История развития искусства в Европе

В этом портрете Леонардо не стремится проникнуть во внутренний мир модели, однако как демонстрация прекрасного владения мягкой, почти монохромной светотеневой моделировкой эта картина не имеет себе равных. Сзади видны ветви можжевельника (по-итальянски - ginevra) и подернутый влажной дымкой пейзаж. Портрет Джиневры деи Бенчи и Мадонна Бенуа (Санкт-Петербург, Эрмитаж), которой предшествовала серия крошечных набросков Мадонны с Младенцем, вероятно, являются последними картинами, законченными во Флоренции. Неоконченный Св. Иероним, очень близкий по стилю к Поклонению волхвов, также может быть датирован временем около 1480. Эти картины одновременны первым из сохранившихся набросков военных механизмов. Получив образование художника, но стремясь быть военным инженером, Леонардо бросил работу над Поклонением волхвов и устремился на поиски новых задач и новой жизни в Милан. Зрелый период творчества. Несмотря на то, что Леонардо отправился в Милан в надежде на карьеру инженера, первым заказом, который он получил в 1483, было изготовление части алтарного образа для капеллы Непорочного зачатия - Мадонна в гроте (Лувр; атрибуция кисти Леонардо более поздней версии из Лондонской Национальной галереи оспаривается). Коленопреклоненная Мария смотрит на Младенца Христа и маленького Иоанна Крестителя, в то время как ангел, указывающий на Иоанна, смотрит на зрителя. Фигуры расположены треугольником, на переднем плане. Кажется, что фигуры отделены от зрителя легкой дымкой, так называемым сфумато (расплывчатость и нечеткость контуров, мягкая тень), которое отныне становится характерной чертой живописи Леонардо. За ними в полутьме пещеры видны сталактиты и сталагмиты и подернутые туманом медленно текущие воды. Пейзаж кажется фантастическим, однако следует помнить утверждение Леонардо о том, что живопись - это наука. Как видно из рисунков, одновременных картине, он основывался на тщательных наблюдениях геологических явлений. Это относится и к изображению растений: можно не только отождествить их с определенным видом, но и увидеть, что Леонардо знал о свойстве растений поворачиваться к солнцу.

В середине 1480-х годов Леонардо написал картину Дама с горностаем (Краковский музей), которая, возможно, является портретом фаворитки Лодовико Сфорца Чечилии Галлерани. Контуры фигуры женщины со зверьком очерчены изгибами линий, которые повторяются во всей композиции, и это, в сочетании с приглушенными красками и нежным оттенком кожи, создает впечатление идеальной грации и красоты. Красота Дамы с горностаем разительно контрастирует с гротескными набросками уродов, в которых Леонардо исследовал крайние степени аномалий строения лица. В Милане Леонардо начал делать записи; около 1490 он сосредоточил внимание на двух дисциплинах: архитектуре и анатомии. Он сделал наброски нескольких вариантов проекта центрально-купольного храма (равноконечный крест, центральная часть которого перекрыта куполом) - тип архитектурного сооружения, который ранее рекомендовал Альберти по той причине, что он отражает один из античных типов храмов и имеет в своей основе наиболее совершенную форму - круг. Леонардо нарисовал план и перспективные виды всего сооружения, в которых намечены распределение масс и конфигурация внутреннего пространства. Примерно в это же время он добыл череп и сделал поперечное сечение, впервые открыв пазухи черепа. Заметки вокруг рисунков свидетельствуют о том, что его в первую очередь интересовала природа и строение мозга. Безусловно, эти рисунки предназначались для чисто исследовательских целей, однако они поражают своей красотой и сходством с набросками архитектурных проектов в том, что и на тех, и на других изображены перегородки, разделяющие части внутреннего пространства. Живя в Милане, Леонардо постоянно работал над проектом огромного конного монумента Франческо Сфорца, отца Лодовико, который в законченном виде должен был быть помещен на шестиметровый пьедестал и отлит из 90 т бронзы. По иронии судьбы, вспомнившей об интересе Леонардо к военному делу, предназначенная для памятника бронза была использована для отливки пушек, а его глиняная модель была уничтожена в 1499 при вторжении французов.

Тайная вечеря. Размышления Леонардо о пространстве, линейной перспективе и выражении разнообразных эмоций в живописи вылились в создание фрески Тайная вечеря, написанной в экспериментальной технике на дальней торцовой стене трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане в 1495-1497. При помощи иллюзионистических средств Леонардо расширил реальное пространство зала в область живописного пространства, с высоким столом, за которым сидят Христос и апостолы. Он изобразил тот момент, когда Христос сказал: «Истинно говорю вам, что один из вас предаст меня», как психологический взрыв. Христос - центр композиции, вокруг которого собирается буря эмоций. Все средства использованы для того, чтобы привести глаз к фигуре Христа: основные цвета одежды (красный и синий), силуэт, выделяющийся на фоне окна. Фигура Иуды (четвертый справа от Христа) передвинута со своего обычного места с внешней стороны стола; его изображение вместе с остальными апостолами еще более усиливает драматизм происходящего. Двенадцать апостолов распределены на четыре группы по трое и изображены склоненными к Христу или отпрянувшими от него. Поскольку расположение тринадцати человек по одну сторону стола несколько неестественно, их прямое сопоставление поднимает эмоциональный накал, а уходящая в глубь перспектива (комната изображена в виде трапеции) создает эффект выталкивания фигур на зрителя. Возможно, черпая вдохновение у своего друга Луки Пачоли (ок. 1445-1517), для книги которого О божественной пропорции (1509) Леонардо сделал несколько иллюстраций, он выстроил композицию фрески по системе пропорций, аналогичной соотношениям музыкальных интервалов; эта идея впоследствии легла в основу творчества архитектора Андреа Палладио.

Архитектура Антонио Гауди

Гениальный каталонский архитектор Антонио Гауди-и-Корнет, родившийся 25 июня 1852 г., связал воедино старинные традиции и стилистику модерна, опираясь на национальную готику и характерные особенности народной каталонской культуры. Ле Корбюзье называл Гауди «конструктором ХХ в.», а современная критика подчеркивает его удивительную способность сочетать в себе таланты строителя, скульптора, художника и архитектора. Его архитектура далека от общепринятой. Гауди причисляют к каталонскому модерну, но полностью он не вписывается ни в какое архитектурное течение, т.к. он предпочитал перемешивать все архитектурные стили, создав свою собственную эклектику. Что, действительно, отличает его от всех -- это связь архитектуры с природой. Гауди сумел перенести законы природы на архитектуру, добиться непрерывной текучести архитектурных форм, доступных лишь живой природе. Он применил параболические перекрытия и наклонные древовидные колонны. В его проектах нет ни одной прямой линии, как нет ее в природе.

Первый жилой дом ему заказал Мануэль Висенс, кирпичный и керамический фабрикант. Буйная фантазия Гауди только и ждала этого заказа. На клочке земли размером всего 0,1 га он сумел создать внушительного вида дом с садом. Он соорудил кирпичный особняк в мавританском стиле, инкрустированный многоцветными керамическими плитками, с круглыми башнями по углам. Интерьеры дома -- настоящий вертеп эклектики:

· с потолка столовой свисает спелая вишня из расписной лепнины;

· дверные проемы разрисованы листьями и цаплями.

Апофеоз мистификации -- барочный псевдо купол, выполненный перспективой на плоском потолке.

Каза Висенс -- настоящий маленький дворец из «Тысячи одной ночи», декорированный с восточной роскошью.

Коттедж-каприз построен на участке 0,3 га на поляне у подножия холма и имеет 3 не совпадающих по планам этажа. Композиционный конфликт предельно обострен: приземистый основной объем едва сочленен с высокой башней, с висящим над ней причудливым балдахином. Горизонтали подчеркиваются рядами кирпичной кладки попеременно с рельефной майоликой, а также широким карнизом.

Это наиболее «неоготическая» из построек Гауди, наиболее строгая и сухая: план в виде греческого креста, сугубо крепостной характер архитектуры.

Саграда Фамилия

.Этот всеми признанный шедевр Гауди, посвященный Святому Семейству поражает величием замысла и блистательностью исполнения. Собор имеет в плане форму латинского креста; в соборе пять продольных нефов и три поперечных, три входа, его окружает крытая галерея. Длина собора 110 м, высота -- 45 м. Над собором возвышаются 4 100-метровых башни, 12 башен по числу апостолов, 4 колокольни -- по числу евангелистов и 2 шпиля -- Богоматери и Иисуса Христа (170 м). При Гауди был построен только фасад Рождества. В те годы он жил прямо в соборе, в тесной, заваленной чертежами каморке. Оплаты своей работы не требовал, все добытые средства вкладывал в строительство. Прохожие на улицах принимали его за нищего и подавали милостыню. Он жил в своем мире, отрекшись от всего мирского. 7 июня 1926 г. у выхода со строительной площадки собора Саграда Фамилия, на 74-ом году жизни, Гауди был сбит трамваем. Не узнанного, в бессознательном состоянии, в ветхой одежде, его доставили в больницу Святого Креста, где он и умер через несколько дней. Только после смерти выяснилось, что этот старик, напоминающий бомжа и не имевший даже своего дома, заработал за свою 48-летнюю архитектурную деятельность миллионы.Строительство собора продолжается и в настоящее время на жертвования верующих, но движется очень медленно.

Живопись Венеции эпохи Возрождения. Джорджоне. Тициан. Веронезе. Тинторетто

Для живописи и ваяния эпохи Возрождения характерно сближение художников с природой, ближайшим проникновением их в законы анатомии, перспективы, действия света и других естественных явлений. Художники Возрождения, рисуя картины традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чём проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, более известный как Джорджоне (итал. Giorgio Barbarelli da Castelfranco, Giorgione; 1476/1477--1510) -- итальянский художник, представитель венецианской школы живописи; один из величайших мастеров Высокого Возрождения. Биография Джорджоне родился в небольшом городке Кастельфранко-Венето недалеко от Венеции. Он был учеником Джованни Беллини и усвоил себе глубину и блеск его тёплого колорита, даже превзошёл его в этих качествах и первый из всех итальянских живописцев стал отводить в религиозных, мифологических и исторических картинах важное место поэтически-придуманному, красивому, не чуждому натуральности пейзажу. Главным местом его деятельности была Венеция. Он писал здесь над престольные образа, исполнял многочисленные портретные заказы и, по обычаю того времени, украшал своей живописью сундуки, ларцы и фасады домов. Джорджоне умер в Венеции от чумы осенью 1510 года.

Творчество«Спящая Венера»Основной период творческой деятельности Джорджоне приходится на первое десятилетие XVI века. Джорджоне, первоначально сформировавшийся как художник под влиянием Винченцо Катены и Джованни Беллини, сумел в течение нескольких лет выработать собственную зрелую манеру, в основе которой лежало тонкое чувство взаимодействия цвета и света. Во многом от Джорджоне берет начало эта принципиальная сторона европейского живописания, развивавшаяся впоследствии многими поколениями художников. Техника масляной живописи, к которой обратился Джорджоне, позволяла ему в полной мере передавать плавные цветовые переходы, насыщенные пятна цвета, сгущающиеся тени и мягкие очертания фигур и предметов. Вазари отмечал в полотнах Джорджоне отголоски влияния творчества Леонардо да Винчи, посетившего Венецию в начале XVI века.

Несмотря на кратковременность жизни Джорджоне у него было много учеников, к которым принадлежат, между прочим, Себастьяно дель Пьомбо, Джованни да Удине, Фр. Торбидо (прозванный иль Моро) и сам Тициан. Еще значительнее число художников, подражавших его направлению, каковы, например, Лоренцо Лотто, Пальма Старший, Джованни Кариани, Рокко Марконе, Парис Бордоне, Джирол. Пеннаки, Порденоне, Коллеоне, Дзанки и др., картины которых нередко слывут теперь за его работы.

Тициан Вечеллио (итал. Tiziano Vecellio, 1477--1576) -- считается одним из величайших итальянских живописцев эпохи Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с гениями Возрождения Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэлем. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и Папы Римские, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный.

Тициан родился в семье Грегорио Вечелли, государственного и военного деятеля. В десятилетнем возрасте был направлен вместе с братом в Венецию для обучения у известного мозаичиста Себастьяна Дзуккато. Через несколько лет поступил учеником в мастерскую Джованни Беллини. Учился вместе с Лоренцо Лотто, Джорджо да Кастельфранко (Джорджоне) и рядом других художников, ставших впоследствии знаменитыми. В 1518 Тициан пишет картину «Вознесение Богоматери» (Assunta), в 1515 -- Саломею с головой Иоанна Крестителя. С 1519 по 1526 расписывает ряд алтарей, в том числе алтарь семейства Пезаро. Тициан прожил долгую жизнь. До последних дней он не прекращал работать. Свою последнюю картину, «Оплакивание Христа», Тициан написал для собственного надгробия. Художник скончался от чумы в Венеции 27 августа 1576, заразившись от своего сына, ухаживая за ним.

Император Карл V вызвал Тициана к себе и окружил почётом и уважением и не раз говорил: «Я могу создать герцога, но где я возьму второго Тициана». Когда однажды художник уронил кисть, Карл V поднял её и сказал: «Услужить Тициану почётно даже императору». И испанский, и французский короли приглашали Тициана к себе, поселиться при дворе, но художник, выполнив заказы, всегда возвращался в родную Венецию. В честь Тициана назван кратер на Меркурии. Паоло Веронезе (итал. Paolo Veronese), при рождении Паоло Кальяри (итал. Paolo Cagliari, * 1528 -- † 19 апреля 1588) -- один из лучших живописцев венецианской школы, прозванный по месту рождения Веронезе, сын скульптора Габриеля Калиари, ученик Антонио Бадиле.

В своих юношеских произведениях («Мадонна», остатках фресок из Casa Contarini, фресках виллы Соранцо и виллы Фанцодо) он проявил характерные особенности веронской школы с её нежным колоритом, но вместе с тем и выказал свободу создания художественных образов, которой он был обязан влиянию рафаэлевской школы. Благодаря быстро распространившейся славе о его таланте он в возрасте 27-28 лет был призван в Венецию для украшения ризницы церкви Святого Себастиана и так хорошо исполнил возложенную на него задачу, что до 1570 года ему приходилось постоянно возвращаться к работам для этой церкви и существовавшего при ней монастыря, а по смерти своей удостоился чести быть погребенным в этом храме. Его работы в церкви Святого Себастиана отличаются легкостью рисунка и нежным, теплым колоритом, свойственным веронской школе: Коронование Пресвятой Девы

· Эсфирь перед Артаксерксом (Ксеркс I)

· Коронование Эсфири и триумф Мардохея

· Алтарный образ Богородицы

· Фрески, изображающие житие и страдания Святого Себастиана

· Христос у Симона Фарисея

В своих изображениях евангельских сцен с участвующим на них Христом (Брак в Кане Галилейской, Христос у Симона Фарисея; Христос у Симона; Брак в Кане Галилейской и Христос в Еммаусе) Калиари своеобразно соединил библейское с современным: в помещениях, украшенных в венецианском вкусе XVI века, с архитектурными задними планами в стиле Возрождения, пируют, в венецианских же костюмах, современники художника. В этих произведениях оживает перед нашими глазами все великолепие пиров тогдашнего времени; мы видим ту жажду удовольствий и ту любовь к роскоши и нарядам, которыми отличались старинные венецианцы.

Легкость отношения к духовным сюжетам однажды навлекла на художника преследование инквизиции: он был обвинен в 1573 году её судом, но сумел оправдаться и был принужден только исправить и исключить некоторые фигуры в одной из своих картин. В числе религиозных его произведений, кроме вышеприведенных, заслуживают быть упомянутыми:

· Обручение св. Екатерины

· Мучение св. Юстины

· Святого Георгия

· Снятие с креста

· Отдохновение на пути в Египет

Из картин его на светские сюжеты можно указать:

· Семейство Дария

· Похищение Европы

· Концерт

· Юпитер

· Марс и Венера

Во всех этих произведениях среднего периода деятельности Веронезе умелый и изящный рисунок соединяется с богатством замысла и с блеском и теплотой колорита. Как портретист (портреты Маркантонио Барбари, Даниеле Барбаро, воина, сенатора из фамилии Капелло, Джованни Барбариго) Паоло Веронезе близко подходит по манере к Тинторетто, но при всем том остается, как везде, оригинальным.

Также следует рассмотреть его декоративные работы, из числа которых многие, к сожалению, до нас не дошли; работы эти отличаются, помимо их в высшей степени умелого приспособления к архитектурным целям, смелостью замысла, свободой исполнения, ласкающей глаз свежестью колорита; его стенная и плафонная живопись составляет сильную сторону его таланта. Особенно интересны в этом отношении, например, фрески в вилле Барбари, в Мазере, близ Азоло, в вилле Тиене, в замке в Маньядоле и во Дворце дожей в Венеции. Часть исполненных им во Дворце дожей работ теперь находится в других местах; лучшие из них -- в зале Большого совета:

· Возвращение дожа Андреа Контарини с морской победы над генуэзцами при Киоджии

· Защита Скутари Антонием Лоредано

· знаменитый плафон Апофеоз Венеции

Веронезе в 1566 г. женился на дочери своего учителя Антонио Бадиле. В непрестанной работе, окруженный всеобщим уважением и почетом, он умер 19 апреля 1588 г.

Архитектурный стиль Антонио Гауди Гениальный каталонский архитектор Антонио Гауди-и-Корнет, родившийся 25 июня 1852 г., связал воедино старинные традиции и стилистику модерна, опираясь на национальную готику и характерные особенности народной каталонской культуры. Ле Корбюзье называл Гауди «конструктором ХХ в.», а современная критика подчеркивает его удивительную способность сочетать в себе таланты строителя, скульптора, художника и архитектора. Его архитектура далека от общепринятой. Гауди причисляют к каталонскому модерну, но полностью он не вписывается ни в какое архитектурное течение, т.к. он предпочитал перемешивать все архитектурные стили, создав свою собственную эклектику. Что, действительно, отличает его от всех -- это связь архитектуры с природой. Гауди сумел перенести законы природы на архитектуру, добиться непрерывной текучести архитектурных форм, доступных лишь живой природе. Он применил параболические перекрытия и наклонные древовидные колонны. В его проектах нет ни одной прямой линии, как нет ее в природе. Первый жилой дом ему заказал Мануэль Висенс, кирпичный и керамический фабрикант. Буйная фантазия Гауди только и ждала этого заказа. На клочке земли размером всего 0,1 га он сумел создать внушительного вида дом с садом. Он соорудил кирпичный особняк в мавританском стиле, инкрустированный многоцветными керамическими плитками, с круглыми башнями по углам. Каза Висенс -- настоящий маленький дворец из «Тысячи одной ночи», декорированный с восточной роскошью.

Каза эль Каприч Коттедж-каприз построен на участке 0,3 га на поляне у подножия холма и имеет 3 не совпадающих по планам этажа. Композиционный конфликт предельно обострен: приземистый основной объем едва сочленен с высокой башней, с висящим над ней причудливым балдахином. Горизонтали подчеркиваются рядами кирпичной кладки попеременно с рельефной майоликой, а также широким карнизом. Дворец в Асторге Это наиболее «неоготическая» из построек Гауди, наиболее строгая и сухая: план в виде греческого креста, сугубо крепостной характер архитектуры. Собор Святого Семейства.

Этот всеми признанный шедевр Гауди, посвященный Святому Семейству поражает величием замысла и блистательностью исполнения. Собор имеет в плане форму латинского креста; в соборе пять продольных нефов и три поперечных, три входа, его окружает крытая галерея. Длина собора 110 м, высота -- 45 м. Над собором возвышаются 4 100-метровых башни, 12 башен по числу апостолов, 4 колокольни -- по числу евангелистов и 2 шпиля -- Богоматери и Иисуса Христа (170 м).

При Гауди был построен только фасад Рождества. В те годы он жил прямо в соборе, в тесной, заваленной чертежами каморке. Оплаты своей работы не требовал, все добытые средства вкладывал в строительство. Прохожие на улицах принимали его за нищего и подавали милостыню. Он жил в своем мире, отрекшись от всего мирского. 7 июня 1926 г. у выхода со строительной площадки собора Саграда Фамилия, на 74-ом году жизни, Гауди был сбит трамваем. Не узнанного, в бессознательном состоянии, в ветхой одежде, его доставили в больницу Святого Креста, где он и умер через несколько дней.

Якопо Робусти, более известный как Тинторетто (итал. Jacopo Robusti, Jacopo Comin, Tintoretto; 1518--1594) -- один из величайших живописцев венецианской школы позднего Ренессанса. Биография

Художник родился в Венеции в 1518 году, хотя во многих документах называется дата 1510 год Своё прозвище Тинторетто он получил по профессии отца, бывшего красильщиком (tintore). Очень рано обнаружив необыкновенную способность к живописи, он поступил в ученики к Тициану и под его руководством делал столь быстрые успехи, что этот мастер, как гласит предание, не захотел держать его дольше у себя, предугадывая в нём опасного себе соперника. После выхода из школы Тициана, Тинторетто не перестал, однако, благоговеть перед своим бывшим наставником и стремился в своих произведениях соединять тициановские блеск и силу красок с совершенством рисунка, которым, по его мнению, никто не обладал в такой степени, как Микеланджело. Но влияние великих флорентийца и венецианца не заглушило в нём самостоятельности: заимствованные от них элементы переработались у него в новый, индивидуальный стиль, отличительные качества которого -- живая драматичность композиции, смелость мастерского рисунка, своеобразная живописность в распределении света и теней, теплота и сила красок, широкий приём письма. Сочиняя и исполняя свои произведения с удивительной лёгкостью, занимаясь ими день и ночь, простирая свою не стяжательность до такой степени, чтобы работать даром для своих товарищей и возмещать себе только расход на краски, Тинторетто не замедлил приобрести громкую известность наравне с Тицианом и Паоло Веронезе.

Однако, не все его работы хороши в одинаковой степени, что объясняется поспешностью, с какой они иногда исполнялись. В первое время он занимался ими не торопясь, более внимательно, а потому почти все они выходили удачными; впоследствии же, будучи осаждаем заказами, он нередко писал наскоро, небрежно, и тогда из-под его кисти порой появлялись вещи, недостойные его имени.

Наиболее замечательны картины Тинторетто, относящиеся к первой поре его деятельности:

· «Грехопадение Адама и Евы» и «Убийство Авеля», исполненные совершенно в духе Тициана (обе находятся в венецианской академии художеств)

· «Поклонение золотому тельцу» и «Страшный Суд», две огромные картины в хоре церкви Санта-Мариа дель Орто, в Венеции, в которых уже заметна его оригинальность

· в полном блеске талант Тинторетто выказывают «Чудо св. Марка» (в венецианской академии), «Брак в Кане Галилейской» (в ризнице церкви Санта-Мариа делла Салуте), «Философ Диоген» (в Новой Библиотеке, в Венеции), «Открытие мощей св. Марка в Александрии» и «Перенесение их на корабль» (в Ст. Библиотеке, там же)

· многие другие картины, рассеянные по разным европейским музеям, например «Венера, Вулкан и Амур» (в Старой Пинакотеке, в Мюнхене), «Рождество Христово» и «Омовение ног» (в Эскориальском дворце, в Мадриде), «Несение креста» (в венской галерее), «Девять муз» (в Гемптонкортском музее в Лондоне), «Юдифь» (в мадридском музее дель-Прадо) и «Рождество Иоанна Крестителя» (в Эрмитаже, в СПб.).

Обретение мощей апостола Марка (1548).

Ещё с большей яркостью, чем живопись масляными красками, выражают искусство Тинторетто его фресковые работы, дававшие его фантазии простор для развития обширных и сложных композиций и позволявшие ему пускать в полный ход свою смелую, широкую фактуру. Из сохранившихся его фресок особенно великолепны стенные картины и плафоны в здании Школы св. Роха («Распятие», «Избиение младенцев», «Мария Магдалина в пустыне», «Медный змий» и др.) и во дворце дожей, в Венеции (колоссальное «Воскресение праведников», «Венеция, богиня морей», «Завоевание Цары» и др.).

Занимаясь преимущественно исторической живописью, Тинторетто охотно писал также и портреты, из которых многие поражают превосходной постановкой фигур, выразительностью, силой красок и широким приёмом исполнения. Таковы, например, портреты дожа Николо де Понте (в венской галерее), адмирала Н. Капелло (у герцога Девонширского, в Англии), медика А. Везаля (в мюнхенской пинакотеке), самого художника (в копенгагенском музее) и некоторые др.

Всецело преданный искусству, Тинторетто воспитал в любви к нему и своих детей. Его дочь, Мариетта Робусти (1560--1590), образовавшаяся под отцовским руководством, успешно занималась портретной живописью. Немецкий император Максимилиан и король Филипп II Испанский приглашали её к себе на службу, но она не захотела расстаться с обожаемым родителем, которому суждено было вскоре после того оплакивать её безвременную кончину. Брат художницы, Доменико Робусти (en:Domenico Tintoretto) (1562--1637), подобно сестре, ученик своего отца, усвоил себе его манеру и пользовался известностью преимущественно как искусный портретист.

Творчество Поля Сезанна

СЕЗАНН Поль (1839-1906) - французский живописец, один из крупнейших представителей постимпрессионизма.

Учился в Экс-ан-Провансе в Муниципальной школе рисования (1858-1860), посещал академию Сюиса в Париже.

Ранний период творчества П.Сезанна принято условно называть романтическим или барочным (1860-1872). В эти годы художник получает первые уроки живописи сначала у Ж.Жибера в Школе изящных искусств при музее своего родного города Экса, а затем самостоятельно работает в Париже, где посещает академию Сюиса. В кафе Гербуа встречается со своими сверстниками: К.Моне, К.Писсарро, О.Ренуаром, А.Гийоменом. Живопись П.Сезанна тех лет резко отличается от всего того, чем занимались его единомышленники. Так, в отличие от К.Моне, интерес которого был полностью сосредоточен на непосредственном зрительном восприятии природы, П.Сезанн создает свой фантастический мир и пытается выразить в нем всю гамму человеческих страстей.

Живя с постоянным ощущением сложности окружающего мира, П.Сезанн не мог оставаться в рамках простой созерцательности и правдивого отображения увиденного. Он всегда стремился акцентировать внимание зрителя на том, что для него было главным в картине. С этой целью он деформировал фигуры, создавал композиции с неустойчивым равновесием, использовал насыщенные темные краски, положенные большими массами ("В комнатах", 1860-е гг., ГМИИ, Москва). К концу 1860-х гг. живописная манера П.Сезанна меняется в сторону большей сдержанности и строгости композиции ("Девушка у пианино", или "Увертюра к "Тангейзеру", 1867-1869, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Для импрессионистического периода (1872-1879) характерны приближенная к реальной жизни интерпретация образов, тонкая передача световоздушной среды и более светлая цветовая гамма. Основным жанром для Сезанна становится пейзаж, а единственным объектом наблюдения - природа. В 1872-1873 гг. он работает в Овере, затем в Понтуазе, где сближается с К.Писсарро. Очень часто художники работают над одним и тем же мотивом, используя при этом разные выразительные средства ("Дорога в Понтуазе", ок. 1876, ГМИИ, Москва). В Овере Сезанн начинает писать натюрморты с цветами, что помогает ему острее почувствовать окружающую его природу. Работая над натюрмортами, он вырабатывает свою неповторимую цветовую гамму: сочетание сизо-голубого и оранжево-желтого тонов ("Букет цветов в вазе", 1873-1875, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Так называемый конструктивный период творчества П.Сезанна (1879-1888) совпадает с вершиной его мастерства и отличается гармоничным сочетанием массивных форм и строгой композиции ("Фрукты", 1879 - 1882, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Изображению нестойких мимолетных явлений природы, что с таким мастерством делали импрессионисты, препятствовала материально-конструктивная основа восприятия мира, свойственная П.Сезанну. Поэтому в этот период, когда он в совершенстве овладел передачей световоздушной среды, художник усиливает структурно-предметные элементы своих композиций ("Пьеро и Арлекин", 1888, ГМИИ, Москва; "Мост на Марне в Крейтеле", 1888, ГМИИ, Москва).

В синтетический период (1888-1899) П.Сезанн создает цельный, устойчиво-подвижный образ природы. Гибкие и пластичные мазки мастера одновременно создают форму и намечают пространство, они словно цепляются друг за друга, формируя единую, неразрывную структуру полотна. Человеческие фигуры не противостоят пейзажному фону, они так же, как окружающая их растительность, пронизаны светом и воздухом ( "Купальщики", 1890-1892, Музей Орсэ, Париж). Художник очень часто обращается к теме купания, воплощая в ней свой идеал свободного человека, живущего в гармонии с природой. С воспоминаниями о счастливой юности связан у П.Сезанна образ высокой сосны, отбрасывающей благодатную тень. Перенося этот образ на холст, художник стремился решить проблему слияния предмета с окружающим его пространством и выразить ощущение меняющегося и в то же время вечно существующего мира природы ("Большая сосна близ Экса", 1890, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Этот интерес к соотношению изменяющегося и постоянного наиболее ярко отразился в его поздних натюрмортах ( "Натюрморт с драпировкой" , 1898-1899, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Портретные композиции П.Сезанна лишены психологической, социальной и индивидуальной характеристик, но люди, представленные на них, всегда значимы, а порой даже монументальны ("Курильщик", 1890-1896, Эрмитаж, Санкт-Петербург; "Дама в голубом", ок. 1899, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

1900-е гг. отмечены появлением так называемой спонтанной живописи в его творчестве: композиция картины не продумывается заранее, она возникает как бы сама по себе в процессе работы. Мужественно-суровая палитра художника начинает приобретать лирические оттенки ("Голубой пейзаж", 1900-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Все чаще на его полотнах появляется изображение горы св.Виктории как символа величия и неделимости вселенной ("Гора св.Виктории, 1900, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Творчество Винсента Ван Гога

Для импрессионистов одним из главных объектов отображения являлся человек. Его образ интерпретировался таким образом, что он утверждал себя в борьбе с окружающей его средой и самим собой мучительно, тяжело, напрягая до предела свои внутренние силы. Эта сторона в искусстве постимпрессионистов лучше всего видна в творчестве Винсента Ван Гога.

Винсент Ван Гог (1853 - 1890) считается великим голландским художником, который оказал очень сильное влияние на импрессионизм в искусстве. Его произведения, созданные в десятилетний период, поражают своим цветом, небрежностью и шероховатостью мазка, образами измученного страданиями душевнобольного, который покончил жизнь самоубийством. Винсент Ван Гог родился в 1853 году в Голландии. Его назвали в честь умершего брата, родившегося за год до него в тот же самый день. Поэтому ему всегда казалось, что он заменяет кого-то другого. Робость, застенчивость, слишком чувствительная натура отдалила его от его одноклассников, и единственным другом для него стал его старший брат Тео, с которым ещё в детстве они поклялись не расставаться. Винсенту было 27, когда он наконец понял, что жаждет стать художником. "Не могу выразить как я счастлив, что снова стал рисовать. Я часто думал об этом, но считал, что рисование выше моих возможностей." Так Винсент писал Тео.

Голландец по национальности Ван Гог приехал во Францию сложившимся художником, изображавшим людей и природу своей родины. Практически Ван Гог был самоучкой, хотя и пользовался советами А. Мауве. Но в ещё большей мере, чем рекомендации современного голландского живописца, в формировании Ван Гога сыграло знакомство с произведениями и репродукциями Рембрандта, Делакура, Домье и Милле. Саму живопись, к которой он обратился, перепробовав разные профессии (продавец в салоне, учитель, проповедник), он понимал как нечто, несущее народу уже не слово проповеди, а художественный образ.

Одна из известных картин Ван Гога - “Едоки картофеля” (1885 г.). В тёмном мрачном помещении сидят за столом пять человек: двое мужчин, две женщины и видимая со спины девочка. Свисающая сверху керосиновая лампа освещает худые, усталые лица и большие натруженные руки. Скудная трапеза крестьян - тарелка с вареным картофелем и жидкий кофе. В образах людей сочетается монументальное величие и сострадание, живущее в широко открытых глазах, напряженно вздёрнутых треугольниках бровей, морщинах, ясно читаемых даже на молодых лицах.

Приезд в Париж в 1886 г. вносит в творчество Ван Гога существенные коррективы, не меняя его основной сути. Художник по-прежнему исполнен сочувствия и любви к маленькому человеку, но этот человек уже иной - житель французской столицы, сам художник.

Изменение стиля Ван Гога в известной мере было продиктовано изменением его мировоззренческой позиции. В самом общем виде его взгляд на мир в то время можно считать более радостным, светлым, чем в Голландии. Эта сторона его творчества особенно хорошо раскрывается в пейзажах и натюрмортах. Обычные монмартовские рестораны с их ресторанами и кафе, тонкие безлистные деревья - всё это приобретает у Ван Гога импрессионистическую трепетность, окрашивается в светлые мягкие тона. Некоторые произведения можно сравнить по изысканности и точности красочных сочетаний с полотнами соотечественника Ван Гога - Вермеера Дельфтского.

Новый период творчества Ван Гога начинается после переезда в Арль в 1888 г. Поначалу художник видел в природе Прованса, в населяющих этот край людях воплощение своей мечте о “земле обетованной”, ассоциировавшейся в его воображении с Японией. Именно в Провансе Ван Гог надеялся создать “Южное ателье”, мастерскую, где сообща трудились бы художники-братья, противостоящие власти денег, диктатуре торговцев картинами.

Чувство радости, переполнявшее Ван Гога заставляло его неустанно работать. Художник изображал цветущие фруктовые деревья, перекинутые через каналы мостики, море, покрытое созревающими хлебами равнины. Он писал, вспоминая подчас любимые японские гравюры. Однако вскоре все ассоциации с виденным отошли в прошлое, не ища проторенных путей, открывал Прованс для себя и людей. И совершенно естественно, что в этот мир природы вошла органичная для Ван Гога тема труда. На фоне вспаханной нивы и огромного солнечного диска появился разбрасывающий семена крестьянин (“Сеятель”, 1888 г.), затерялись в осеннем винограднике собирающие урожай женщины (“Красный виноградник”, 1888 г.). Пристальное внимание художника стали привлекать образы скромных тружеников (“Доктор Рей”, 1889 г.; “Колыбельная”, 1889 г.; Портрет почтальона Рулена”, 1889 г.). Если рассматривать созданные в Арле произведения, то можно заметить, как художника покидает постепенно ощущение гармонии бытия.

Быть может, ничто не характеризует так ярко состояние художника в эту пору, как его автопортреты. Он видит себя каждый раз новым, изменившимся. В посвящённом Гогену автопортрете “Поклонник Будды” (1888 г.) в почти аскетическом облике художника с акцентированными раскосыми глазами и выступающими скулами, с бритой головой и обросшей колючей щетиной подбородком есть черты парии, отщепенца, отвергнутого обществом, которые видели в себе Ван Гог и Гоген. В “Автопортрете с отрезанным ухом” Ван Гог как бы обретает новые силы. Страдания физические словно бы сняли страдания духовные. И вот уже художник, перевязав ухо, спокойно попыхивает трубкой. Шапка с куском меха впереди уверенно надвинута на лоб.

Голландская традиция чувствуется у Ван Гога в его приверженности интерьеру, но интерпретируется им совершенно по-новому. Написанные друг за другом в 1888 г. “Ночное кафе” и “Комната в Арле” в равной мере очеловечены художником. Он не подчиняется логике расставленных предметов и льющегося искусственного или естественного света. Он заставляет их служить себе, выражению своего внутреннего состояния. Активно втягивающее, словно засасывающее зрителя внутрь композиции пространство, нереальность мерцающего света, отдалённые, изолированные друг от друга маленькие фигурки - во всём этом есть “загнанность” Ван Гога, его трагедия, предельное напряжение сил.

Пребывание в больнице для душевнобольных в Сен-Реми на юге Франции и два месяца в Овере под Парижем, - так проходит последний год жизни Ван Гога, оборвавшейся трагическим выстрелом. Он по-прежнему всё время в труде: цветы, фигуры надзирателей появляются на холстах, говоря о неумирающей любви к жизни и одновременно о нарастающей внутренней трагедии.

Иногда в этот колеблющийся мир врываются повседневность и просветленность, но в том же Овере рождаются такие трагические композиции, как “Портрет доктора Гаше” или “Церковь в Овере”, в которой всё говорит о близком конце художника.

На “Портрете доктора Гаше” изображён врач-гомеопат Поль Фердинанд Гаше, специалист по душевным болезням и автор исследования, посвящённого меланхолии. По поручению брата художника, Тео, он лечил Ван Гога во время его жизни в Антверпене. Постепенно между ними установились отношения не пациента и врача, а друзей, глубоко уважающих друг друга.

Одним из характерных документов эпохи, богатый всякого рода дневниками, воспоминаниями, письмами являются письма Ван Гога, прежде всего к брату Тео. Величие оставленному Ван Гогом рукописному наследию придают человечность, сострадательность его души, выплеснувшейся на страницы бумаги с такой же честностью, как и в его холстах.

«Красные виноградники в Арле» -- картина голландского живописца Винсента Ван Гога. Единственная проданная при жизни художника живописная работа.

Картина написана во время пребывания Ван Гога в городке Арль на юге Франции. Небольшой период жизни там (с февраля 1888 по май 1889) считается самым продуктивным в жизни художника. К нему приехал Гоген, и Винсент мечтал о создании поселения художников, возглавить которое должен был его друг. Ван Гог вдохновлялся окружающими пейзажами, видами городской и сельской местности. В ноябре 1888 года он писал своему брату Тео: «Ах, почему тебя не было с нами в воскресенье! Мы видели совершенно красный виноградник -- красный, как красное вино. Издали он казался жёлтым, над ним -- зеленое небо, вокруг -- фиолетовая после дождя земля, кое-где на ней -- жёлтые отблески заката». В этом же месяце были написаны «Красные виноградники в Арле», изображающие сбор винограда в окрестностях аббатства Монмажур. У ван Гога этот пейзаж приобретает характер притчи. Люди, собирающие урожай, становятся символом жизни, представленной художником как тяжёлый ежедневный труд^[1].

Впоследствии эта работа была выставлена на восьмой выставке «Группы двадцати» в Брюсселе, и куплена за четыреста франков^[2] бельгийской художницей Анной Бош.

Вместе со знаменитым «Ночным кафе» картина была приобретена русским коллекционером Сергеем Щукиным. После национализации его собрания экспонировалась в Музее современного западного искусства, ныне в Музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина.

Живопись Нидерландов 15 века. Босх. Ван Эйк. Питер Брейгель Старший (Мужицкий)

Искусство Нидерландов началось еще в средние века, с миниатюрной живописи.

В XV веке миниатюра достигла высокой степени совершенства, как можно видеть по знаменитому «Часослову герцога Беррийского», иллюстрированному братьями Лимбург, Ян ван Эйком и другими известными тогда мастерами. Маленькие картинки, украшающие рукописи, выросли в большие картины, украшающие створки алтарей. Появилось то, чего в миниатюре быть не могло: пристальный, сосредоточенный взгляд на человека, на его лицо, в глубину его глаз. Основателем нидерландской школы был Роберт Кампен (известен как "Мастер из Флемаля") Ян ван Эйк первый в Европе освоил живопись масляными красками; необычны были работы Рогир ван дер Вейдена, Босха, Мемлинга, Брейгеля.

Иероним Босх -- выдающийся нидерландский живописец, причудливо соединивший в своих картинах черты средневековой фантастики, фольклора, философской притчи и сатиры. Один из основоположников пейзажной и жанровой живописи в Европе. Творчество этого выдающегося нидерландского живописца остается волнующим, загадочным и удивительно современным. Спустя четыре столетия после его смерти сюрреалисты нарекли Босха «почетным профессором кошмаров», считая, что он «представил картину всех страхов своего времени... воплотил бредовое мировоззрение конца средневековья, исполненное волшебства и чертовщины».

В нем видели предшественника сюрреализма, этакого опередившего свое время Сальвадора Дали, черпавшего свои образы в сфере бессознательного; видели психопата, страдающего Эдиповым комплексом и одержимого сексом. Предполагали, что он был знаком с практикой алхимии, астрологии, магии, спиритизма, оккультных наук, владел искусством применения галлюциногенов, вызывающих адские видения...Некоторые из этих гипотез устарели, иные при всей их привлекательности не подтверждаются фактами; есть и такие, что дали ключи к пониманию картин, но часто противоречивые и во всяком случае не всеобъемлющие.

Удивителен подход художника к решению пространственных задач. В больших фантасмагориях он создает и неопределенное пространство, в котором множество движущихся фигур выстроено в горизонтальные или волнистые цепочки, образующие единый передний план. В некоторых босховских картинах отсутствует перспектива, но даже там, где она есть, художник смотрит на изображаемый мир сверху, как наблюдатель.

Мир Босха так и остаётся неразрешенной загадкой. Жизненный и творческий путь Иеронима (Иероена) ван Акена неразрывно связан с его родным Хертогенбосом небольшого ныне голландского городка близ бельгийской границы, а в те времена -- одного из четырех главных городов герцогства Брабант. Окончание его названия и послужило основой для псевдонима Босх. Иероним родился около 1460 г. в большой семье потомственных художников. Живописью занимались дед Босха Ян ван Акен и его брат, двое дядей, отец -- Антонис ван Акен и брат Гооссен, который в 1478 г. унаследовал отцовскую мастерскую. Mать происходила из семьи резчика по дереву. Иероним был с детства окружен художественной средой, приобщился к семейным художественно-ремесленным традициям. Затем последовало обучение в нидерландских городах Харлеме и Делфте, где молодой художник познакомился с искусством Рогира ван дер Вейдена, Дирка Боутса, Гертгена тот Синт Янса, влияние которых ощущалось потом в разные периоды его творчества. В 1480 г. Босх вернулся в Хертогенбос уже свободным мастером-живописцем. В следующем году он заключил брак с Алейд Гойартс ван дер Меервенне (Мервей). Эта девушка из богатой и знатной семьи принесла в приданое мужу солидное состояние, предоставив ему право распоряжаться им по своему усмотрению. Брак Иеронима не был особо счастливым (супруги не имели детей), но он дал художнику материальное благополучие, положение в обществе и независимость: даже выполняя заказы, он мог себе позволить писать так, как хотел. Ни одна из дошедших работ Босха не датирована им самим. Поэтому, предположительно, первые известные его картины, носившие сатирический характер, относятся к середине 1470-х гг. Созданные в 1475-1480гг. картины «Семь смертных грехов», «Брак в Кане», «Фокусник» и «Удаление камней глупости» («Операция глупости») носят ярко выраженный нравоучительный характер с элементами иронии и сатиры.

http://www.nearyou.ru/bosch/seven.htmlНе случайно испанский король Филипп II распорядился повесить «Семь смертных грехов» в спальне своей резиденции-монастыря в Эскориале, чтобы на досуге предаваться размышлениям о греховности человеческой натуры. Здесь еще чувствуется неуверенность штриха молодого художника, он использует лишь отдельные элементы символического языка, которые позже заполнят все его произведения.

Немногочисленны они и в картинах «Операция глупости» и «Фокусник», высмеивающих людскую наивность, которой пользуются шарлатаны, в том числе и в монашеском одеянии. Еще острее Босх. высмеял церковников в картине «Корабль дураков» (1490-1500гг.), где подвыпившие монашка и монах горланят песню в компании простолюдинов на утлом суденышке, управляемом шутом. Резко осуждавший развращенность духовенства, Босх все же вряд ли являлся еретиком, как утверждал современный немецкий искусствовед В. Френглер. Хотя свой путь к постижению Бога он искал вне официальной церкви.

В 1486-1487гг. художник вступил в Братство Богоматери в Хертогенбосе, основанное группой светских и духовных лиц. Это религиозное братство было создано в 1318 году, на основе культа Девы Марии; его члены много занимались благотворительной и просветительской деятельностью. Босх состоял почетным членом Братства и выполнил ряд работ по его заказу: цветной витраж для капеллы в церкви Святого Иоанна, роспись и позолоту алтаря, картину с сюжетом «Распятия» и др Как член Братства Богоматери Босх был, несомненно, знаком с богословской литературой, знал жития Святых, описания их видений. Кроме того, он был осведомлен о достижениях современных ему наук, интересовался алхимией, астрологией, народной медициной, имел понятия об инженерном и строительном деле. Но самое главное -- он был знатоком народной мудрости: пословиц, загадок, притч. Одним словом, Иероним Босх был образованным человеком своего времени. Для нас особенно важно, как он претворял свои познания в мир фантастических образов. Одним из примеров претворения этих знаний в художественные образы является трехстворчатый алтарь, названный Босхом «Воз сена». Сюжет его, видимо, основывался на старой нидерландской пословице: «Мир,-- стог сена, и каждый старается ухватить с него сколько может». Это было первое крупное произведение мастера зрелого периода, в котором он выступает великолепным рассказчиком, объединяющим основной темой множество занимательных эпизодов и символов.

Внешние створки алтаря(закрытого) изображали будничную, хорошо знакомую зрителю сцену: по дороге--символу земной жизни -- бредет усталый, оборванный путник. Вокруг он видит множество примет торжеств чующего зла: грабежи, насилие, казни, злобно рычащую на него собачонку, кружащееся над падалью воронье. Впоследствии этот образ найдет свое развитие в картине «Бродяга», или «Блудный сын», 1510 г. Особенно много загадок и по сей день таит в себе другой босховский триптих -- «Сад земных наслаждений» (Около 1510-1515гг.), в котором художник выступает во всеоружии своего мастерства.

Центральная часть триптиха представляет собой панораму фантастического «сада любви», населенного множеством обнаженных фигур мужчин и женщин, невиданными животными, птицами и растениями. Влюбленные беззастенчиво предаются любовным утехам в водоемах, в невероятных хрустальных сооружениях, скрываются под кожурой огромных плодов или в створках раковины. Великолепная по живописи картина напоминает яркий ковер, сотканный из сияющих и нежных красок. Но это прекрасное видение обманчиво, ибо за ним скрываются грехи и пороки, представленные художником в виде многочисленных символов, заимствованных из народных поверий, мистической литературы и алхимии. Первым расшифровать это произведение попытался испанский монахом Фреем Иосифом Сигуэнцей (Хосе де Сигуенса), в 1605 г. Он считал, что в нем дан собирательный образ земной жизни человека, погрязшего в греховных наслаждениях и забывшего о первозданной красоте утраченного рая и потому обреченного на гибель в аду.

Хосе де Сигуенса писал: «На мой взгляд, различие между картинами этого художника и картинами всех остальных заключается в том, что остальные стремятся изобразить человека таким, каким он выглядит снаружи, в то время как один лишь он имел достаточно мужества изобразить человека изнутри». Будучи человеком весьма образованным для своего времени, оригинально мыслящим, Босх умел проникать в самую суть вещей и явлений. Поэтому все его картины -- это причудливые гротески с глубоким философским подтекстом.

Особенно подходит это определение для произведений зрелого и позднего периодов творчества художника («Иоанн Креститель в размышлениях», «Молитва Св.Иеронима», «Святой Иоанн на Патмосе»,«Искушение Святого Антония», «Страшный суд») В них есть так много неоднозначного и таинственного, что о Босхе до сих пор порой говорят как о человеке, побывавшем на Страшном суде. Но «выступая в своем искусстве как мыслитель, он глядел на мир глазами художника».

Новаторство живописной техники Босха приводило современников в восхищение не меньше, чем изобретаемые им образы. На фоне суховатой живописи большинства фламандских и голландских художников того времени его картины выглядели живыми и динамичными, краски -- сочными, а мазок -- быстрым и выразительным.

Он умел писать нежными, прозрачными оттенками, создавая тончайшие колористические сочетания и блестяще используя удары ярких красок. Особенно хороши босховские фоны с изображением пейзажей и архитектурных сооружений. Чаще всего это реальные нидерландские ландшафты, которые художник писал в окрестностях своего земельного владения в Оиршоте, полученного им в 1484 г. в наследство от родственников жены. Созданные с большим мастерством и достоверностью, они являются такими же «действующими лицами» его композиций, как и персонажи. Мастерское изображение ландшафтов сделало Босха одним из основоположников европейской пейзажной живописи.

В последние годы жизни художник обращается исключительно к сюжетам о Христе («Поклонение волхвов», «Увенчание терновым венцом», «Несение креста»). В них он уходит от изображения фантастических чудовищ преисподней, но пришедшие им на смену реальные образы палачей и свидетелей трагедии -- злобных или равнодушных, жестоких или завистливых -- гораздо страшнее босховских фантазий. В картине «Христос, несущий крест» Христос как бы не в силах смотреть на эту беснующуюся вакханалию зла, он изображен с закрытыми глазами. Это было последнее произведение Босха. Он скончался в 1516 г. и был с почестями похоронен 9 августа в родном Хертогенбосе.