Известно, что заказчиком картины был миланский герцог Лодовико Сфорца, при дворе которого Леонардо снискал славу великого живописца, а вовсе не монахи монастыря Санта-Мария делла Грацие.

Тема картины -- момент, когда Иисус Христос объявляет своим ученикам, что один из них предаст его. Об этом пишет в третьей главе своей книги «Божественная пропорция» Пачоли. Именно этот миг -- когда Христос объявляет о предательстве -- и запечатлел Леонардо да Винчи. Чтобы добиться точности и жизнеподобия, он изучал позы и выражения лиц многих своих современников, которых позднее изобразил на картине. Личности апостолов неоднократно были предметом споров, однако, судя по надписям на копии картины, хранящейся в Лугано, это (слева направо): Варфоломей, Яков-младший, Андрей, Иуда, Петр, Иоанн, Фома, Яков-старший, Филипп, Матфей, Фаддей и Симон Зелот.

Многие искусствоведы считают, что эту композицию следует воспринимать как иконографическую интерпретацию евхаристии -- причащения, поскольку Иисус Христос обеими руками указывает на стол с вином и хлебом.

Почти все исследователи творчества Леонардо сходятся на том, что идеальное место для разглядывания картины -- с высоты примерно 13--15 футов над уровнем пола и на расстоянии 26--33 футов от нее. Есть мнение -- ныне оспариваемое, -- что композиция и система ее перспективы основаны на музыкальном каноне пропорции.

Неповторимый характер «Тайной вечере» придает то, что в отличие от прочих картин подобного рода она показывает поразительное разнообразие и богатство эмоций персонажей, вызванных словами Иисуса о том, что один из учеников предаст его. Никакая другая картина, написанная на сюжет Тайной вечери, не может быть даже близко сравнима с уникальной композицией и проработкой деталей в шедевре Леонардо.

Так какие же тайны мог зашифровать в своем творении великий художник? В книге «Открытие тамплиеров» Клайв Принс и Линн Пикнетт утверждают, что несколько элементов структуры «Тайной вечери» свидетельствуют о зашифрованных в ней символах.

Во-первых, они считают, что фигура по правую руку от Иисуса (для зрителя она находится слева) -- не Иоанн, а некая женщина. На ней одеяние, цвет которого контрастирует с одеждами Христа, она наклонена в противоположную сторону от Иисуса, сидящего по центру. Пространство между этой женской фигурой и Иисусом имеет форму буквы V, а сами фигуры образуют букву М.

Во-вторых, на картине, по их мнению, рядом с Петром видна некая рука, сжимающая нож. Принс и Пикнетт утверждают, что эта рука не принадлежит никому из персонажей картины.

В-третьих, сидящий непосредственно слева от Иисуса (справа -- для зрителей) Фома, обращаясь к Христу, поднял палец. По мнению авторов, это типичный жест Иоанна Крестителя.

И наконец, существует гипотеза, что сидящий к Христу спиной апостол Фаддей -- на самом деле автопортрет самого Леонардо.

Разберем каждый из пунктов по порядку. При близком рассмотрении картины выясняется, что персонаж справа от Иисуса (для зрителя -- слева) действительно отличается женскими или женственными чертами. Принс и Пикнетт уверяют читателей, что под складками одежды даже различима женская грудь. Конечно же, Леонардо порой любил придавать женские черты мужским фигурам и лицам. Например, при внимательном рассмотрении изображения Иоанна Крестителя видно, что он наделен едва ли не чертами гермафродита с бледной безволосой кожей. Но что же из того, что на картине «Тайная вечеря» Иисус и Иоанн (женщина) отклонились в противоположные стороны, образуя между собой пространство в виде буквы V, а контуры их тел образуют букву М? Несет ли это некую символическую нагрузку?

Принс и Пикнетт утверждают, что подобное непривычное размещение фигур, одна из которых имеет явственные женские черты, содержит намек на то, что это не Иоанн, а Мария Магдалина, а знак V -- символ священного женского начала. Буква М, согласно их гипотезе, означает имя -- Мария/Магдалина. С этим предположением можно соглашаться или не соглашаться, но его оригинальности и смелости никто не станет отрицать.

Остановимся на лишенной тела руке. Чья же рука видна слева, рядом с фигурой Петра? Почему она столь угрожающе сжимает кинжал или нож? Еще одна странность состоит в том, что левая рука Петра ребром ладони как будто рассекает горло соседней фигуры. Что этим хотел сказать Леонардо? Что означает столь странный жест Петра?

Однако при близком рассмотрении видно, что рука с ножом все-таки принадлежит Петру, а не существует сама по себе. Петр вывернул левую руку, и потому ее положение явно необычное и крайне неуклюжее. Что касается второй руки, угрожающе вскинутой к горлу Иоанна/Марии, тому имеется объяснение: Петр-де просто кладет руку ему/ей на плечо. Скорее всего споры на сей счет будут продолжаться еще очень долго.

Что касается Фомы, сидящего слева от Иисуса (справа -- для зрителя), то он действительно поднял вверх указательный палец левой руки в явно угрожающей манере. Этот жест Иоанна Крестителя, как называют его Принс и Пикнетт, присутствует на многих картинах Леонардо, а также других живописцев той эпохи. Он якобы символизирует подземный поток знания и мудрости. Дело в том, что Иоанн Креститель в действительности играл куда более важную роль, чем та, которая отведена ему в Писании. Тем, кто желает больше узнать об этом, я советую прочитать книгу «Открытие тамплиеров».

Изображенный на картине апостол Фаддей, похоже, обладает некоторым сходством с Леонардо, если сопоставить его образ со знаменитым автопортретом великого художника. На многих картинах Леонардо да Винчи, посвященных Иисусу или Святому Семейству, заметна одна и та же деталь: по крайней мере одна из фигур бывает повернута спиной к главному персонажу живописного полотна. Например, в картине «Поклонение волхвов».

Недавно завершенная реставрация «Тайной вечери» позволила узнать немало нового об этой удивительной картине. В ней, да и во многих других полотнах Леонардо на самом деле спрятаны некие тайные послания и забытые символы. Однако их истинный смысл до сих пор остается нам не до конца ясен, что порождает все новые и новые догадки и предположения. Как бы то ни было, в будущем предстоит еще многое сделать для разгадки этих тайн. Хотелось бы, чтобы нам удалось хоть в самой малой степени постичь замыслы великого мастера.

«Поклонение волхвов».

В начале 1481 г. монахи монастыря Сан-Донато-а-Скопетто во Флоренции обратились к отцу Леонардо с просьбой порекомендовать худож­ника, который мог бы создать алтарный образ для их монастыря. Пьеро да Винчи посоветовал обратиться к сыну. Так Леонардо получил заказ на создание знаменитого «Поклонения волхвов». Картина должна была быть написана маслом и иметь размеры 2,5 * 2,5 м. На выполнение работы художнику было отведено два года.

Перед тем как приступить к работе, Леонардо подготовил множество композиционных эскизов, мысленно составил композицию картины, представил расположение персонажей, соотношение тонов, палитру красок.

И лишь когда общий замысел картины был определен, приступил к выполнению отдельных фрагментов, наиболее существенных деталей, поз, жестов персонажей.

В картине «Поклонение волхвов» нашел свое отображение один из евангельских сюжетов. Трое древних мудрецов обнаружили появление на небе новой звезды, знаменующее рождение Божественного младенца. Путеводная звезда привела старцев в Вифлеем, где они нашли Марию и новорожденного Иисуса Христа. Волхвы принесли для ребенка дары - ладан, золото и благовонную смолу (мирру).

При написании первого плана художнику пришлось прибегнуть к новой тактике. Дело в том, что у края картины располагаются коленопре­клоненные волхвы, а Мария с младенцем - в глубине пространства. Следовательно, фигура Мадонны с младенцем должна быть меньше фигур старцев - таковы законы перспективы. Но это привело бы к смещению смысловых акцентов в композиции. Сократить расстояние между Марией и старцами художник не мог, так как каждому персонажу картины должно быть отведено определенное пространство.

Для решения этой проблемы художник обращается к своим исследованиям: способности человеческого зрения таковы, что люди могут воспринимать изображение одновременно двумя глазами, то есть зрение бинокулярно. В соответствии с этим Леонардо изображает Мадонну с младенцем крупнее, чем волхвов, однако это не нарушает пропорциональности композиции, сцена выглядит вполне естественно.

При внимательном рассмотрении заметно, что картину по горизонтали можно разделить на три равные части: всадники на фоне пейзажа - дальний план картины, затем изображение коленопреклоненных старцев и, наконец, в центральной части - Мария с младенцем па руках. Вертикальные линии, которые можно мысленно провести от изображенных на заднем плане колонны и дерева, также разделят картину на три части. Такое трехчастное деление помогает гармонично воссоединить все части картины. Каждый фрагмент картины несет определенную смысловую нагрузку. Изображенные на заднем плане всадники символизируют противостояние Добра и Зла. Они как бы делят мир на две части: одни поклоняются Злу, другие - Добру. Прекрасный всадник, олицетворяющий Добро, побеждает своего страшного врага, то есть Добро торжествует победу над Злом. Образ Марии с младенцем также всегда был олицетворением Добра. Победа Добра над Злом - вот основная мысль произведения.

Леонардо не был удовлетворен своим замыслом: в композиции чувствовался избыток персонажей, дальний план картины слишком изоби­ловал сложными мотивами. Композиции не хватало единства и централизованности. Для того чтобы передать содержание, которое Леонардо хотел вложить в сюжет своего произведения, нужны были иные способы выражения, иная, более выразительная форма. Леонардо решит эту за­дачу позднее, при создании своего шедевра «Мадонна в скалах». А работу над «Поклонением волхвов» художник прекратил, так и не доведя до конца. И тем не менее картину «Поклонение волхвов» можно назвать своеобразной вехой, рубежом, отделяющим эпохи Раннего и Высокого Ренессанса. Художник понимает, что родной город не дает возможности его таланту полностью раскрыться. Правители Флоренции предпочитали менее жизненные, более надуманные произведения живописи. Леонардо не хотел, да и не мог создавать подобные полотна. Леонардо да Винчи мог воспользоваться данным ему заказом на написание «Поклонения волхвов» и прославить правителя Флоренции, Лоренцо Великолепного, тем самым попав в число его приближенных. Но для великого мастера такое отношение к творчеству было невозможным, он считал искусство способом художественного познания мира.

«Мадонна Лита».

Многочисленные рисунки Леонардо свидетельствуют о том, насколько его привлекала тема прекрасной молодой матери с ребенком. Он изображал женщин с лицами, то серьезными, то улыбающимися, в позах, выражающих нежность, со взглядом, полным трепетного чувства и тихой умиротворенности, а прелестных младенцев - занятых игрой и прочими ребяческими забавами. У мастера трудно найти абсолютное следование неизменному образцу в трактовке образа Марии.

Леонардо избирает чисто человеческие ситуации; детально анализируя сопутствующие им психологические и физиологические мотивы, используя высочайшие выразительные возможности в сюжете Мадонна с младенцем.

Так называемую Мадонну Литта, хранящуюся так же как и Мадонна Бенуа, в Петербургском Эрмитаже, историки искусства относят к миланскому периоду творчества Леонардо и, несмотря на существование собственноручного рисунка Леонардо, несомненно связанного с картиной, обычно приписывают школе мастера. Отметим эмоциональную позу Марии, выражения нежности и удовольствия от созерцания ее младенца, сосущего грудь матери, обратив одновременно взгляд в сторону зрителя. Изображение основывается на традиционном мотиве Madonna del latte (Млекопитательница).

Красота, воплощенная в нежных формах юных Мадонн и пухленьких телах младенцев, представляет для Леонардо не просто изобразительный мотив,- это размышление мастера об образе матери, о ее глубокой любви к сыну, переведенное им на язык живописи.

Слабый свет, падающий из окон, почти не освещает фигуры, но зато делает более темной стену. На ее фоне особенно четко моделирует эти фигуры свет, идущий от куда-то спереди. Над созданием таких комбинаций освещения, которые давали бы возможность подчеркивать нежной игрой света и тени объемность, реальность изображаемого, много и упорно уже с юных лет работал Леонардо.

На фоне стены, прорезанной двумя окнами, сидит молодая женщина, держащая на коленях младенца, которого она кормит грудью. Лицо ее, нежное и несколько смугловатое, пленяющее своей удивительной, тонкой красотой, моделировано с той любовью к легкой, почти неуловимой светотени, поклонником и знатоком которой был Леонардо. На губах матери играет ласковая и несколько таинственная полуулыбка, которая становится с этого времени обязательной для большинства образов художников, постепенно становясь все более подчеркнутой и горькой.

Младенец, как и в «Мадонне Бенуа» несколько крупный, повернул к зрителю глаза, выписанные необычайно выразительно, а на его пухлом детском теле игра светотени как бы достигает своего апогея, нежнейшие оттенки света словно ласкают шелковистую кожу, создавая впечатление почти осязательной ее конкретности. Голубой, мечтательный горный пейзаж виден за окнами, из которых льется свет, открывая далекие горизонты прекрасного, но едва видного мира.

«Дама с горностаем».

«Дама с горностаем»- это бессмертная семнадцатилетняя Чечилия

Галлерани. Дочь XV века. Лукавая чаровница. Фаворитка миланского дворца. Нежная и мудрая, стыдливая и фривольная, предстает она перед нами. Простая и сложная. Таинственно-привлекательная, с лицом почти статичным, она все же обладает магнетизмом необычайного, скрытого движения. Но что придает облику молодой дамы эту колдовскую живость? Улыбка. Она еле тронула уголки целомудренных губ. Притаилась в чуть-чуть припухлых девичьих ямочках у рта и, подобно зарнице, ответно блеснула в темных, расширенных зрачках, при крытых округлыми лукообразными веками.

Вглядитесь пристальней в тонкие, одухотворенные черты «Дамы с горностаем», в её осанку, полную достоинства, в её строгую, но изящную одежду и перед вами мгновенно предстанет Ренессанс с его великолепными творениями гениальных мастеров искусств.

Чечилия Галлерани. Она, как маленькая планета, отразила сияние жестокого, уродливого и прекрасного, неповторимого xv века

Интересные факты:

На рентгенографическом исследовании картины было установлено, что картина переписывалась. Её фон стал темнее, и дверь, находившаяся справа вверху, была удалена. На оригинальном изображении голову женщины украшала прозрачная вуаль, которая была заретуширована волосами. Положение двух нижних пальцев на руке тоже изменено, и они выглядят менее естественно, чем другие.

Надпись «LA BELLE FERONIERE» выполнена позднее и не рукой Леонардо.

Картина упоминается в письме Цецилии Галлерани к Изабелле д'Эсте от 29 апреля 1498 года. На просьбу Изабеллы прислать ей портрет Цецилия отвечает, что он был написан, когда она была еще очень молода, и её облик с тех пор полностью изменился.

Полотно находилось в Кракове, в собрании магнатов Чарторыйских.

После оккупации Германией Польши в 1939 г. картина была вывезена и помещена в берлинский Музей кайзера Фридриха (ныне Музей Боде). В 1940 г. Ганс Франк, генерал-губернатор Польши, приказал вернуть её в свою резиденцию в Кракове. В конце войны она была обнаружена в доме Франка в Баварии и возвращена в Польшу.

«Витрувианский человек».

вирувианский человек -- рисунок, сделанный Леонардо Да Винчи примерно в 1490-92 годах как иллюстрация для книги, посвященной трудам Витрувия, и помещённый в одном из его журналов. На нём изображена фигура обнажённого мужчины в двух наложенных одна на другую позициях: с разведёнными в стороны руками и ногами, вписанная в окружность; с разведёнными руками и сведенными вместе ногами, вписанная в квадрат. Рисунок и пояснения к нему иногда называют каноническими пропорциями.

Рисунок выполнен пером, чернилами и акварелью с помощью металлического карандаша, размеры рисунка 34,3Ч24,5 сантиметра. В настоящее время находится в коллекции галереи Академии в Венеции.

Рисунок является одновременно научным трудом и произведением искусства, также он служит примером интереса Леонардо к пропорциям.

В соответствии с сопроводительными записями Леонардо, он был создан для определения пропорций (мужского) человеческого тела, как оно описано в трактатах античного римского архитектора Витрувия (Vitruvius), который написал следующее про человеческое тело:

длина от кончика самого длинного до самого низкого основания из четырех пальцев равна ладони

ступня составляет четыре ладони

локоть составляет шесть ладоней

высота человека составляет четыре локтя (и соответственно 24 ладони)

шаг равняется четырём локтям

размах человеческих рук равен его высоте

расстояние от линии волос до подбородка составляет 1/10 его высоты

расстояние от макушки до подбородка составляет 1/8 его высоты

расстояние от макушки до сосков составляет 1/4 его высоты

максимум ширины плеч составляет 1/4 его высоты

расстояние от локтя до кончика руки составляет 1/4 его высоты

расстояние от локтя до подмышки составляет 1/8 его высоты

длина руки составляет 2/5 его высоты

расстояние от подбородка до носа составляет 1/3 длины его лица

расстояние от линии волос до бровей 1/3 длины его лица

длина ушей 1/3 длины лица

Повторное открытие математических пропорций человеческого тела в XV веке, сделанное да Винчи и другими учёными, стало одним из великих достижений, предшествующих итальянскому ренессансу.

Рисунок сам по себе часто используется как неявный символ внутренней симметрии человеческого тела, и далее, Вселенной в целом.

Как можно заметить при исследовании рисунка, комбинация расположений рук и ног в действительности даёт две различных позиции. Поза с разведёнными в стороны руками и ногами вместе оказывается вписанной в квадрат. С другой стороны, поза с раскинутыми в стороны и руками и ногами вписана в окружность. При более детальных исследованиях, оказывается, что центром круга является пуп фигуры, а центром квадрата половые органы. Впоследствии по этой же методике Корбюзье составил свою шкалу пропорционирования -- Модулор, повлиявшую на эстетику архитектуры XX века.

«Картина Мадонна с цветком (Мадонна Бенуа)».

Осенью 1478 года он записывает в одной из своих тетрадей, рядом с различными зарисовками, следующие слова: “…бря 1478 г. я начал две девы Марии”. На листах его рисунков, относящихся к тому же времени, мы действительно находим большое количество набросков для композиции “Мадонна с младенцем”, причём он со свойственной ему тщательно и вниманием зарисовывает как различные положения тел материи и ребёнка, так и детали: руки со складками лёгкой и тяжёлой одежды, куски ткани. Рисунки эти ещё несколько наивны и суховаты, но уже говорят о постепенном овладении техникой. Линия их становится более уверенной, штриховка и оттушёвка оттеняет объёмы. Многочисленные варианты различных и сходных положений тел матери, ребёнка и обоих вместе являются несомненным свидетельством того, что молодой мастер стремился лёгкими штрихами карандаша или пера передать беглые впечатления, полученные от наблюдений над реальной действительностью, запечатлеть эту действительность во всей её жизненной динамике.

Первая из двух мадонн, о которой пишет Леонардо и которая создана на основании многих зарисовок, - это “Мадонна Бенуа”.

Когда Леонардо писал её, ему было двадцать шесть лет. К этому времени художник обрёл уже совершенное мастерство в великом искусстве живописи, которое, как мы увидим, он ставил выше всех прочих.

“Мадонна с цветком” (“Мадонна Бенуа”) - это хронологически первая мадонна, образ которой внутренне лишён какой бы то ни было святости.

Мадонне придан вид несколько болезненной девушки, играющей со слишком крупным младенцем, сидящим у неё на коленях. Своеобразный мертвенно-зелёный колорит, подчёркнуто реалистическая трактовка человеческого тела, усиленное внимание к изображению игры света и тени на отдельных частях тела, сложное положение обеих фигур, - всё в этой картине показывает нам молодого Леонардо хотя и ищущим ещё широкого свободного стиля, но уже твёрдо ставшим на тот путь, по которому он пойдёт в течение своей дальнейшей деятельности.

Обе фигуры, тесно вписанные в картину, заполняют собой почти без остатка всю её поверхность, только справа, наверху расположено небольшое стрельчатое окно, по-видимому, незаконченное художником. Надо думать, что он предполагал поместить здесь свой излюбленный горный пейзаж с рекой, напоминающий виды его родного Винчи, но, как обычно, затянул работу и, перейдя к чему-нибудь другому, оставил эту деталь недоделанной.

Свет на фигуры в картине падает в основном слева, но очень возможно, что именно небольшое окно и, вероятно, расположенные за ним горы и вода определяют то, что помещение, в котором находится мадонна, освещено слабо и притом своеобразным зеленоватым светом. Он окрашивает всё в зеленоватые тона, бросает зеленоватые блики на обнажённые части тела, создаёт густые тени в местах, более тёмных, заслонённых чем-нибудь от падающего из окна света.

Композиционным и идейным центром картины является переплетение трёх рук: двух пухлых ручонок мальчика и нежной, девической руки матери, держащей за стебель цветок, к которому направлены внимательный и ласковый взгляд мадонны и пытливый, серьёзный взгляд младенца, пытающегося неловко схватить цветок. Жажда познания, по-детски неосознанного, но не по-детски страстного, того познания, которое томило и гнало вперёд Леонардо, выражено во всём облике младенца. Взгляд зрителя невольно приковывается к смысловому центру картины - переплетению трёх рук, изображённая в ней простая и скромная сцена приобретает значительность и идейную глубину. Небольшая картина приковывает внимание, заинтересовывает, волнует.

«Мадонна в гроте».

«Так темен обманный ход мысли человека» -- такую загадочную надпись оставил на пуленепробиваемом стекле, закрывающем лицо Моны Лизы, Жак Соньер для своей внучки Софи Невё. Это анаграмма, разгадка которой приводит к другой картине Леонардо -- «Мадонна в гроте». За этой картиной Софи находит ключ от банковского сейфа, в котором хранится таинственная шкатулка.

Название «Мадонна в гроте» (или «Мадонна в скалах») носят два варианта одной и той же картины на религиозный сюжет. На ней изображена Дева Мария с младенцем Иисусом, а также Иоанн Креститель и архангел Уриил (Уриель). Композиция имеет форму треугольника, в вершине которого помещена Дева Мария.

Ранняя и более загадочная версия была заказана 25 апреля 1483 года для церкви Сан-Франческо-Гранде в Милане. Написанная маслом на доске размером 78 на 48 дюймов, она должна была стать центральной частью триптиха для церкви Непорочного Зачатия. На картине изображено Святое Семейство, нашедшее приют в скальном гроте в египетской пустыне во время бегства от царя Ирода. Здесь происходит встреча Богоматери с юным Иоанном Крестителем и архангелом Уриилом. Хотя этот эпизод не упоминается в Писании, он является частью христианской мифологии.

На картине представлен скальный грот, в центре которого сидит Дева Мария. Возле нее расположились два младенца -- Иисус и Иоанн Креститель. Уриил опустился на колени слева от нее, немного позади одного из младенцев. Считается, что ребенок, сидящий справа от Девы Марии, -- это Иоанн Креститель. Он сидит перед ней на коленях, сложив руки как будто в религиозном экстазе. Мария при этом правой рукой обнимает его за плечо. С другой стороны от нее -- младенец Иисус. Он сидит, скрестив ножки и подняв правую руку, как будто благословляя второго малыша. Над его головой простерла руку Дева Мария и поднял руку с вытянутым вперед пальцем сидящий позади него архангел Уриил.

Поскольку Леонардо сам точно не указал, кто есть кто из двоих младенцев, довольно трудно с абсолютной точностью установить, кто из них Иисус, а кто -- Иоанн Креститель. Тем не менее принято считать, что младенец благословляющий -- это Иисус, тогда как второй, несомненно, Иоанн. В пользу этого говорит и второй вариант картины, на котором сидящий справа от Девы Марии младенец держит длинный крест из тростника, с каким обычно изображают Иоанна Крестителя. Однако, судя по всему, крест был пририсован позднее каким-то другим живописцем, возможно даже, вопреки воле самого Леонардо.

При объективном взгляде на картину представляется более вероятным, что молящийся младенец -- Иисус, а не Иоанн Креститель, поскольку он сидит ближе к Деве Марии и находится под ее материнской защитой. Тогда вполне естественно, что второй ребенок -- Иоанн Креститель, поскольку его опекает архангел Уриил. Именно такой точки зрения придерживаются Клайв Принс и Линн Пик-нетт, излагая ее в своей книге «Открытие тамплиеров» -- одной из тех, что в романе Дэна Брауна стоят на книжной полке у Тибинга.

Неудивительно, что эта гипотеза приходится далеко не всем по вкусу, ибо, согласно ей, Иоанн Креститель играет в картине Леонардо более важную роль, чем Иисус. Однако версия эта может быть более символичной, чем представляется с первого взгляда. Например, поведение двух младенцев вполне может отражать традицию тамплиеров, которые относились к Иоанну Крестителю с большим почтением, нежели к Иисусу. Достаточно любопытным представляется и жест Уриила, так же как и положение левой руки Девы Марии. Принс и Пикнетт предполагают, что рука Марии как будто покоится на чьей-то незримой голове, а палец Уриила указывает на невидимую шею этой головы. Из этого можно сделать вывод; Леонардо да Винчи хотел намекнуть, что младенец, находящийся ниже, -- Иоанн Креститель, который, как пишется в Библии, был позднее обезглавлен

Судя по всему, монашеское братство, заказавшее картину, указало художнику на недостаточно ясно выраженный христианский характер творения Леонардо -- например, отсутствие Иосифа. В результате «Мадонна в гроте» была передана французскому королю Людовику XII и оказалась в Лувре. Второй вариант картины, написанный маслом, размером 75 на 47 дюймов, сейчас хранится в лондонской Национальной галерее. На этой картине фигуры персонажей немного крупнее, и им подрисованы нимбы. Архангел Уриил не указывает пальцем на младенца справа от Девы Марии, который на этот раз держит крест Иоанна Крестителя. Возникает ощущение, что художник намеренно убрал все следы символизма, дабы избежать нареканий со стороны заказчиков.

Поскольку существует мнение, что Леонардо да Винчи был великим магистром Приората Сиона, то вполне естественно, что теперь мы стремимся отыскать в его творениях более глубокий, потаенный смысл. Конечно же, если бы Леонардо действительно зашифровал в своих картинах тайные символы, то в первую очередь подтверждением этой гипотезы является именно «Мадонна в гроте».

«Портрет Жиневры де Бенчи».

Эта картина, ныне находящаяся в Национальной галерее искусства в Вашингтоне, изображает молодую даму на фоне гористого пейзажа, с играющими на нём рефлексами от реки. Существуют различные точки зрения по поводу идентификации портретируемой; мнения специалистов о датировке этой работы также разделяются. Некоторые относят её к первому флорентийскому периоду творчества Леонардо, другие, напротив, - к миланскому. Большинство исследователей придерживаются гипотезы о том, что на портрете представлена Джиневра Бенчи (на её имя намекают ветви можжевельника, ginepro, которые видны на фоне композиции). Он выполнен в период, когда Леонардо освободился от ученической зависимости от искусства Верроккьо, то есть около 1475 года.

«Благовещение».

О предыстории картины благовещение ничего не известно. Широкая публика об этом полотне ничего не знала до 1867 года. Именно тогда картина попала в Галерею Уффици в 1867 из женского монастыря Сан Бартоломео (Monteoliveto), около Флоренции. И до 1869 года считали, что работа принадлежит кисти Доменико Гирландайо. Но ученые пришли к выводу, что это ранняя работа Леонардо да Винчи. В те годы он был учеником Верроккио и работал в его мастерской. В этой картине еще ощущается влияние учителя на молодого да Винчи. Существует два варианта картины, более ранний в галерее Уффици во Флоренции, другой более поздний в Париже, в Лувре.

Сюжет картины заключается в том, что архангел Гавриил приносит Деве Марии известие о том, что она родит Сына Божьего - Иисуса Христа. Архангел осторожно приближается к Марии, робко смотрит на нее, словно боится испугать се своим сиянием. Образ Богоматери, ожидающей благую весть, необычайно поэтичен и одухотворен. Крылья архангела точно имитируют крылья настоящей птицы, и в этом проявилась научная зоркость Леонардо, характерная для художника на протяжении всей его карьеры. Дева Мария стоит на коленях, склонив голову и прикрыв глаза, и с благоговением вслушивается в произносимые архангелом слова. Платье Девы иллюстрирует способ, изобретенный Леонардо для изображения тяжелых складок.

На переднем плане изображен цветочный ковер, каждый цветок которого любовно и старательно прописан. Сцена справа, соответствует архитектуре того времени. Средняя часть огорожена низкой стеной, достигающей высоты колена, с маленьким открытием в центре. Это открытие, которое служит фоном жесту приветствия Гавриила, с лилией в левой руке, (символ чистоты Марии) также, показывает дорожку, исчезающую вдали. Видны острые силуэты деревьев и гор, на фоне пылающего неба. Леонардо, первый показал эту библейскую сцену не в закрытом помещении, а использовал мастерски выполненный пейзаж, усиливающий впечатление от картины.

Пейзаж не считался в Италии самостоятельным жанром. Леонардо первым стал придавать ему большое значение.

«Святой Иоанн Креститель».

Обращенный к небу указательный палец его правой руки - ещё один мотив, связанный с иконографией этого святого, пришедшего в мир, чтобы проповедовать покаяние, которое «расчистит путь» грядущему явлению Мессии. На лице, выделенном светом, с острым, почти фавнообразным овалом, обрамлённом каскадом кудрявых волос, играет загадочная интригующая улыбка, которая не согласуется с образом аскетического пророка, жившего в пустыне и питавшегося саранчой и всякой дикой пищей. История этого произведения, обнаруживающего то ли манерность, то ли поиска языка экспрессии, покрыта тайной. В источниках оно не фигурирует под названием Иоанн Креститель: Вазари говорит об «ангеле» из медичейских коллекций, приписывая его Леонардо, и в его описании эта картина очень напоминает Иоанна Крестителя.

Можно думать, что первой идеей художника было изобразить благовествующего ангела, если только это согласуется со странной фигурой, вызывающей у зрителя скорей чувство неловкости, чем восторженного изумления. В ней различим тот же дух иронии, что характерен для Джоконды, однако здесь отсутствует пейзаж, на который могла бы проецироваться эта ирония, отражая более сложные связи между человеком и природой. В силу этого Иоанн Креститель производит на зрителя странное, даже двусмысленное впечатление. Между тем, картина безусловно принадлежит к кругу работ Леонардо, а по своему замыслу является одной из самых новаторских, поскольку в фигуре Святого Иоанна мастер синтезировал свои поиски средств выражения чувств и природы человека в целом. Перегруженный символикой и иллюзиями, этот образ, кажется, существует на грани загадки и реальности.

«вакх».

Картина художника Леонардо да Винчи, первоначально названная «Святой Иоанн в изгнании» со временем получила другое, более распространенное название «Вакх» или «Бахус». Размер картины 177 x 115 см, дерево, масло. Картина создана мастером между 1507 и 1513 годами, во время пребывания великого живописца в Милане, где Леонардо да Винчи в перерывах между научными изысканиями был занят проектом грандиозного конного памятника завоевателю Ломбардии французскому маршалу Тривульцио. По версиям некоторых исследователей творчества Леонардо да Винчи картина предположительно является работой учеников мастерской Леонардо -- Больтраффио, Джампетрино или Чезаре де Сесто.

«Портрет музыканта».

В так называемом Портрете музыканта из Амброзианы в Милане - модель его иногда идентифицируют с регентом Миланского собора Франкино Гаффурио, но на самом деле здесь изображен просто молодой человек с листом нотной бумаги. Ещё различим некоторый геометризм в передаче пластических объёмов, выдающих тосканское влияние. Шапочка на голове и масса курчавых волос образуют две полусферы по сторонам лица; резкость контуров и светотень свидетельствуют уже о знакомстве мастера с ломбардскими традициями и портретами Антонелло да Мессина. Сильно реставрированный, переписанный и, возможно, даже оставленный незаконченным, хотя и на довольно продвинутой стадии работы, этот единственный у Леонардо мужской портрет - если он действительно выполнен самим художником - изображает человека с умным и твердым взглядом. Не увлекаясь риторическим прославлением личности, Леонардо передает во внутреннем свете лица и взгляда портретируемого свойственную ему моральную силу. Урок Антонелло да Мессина усвоен и применён здесь с использованием более тонких технических средств, показывая умение мастера развить воспринятый им опыт.

«Мадонна с прялкой».

Картина художника Леонардо да Винчи «Мадонна с прялкой» написана в первом десятилетии 16 века, предположительно во время пребывания великого мастера в Милане. Работа художника имеет и другое название «Мадонна с веретеном». Размер картины 50,2 x 36,4 см, дерево, масло. Картина была создана специально для государственного секретаря короля Франции Людовика XII Флориманда Робертета. Картина кисти великого живописца эпохи Возрождения изображает Мадонну, сидящую на фоне горного хребта. У нее на коленях младенец Иисус, держащий деревянную прялку в форме креста. Согласно одному из апокрифических Евангелий, Дева Мария в доме Иосифа работала над изготовлением пурпурной пряжи для храмовой завесы. Леонардо да Винчи в своей картине использовал этот апокрифический сюжет. Младенец Иисус держит в руках прялку в виде креста, что символизирует принятие им своего предназначения. Мадонна, по сюжету картины, пока еще не может сердцем принять предназначение своего божественного сына, и поэтому рука девы Марии приподнята в оберегающем жесте. Исследователи творчества Леонардо да Винчи полагают, что картину «Мадонна с прялкой» Леонардо да Винчи лишь начал, а заканчивали ученики его мастерской -- Амброджо де Предис, Бернардино де Консти или Больтраффио. Впрочем, достоинств картины это не умаляет. В 2003 году картина была похищена из родового замка Драмлэнриг семейства герцогов Бэкллью, который расположен в шотландском округе Дамфрис-энд-Галловей. Картина художника Леонардо да Винчи «Мадонна с прялкой» находилась в частной коллекции семьи Бэкллью свыше 200 лет и была выставлена в галерее замка для посещений всеми любителями искусства. Продать похищенную картину было теоретически почти невозможно. Спустя четыре года похители были арестованы, картина возвращена владельцу и вновь открыта для посещений. До нашего времени сохранился также принадлежащий руке Леонардо да Винчи эскиз картины, рисунок "Мадонна с прялкой" или иначе "Мадонна за пряжей".

Характеристика Леонардо да Винчи как художника была бы неполной, если не сказать о нем как о мастере рисунка, в истории которого ему принадлежит одно из самых почетных мест. Номинально по своим функциям рисунок в творчестве Леонардо, как и у других мастеров того времени, имел вспомогательное значение. Это композиционные наброски и эскизы, тщательные штудии голов и фигур, драпировок, пейзажные и всякого рода другие зарисовки. Но в то же время рисунок был для Леонардо да Винчи чем-то большим: при специфическом складе его художественного и научного дарования рисунок явился для него одной из форм активного восприятия мира в более широком плане. Мы уже не говорим об огромном количестве не имеющих специально художественного назначения рисунков и чертежей в его научных заметках, хотя у такого гениального мастера, как Леонардо да Винчи, зачастую нелегко провести четкое разделение между собственно художественными графическими работами и рисунками научно-вспомогательного характера. Многие из последних -- хотя бы, например, его зарисовки растений в заметках по вопросам ботаники -- обладают также большой художественной выразительностью. Иногда наброски, возникшие в каком-то определенном научно-техническом контексте, превращаются в создания мощной художественной фантазии, например так называемый «Арсенал» 1487 года (Виндзор) -- рисунок, дающий полуфантастическое изображение литейного двора.

«Прекрасная Ферроньера».

Картина художника Леонардо да Винчи «Портрет молодой женщины» имеет также и другое название «Прекрасная Ферроньера» (La belle Ferroniere). Картина начата Леонардо да Винчи в 90-м году и по некоторым свидетельствам длилась несколько лет с перерывами. Размер картины 63 x 45 см, дерево, масло. Завершил картину, по всей видимости, кто-то из его учеников (Амброджо де Предис, Бернардино де Консти или Больтраффио) Картину иногда называют «Портрет неизвестной», подчеркивая нерешенность вопроса о личности изображенной молодой женщины, но гораздо чаще картину именуют «Прекрасная Ферроньера». На мысль о работе ученика мастерской Леонардо исследователей творчества великого мастера наводит отмечаемая ими небрежность в выполнении картины, хотя это может объясняться следованием традициям миланской придворной живописи, требовавшим изображать модель в неестественной позе и уделять больше внимания деталям одежды и украшениям, чем лицу портретируемого. В 19 веке эта картина «Прекрасная Ферроньера» пользовалась очень большой популярностью и часто копировалась многими художниками. По наиболее распространенной версии картина «Прекрасная Ферроньера» это портрет Лукреции Кривелли, любовницы герцога Миланского Лодовико Сфорцы, покровителя Леонардо да Винчи. До Лукреции Кривелли сердце герцога было пленено Цецилией Галлерани, которую в семнадцатилетнем возрасте также изобразил Леонардо на картине «Дама с горностаем». Раньше считалось, что на этих портретах великого художника изображена одна и та же женщина, потому что в левом верхнем углу картины «Дама с горностаем» c серьезными грамматическими ошибками написано… «LA BELE FERIONIERE/LEONARD D'AWINCI». Считается, что эта надпись по недоразумению была сделана на картине при её реставрации вскоре после того, как ее приобрел в 1798 году и перевез в Польшу Адам Ежи Чарторыйский, будущий министр иностранных дел Российской Империи. Отличительные особенности манеры портретной живописи Леонардо да Винчи -- это не только светотень и мягкие темные полутона, но и особая красота линий и мягкость рельефной моделировки. Так, в его великолепных рисунках голов, то непосредственно выполненных с натуры, (например, этюд женской головы к «Мадонне Литта»), то отмеченных большой степенью художественного преображения (голова апостола Филиппа к «Тайной вечере»), линия обладает поистине могущественной выразительностью. Не теряясь в подробностях, но и не избегая их, она исчерпывающе и в то же время без малейшего схематизма выражает само существо натуры. Линия у Леонардо да Винчи -- это не только очерчивающий контур, она обладает также определенными пространственно-стереоскопическими качествами, создавая реальное ощущение объема, живой пластики, которое усиливается характерной для Леонардо мягкой косой штриховкой. И главное, собственно штудийный элемент отступает в этих рисунках перед переполняющим их поэтическим чувством. Подобное слияние образной яркости и большого художественного обобщения свойственно также портретным рисункам Леонардо да Винчи.

«Святой Иероним».

Эта работа, вероятно, предназначавшаяся для фрески алтаря (Badia), во Флоренции, осталась незаконченной.

Пустыня... Бесплодный пейзаж с небольшой скалой. Со страданием на лице, Св. Иероним становится на колени в центре изображённого места. Его левая рука касается края одежды, его правая рука держит камень и готова к удару. На его изнуренной, костистой груди-темное пятно в области сердца, вероятно, впитанная кровь, рана, которую святой нанёс себе во время эпитимии.

Перед ним его друг-лев, с широко открытой пастью, кажется, наблюдает и слушает. Взгляд -вправо, там подразумевается Распятие. Таким образом создана связь между собственным страданием кающегося, Распятием на кресте и страданием Спасителя.

В изображении Св. Иеронима, Леонардо выразил идеи, которые он должен был воплотить в большей картине.

Страдающее выражение лица святого отражает понятия о физиономии и физиологии, которые художник записал в примечаниях. Мускулатура и сухожилия плеча могут быть приняты, как ранний интерес Леонардо к анатомии человека.

«Леда и лебедь».

Картина художника Леонардо да Винчи «Леда и лебедь» до нашего времени не сохранилась, и о ней можно судить лишь по копиям, сделанным в начале 16 века. Размер этой копии картины 112 x 86 см, дерево, масло. Существует четыре копии картины, официально рассматриваемых историками и исследователями живописи Леонардо да Винчи в качестве вариантов копий его творческого наследия. Кроме рассматриваемой копии галереи Боргезе, другие работы хранятся -- картина «Леда» в галерее Уффици, Флоренция, картина «Леда и лебедь» в Уилтон Хаус, Солсбери и копия картины «Леда» в государственном музее в Касселе. Картина была написана художником Леонардо да Винчи между 1510 и 1515 годами, предположительно во время работы великого мастера в Милане.

«Портрет Беатриче д'Эсте».

Картина художника «Портрет дамы» имеет также и другое название «Портрет Беатриче д'Эсте». Авторство Леонардо да Винчи этой картины уже давно подвергается сомнению и оспаривается. Тем не менее, некоторые историки эпохи итальянского Возрождения и исследователи творчества художника Леонардо да Винчи считают, что картина начата великим живописцем в 90-м году 15 столетия и впоследствии закончена его учеником Джованни Амброджио де Предис (Giovanni Ambrogio de Predis). Размер картины 51 x 34 см, дерево, масло.

Беатриче д'Эсте (Beatrice d'Este) -- одна из самых красивых и просвещенных принцесс итальянского Ренессанса, дочь Эрколе I д'Эсте и младшая сестра Изабеллы д'Эсте и Альфонсо I д'Эсте. Беатриче была хорошо образована, ее окружение составляли знаменитые деятели искусства эпохи Возрождения, такие как живописец Леонардо да Винчи и скульптор Донато Браманте. Беатриче д'Эсте была помолвлена в возрасте пятнадцати лет с Лодовико Сфорца, герцогом Миланским, и затем выдана за него замуж в январе 1491 года. Великий художник Леонардо да Винчи был назначен организатором пышной свадебной церемонии. Жизнь Беатриче д'Эсте оборвалась очень рано, 3 января 1497 в возрасте 22 лет, причиной смерти явились неудачные роды.

Источники

http://bibliotekar.ru/kVinci/index.htm

http://worldleonard.h1.ru/doc/leonardo/gallery.htm

http://go.mail.ru/search?rch=e&q=%F2%E0%E9%ED%E0%FF+%E2%E5%F7%E5%F0%FF

http://smallbay.ru/vinci.html

http://junior.ru/mhk/elizarova/damasgornostaem.htm

Размещено на Allbest.ru