Это пейзажи парижских окрестностей, натюрморты (цветы, яблоки, апельсины, лук), а также фигурные композиции -- «Игроки в карты» и «Женщина с кофейником».

Жизнь этих людей (а также тех, кого мы называем постимпрессионистами) была наполнена радостным, вдохновенным трудом. Поэтому, несмотря на то что постоянная и порой безвыходная нужда преследовала их во все времена, так радостно, так безмятежно солнечно их искусство.

2.3 Музей д'Орсэ

Музей д'Орсэ - французский национальный музей, созданный в Париже в декабре 1986 года для показа всего многообразия художественного творчества западного мира в период с 1848 по 1914 годы.

Удача и судьба, казалось, соединились, чтобы содействовать превращению Вокзала д'Орсэ (известной постройки 1900 г.) в Музей д'Орсэ - хранилище искусства позднего XIX века. Сначала добрую роль сыграло само время, ибо во многом именно разрушение рынка Лезаль дало повод к начатой прессой и успешно завершившейся кампании по сохранению старой железнодорожной станции и отеля. Создание этого музея стало значительным событием в культурной жизни Франции. Крупнейший вокзал Орлеанской компании, утративший своё функциональное значение, должен был превратиться «из вокзала в музей» -- в этом и заключалась главная идея его устроителей и реставраторов. Одной из главных задач в реализации этого проекта было не только сохранить вокзал в первозданном виде, но и включить его в современную жизнь, придать музею-вокзалу двойную функцию -- как носителя исторической памяти, так и современного подлинного явления.

Знаменитый парижский вокзал Орсэ располагался в центре Парижа -- напротив Лувра и Тюильри. Он был построен архитектором Виктором Лалу к Всемирной выставке 1900 года. По мнению многих критиков, вокзал стал «лебединой песней французского модерна». Вокзал Орсэ считался последним достижением техники того времени, самым ультрасовременным из всех -- он был своего рода апофеозом промышленного века.

Всё в нём приковывало внимание современников: громадный неф, огромная высота, циклопические портики, светящиеся часы. Кроме всех этих достижений, вокзал был в высшей степени функционален. Однако со временем он перестал удовлетворять всё ускоряющийся ритм жизни, к концу 1960-х годов вокзал обветшал и пережил забвение. На смену ему готовилось строительство международного отеля, в конкурсе на проект которого приняли участие крупнейшие архитекторы того времени (в том числе и Ле Корбюзье).

Однако в 1973 году решение о строительстве отеля было отменено. Вокзал признали историческим памятником, и его купило министерство культуры Франции. Вот тогда-то и возникла идея превратить вокзал в «Музей XIX века». В нём предполагалось создать музей искусств с новейшей экспозиционной технологией, но с минимальным изменением архитектуры и структуры самого вокзала, его интерьеров и декора.

Проект нового Музея рождался как бы из диалога с прежним его архитектором -- Виктором Лалу. Новый проект ставил своей задачей создать уникальную среду для произведений искусства XIX века, но в то же время как бы экспонировать и собственную архитектуру вокзала. Однако вокзал Орсэ по своим прежним функциям никак не совпадал с задачами Музея искусств. Сложнейшая проблема была всё-таки решена группой «АКТ-аршитектюр», которая завоевала первое место в конкурсе по реконструкции этого вокзала. Основа концепции проекта данной группы была такова: «Сделать не музей в вокзале, а музей из вокзала».

Идея создания такого музея нашла поддержку и в лице президента Франции Валери Жискар д'Эстена, который и начал эту грандиозную работу. По разработанной программе новый Музей должен был стать музеем многодисциплинарным -- то есть включать в свои экспозиции и демонстрировать живопись, графику, скульптуру, декоративную мебель, произведения фотографии и зарождающегося киноискусства, архитектуру, градостроительство, исторические и документальные материалы -- всё, что отражает прошлую эпоху.

Первые коллекции нового Музея формировались из произведений, хранившихся в Лувре, музее «Же до Пом», во Дворце Токио и многих других музеях и частных собраниях. По хронологическим рамкам своих коллекций Музей Орсэ занимает сейчас место между Лувром и Национальным центром искусств имени Жоржа Помпиду: Лувр (как музей) построен в XVII веке, Орсэ -- в 1900 году, Центр искусств имени Жоржа Помпиду -- в 1977 году.

Экспонируемые в Музее Орсэ произведения искусства представляют собой один из выдающихся периодов французского искусства второй половины XIX -- начала XX века. Живопись представлена полотнами Давида, Энгра, Делакруа, импрессионистов, скульптура -- произведениями Родена. Зал Родена считается одним из самых красивейших в Музее Орсэ, а достигается это благодаря гармоническому соотношению трёх произведений скульптора с архитектурой самого вокзала.

Самым масштабным помещением нового Музея стал Большой Неф, в котором выставлены коллекции скульптуры. Над бывшими железнодорожными путями и рельсами был сделан пол, который своими террасами как раз и продолжается в нефе. Стеклянный свод обеспечивает равномерное освещение зала, а это для скульптур является безопасным и оптимальным режимом. Грандиозные размеры самого нефа придают ещё большую монументальность всей скульптурной экспозиции.

В глубине нефа расположились две башни, в которых экспонируются произведения «ар нуво». С террасами соседствуют залы для экспозиции произведений живописи и декоративно-прикладного искусства. С одной стороны -- это залы Домье, Коро, Милле, с другой -- Энгра, Делакруа, Дега, Гюстава Моро. В пересечении нефа расположились залы Гюстава Курбе и декоративного искусства времен всех Империй.

Коллекции импрессионистов и постимпрессионистов расположились в залах верхней галереи. Естественное специфическое освещение этих залов наилучшим образом отвечает цветовой гамме живописных полотен Моне, Сислея, Сезанна, Ренуара, Ван Гога.

Овальные залы первого этажа отданы произведениям академической, натуралистической и символической школ. Три из них представляют новое искусство -- это произведения Харта и Ван дер Вельде.

В Музее неожиданно и весьма оригинально экспонируются архитектурные макеты. «Гранд-Опера», например, оказывается прямо под ногами посетителей -- под прочным слоем стекла. С высоты этот макет предстаёт во всём своём великолепии. Макеты крупнейших сооружений прошлых времён выстроены в большую колонну -- один над другим. Посетители могут их осматривать, поднимаясь на эскалаторе в большие залы Башен.

Для размещения произведений декоративного искусства и графики (рисунков, фотографий, пастелей и литографий) созданы специальные небольшие «тёмные» помещения. Естественное освещение здесь практически отсутствует, а разработанная система подсветки высвечивает лишь экспонаты.

Вообще освещение Музея Орсэ является одной из его главных удач. Естественное и искусственное освещение из 8000 светильников, прожекторов и галогеновых фонарей как бы сливаются в одну симфонию. Во всех залах смонтирована система, отражающая как искусственный, так и естественный свет. Этот свет прежде, чем попасть на полотна, отражается специальными панелями, которые поглощают вредные для картин ультрафиолетовые лучи.

В Музее среди других технических новшеств применяется компьютерная система управления климатическим режимом и обеспечением безопасности.

2.4 Версаль

Версаль - это чудо света и бесценный дар французской нации всему человечеству. В истории первое упоминание о Версале относится к 1037 году, но известность этому провинциальному прежде городку создали дворец и парк последних французских королей.

Замок в западном пригороде Парижа был заложен в 1624 году как охотничья резиденция Людовика XIII, в которой можно было бы с удобствами отдохнуть в недолгие часы своих развлечений. Возводившийся замок был столь мал и скромен, что в нём не были даже предусмотрены покои ни для королевы-матери, ни для королевы-жены.

В начале своего царствования молодой и честолюбивый Людовик XIV не мог даже предположить, что ему удастся преобразовать замок отца до такой степени, что он превратился в самый большой и роскошный дворец Западной Европы с его легендарными садами и своеобразным королевским городком. С 9 мая 1664 года Людовик XIV основал в нём свою постоянную резиденцию.

Особый интерес представляют центральная часть версальского дворца, где находятся королевские покои, и знаменитая Зеркальная галерея, выходящая на террасу в парке.

В Большие королевские покои вводит зал Геркулеса -- главная придворная бальная зала. Огромная картина в потолке изображает апофеоз Геркулеса». Это полотно считается одним из самых грандиозных в мире: оно достигает 18,5 метров в высоту и 17 метров в ширину.

Но начинается анфилада королевских покоев с салона Изобилия. Своё название этот зал получил за то, что во время королевских приёмов он служил буфетной. Здесь постоянно стояло три больших буфета, уставленных серебряными кувшинами с самыми всевозможными напитками -- холодным и горячим шоколадом, винами, чаем, кофе и вазами с различными заморскими фруктами.

На самом же деле салон Изобилия был кабинетом Медалей (или Редкостей). В нём «Король-солнце» хранил свою великолепную нумизматическую коллекцию. Назначение салона подсказало и тему росписи его потолка. В центре композиции художник Р.-А. Уасс представил короля в изображении аллегорических фигур с рогами изобилия, из которых рассыпаются диковинки королевской коллекции.

Салон Дианы долгое время служил Людовику XIV бильярдной. Король любил эту игру больше других, и часто играл на бильярде. Это запечатлено и на одной из современных гравюр. Мебели в этом зале почти не было, только вдоль стен стояли столики и табуреты. Дополняли убранство салона люстры, канделябры и вазы -- всё из литого серебра с позолотой очень тонкой работы. Убранство салона Дианы в основном остаётся неприкосновенным со времен Людовика XIV. Долгое время украшением зала был мраморный бюст короля в молодости, который в 1665 году выполнил итальянский скульптор Л. Бернини, но теперь этот бесценный шедевр хранится в Лувре.

Салон Меркурия был парадной спальней короля. Посередине его центральной стены стояла парадная кровать, а перед ней была серебряная чеканенная решётка. Королевская кровать была убрана покрывалом из той же парчи с золотыми и серебряными нитями, какой были затянуты двери всего салона. На этом ложе с 1 по 8 сентября 1715 года покоилось тело Людовика XIV в парадном коронационном одеянии.

Некогда салон Меркурия украшали полотна Тициана, но потом они тоже были переданы в Лувр. Однако до сих пор в салоне стоят знаменитые автоматические часы, которые были подарены французскому королю в 1705 году.

Самая знаменитая часть дворца - Зеркальная галерея с 17-ю большими окнами и 15-ю зеркалами на противоположной стороне: здесь проходили все придворные праздники, отмечались дни рождения короля, совершались бракосочетания, здесь же принимали иностранных послов.

Зеркальную галерею называют чудом Версаля. Вид этого салона просто захватывает дух: галерея ошеломляет сразу и размерами, и пропорциями, и колоритом, и расточительной роскошью убранства, ав погожие солнечные дни -- переизбытком света и воздуха. При украшении Зеркальной галереи расчёт сознательно был сделан на то, чтобы именно ошеломить роскошью и великолепием. Зеркальная галерея -- это не просто зал. Это огромный проспект, длина которого 73 метра, а ширина -- 10,5 метров.

Стену галереи со стороны парка по всей высоте прорезали симметрично расположенные 17 окон, которые своими пропорциями гармонируют с золочёными резными дверями. Пятнадцать ниш напротив окон заполнены зеркалами, которые отражают парк, небо и водоёмы, иллюзорно расширяя пространство зала и создавая тем самым удивительно сказочный эффект. Окна утопают в глубоких арочных нишах, в то время как зеркала наложены на плоскую стену.

Посетивший Версаль посол Венеции в восторге писал: «В Большой галерее зажигались тысячи огней, они отражались в зеркалах, покрывавших стены, в бриллиантах дам и кавалеров. Было светлее, чем днём, красота и величие блистали точно во сне или в заколдованном Царстве». Зрелище поистине феерическое. В праздничные дни в сверкающих серебряных и хрустальных люстрах зажигались мириады свечей, множились на глазах, отражаясь, как и всё остальное, в зеркалах. Оформители галереи явно хотели продемонстрировать современникам победу над Венецией с её монополией на производство зеркал. А оказывается, Франция тоже могла изготовлять их, да ничуть не хуже венецианских!

Роспись Зеркальной галереи была поручена художнику Ш. Лебрену, который был наделён большими полномочиями и самостоятельностью, но отнюдь не беспредельными: придворное искусство должно было прежде всего прославлять яркую личность короля. На сводах галереи художник расположил 12 медальонов и 6 стукковых рельефов. В угловых медальонах представлены важные события того времени: судебные и финансовые государственные реформы, покровительство искусствам. Все фрески объединяет тема побед воинственного короля, среди которых выделяется «Вторая победа над Франш-Конде». Во фресках Лебрен тонко переплетал сюжеты важных исторических событий и мифологию, ввёл аллегорические образы, в которые как будто случайно проникли сцены будничной жизни. Главный герой каждой композиции -- король. И вообще при украшении всего Версальского дворца была одна цель -- в монументальном стиле воздать славу королю.

Галерею украшали апельсиновые деревья, высаженные в огромные серебряные вазы. Здесь стояла массивная серебряная мебель, сделанная по эскизам Лебрена. Столы из литого серебра украшала настолько тонкая чеканка, что стоимость её во много раз превышала стоимость самого материала.

С балкона Зеркальной галереи римский папа Пий VII дал своё благословение французскому народу; здесь же в январе 1871 года Вильгельм I короновался как император Германии; а в январе 1896 года на её балкон выходил к народу русский царь Николай II.

В благоустройство и украшение Версаля свой вклад внесла каждая эпоха. После Людовика XIV воспоминания о себе оставил почти каждый монарх. Во дворце, помимо личных апартаментов королей и королев, в XVIII веке появились салоны сменявших одна другую королевских фавориток, тут жили наследники и наследницы престола. Но образ Версаля всё же прочно связан с именем Людовика XIV. При нём строительные работы велись здесь почти сорок лет, хотя их и прерывали частые войны и безденежье. В Версале всегда царил праздник, затянувшийся на целые десятилетия. Его главным постановщиком и главным действующим лицом был Людовик XIV. Всё его здесь радовало и переполняло гордостью. Ему доставляли огромное удовольствие и Зверинец с редкостными животными, и Оранжерея с диковинными растениями, а в Лекарственном саду под наблюдением опытных садоводов король своими руками выращивал целебные растения и травы.

К серии королевских забав принадлежит также необыкновенное архитектурное сооружение -- фарфоровый Трианон. Весной 1670 года архитектор Л. Лево получил повеление короля начать строительство в парке китайского «Домика удовольствий» из фарфора. Оригинальный павильон, снаружи выложенный фаянсовыми изразцами, король посвятил маркизе де Монтеспан. Влюблённые получили и «пагоду», архитектура которой с китайской в общем-то не имела ничего общего.

Игрушечное одноэтажное здание красовалось в глубине небольшого двора. Центр его фасада, по моде того времени, был украшен пилястрами, поддерживающими классический фронтон. В самом домике главный интерес представляет роскошная королевская обстановка. Внутренние стены домика были сплошь покрыты дельфтскими изразцами, ими же были выстланы полы в залах. На высокой крыше ступеньками располагались вазы, мастерски сделанные «под фаянс». Такие же вазы украшали скамьи дворика и садовые фонтаны.

Многочисленных посетителей и туристов интерьеры «Китайского домика» просто изумляют. Его главный салон был выложен белыми с лазурью узорчатыми фаянсовыми плитками. Стены «комнаты Амуров» затягивает белая тафта, усыпанная китайскими золотыми и серебряными цветами. В «Комнате Дианы» стояли ширмы с изображением экзотических птиц, ваз, цветочных гирлянд и вензелей короля. Такой же узор был на шёлке, обтягивающем стены, на коврах и в рисунках изразцов.

«Домик удовольствий» был на самом деле сооружением затейливым. В него входили ещё «Кабинет благоуханий», специальные комнаты «для приготовления варенья», «для лёгких блюд», подаваемых перед десертом, и «для супов». При сказочном домике был и переполненный чудесами сад, в котором возделывались диковинные тогда апельсиновые деревья, высаживались левкои, анемоны, испанский жасмин, стамбульские нарциссы, дикие каштаны... По своей стоимости эта королевская забава вылилась в безрассудные траты, а просуществовал «фарфоровый Трианон» всего 17 лет, пока не был возведён так называемый Большой Трианон (мраморный).

Малый Трианон в парке Версаля, построенный в 1762-1764 гг. Жаком-Анжем Габриэлем, представляет собой одну из первых построек в стиле французского классицизма XVIIIв. Внешний вид Малого Трианона и отделка его комнат говорят о том большом сдвиге от утонченной сложности к простоте, который произошел в культуре французской аристократии в течение 50-х годов XVIII столетия. Стремление к классическим формам сближает друг с другом французскую архитектуру второй половины XVII в. и второй половины XVIII в. В противоположность архитектуре второй половины XVII в., парадной и репрезентативной, французская архитектура второй половины XVIII в. отличается интимностью. Создание Габриэля примыкает к виллам Палладио, мотивы которых сыграли большую роль в возникновении композиции Малого Трианона.

Композиция этого дворца основана на последовательности архитектурных картин, среди которых чередуются в известном порядке виды на наружные и внутренние части здания. При помощи искусного и остроумного композиционного приема зодчий отнимает у зрителя возможность обойти вокруг здания и воспринять элементарную кубичность его наружного объема. Он заставляет его смотреть на дворец с известных точек зрения и осматривать его в желательном для зодчего порядке. Малый Трианон расположен на крутом склоне, который использован зодчим. Два фасада дворца имеют по два этажа, два других -- трехэтажные. С четырех сторон к нему примыкают полукруглые ограды, которые не позволяют зрителю обойти вокруг здания и отделяют друг от друга все его фасады. На главном фасаде Габриэль скомбинировал свои закругляющиеся стенки с лестницами и с обрамлёнными парапетами платформами, ведущими к главному входу. Эта композиция даёт поразительное богатство разнообразных вариантов сочетаний фасада и лестниц по мере приближения зрителя к зданию. При движении по одной из дорожек сада, которая ведет па лестницу и платформу, закругляющуюся перед главным фасадом, наружный блок дворца выглядит особенно эффектно. Здание видно то издали, то вблизи, то в три четверти, то фронтально. Особенно важна последовательная смена точек зрения, которая заставляет разнообразные аспекты дворца плавно и постепенно переходить друг к другу.

За кажущейся простотой главного фасада обнаруживается сложная композиция его пространственных слоёв, сливающихся в единый зрительный образ. По отношению к основной плоскости фасада средняя его часть несколько отступает назад, а колонны, наоборот, выступают вперед; боковые колонны сливаются с выступами стен и воспринимаются отчасти как полуколонны. При движении зрителя перед фасадом получается множество эффектных пересечений колонн и оконных обрамлений средней части стены.

Основными элементами внутренней композиции Малого Трианона являются почти квадратный главный зал с тремя окнами, выходящими в промежутки между колоннами главного фасада, и парадная лестница, которая ведёт к этому залу из нижней части бокового трёхэтажного фасада. Последний является дворовым фасадом.

Внутренняя отделка Малого Трианона соответствует по своей простоте и ясности его наружной обработке. Вновь господствуют ордера и классические формы.

Сейчас посетителям показывают в Малом Трианоне канделябры и другие ценные предметы, подаренные Наполеону I русским царём Александром Благословенным после их встречи в Тильзите. Здесь же выставлен золочёный столик ценой в один миллион франков (старых), который подарил Наполеону римский папа Пий VII.

Неподалеку от Малого Трианона расположился Экипажный музей с грандиозными золочёными парадными каретами и санями (XVII век) последних французских королей и времён Первой империи. Малый Трианон был любимым местом пребывания королевы Марии-Антуанетты и императрицы Марии-Луизы. В нём особенный интерес для посетителей представляют частные королевские покои. Экскурсоводы рассказывают, что постель Марии-Антуанетты нередко служила местом скандальных похождений влиятельных особ, приезжавших сюда комфортно провести ночь. К Малому Трианону примыкает ферма королевы -- с мельницей и молочной. В этом месте экскурсоводы обычно рассказывают посетителям занимательную историю о том, что здесь хранятся чашки, по форме представляющие слепок с грудей Марии-Антуанетты. Из этих чашек королева в своей молочной угощала гостей молоком от своих коров.

Парки Версаля раскинулись на площади в 101 гектар. Если в итальянском парке виллу сознательно скрывали в зелени, то во Франции замок или дворец были главным объектом парка. Начиналось всё с титанической работы по осушению болот, потом сюда наносили землю, песок и камни, чтобы выровнять почву и создать искусственные террасы. Тысячи рабочих рыли каналы и строили водопровод для знаменитых впоследствии фонтанов и каскадов. Скульптором Тюби был создан знаменитый «фонтан Аполлона». Он возник на месте старого бассейна, а потом засверкал, заиграл водяными струями. Под большим напором центральная струя с силой выбрасывается вверх (на высоту 25 метров), а 15-метровые боковые струи, устремляясь ввысь, вырисовывают эмблему французских королей -- цветок лилии. Фонтан представляет собой мчащуюся навстречу восходящему солнцу впряжённую в колесницу четвёрку вздыбленных коней, и прячутся от них в раковины морские обитатели -- тритоны, выпускающие из водной глубины солнечные лучи.

2.5 Национальный центр искусств имени Жоржа Помпиду

К галереям, музеям, библиотекам и концертным залам долгое время относились как к «храмам муз» и старались для них подобрать здания в классическом стиле. Но в 1970-е годы в Париже был построен новый многофункциональный культурный центр, который как бы демонстративно пренебрегал стереотипами трепетного отношения к искусству. Это был знаменитый Национальный центр искусств имени Жоржа Помпиду, который ознаменовал собой новый этап в развитии музейной архитектуры.

Экстравагантная конструкция Бобура (так в обиходе называют этот Центр по имени расположенной рядом с ним старинной улицы и пустыря, на котором возведено здание) напоминает внешне огромную фабрику или нефтеперегонный завод. Сталь, стекло, сложное переплетение красно-синих труб, кабелей, лестничных площадок, прозрачные галереи эскалаторов и переходов, каких-то странных металлических деталей, вынесенных наружу... Прямо на тротуаре возле главного фасада этой необычно прозрачной конструкции расположились толстые вентиляционные трубы, очень похожие на те, что можно увидеть на палубе судна. И вообще, при желании Бобур легко принять не только за нефтеперегонный завод, но и за корабль, пусть и в форме параллелепипеда.

Бобур внутри лишён каких бы то ни было промежуточных опор и стационарных стен, а все его несущие элементы демонстративно вынесены наружу. По представлениям самих авторов, здание имеет открытую и гибкую структуру, подобно «машине, собирающей и передающей информацию». Архитектура Бобура не закончена и специально ориентирована на изменения в будущем. Все конструкции ярко окрашены, а общее цветовое решение информационно осмысленно: в красный цвет выкрашены транспортные коммуникации (лестницы, лифты, подъёмники, эскалаторы), в жёлтый -- электропроводка, в зелёный -- трубы и устройства водоснабжения, в голубой -- кондиционеры воздуха, белый -- подача тепла.

Но не следует думать, что подобный дизайн всего лишь бессмысленная прихоть очередного авангардиста. Просто архитекторы, приняв во внимание стремительные изменения современной технологии, сочли нецелесообразным уводить под пол водопроводные и отопительные трубы, прятать в стены электропроводки и кондиционеры. Правда, многие расценили результат этого эксперимента как уродство. Центр искусств имени Жоржа Помпиду критикуют те, кому трубы и коммуникации, выставленные напоказ вдоль внешних стен здания, представляются бессмысленным уродством. Многие заявляют даже, что Центр вообще никакого отношения к архитектуре не имеет, что это всего лишь сляпанное на скорую руку техническое сооружение.

Но нашлись у здания и защитники, считающие его архитектурное решение остроумной и смелой идеей, которая к тому же расширяет оформительские возможности современного зодчества. Как греческий храм горделиво выставлял напоказ колонны, подпиравшие его крышу, точно так же и Центр Помпиду не стесняется показать металлический «костяк», на котором держится весь его корпус, и не скрывает необходимые элементы своего технического оснащения. Стиль «хай тек» предполагает, что по мере развития технологии грани между архитектурой и техникой будут стираться всё больше и больше.

На конкурс архитекторских проектов этого сооружения была подана 681 работа из 49 стран. Национальный центр искусств и культуры имени Жоржа Помпиду в Париже строился по проекту иностранных инженеров -- итальянца Ренцо Пиано и англичанина Ричарда Роджерса. Комплекс раскрыл свои двери в 1977 году и сразу же надолго возбудил всеобщее любопытство. Даже у входа в Лувр тогда не всегда можно было встретить такое количество желающих попасть в это святилище искусства, как здесь, в Бобуре.

В Центре Помпиду находится теперь главный парижский музей современного искусства, в нём регулярно устраиваются выставки. Богатая публичная библиотека Бобура насчитывает более миллиона томов. На открытых стеллажах расставлены книги и журналы по всем отраслям знаний, на столах -- аппаратура для чтения микрофильмов. Большое собрание диапозитивов, аудио- и видеокассет, магнитных плёнок с записью музыкальных произведений доступно любому посетителю. С террасы ресторана на последнем, шестом, этаже открывается ни с чем не сравнимая картина -- крыши Парижа...

О Бобуре уже написаны монографии, книги и несметное число статей, как сочувственных, так и напрочь отвергающих не только архитектуру здания, но и саму идею создания подобного центра. «Суперрынок культуры», «Ангар искусства»... Какими только эпитетами не награждали Бобур! Сейчас страсти несколько поутихли, а Центр Помпиду прочно вошёл в список парижских достопримечательностей.

Он начал возводиться еще в 1930-е годы, когда на этом месте был просто гигантский пустырь заброшенной стройки. Но теперь Центр Помпиду заметно повлиял на жизнь старинного квартала. Люди тянутся сюда не только ради самого Центра, но и ради создавшейся вокруг него своеобразной атмосферы. В отреставрированных домах открылись салоны, магазины. Площадь, примыкающая к главному фасаду комплекса, стала ареной для выступлений бродячих музыкантов, певцов, танцоров, фокусников, жонглёров. Где же, как не здесь, возле Бобура, вправе рассчитывать безработные артисты на благосклонное внимание парижской публики?!

Площадь перед Центром Помпиду оказалась ещё одной счастливой находкой архитекторов: из всех поданных проектов только один этот оставлял половину отведённой под застройку территории свободной. На подступах к комплексу создана обширная пешеходная зона, таким образом, в Париже сохранился ещё один оазис уличной жизни.

Центр Помпиду укрывает в своих стенах не только библиотеку и модульные выставочные помещения. Здесь есть ещё кинотеатр и концертный зал, детская площадка для игр, несколько ресторанов и баров. В подвальных этажах Центра расположился Институт исследования и координации акустики и музыки, который представляет собой комплекс ультрасовременных акустических лабораторий. Его концепция разработана таким образом, чтобы сочетать оптимальные условия для акустических исследований с возможностью доступа широкой публики в демонстрационный зал. За ходом научных исследований зрители могут наблюдать через специальные смотровые окна.

В Центре Бобур имеются Детская студия и Центр промышленного творчества, занимающийся вопросами градостроительства, архитектуры, промышленного дизайна, социального обслуживания. Созданный для специалистов по окружающей среде, работников промышленности и всех, кто интересуется искусством, он стремится донести до сознания людей идею о том, что предметы обихода, дома, улицы и весь жизненный уклад -- это часть человеческой цивилизации, нужно отказаться от пассивного к ним отношения и принимать деятельное участие в их создании.

На четвёртом этаже Центра расположен Национальный музей современного искусства. Экспонаты, выставленные в залах этого музея, характеризуют состояние западноевропейского (прежде всего французского) искусства в годы перед первой мировой войной. В Париже, закрепившем за собой славу художественной столицы мира, рождались в эти годы фовизм, кубизм, орфизм. Экспозиции в основном состоят из картин художников, представляющих именно данные течения. Ранний Матисс (1869-1954), здесь представлен картиной «Сладострастие» (1907); Альбер Марке (1875-1947), пейзажист; Дюфи (1877-1953) - сочетание цвета с кружевным, «проволочным», нарядным рисунком, сохраняющим нередко характер наброска, эссе; Дерен (1880-1954), Вламинк (1876-1958) - пейзажисты; Боннар (1867-1947) - группировка «Наби», пейзажист - «В лодке», Утрилло (1883-1955) - пейзажист, Брак (1882-1963) - кубист, «Девушка с гитарой» (1913), Пикассо (1881-1973) - «Авиньонские девицы» (1907), Делонэ (1885-1941) - «Город Париж» (1911), серия «Окна»; Шагал и другие художники.

В первые дни открытия Центра в него ежедневно приходили до 45 000 посетителей. Вскоре он стал главным аттракционом Парижа, обогнав по посещаемости даже Эйфелеву башню. Правда, все первоначальные планы архитекторов не удалось осуществить полностью. Из-за противопожарных предписаний, из-за ограничений во времени и в средствах не были реализованы, например, самодвижущиеся полы и некоторые другие задумки.

2.6 Военный музей в Доме Инвалидов

Идея создания санатория, где могли бы поправить свое здоровье верные слуги Франции, раненные в бою, принадлежала Людовику XIV. Ныне Дом Инвалидов известен, во-первых, как изумительное строение с видом на чудесную эспланаду и, во-вторых, как последний приют Наполеона, куда торжественно был перенесен его прах с острова Святой Елены. Повинуясь воле Короля-Солнца, архитектор Брюан предпринял строительство этого огромного здания (фасад длиной 200 м, в классическом стиле, без затей). Работы были завершены в 1676 г. Церковь Купола начинает строиться после того, как завершилось сооружение основного здания, однако закончена она была лишь в 1735 г. Робером де Коттом. Замечателен Купол своей позолотой (последняя реставрация -- в 1989 г.) и колоннадой. Надгробие Наполеона I открыто в апреле 1861 г. при Наполеоне III. Внушительный саркофаг из красного порфира укреплён на постаменте зелёного гранита в крипте, созданной по чертежам Луи Висконти. Саркофаг окружают двенадцать «Побед» скульптора Прадье.

В часовне собраны некоторые личные вещи Наполеона, в том числе треуголка. Вокруг императора - часовни членов его семьи (например, его сына, короля Римского, скончавшегося в Шенбрунне и перенесенного в Дом Инвалидов по приказу Гитлера) и великих военачальников: Тюренна, сердце Вобана, Фоша и Лиотея.

В Доме Инвалидов расположен Музей армии- богатейшая панорама искусства и военных традиций. Он известен своими аркадами и пушками. Здесь вы найдете оружие, знамена, военно-исторические документы и исторические экспонаты, например ядро, угодившее в отважного маршала Тюренна, или протез Домениля. Здесь же - интересные полотна - батальные сцены, а также гербы, щиты и другое воинское снаряжение. На пятом этаже - коллекция планов-рельефов и аудиовизуальный монтаж.

Дом занимает огромную площадь -- почти 127 квадратных метров. Огромный(105 метров в высоту) свинцовый купол с двенадцатью золотыми рёбрами венчает принадлежащую Дому инвалидов церковь святого Луи. Купол этот виден не только с более или менее возвышенных частей Парижа, но и из его окрестностей. Перед главным фасадом Дома инвалидов расстилается огромная площадь Эспланады, которая протянулась до набережной реки Сены. Перед самым Домом на ней разбит сквер, окружённый декоративным рвом и валом, на котором расставлена Почётная батарея из иностранных орудий, взятых в различных сражениях. В их числе и два русских орудия из Севастополя.

Пройдя монументальные ворота, посетитель попадает сначала в огромный «Парадный двор», со всех четырёх сторон окружённый двухъярусной галереей. Стены её почти сплошь расписаны картинами, прославляющими подвиги французской армии.

В центральной нише «Парадного двора» поставлена бронзовая статуя Наполеона, которая имеет целую историю. В 1831 году в Париже проходил художественный конкурс, но только в 1853 году статуя была отлита скульптором Крозатье. Затем эта статуя была водружена на Вандомской колонне, взамен другой статуи этого же императора, но в римском одеянии. В конце царствования Второй империи опять было решено водрузить на Вандомскую колонну прежнего Наполеона, а эту статую сняли и отправили на одну из пригородных площадей в Курбевуа. Оттуда её в 1870 году взбунтовавшийся народ оттащил в Сену, но потом её, уже в разбитом виде, вытащили из воды. Статуе недоставало головы, у неё была проломлена грудь, и бронзового Наполеона на долгие годы отправили на реставрацию. Только в марте 1911 года в отреставрированном виде статую поставили на нынешнее место.

С галерей этого двора входят посетители в Военный музей и в церковь святого Луи. Хоры продольных стен храма обвешаны знамёнами, но это только остатки былых трофеев, так как главную их часть -- 1500 знамен -- инвалиды сожгли в ночь на 31 марта 1814 года, перед вступлением в Париж союзных войск.

Из церкви, через стеклянную перегородку за алтарем, видна главная достопримечательность всего комплекса Дома инвалидов -- могила Наполеона. Это круглый (11 метров в поперечнике) и глубокий (шесть метров) открытый склеп, посередине которого высоко вздымается саркофаг с телом Наполеона, воздвигнутый в 1853 году. Саркофаг сделан из красного финского гранита, это подарок русского царя Николая I. Массивная крышка саркофага поднимается лишь в исключительных случаях, и тогда через стекло можно видеть потемневшее при бальзамировании лицо Наполеона.

Гроб императора окружают 12 крылатых гениев, между которыми поставлены щиты с трофеями Аустерлицкого сражения -- австрийскими знамёнами. Здесь же хранятся шляпа Наполеона из-под Эйлау, его шпага и цепь Ордена почётного легиона.

За склепом в глубине церкви -- голгофа, под которой и находится вход в склеп. Вход этот заперт, а замочная скважина бронзовых дверей склепа имеет форму латинской буквы «N» и увенчана розеткой Ордена почётного легиона. Над дверями начертаны слова из завещания Наполеона: «Я желаю, чтобы прах мой покоился на берегах Сены, среди французского народа, который я так любил». По обеим сторонам дверей расположены аллегорические фигуры Гражданской и Военной мощи.

Экспозиция самого Военного музея разделяется на две части -- оружейную и Историческую.

В вестибюле Оружейного зала выставлены неприятельские орудия, среди которых есть и русские, тоже взятые при Севастополе. В галерее Оружейного зала, вдоль обеих стен, сплошным рядом выставлены рыцарские доспехи. Здесь же находится коллекция французских знамён, начиная с эпохи Карла Великого. Самые древние знамёна с той далёкой поры не сохранились, но они воспроизведены по рисункам и описаниям.